Per ricevere la newsletter Kritik, inviare una e-mail (senza testo)

---

Prima del nuovo numero di Kritik...

Home page |[]| Mostre |[]| Iniziative culturali |[]| Libri |[]| Locandine mostre e convegni |[]| Cataloghi da mostre |[]| E-mail

Grecia Moderna e Mondo Ellenico (Iniziative culturali) |[]| Mostre e iniziative a cura di Marianna Accerboni

---

Nosferatu: dal cinema al fumetto

Le Icone tra Sicilia e Grecia

Recensione "I Vicerè" | Review "The Viceroys"

Il cinema nella Repubblica di Weimar

Vivian Maier Mostre in Italia

«Pirandello» Poesia di Nidia Robba

1968-2018 Il Pianeta delle Scimmie Planet of the Apes - Review

Aroldo Tieri Un attore d'altri tempi An Actor from another Era

13 agosto 1978 Primo podio di Gilles Villeneuve First podium for G. Villeneuve

Mostre su Tazio Nuvolari

Maria Callas Articolo

---

---

Nel Peloponneso. Viaggiando tra storia e leggenda. Memorie di un Filelleno
di Rudy Caparrini, ed. Masso delle Fate, pagg. 117
Recensione di Ninni Radicini

Nel Peloponneso è un libro on the road, attraversando una regione storica, che, come scritto nella premessa, è l'Alfa e l'Omega della cultura occidentale, caratterizzandone in particolare la Grecia fino agli sviluppi più recenti. Luoghi, sensazioni, panorami, riferimenti storici, scorrono nel testo, evidenziando la rilevanza della Storia Ellenica nella formazione dell'Autore e il valore della Grecia e del popolo ellenico nella Storia dell'Europa che, almeno fino al XX secolo, è anche Storia Mondiale.

---

---

---

Forma e Colore
Arte e Sentimento in un sodalizio perenne

Fondazione Matalon - Milano
05 marzo (inaugurazione ore 17.30) - 28 marzo 2026
www.fondazionematalon.org

Per la prima volta in una dimensione olistica l'opera e la vicenda artistica di Giuseppe Sardisco e Maria Pia Badalucco, protagonisti distaccati e allo stesso tempo intensi della scena siciliana del secondo Novecento. La mostra riporta alla luce un patrimonio prezioso, in gran parte inedito, di arte contemporanea, restituendo la complessità di due percorsi paralleli e complementari.

Nelle sale si incontrano le sculture di Giuseppe Sardisco, nutrite da un rapporto profondo fra il paesaggio e la materia che ne custodisce l'impronta, e la pittura lirica e intimista di Maria Pia Badalucco, dove il quotidiano si liquida in visione poetica. Il dialogo silenzioso e fertile di due sensibilità differenti, fluito secondo un intreccio di forme, colori e espressioni per oltre sessant'anni di produzione artistica, tra atelier e vita domestica, tra quotidiano e apertura a una dimensione universale.

Giuseppe Sardisco nasce nel 1936 a Monreale. Animato da un precoce talento per la scultura, si diploma all'Istituto Statale d'Arte di Palermo, con il riferimento di Alessandro Manzo e Aldo Pecoraino. E' qui che conosce Maria Pia Badalucco, l'artista sua compagna di vita. Sardisco cresce in un ambiente profondamente legato alla natura. Un contatto quotidiano che segnerà in modo duraturo la sua sensibilità. Emerge alla fine degli anni Cinquanta come una figura sensibile e riflessiva della giovane scultura isolana e si distingue sin dagli inizi per un linguaggio plastico sobrio e allo stesso tempo carico di tensione emotiva.

I suoi esordi pubblici coincidono con quelli della compagna d'arte: sin dal 1958 è attivo in ambito palermitano, partecipando a mostre collettive e regionali. Le sue opere - spesso piccoli bronzi o modellati in materiali duttili - si impongono per l'essenzialità formale e la densità simbolica. La critica ne coglie presto la maturità espressiva e la coerenza stilistica. Il punto di svolta arriva nel 1961, quando espone per la prima volta a Palermo in una mostra personale congiunta con Maria Pia Badalucco presso la Galleria del Banco di Sicilia.

La rassegna riscuote un notevole successo di pubblico e critica. Seguono importanti esposizioni anche a Milano. Artista appartato e coerente, Sardisco ha saputo unire il rigore della formazione accademica all'intensità della sua ricerca personale, sviluppando un linguaggio plastico originale, fatto di equilibri tra forma e spiritualità, tra memoria e visione. L'attività di Sardisco si inserisce in una lunga tradizione artistica monrealese che attraverso i fermenti ottocenteschi e novecenteschi di artisti come Pietro Novelli, Antonino Leto e Salvatore Giaconia, ha saputo rinnovarsi nel tempo senza mai smarrire il legame con il territorio. In questo quadro, Giuseppe Sardisco emerge come figura centrale della generazione artistica nata a ridosso della Seconda guerra mondiale.

A partire dagli anni Cinquanta, anche in Sicilia si avverte l'urgenza di uscire dalle contrapposizioni tra realismo e astrazione, per abbracciare linguaggi liberi e non contaminati. Sardisco, nella sua cifra personale, si fa interprete di questa tensione, con opere che si alimentano di interiorità e memoria collettiva. Nel 1982 collabora con la casa editrice Il Vertice / Libri illustrando un volume di poesie del poeta Ignazio Di Dio. Le tavole si distinguono per il tratto incisivo e per un grafismo raffinato, che evidenzia la sua straordinaria capacità di modellare la forma con la sola forza del segno: Sardisco scolpisce senza scalpello, affidando alla linea e alla luce la costruzione plastica delle immagini.

Negli anni Ottanta, è protagonista anche di un intervento civile e culturale con la realizzazione di un monumento alla Resistenza a Monreale, accompagnato da una mostra personale che mette in evidenza la sua capacità di affrontare temi etici senza scadere nell'iperbole. La sua opera, come scrisse Francesco Carbone, non indulge alla retorica monumentale, ma traduce la tensione storica in forme verticali e ascendenti, capaci di evocare un'idea alta di umanità. Nel 2002, è tra i cinque scultori selezionati per partecipare all'Esposizione Nazionale d'Arte Contemporanea "Il Mito e l'Ulivo", promossa dalla Provincia di Trapani. La mostra si sviluppa attorno ai temi universali del mito e dell'ulivo, espressioni di un'arte capace di attraversare il tempo e superare le contraddizioni della quotidianità.

In questo contesto, la presenza di Sardisco conferma la coerenza della sua ricerca scultorea, saldamente ancorata a un linguaggio profondamente simbolico. La natura nella sua sacralità e l'incarnazione visiva del senso del sacro sono i temi che caratterizzano anche gli ultimi anni della produzione artistica dello scultore che si traduce fra l'altro nella statua bronzea di San Francesco d'Assisi al convento di Poggio San Francesco e la via crucis dello stesso complesso come, ad esempio, le produzioni per l'Istituto Villa Nave di Palermo, la Chiesa di San Filippo Neri allo Zen e l'Istituto Oasi di Palermo.

Maria Pia Badalucco nasce a Trapani nel 1939. In un contesto familiare segnato dalla precarietà del tempo bellico, emerge fin da subito una naturale inclinazione per il disegno e per la pittura, che la conduce a iscriversi all'Istituto Statale d'Arte di Palermo, dove ha inizio la sua formazione artistica strutturata. È qui che conosce lo scultore Giuseppe Sardisco, compagno di studi e futuro marito, con il quale intraprende un percorso umano e creativo che solo il ciclo naturale della vita ha potuto interrompere. Una sua precoce apparizione pubblica risale al 1958.

In un articolo pubblicato su Panorama il 16 novembre 1958 Maria Pia Badalucco è presentata come interprete di una pittura intimamente legata alla sfera dell'anima, capace di trasmettere una forte carica emotiva. L'autore sottolinea come la sua ricerca, pur collocandosi al di fuori dei linguaggi accademici e tradizionali, non risulti mai elitaria o autoreferenziale, ma aperta al dialogo con il pubblico, in virtù di una sensibilità autentica. In particolare, viene elogiata l'opera Presagio di pioggia, in cui "gli alberi acquattati sembrano sognare sotto una tenue luce". La critica riconosce a Badalucco la capacità di evocare un "mondo favoloso", una realtà trasfigurata, ottenuta grazie a un uso controllato e davvero poetico del colore. La recensione coglie in pieno l'essenza della sua poetica: un'arte che nasce da un impulso profondo e spirituale che sa tradursi in forme accessibili.

Ne seguono anni di conferme e riconoscimenti. Nel 1960, fra l'altro, partecipa alla III Mostra Regionale di Arti Figurative a Villa Whitaker con l'opera "Incendio" e vince il concorso per il manifesto della mostra di Assisi. Si distingue inoltre per le numerose partecipazioni a rassegne e premi nazionali tra cui il Premio Noor (Roma), il Premio Suzzara, il Premio Forlì, e diverse mostre d'arte sacra a Monreale, dove viene più volte segnalata. Il gennaio 1961 segna un momento di svolta: tiene la sua prima mostra personale a Milano, presso la Galleria d'Arte Cairoli. La stampa milanese accoglie l'evento con entusiasmo, descrivendo Badalucco come una "promessa divenuta realtà". La sua capacità di fondere osservazione, sentimento e fantasia, secondo un approccio diretto e lirico, viene coralmente apprezzata. Ne riconosce il talento anche il Maestro Carlo Carrà che le dedica un simpatico omaggio presente in mostra.

Nella sua poliedricità l'artista ha portato avanti anche importanti collaborazioni in ambito editoriale e istituzionale. Già nel 1959 prende parte a un progetto culturale promosso dall'I.R.E.S. di Palermo, illustrando il primo volume della collana Storia e Arte di Sicilia, intitolato Il palazzo che fu dei Re. L'anno successivo, nel 1960, collabora con il Parlamento di Sicilia per la realizzazione del volume Il Parlamento di Sicilia, in occasione della mostra storica sul Parlamento siciliano, a cui partecipa anche come artista.

Seguono altre mostre, come la personale alla Galleria Anthea nel marzo 1963 che riscuote notevole successo, cui seguono anni fecondi che si intrecciano con l'insegnamento. Nel 1964 contribuisce al volume Capolavori letterari di Giuseppe Cocchiara e Giovanni Randone e in quegli anni si situa anche la collaborazione con l'Istituto Regionale della Vite e del Vino, ove la dimensione pittorica diventa funzionale alla valorizzazione del patrimonio agricolo e vitivinicolo siciliano. Collabora anche alla rivista mensile Sicilia Oggi, per la quale cura diverse illustrazioni, interpretando temi legati alla cultura, alla società e al paesaggio dell'isola.

Nel 1967 l'artista è ufficialmente selezionata per essere inserita nel volume "Catalogo dell'arte siciliana contemporanea - 1968". Via via, peraltro,. dedicatasi alla pittura sin da giovanissima, per una passione autentica e spontanea, sente sempre più straniante l'impegno richiesto dall'attività espositiva e l'urgenza delle relative esigenze commerciali. Una consapevolezza sempre più marcata che la conduce a una svolta inusuale e coraggiosa. Continua a produrre opere ma seguendo soltanto più il proprio ritmo e la propria sensibilità, trovando nella progettazione d'interni e nella scrittura un diverso spazio espressivo, intimo e libero, dove far convergere il proprio immaginario. Una produzione artistica più intima e riservata, che si coglie soprattutto nelle poesie. Un caso isolato rimane la mostra "Segmenti", svoltasi a Monreale nel 1999, da intendersi come un omaggio all'artista e non certo come ripensamento rispetto ad una sentita scelta esistenziale.

Due percorsi differenti, dunque, eppure capaci di affiancarsi senza mai sovrapporsi: quello di Giuseppe Sardisco, scultore dalla tensione plastica intensa e meditativa e quello di Maria Pia Badalucco, pittrice e poetessa dalla sensibilità lirica e sperimentale. Non una collezione nata da un progetto preordinato, dunque, ma il risultato naturale e necessario di un'esistenza interamente dedicata alla genuina ricerca.

La retrospettiva alla Fondazione Matalon restituisce dunque una parabola artistica allo stesso tempo di condivisione e di autonomia, portato di un irrinunciabile rispetto dell'altro. Perché quel che colpisce del sodalizio fra due personalità tanto nette quanto distanti è l'assenza di dinamiche distruttive, spesso ricorrenti. Al contrario la produzione artistica di Sardisco e Badalucco, il lascito del loro meraviglioso atelier conferma la confidenza e il mutuo granitico appoggio di due compagni di un viaggio lungo oltre mezzo secolo.

Due guerrieri che lottano ogni giorno spalla a spalla, moderni anche nel garbo e nel rispetto con cui hanno saputo condurre il vissuto quotidiano. L'esposizione vuole allora essere un atto di riconoscimento: alla coerenza di due artisti che hanno scelto la via della ricerca lontano dalle mode, al loro modo di intendere l'arte come gesto necessario, un mondo dove la realizzazione di sé è dono e mai sopraffazione. Un lascito per gli appassionati dell'arte contemporanea e anche un insegnamento per le giovani generazioni. (Comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Giuseppe Sardisco, laboratorio dell'artista con l'opera Gesso
2. Maria Pia Badalucco, Eclisse

---

Mostre e Iniziative culturali sulla Sicilia, in Sicilia e di Artisti Siciliani

---

---

Little Italy
Los Angeles, 26 febbraio - 01 marzo 2026
www.micamera.com

Micamera sarà a "Show LA" con una selezione tutta italiana di stampe e libri. Nel 1984, quando Luigi Ghirri realizzò 'Viaggio in Italia', invitò una serie di autori e autrici a re-immaginare collettivamente il paesaggio italiano, andando oltre i cliché da cartolina. Proprio come aveva fatto prima di lui William Jenkins con la mostra 'New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape' nel 1975, nessuna delle opere era stata commissionata; l'intento era quello di riconoscere una nuova sensibilità che stava emergendo in modo autonomo.

A distanza di oltre quarant'anni, tutto è cambiato: la fotografia, la società e persino il paesaggio. Eppure, i cliché sopravvivono nella fotografia, nelle convenzioni, nel processo, nelle aspettative e nelle immagini che consumiamo con troppa facilità. Le autrici e gli autori che esponiamo a Los Angeles formano una voce collettiva. Hanno una spiccata italianità, ma non sono definite/i dalla geografia. I loro approcci spaziano da pratiche politicamente e socialmente impegnate (Ilaria Turba e Giulia Iacolutti), al lavoro documentaristico (Camilla de Maffei), alle esplorazioni letterarie, sociali e paesaggistiche (Francesca Todde, Matteo Di Giovanni e Vittore Fossati), fino a opere più concettuali (Fulvio Ventura e Jason Fulford).

A partire dagli anni Ottanta, la fotografia italiana è stata profondamente influenzata dalla fotografia americana e Ghirri ha incluso due artiste statunitensi in Viaggio in Italia. La nostra selezione riflette le sue scelte e mira a portare le autrici e gli autori italiane/i negli Stati Uniti. Per la maggior parte di loro, è la prima volta che vengono esposte/i in questo paese. La mostra di stampe è completata da una selezione di libri. (Comunicato stampa)

___ Presentazione di altre mostre di fotografia nella newsletter Kritik

The New American West | Photography in Conversation
11 marzo - 07 aprile 2026
Galleria 10 Corso Como - Milano
Presentazione

Stefanie Moshammer | "Grandmother said it's okay"
14 febbraio - 06 aprile 2026
Museo Civico d'Arte Ricchieri e Mercati Culturali - Pordenone
Presentazione

Bruno Cattani | "Light"
12 febbraio (inaugurazione) - 02 maggio 2026
VisionQuesT 4rosso - Genova
Presentazione

Saul Leiter | "Una finestra punteggiata di gocce di pioggia"
05 marzo 2026 - 19 luglio 2026
Palazzo Pallavicini - Bologna
Presentazione

The New American West: Photography in Conversation
11 marzo - 07 aprile 2026
Galleria 10 Corso Como - Milano
Presentazione

Edward Weston | "La materia delle forme"
12 febbraio - 02 giugno 2026
CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia - Torino
Presentazione

Philippe Halsman | "Lampo di genio"
06 dicembre 2025 - 19 aprile 2026
Palazzo Pinato Valeri - Piove di Sacco (Padova)
Presentazione

Bert Stern | "Original Mad Man"
25 ottobre (inaugurazione) - 27 febbraio 2026 (prorogata fino al 13 marzo 2026)
Galleria Paci contemporary - Brescia
Presentazione

---

The New American West
Photography in Conversation

11 marzo - 07 aprile 2026
Galleria 10 Corso Como - Milano
www.10corsocomo.com

Una riflessione su come l'idea dell' "American West" sia stata costruita, mitizzata e reinventata attraverso la fotografia nell'arco di quasi un secolo. Co-curata da Alessio de' Navasques, Howard Greenberg e Carrie Scott, la mostra esalta la fotografia come strumento sia di documentazione sia di proiezione. Le opere contemporanee di Maryam Eisler e Alexei Riboud sono messe in dialogo diretto con fotografie di Edward Weston, Paul Strand, Diane Arbus, Esther Bubley, Mary Ellen Mark, Robert Adams, Joel Meyerowitz, Lee Friedlander, Wright Morris, Minor White, Allen Ginsberg, Wim Wenders e molti altri. Nel loro insieme, tracciano l'evoluzione del West dall'inizio del XX secolo a oggi, rivelando non un'unica narrazione, ma un'idea stratificata e in continua evoluzione, plasmata da ambizione, spaesamento, bellezza e contraddizione.

Lo sguardo contemporaneo di Eisler e Riboud riattiva le opere storiche provenienti dall'archivio Greenberg, dimostrando come ancora oggi la dimensione del West non sia soltanto un luogo fisico, ma anche uno spazio di pensiero, riflessione e confine. Le opere storiche - che spaziano dal modernismo essenziale di Strand e dai paesaggi scultorei di Weston alle osservazioni sociali di Bubley e ai ritratti implacabili di Arbus - non sono trattate come reperti nostalgici, ma come immagini vive che continuano a influenzare l'immaginario occidentale odierno. Il cuore del progetto rimane il viaggio intrapreso nel 2024 da Eisler e Riboud attraverso Texas, New Mexico, Arizona e Utah.

La mostra suggerisce che la nostra comprensione dell'America - e degli ideali un tempo proiettati sul West - è in continua evoluzione. Senza ricorrere a dichiarazioni politiche, The New American West riflette su ciò che il West ha promesso in passato: libertà, opportunità, reinvenzione - ideali spesso costruiti su esclusione e difficoltà. La fotografia diventa il mezzo attraverso cui queste tensioni vengono preservate, analizzate e riviste. (Estratto da comunicato stampa)

---

Omaggio a Cesare Paolantonio
28 febbraio (inaugurazione ore 16.30) - 12 marzo 2026
Galleria "Arianna Sartori. Arte & Object Design" - Mantova
info@ariannasartori.eu

Una nuova interessante retrospettiva del Maestro Cesare Paolantonio, sono esposte alle pareti oltre 20 opere tra oli e tecniche miste. Mostra organizzata dalla Signora Maria Teresa moglie dell'artista e curata da Arianna Sartori. Cesare Paolantonio (Monza, 1937 - Piario (Bergamo), 2015), dopo aver conseguito il diploma al Liceo Artistico di Milano, frequenta l'Accademia delle Belle Arti di Brera sotto la guida del Prof. Aldo Carpi. A Venezia un corso di specializzazione di incisione all'acquaforte "Tono Zancanaro". Ha per qualche tempo frequentato lo studio di Bruno Mantovani e quello del pittore d'arte sacra Luigi Filocamo. Dal 1955 ha iniziato a dipingere per conto proprio, prima nello studio di Sesto San Giovanni e poi a Milano dove prosegue la sua intensa attività di artista. Dal 1981 al 1999 è collaboratore artistico al quotidiano "Il Sole 24 Ore" - inserto domenicale. Negli ultimi anni si trasferisce a Gromo (Bergamo) in alta Val Seriana dove continua la sua attività. Quest'anno il Comune di Gromo inaugurerà una sala permanente dedicata a Cesare Paolantonio nel Palazzo della Cultura.

___ Presentazione di Maria Gabriella Savoia, 2021

"La vena artistica di raffinatissima qualità di Paolantonio si evidenzia insieme alla perfezione di esecuzione; ma tutto il suo lavoro è rivolto ad un pubblico selezionato, abituato ad un linguaggio di per sé ermetico. La sua ricerca fatta di riflessioni costanti e di tanta solitudine, ha prodotto con un ritmo incalzante opere che nella riflessione sulla vita dell'uomo e sui fatti della quotidianità trova tutta la sua motivazione d'esistere. Nella scelta di una figurazione surreale dove il tempo non è né presente, né passato, né futuro, il concetto del tempo è sublimato nell'indefinito.

Paolantonio gioca con le parole, dicevamo di una pittura colta... profili umani definiti da fili, indecifrabili, curiose silhouette, uomo o donna non conta, gli occhi e la bocca sono gli aspetti più vicini ad una aspetto veritiero, particolari inquietanti di un contesto vacuo, parlare per dire cosa, se poi il parlare non è ascoltato o peggio nemmeno tenuto in considerazione. Allora l'uomo è perduto? Paolantonio non si erge a giudice, piuttosto cerca di scuotere e denunciare quel malessere sociale che ormai ci coinvolge tutti e dal quale pare non ci sia via di uscita.

L'artista produce per cicli, e così gli ambiti si allargano e i limiti si allontanano, il paesaggio scompare, si può vivere in una sovrarealtà dove glaciali rappresentazioni siderali di racconti senza storia portano a riflessioni sulla provvisorietà della vita. Allora mi domando se il non-segno, oppure la progettualità di un segno così rarefatto sia indice di mancanza di emozione e di sentimento, o non piuttosto, una lunga dilatazione nel tempo del pensiero?".

Tra le mostre personali di Cesare Paolantonio:
- 1962, Associazione Nazionale Rinascita, Sesto San Giovanni (MI). Galleria Il Giorno, Sesto San Giovanni (MI)
- 1986, "Interesse di Goethe per Manzoni", Mostra itinerante. Istituto Italiano di Cultura, Monaco di Baviera. Heidelberg
- 2004, Palazzo Bonoris, Banca Fideuram, Mantova, a cura di Arianna Sartori
- 2007, Museo Diocesano Francesco Gonzaga, Mantova, a cura di Arianna Sartori
- 1998, 2021, 2023, Galleria Arianna Sartori, Mantova

---

Italy-Japan
Artisti giapponesi a Milano dal 1960s

10 febbraio - 02 aprile 2026
Studio Gariboldi - Milano
www.studiogariboldi.com

Progetto con focus sugli artisti giapponesi che hanno lavorato in Italia negli anni '60 e '70 e sulle relazioni con i maestri italiani di quegli anni (Fontana, Castellani, Bonalumi e Baj). Nel cuore del dopoguerra, mentre l'Europa cercava nuove forme di espressione attraverso l'astrazione, un piccolo ma rivoluzionario ponte culturale collegava Milano, Parigi e Tokyo. Oggi, Studio Gariboldi riapre quell'arco temporale dimenticato, portando alla luce gli artisti giapponesi che operarono in Italia negli anni '60 e dialogarono con le avanguardie europee. Questa discovery globale non è solo una riscoperta di opere rare e importanti: è un punto di vista originale sulla storia dell'arte moderna. Svela come la contaminazione culturale fosse già allora un motore creativo potente.

Artisti come Katsumi Nakai, Tomonori Toyofuku, Nobuya Abe, Key Hiraga e Aiko Miyawaki, solo per citarne alcuni tra quelli proposti dalla galleria, reinventavano la pittura e la scultura astratta, fondendo sensibilità orientali con il linguaggio europeo, anticipando di decenni il concetto di global art. Il dialogo tra le due sponde del mondo non è mai stato così evidente: le geometrie zen incontrano le linee rigorose della scuola di Milano; i gesti materici dei giapponesi risuonano con le tele degli astrattisti italiani. In mostra opere da collezione che la galleria colloca in un contesto in grado di raccontare la storia dimenticata di un ponte culturale unico, fino ad oggi invisibile ai grandi media internazionali.

Questa narrazione offre ai collezionisti, ai musei e ai giornalisti una chiave di lettura fresca e globale: l'astrazione non è solo europea, non è solo giapponese, ma è un terreno condiviso di sperimentazione e dialogo, capace di riscrivere la storia dell'arte contemporanea. L'intuizione non è solo artistica, è intellettuale: mostra che la creatività globale è sempre esistita, anche quando i confini culturali sembravano non permeabili.

Aiko Miyawaki (Tokyo, 1929 - 2014), scultrice e pittrice giapponese, Aiko Miyawaki si trasferisce a Milano alla fine degli anni Cinquanta. Il lavoro di Miyawaki unisce due tradizioni: la cultura visiva giapponese, con il suo uso essenziale dello spazio, e l'astrazione europea, concentrata su costruzione, linea e materia come elementi indipendenti dalla rappresentazione. Le sue strutture in ottone, composte da sottili elementi tubolari, si configurano come disegni tridimensionali capaci di catturare e rifrangere la luce, trasformando lo spazio in un campo dinamico e vibrante.

Tomonori Toyofuku (Kurume, 1925 - Fukuoka, 2019), scultore giapponese, Tomonori Toyofuku giunge in Italia nei primi anni Sessanta stabilendo un legame profondo con Milano. La sua scultura in legno si fonda su un processo di scavo e sintesi che costruisce un equilibrio tra pieni e vuoti, materia e silenzio. Le forme organiche e compatte riflettono una tensione meditativa che unisce tradizione giapponese e rigore dell'astrazione europea. La più importante collezione pubblica si trova presso il Fukuoka Prefectural Museum of Art, che nel 2022 gli ha dedicato una grande mostra monografica. Studio Gariboldi ha esposto le sue opere all'interno della mostra collettiva Japan nel 2016.

Katsumi Nakai (Hirakata, 1927 - Hirakata, 2013), pittore e scultore giapponese, Katsumi Nakai si stabilisce a Milano negli anni Sessanta, inserendosi pienamente nel clima sperimentale che caratterizza la città in quel periodo. Nel 1964 intraprende un viaggio in Europa con l'intento di entrare in contatto diretto con l'arte occidentale. Una tappa fondamentale è proprio Milano, dove decide di trasferirsi e dove rimarrà per oltre trent'anni. Qui entra in relazione con il vivace ambiente artistico milanese e con figure di primo piano come Lucio Fontana, Enrico Castellani, Agostino Bonalumi, Paolo Scheggi, Enrico Baj e Nanda Vigo.

Il critico Guido Ballo lo include nella cosiddetta "Nuova Scuola di Milano", riconoscendo l'originalità e la forza innovativa della sua ricerca. La sua pratica si colloca al confine tra pittura e scultura, attraverso strutture tridimensionali, spesso apribili, che attivano una relazione dinamica tra colore, luce e movimento. Studio Gariboldi ha riproposto il lavoro di Katsumi Nakai per la prima volta dopo la storica esperienza alla Galleria del Naviglio di Milano, nella collettiva Japan (2016). Nel 2019 inaugura la personale Katsumi Nakai, seguita da Unpacking (2020) e dalla seconda mostra personale Katsumi Nakai. Flying High (2025).

Nobuya Abe (Niigata, 1913 - Roma, 1971), pittore giapponese, Nobuya Abe si stabilisce in Italia negli anni Sessanta, dove approfondisce un linguaggio astratto fondato sulla stratificazione materica e su una precisa scelta cromatica. In continuo contatto con la scena artistica europea e milanese - segnata dalla presenza di artisti come Manzoni e Fontana - la sua attività diventa un punto di confronto tra le diverse avanguardie del momento, dallo Spazialismo al Gruppo Zero, in dialogo con le ricerche provenienti dal Giappone. La sua indagine evolve progressivamente verso una pittura in cui la superficie si configura come campo di forze, attraversato da vibrazioni controllate e da un equilibrio calibrato tra gesto e struttura.

La poetica di Abe si concentra sempre più su tre elementi fondamentali - materia, struttura e luce - un percorso che lo conduce ad avvicinarsi all'astrattismo geometrico, mantenendo tuttavia una tensione lirica radicata nella sensibilità giapponese. Opere come Hand (c. 1947) e R3 (Study) (1971), oggi nella collezione del National Museum of Modern Art, Tokyo, testimoniano questo passaggio verso una sintesi formale capace di fondere cultura visiva giapponese e informale europeo. In tale dialogo tra culture si inscrive pienamente il suo ruolo nel progetto Italy-Japan. Studio Gariboldi gli ha dedicato la mostra personale Nobuya Abe nell'ottobre 2020, oltre alle collettive Japan (2016) e I feel good (2024).

Key Hiraga (Tokyo, 1936 - Hakone-Yumoto, 2000), pittore giapponese, Key Hiraga rappresenta la voce più visionaria e psichedelica della generazione attiva tra Giappone e Italia negli anni Sessanta. Dopo gli studi a Tokyo e il periodo parigino, sviluppa un linguaggio che intreccia astrazione, figurazione narrativa e cromie intense, con composizioni dense di simboli, ironia e tensione immaginativa. Hiraga introduce un universo vibrante e contaminato, in cui elementi figurativi, simbolici e astratti convivono in una narrazione sospesa tra ironia e tensione psicologica. Studio Gariboldi ha dedicato all'artista una mostra personale nel 2015 e ha successivamente presentato una sua opera nella mostra collettiva Japan del 2016. (Estratto da comunicato stampa)

___ Presentazione di mostre di artisti giapponesi nella newsletter Kritik

Anzai Tsuyoshi | "Anima"
26 febbraio (inaugurazione) - 27 marzo 2026
Fondazione Mudima - Milano
Presentazione mostra

Yoko Ono
"Wish Tree for Sicily" ("L'albero dei desideri per la Sicilia")
Taormina, 27 luglio - 30 settembre 2024
Presentazione mostra

---

Fragilità. Visioni di una forza formativa
Dadamaino, François Morellet, Arcangelo Sassolino, Günter Umberg e Grazia Varisco

12 marzo (inaugurazione ore 18) - 06 maggio 2026
Galleria A arte Invernizzi - Milano
www.aarteinvernizzi.it

L'esposizione - a cura di Davide Mogetta - intende indagare la tensione formativa della fragilità in alcune opere di Dadamaino, François Morellet, Arcangelo Sassolino, Günter Umberg e Grazia Varisco. Il progetto nasce da un dialogo fra Günter Umberg e Davide Mogetta a proposito della persistenza nella sua arte, a partire dagli anni Settanta, di un motivo insieme strettamente individuale e universale: l'incontro con la vulnerabilità.

Negli ultimi anni il tema della fragilità ha attraversato in vari modi le riflessioni sull'arte ed è soprattutto tornata in primo piano l'esperienza della fragilità del vivente, e più in particolare dell'umano: non solo come conseguenza di grandi crisi naturali, ma anche a seguito degli sconvolgimenti politici e sociali che ci circondano. Della fragilità ci si vuole certo prendere cura per salvaguardare ciò che è fragile; ma si vuole anche, talvolta, cambiarla di segno per trarne nuove energie. In un caso come nell'altro, sembra però che fragilità e resistenza debbano in fondo restare separate.

Salvaguardare il fragile, insomma, o trasformarlo in forte. Eppure almeno in alcune ricerche artistiche sembra possibile riconoscere un altro percorso. È il tentativo di cogliere la fragilità all'interno della stessa tensione formativa. Non affinché quella forza la salvi, o la faccia reagire e la trasformi, ma perché la fragilità possa farsi forma di opere in sé potenti: tanto più potenti quanto più manifesta è la loro fragilità. Questa non diventa allora una forza formativa, lo è; e intesse concretamente le opere formandole. Lo fa a partire dal loro materiale, attraverso il modo in cui esso viene manipolato, e fino al modo in cui esse possono essere esposte e osservate.

Questa ipotesi è esplorata attraverso i lavori di cinque protagonisti appartenenti a diverse generazioni dell'arte internazionale. Le loro opere sono state presentate insieme in alcune occasioni, ma gli accostamenti proposti in questo progetto sono inediti. Essi invitano a interrogare il senso assunto dalla fragilità nei loro percorsi creativi, per affinità o contrasto. Può essere un tratto dell'esperienza interiore, che possiamo cogliere; può essere l'esito di una riflessione, ora sulla condizione umana, ora sui limiti della ragione, che sempre deborda nel sentire e nel fare artistico. In tutti i casi la fragilità caratterizza, in modi singolari, la fattura stessa delle loro opere.

Ma questo non coincide in nessuna delle loro ricerche con una presa di posizione debole o rinunciataria, né con il lasciarsi indietro la fragilità da cui muovono. Essa, piuttosto, fa corpo unico con la tensione immaginativa, generatrice di forme allo stesso tempo precarie e solide, stabili e inquiete. Ecco allora che l'esposizione propone cinque visioni di una forza formativa che non è altro che fragilità. Invita a osservarla nelle opere medesime, nella misura in cui il loro farsi forma rende possibile cogliere dei rimandi a dimensioni ulteriori dell'esperienza.

Apre la mostra l'opera di François Morellet π piquant neonly n°10, 1=10° (2008) in dialogo con π piquant neonly n°9, 1=6° (2007) presentata nella sala al piano superiore. Le due opere declinano il rapporto fra rigore geometrico-sistematico e sorpresa del caso, attraverso l'utilizzo di un materiale fragile e di accesa luminosità quale i tubi al neon. Nello stesso spazio sono esposte opere recenti di Arcangelo Sassolino: due in cemento e acciaio e due in vetro, acciaio e poliestere, le quali tradiscono l'attesa solidità del materiale che le costituisce con il loro aspetto vulnerabile. Nella sala attigua Günter Umberg presenta opere in cera e pigmento su carta, risalenti ai primi anni Settanta, momento germinale del suo fare. In questi lavori egli trasforma la propria esperienza personale, irripetibile, imprimendo una forma artistica che apre a nuove immagini inattese.

Al piano inferiore della galleria vi è l'installazione Reticenze di Grazia Varisco realizzata per l'occasione, in cui l'artista deforma e riforma delle strutture reticolari in metallo, sospendendo l'istante di un movimento, che dialoga con quattro opere di Dadamaino, dai cicli "Il movimento delle cose" e "Sein und Zeit", realizzati negli anni Novanta, i cui tratti che s'inseguono su fogli di poliestere, sembrano rendere visibile il paradosso di un gesto che è tanto più compiuto quanto più accetta di non potersi compiere una volta per tutte.

Il percorso espositivo si conclude con la recente installazione di Günter Umberg, in cui la relazione ritmica tra i sei lavori singoli che la compongono genera una forza attrattiva, il desiderio di avvicinarsi quanto più possibile all'opera, persino di toccarla, e che deve però rimanere interdetto per non distruggerla. Forza di attrazione e distanza si trovano in un conflitto costruttivo. In occasione della mostra verrà pubblicato un catalogo bilingue contenente un saggio di Davide Mogetta, la riproduzione delle opere in mostra e un aggiornato apparato biografico degli artisti esposti. (Comunicato stampa)

---

Dadamaino | Gli anni '80 e '90, l'infinito silenzio del segno
Catalogo a cura di Stefano Cortina con Susanne Capolongo, testo critico di Elena Pontiggia, pag. 247, ed. Cortina Arte Edizioni, 2014
Presentazione

---

Anzai Tsuyoshi
"Anima"

26 febbraio (inaugurazione ore 18.00) - 27 marzo 2026
Fondazione Mudima - Milano
www.mudima.net | Locandina della mostra

Mostra personale di Anzai Tsuyoshi (1948, Fukuoka, Giappone), a cura di Gianluca Ranzi, composta da una trentina di opere ad acrilico su tela e alcune sculture in terracotta dipinta, tutte realizzate nell'ultimo anno a Tokyo, dove l'artista vive e lavora. Anima riflette un'intera vita di esperienze vissute, tradotte direttamente sulla tela senza intenzioni né spiegazioni. Le sue origini risalgono all'infanzia, quando disegnare insieme al padre durante i viaggi di famiglia era diventato un rituale silenzioso. Questi momenti acquisirono poi un significato più profondo quando suo padre rivelò il suo sogno di diventare un artista, lasciando un'impronta indelebile sul rapporto di Anzai con l'arte.

Durante l'adolescenza, Anzai Tsuyoshi si dedicò alla pittura a olio prima di intraprendere una carriera aziendale finché, all'età di 40 anni, compì una svolta decisiva nel mondo dell'arte come mercante d'arte e mecenate, rimanendo attivo per oltre 37 anni. Dopo quasi sessant'anni lontano dalla pittura, è tornato alla tela attraverso Anima come una sfida profondamente personale. Questa mostra alla Fondazione Mudima segna la sua prima presentazione all'estero. Il titolo Anima è stato scelto intuitivamente, ispirato dalla forza vitale che ha percepito nelle grandi opere d'arte e dal desiderio di incorporare la propria esperienza di vita nella pittura stessa.

Le grandi tele in mostra mettono in scena un mondo fantasmagorico e organico, giocato su una astrazione animata da segni e ibridi biomorfici, popolate da onde e correnti sottomarine che rendono le opere animate e pulsanti. Le gamme cromatiche insistono su accordi tonali che spesso tendono alla monocromia, mentre in altri casi si arricchiscono di contrasti primari e di sottilissime velature che sprofondano lo spazio in un altrove galattico che pare non avere limite.

Diramate, aperte e dinamiche, le opere di Anzai Tsuyoshi mettono così in dialogo il linguaggio astratto con la natura, rappresentando i suoi ritmi, le sue dissonanze e il suo respiro panico. La soggettività dell'artista aiuta così a far emergere forme, colori e luci che vibrano intorno ad aggregazioni-disgregazioni di originali segni in forma di graffe, che come maree o vie lattee sono energia fluida e perpetuo nomadismo. (Comunicato stampa)

---

Francesca Pozzobon
"Un infinito intrattenimento"

21 febbraio (inaugurazione) - 08 marzo 2026
Sala Veruda di Palazzo Costanzi - Trieste

Mostra organizzata dall'Associazione Pic Nick Art Cafè APS e curata dall'architetto Marianna Accerboni. Attraverso una quarantina di opere - tra dipinti, sculture e oggetti realizzati fra il 1967 e gli anni Duemila -, la rassegna, concepita con un taglio antologico, propone per la prima volta a Trieste la creatività della pittrice e restauratrice veneta Francesca Pozzobon. Formatasi all'Istituto d'arte di Venezia, ha vissuto a Losanna e ad Asolo, dove ha svolto per molti la professione di artista, restauratrice e antiquaria. (...) Dalla sua brillante e morbida capacità di fantasticare nasce Taormino (...).

Presentazione mostra

---

Filippo de Pisis e les Italiens de Paris
14 febbraio - 10 maggio 2026
Fondazione Biscozzi | Rimbaud ETS - Lecce
www.fondazionebiscozzirimbaud.it

La Fondazione Biscozzi | Rimbaud, in collaborazione con l'Associazione per Filippo de Pisis, presenta la mostra a cura di Paolo Bolpagni e Maddalena Tibertelli de Pisis, dedicata a uno dei capitoli più originali e internazionali dell'arte italiana tra la fine degli anni Venti e i primi Trenta del Novecento. La mostra indaga l'esperienza degli Italiens de Paris, gruppo di artisti italiani attivi nella capitale francese, accomunati da un'apertura verso l'Europa e da una posizione di parziale e consapevole "fronda" rispetto all'indirizzo dominante del Novecento Italiano.

Cuore della compagine fu il Groupe des Sept, formato da Massimo Campigli, Giorgio de Chirico, Filippo de Pisis, René Paresce, Alberto Savinio, Gino Severini e Mario Tozzi, protagonisti di una stagione espositiva compresa tra il 1928 e il 1933. Il gruppo condivideva riferimenti culturali, consuetudini professionali e una comune visione del classicismo, inteso in chiave moderna, mediterranea e antidogmatica, segnata da libertà formale, pluralità di linguaggi e dialogo con la cultura internazionale.

Massimo Campigli (1895-1971), attivo a Parigi dal 1919, sviluppò uno stile tra purismo e arcaismo, ispirato al tardo Cubismo. Dopo la scoperta dell'arte etrusca nel 1928, elaborò un linguaggio personale fatto di figure femminili monumentali e atemporali, dai colori gessosi e dall'aspetto quasi affrescato. Giorgio de Chirico (1888-1978), rientrato a Parigi nel 1925, ampliò il suo concetto di classicità attraverso nuovi cicli iconografici, accanto a serie ispirate all'antichità greco-romana e alla tradizione barocca.

Filippo de Pisis (1896-1956), stabilitosi a Parigi nel 1925, affinò un linguaggio pittorico libero e immediato, influenzato dall'Impressionismo e dai Fauves, caratterizzato da una pennellata rapida e nervosa, spesso definita come una vera e propria "stenografia pittorica". René Paresce (1886-1937), giunto a Parigi nel 1912, passò da un Cubismo eterodosso a uno stile arcaizzante, ispirato alla pittura toscana del Quattrocento, mantenendo una posizione autonoma e cólta. Alberto Savinio (1891-1952), arrivato nel 1926, trovò a Parigi la piena maturazione artistica, elaborando una pittura vicina al Surrealismo ma radicata nella poetica metafisica, fondata sull'ironia e sulla "spettralità", con frequenti riferimenti a una classicità straniata.

Gino Severini (1883-1966), presente a Parigi dal 1906, teorizzò un nuovo classicismo di matrice pitagorica, fondato sul numero e sulla proporzione, applicandolo a una pittura equilibrata e monumentale, ispirata alla Commedia dell'Arte e ai mosaici antichi; tra il 1928 e il 1933 espose stabilmente con il gruppo degli Italiens de Paris. Mario Tozzi (1895-1979), infine, svolse un ruolo di mediazione tra l'Italia e la Francia, sviluppando un "classicismo attivo" fatto di composizioni monumentali e metafisiche, in cui mito e realtà si fondono in spazi sospesi.

Ad accompagnare e sostenere il gruppo fu il critico d'origine polacca Waldemar George, cultore del classicismo mediterraneo, che si definì "unico difensore a Parigi dell'italianismo considerato come forma d'arte plastica": fu lui a presentarli alla Biennale di Venezia del 1930 in un'apposita sala intitolata Appels d'Italie. Seguiti dal gallerista Léonce Rosenberg, gli Italiens parteciparono comunque anche alle mostre del Novecento Italiano.

Il percorso espositivo pone al centro della ricerca la figura di Filippo de Pisis (Ferrara, 1896 - Brugherio, Milano, 1956), a partire dal celebre dipinto Dalie (1932), esposto nella prima sala dell'allestimento permanente della Fondazione leccese. Attorno a un significativo nucleo di oltre venti opere dell'artista ferrarese, realizzate tra la metà degli anni Venti e i primi Trenta, si sviluppa un confronto diretto con una selezione mirata di dipinti degli altri sei membri del Groupe des Sept, appartenenti alla medesima stagione.

La mostra offre l'occasione di ammirare tre opere mai esposte in Italia, provenienti dal Musée di Grenoble, entrate nelle sue collezioni nel 1933 grazie alla donazione di Emanuele Sarmiento, mecenate italiano trapiantato in Francia dal 1912. Si tratta di I due pesci (1927) e Il piede romano (1927) di Filippo de Pisis e di Natura morta (Katinka) del 1932 di Mario Tozzi. «Non era soltanto un incontro casuale di pittori residenti più o meno stabilmente a Parigi, ma anche un sodalizio connesso da una certa comunanza di riferimenti ideali e consuetudini umane e professionali», spiega il co-curatore Paolo Bolpagni, sottolineando la coesione culturale e progettuale che caratterizzò l'esperienza degli Italiens de Paris.

La mostra mette in luce affinità e differenze all'interno del gruppo, evidenziandone la comune tensione internazionale e la distanza rispetto a un contesto italiano sempre più orientato verso monumentalismo e la "moderna classicità" teorizzata da Margherita Sarfatti. La mostra è accompagnata da un catalogo trilingue (italiano, francese e inglese), edito da Dario Cimorelli Editore, con saggi dei curatori e la riproduzione a colori di tutte le opere esposte. (Ufficio stampa Maria Bonmassar)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Filippo de Pisis, Natura morta con bottiglia e alzata di frutta, 1926, olio su cartone, cm 38,1x45,9, opera da collezione privata di Bergamo
2. Giorgio de Chirico, Cavaliera cascata, 1925, olio su tavola, cm 19x29,5, collezione Gervasoni
3. Alberto Savinio, Natura morta con orologio, 1926-1927, olio su tela cm 55x46, collezione Domenico Catanese, Milano

---

Simona Ceccarelli
"Il posto delle rane"

21 febbraio (inaugurazione) - 05 marzo 2026
Galleria "Arianna Sartori" - Mantova
info@ariannasartori.eu

Una nuova personale dell'Artista Simona Ceccarelli, inaugurata con presentazione in Galleria di Cara Ronza. La mostra, a cura di Cara Ronza, raccoglie una selezione della sua più recente produzione di dipinti ad olio su tela. In terra mantovana, Simona Ceccarelli aveva presentato la mostra "Ritorno alle origini" nell'ottobre 2022 alla Galleria Arianna Sartori a Mantova e la mostra "Appartenenza" nell'aprile/maggio 2024 alla "Casa Museo Sartori" di Castel d'Ario (Mantova).

Simona Ceccarelli (Nogara, Verona, 1975) trascorre l'infanzia e molte estati a Castel d'Ario, in provincia di Mantova. La natura e i paesaggi della valle del Mincio sono parte del suo immaginario e sono per lei da sempre fonte di ispirazione. Alla costante ricerca di un rapporto armonico tra forma e cromia, la tecnica che predilige è la pittura a olio, ma il disegno resta rigorosamente alla base di ogni progetto. Nella sua formazione sono stati decisivi la vicinanza e gli insegnamenti del pittore russo Lavr Lyndin (Mosca, 1939) e gli anni di studio all'Accademia di Belle Arti di Brera, dove si è diplomata nel 1998. I suoi lavori sono stati esposti in mostre collettive e personali in diverse gallerie e location milanesi e lombarde. Oggi vive e lavora a Milano.

- Simona Ceccarelli, Il posto delle rane
di Cara Ronza

C'è una pianta spiritosa, e anche un po' bislacca, che preferisce starsene sdraiata nei fossi e galleggiare negli stagni, piuttosto che mettersi dritta, o arrampicarsi, e farsi ammirare da tutti. La pavarina, nelle aree bagnate dal Mincio, si nasconde tra le canne palustri e di questi tempi non è facile da scovare. Qualche tempo fa, invece, da queste parti era una presenza familiare. Si muoveva morbida sull'acqua e col suo verde luminoso accendeva i paesaggi tranquilli intorno a Castel d'Ario, dove la campagna è un orizzonte sicuro, dove ogni strada ti riporta a casa.

È questo il posto magico di Simona Ceccarelli, artista formale e informale, espressionista anche, capace di tenere viva e di condividere attraverso la sua pittura la felicità profonda e la nostalgia della sua memoria bambina. Ciò che lo sguardo ha fissato nel cuore è l'anima delle sue vedute mantovane, delle risaie, degli alberi e delle paludi, del cielo che quando si specchia cambia colore. Sono queste le immagini a cui torna sempre, anche se in tempi e con modi diversi. Ogni tela è un'inquadratura e un ricordo, con l'acqua velata che protegge i lucci e i pesci gatto, con le rane che giocano a confondersi nel fango (e infatti non tutti riescono a vederle).

Le forme organiche e fluide, sfumate di verde, di rosa, di blu, si appoggiano su linee sicure, le prime, quelle da cui nasce tutto. Al segno grafico segue il segno pittorico e infine quello materico, steso con la spatola. Sulla tavolozza si mescolano sogno, desiderio e realtà, sulla tela convivono passato e presente. La pittura è un luogo, una chiamata per sempre.

Immagini (da sinistra a destra):
1. Simona Ceccarelli, Stagno in controluce, 2026, olio su tela
2. Simona Ceccarelli, Canneto al chiaro di luna, 2026, olio su tela
3. Simona Ceccarelli, Pavarina sotto la pioggia, 2026, olio su tela
4. Simona Ceccarelli, Canneto in controluce, 2026, olio su tela

---

Adriana Zoudine
"Il Rio"

14 febbraio (inaugurazione) - 26 febbraio 2026
Galleria "Arianna Sartori" - Mantova
info@ariannasartori.eu

Adriana Zoudine dopo l'esordio a Mantova nel 2024 presso la Galleria Arianna Sartori con le opere dei cicli «I nostri laghi» e «Una in ogni porto», torna nel 2026 con la mostra titolata «Il Rio» - a cura di Arianna Sartori -, che si inaugura nella sala di via Ippolito Nievo 10 alla presenza dell'Artista e con presentazione in Galleria di Serenella Minto. Per l'occasione è stato edito un catalogo monografico con testo critico di Serenella Minto.

Adriana Zoudine (San Paolo del Brasile, 1961), discendente di immigrati russi e italiani, è cittadina italiana. Laureata in ingegneria meccanica nel 1984, ha viaggiato molto, vissuto un anno a San Francisco, in seguito quattro anni a Buenos Aires, è venuta innumerevoli volte in Italia. Pur svolgendo quasi senza sosta il lavoro di ingegnere, non ha mai smesso di fare arte. Il suo percorso artistico inizia fin dall'infanzia da autodidatta con la pittura e lo studio della storia dell'arte, poi frequentando workshops e partecipando a mostre.

Nel corso dell'attività artistica si è dedicata soprattutto alla pittura a olio su tela. Dal 1996 frequenta la Facoltà di Educazione Artistica sempre a San Paolo, dove si laurea nel 1999. All'università apprende la tecnica della xilografia, e successivamente la pittura su vetro fuso, tecniche entrambi per le quali ha grande passione. A poco a poco è passata dalla figurazione pura a una configurazione pressoché astratta, dove le forme sono comunque ancora leggibili. È sempre stata particolarmente interessata al riflesso delle immagini e della luce sull'acqua, sia nei paesaggi naturali e urbani, producendo immagini fugaci catturate al volo. Va compresa quindi, la grande attrazione che ha per i paesaggi acquatici, al contempo naturali e urbani: la natura e le città dove l'acqua gioca il ruolo di personaggio fondamentale.

Ed eccola a Mantova, "luogo-ispirazione": l'eco della bellissima architettura dei canali o dei vasti paesaggi acquatici le offre una gamma infinita di temi possibili. Così facendo, dopo l'esordio a Mantova nel 2024 presso la Galleria Arianna Sartori con le opere dei cicli «I nostri laghi» e «Una in ogni porto», torna a presentarsi nel 2026 con la mostra titolata «Il Rio».

__ Adriana Zoudine trasforma acqua e luce in memoria visiva, cifra poetica della sua ricerca artistica
di Serenella Minto

Dopo il debutto mantovano del 2024 presso la Galleria Arianna Sartori, con le serie I nostri laghi e Una in ogni porto, l'artista torna nel 2026 con la mostra Il Rio, proseguendo la sua indagine sul dialogo tra acqua, luce e memoria visiva, cifra poetica della sua opera. Tra queste immagini dipinte da Adriana Zoudine si instaura una relazione peculiare: esse rispondono a una percezione comune di uno spazio privo di profondità. Si tratta di vedute dall'alto del canale di Mantova, in cui si coglie una visione inusuale e imprevedibile della città: un tessuto composto da punti, linee e superfici, dove ogni relazione prospettica tra gli elementi costitutivi - piazze, strade, giardini, il Rio, le case - è volutamente esclusa.

Questa rappresentazione del mondo, che rinuncia alla gerarchia tra primo piano e sfondo, esprime il desiderio di tradurre e interpretare ogni elemento del visibile - terra, alberi, case, cielo, acqua - con pari dignità. Tutti diventano motivi equivalenti di pittura, di invenzione poetica e concettuale, e al tempo stesso oggetto di uno sguardo analitico e preciso che inizia a leggere il reale attraverso l'atto critico di un'interpretazione soggettiva.

__ Dalla visione retinica a quella mentale

Nelle opere di Adriana Zoudine il paesaggio non è mai rappresentazione fedele, ma esperienza percettiva decantata. L'artista osserva il Rio di Mantova - il corso d'acqua che attraversa la città - come un dispositivo ottico naturale, un luogo in cui la materia dell'acqua scompone il reale e lo restituisce in forma di ritmo, luce e memoria. La sua attenzione per i riflessi del Rio per ciò che appare e subito si trasforma, la colloca in una tradizione che attraversa la storia dell'arte: dalle vibrazioni luminose degli impressionisti alle rarefazioni atmosferiche di Whistler, fino alle dissoluzioni di J. M. W. Turner, dove il dato visibile si apre al dominio dell'emozione. Il lavoro di Zoudine, tuttavia, non è citazione né derivazione. In lei l'acqua non è un semplice specchio, ma una superficie vivente che frantuma l'immagine in cellule cromatiche, in frammenti che ricordano mappe, tessiture, architetture liquide.

__ La prospettiva dall'alto: uno sguardo distaccato e poetico

In quest'opera [Nottetempo ], l'artista sembra voler evocare la malinconia di un paesaggio urbano sospeso nel tempo. La visione dall'alto del ponte crea un punto di osservazione privilegiato: non siamo immersi nella scena, ma la guardiamo dall'esterno, come se entrassimo in punta di piedi. Questo distacco contribuisce alla tonalità malinconica, quasi meditativa. La prospettiva non è rigorosa, ma appena suggerita: gli edifici pendono, si deformano, vibrano. Il canale assume così una qualità fiabesca, come se il reale fosse solo un pretesto per evocare un ricordo o uno stato d'animo.

Le architetture si riflettono nell'acqua come apparizioni, e il movimento fluido della superficie frammenta la composizione, dissolvendo i contorni e immergendo le forme nelle ombre della sera. Il paesaggio si trasforma in una meditazione visiva sul confine tra realtà e sogno, dove la città si lascia attraversare da una luce tenue e da una vibrazione cromatica che ne accentua il carattere poetico e introspettivo.

__ Riflessi d'acqua, echi di luce

Nei suoi dipinti - come in Riverbero - il riflesso diviene una trama di forme morbide e intersecate, un mosaico in movimento che trasforma la visione in un'esperienza astratta e sensoriale. L'occhio scorre lungo le campiture gialle, verdi, terrose, seguendo una pulsazione interna che appartiene alla natura del Rio ma anche al gesto pittorico dell'artista. Zoudine non si limita a osservare: interroga continuamente l'acqua come soglia, come luogo in cui il tempo prende forma. Ciò che l'artista vede non è mai stabile: ponti, edifici, il cielo stesso si disgregano e si ricompongono in configurazioni imprevedibili, rivelando un mondo parallelo, fragile e cangiante.

Il pensiero dell'artista trova conferma nelle sue stesse parole: «Osservo il canale mentre si affaccia o si cela... Le immagini che il canale mi fa intravedere... rivelano scenari decostruiti, mutevoli. Nei riflessi del Rio che regala i suoi giochi, mi immergo e con la mia fantasia produco immagini distorte generando pitture astratte.» Questa dichiarazione d'intenti segna il tratto distintivo della sua ricerca: il riflesso come soggetto autonomo, come realtà seconda. Da qui nasce la sua sfida: rendere pittoricamente l'istante effimero, la vibrazione che precede la forma, l'immagine che è già altro da sé.

__ Oltre il paesaggio / La trasformazione incessante del visibile

In Zoudine l'attenzione non si concentra tanto sul soggetto rappresentato - il corso d'acqua che attraversa Mantova - quanto sull'atmosfera che lo avvolge e lo trasforma. La luce diviene il vero oggetto della rappresentazione, principio dinamico che determina la percezione e rende visibile l'incessante metamorfosi del reale. La serie dedicata al Rio di Mantova, ripreso da diverse angolazioni e in differenti ore del giorno, si configura come un corpus unitario e concettuale: non è l'acqua del Rio il tema centrale, ma il tempo e la memoria, intesi come consapevolezza dell'inesauribile fluire della realtà.

Per l'artista non si tratta dunque di cogliere dei momenti irripetibili della realtà, ma, al contrario, di dimostrare come non esista un momento, bensì un continuo divenire dei fenomeni nei quali la presenza umana non è neppure presa in considerazione: tutto evolve anche senza la nostra testimonianza. Eppure, oltre la riflessione critica, vi è la suggestione poetica: ogni riflesso, ogni vibrazione luminosa diventa canto silenzioso, testimonianza di un istante irripetibile. L'opera si fa così meditazione sulla luce e sul tempo, sulla fragilità del visibile e sulla sua continua rinascita. In questo intreccio di rigore e lirismo, Zoudine ci invita a contemplare non solo un paesaggio, ma l'eterno mutarsi della vita stessa.

__ L'origine

Con radici che intrecciano Russia e Italia, Adriana Zoudine nasce a San Paolo del Brasile nel 1961. Dopo la laurea in ingegneria meccanica, conseguita nel 1984, vive e lavora tra San Paolo, San Francisco, Buenos Aires e l'Italia: luoghi ed esperienze che arricchiscono la sua visione internazionale, ne ampliano lo sguardo e affiancano alla professione tecnica un impegno e una crescente tensione verso l'arte e la ricerca artistica. Dal 1996 frequenta la Scuola di Educazione Artistica di San Paolo, diplomandosi nel 1999. In ambito accademico approfondisce la xilografia e la pittura su vetro fuso, tecniche che diventeranno segni distintivi del suo linguaggio visivo. Negli anni successivi la sua ricerca si orienta soprattutto verso la pittura a olio su tela, che diventa il suo campo privilegiato di sperimentazione: uno spazio di meditazione cromatica, dove contrasti e emozioni si stratificano in una riflessione pittorica sempre più consapevole. (...) Serenella Minto

__ L'elemento etereo: la quintessenza plastica del Rio di Mantova

Osservo il canale mentre si affaccia o si cela; negli scorci dove si mostra, il Rio mi dona punti privilegiati dai quali riesco a lanciare sguardi furtivi. All'affacciarmi ai muretti delle arcate e alle ringhiere dei giardini del nostro Rio, assorta a guardare il fluire delle sue acque a volte mosse, temporaneamente quiete, spesso splendenti, lo studio nel suo riverbero soffermandomi su come scorra il tempo. Le immagini che il canale mi fa intravedere lungo i suoi meandri, e in lui si rispecchiano ponti, antichi edifici e il cielo, rivelando scenari decostruiti, mutevoli. Nell'emozione di queste viste, provo a raccogliere i riflessi e restituirli per tramandarli. Nella mia sfida improbabile sta il desiderio di rappresentarli. Nei riflessi del Rio che regala i suoi giochi, mi immergo e con la mia fantasia produco immagini distorte generando pitture astratte. (Adriana Zoudine) (Comunicato stampa)

---

Notre Dame
Le icone contemporanee di Carolina Franza

12 febbraio (inaugurazione) - 01 marzo 2026
Sala Comunale d'Arte di Trieste

Antologica dedicata all'artista triestina, che sarà introdotta sul piano critico da Marianna Accerboni: in mostra 45 opere e sei tavole che delineano le varie fasi di realizzazione di un'icona: dal supporto di legno, su cui viene posizionato il bisso di lino, all'alabastro e alla colla di latte, alla doratura, compresi il disegno e varie fasi pittoriche. La rassegna offre soprattutto un'interpretazione filologica ma essenziale e in un certo senso "libera", delle icone, che, nel caso della Franza, Accerboni definisce "icone contemporanee".

Presentazione mostra

---

Topografia dell'Io
L'Arte e il paesaggio interiore

13 febbraio (inaugurazione) - 28 febbraio 2026
Galleria Edarcom Europa - Roma
www.edarcom.it

L'esposizione - a cura di Francesco Ciaffi e Alice Crisponi - vuole portare all'attenzione dello spettatore come il tentativo dell'arte sia quello di dare forma a un pensiero che, prima di diventare opera non è che un embrione nella mente dell'artista. Le opere selezionate rivelano come l'atto creativo sia capace di manifestare un ben più ampio panorama quando definisce, più che l'idea, l'intima espressione della visione estetica. Nelle opere di Enrico Benaglia, Luca Dall'Olio, Simone Geraci, Paolo Mura, Mariarosaria Stigliano e Lino Tardia, il paesaggio si trasforma in risonanza dell'anima, spazio silenzioso in cui l'interiorità degli artisti prende forma. Colori, segni e orizzonti evocano emozioni profonde, dando vita a visioni intime che raccontano il dialogo continuo tra mondo esterno e dimensione interiore. (Comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Simone Geraci, La stagione che tarda ad arrivare, 2026, olio su tela cm 80x120
2. Enrico Benaglia, La piuma, 1999, pastello su carta applicata su tela cm 100x70
3. Luca Dall'Olio, Come sarebbe bello, 2011, acrilico su tela cm 60x130
3. Lino Tardia, Notte a Pantelleria, 1999, olio, acrilico, tempera, materiale vinilico e foglia d'oro zecchino su tela di cm 80x80

---

Roberta Pugno
"Attraversare l'Invisibile"

25 gennaio - 01 marzo 2026
Spazio espositivo La Vaccheria - Roma (ingresso libero)
lavaccheriaroma.it | robertapugno.it | ipaziaimmaginepensiero.org | Locandine per la mostra

La mostra, a cura di Paola Campobasso, raccoglie trenta opere con cui Roberta Pugno racconta l'energia e la forza emotiva che le immagini, la bellezza e lo stupore del mondo hanno nel loro manifestarsi trasformativo e nel loro opporsi alla logica del razionale e dell'apparire. Nata a Bolzano, laureata in Lettere e Filosofia con Carlo Ginzburg, l'artista vive e lavora a Roma. Inizia ad esporre a metà degli anni '80. Ha al suo attivo oltre sessanta personali, centocinquanta collettive e quattordici cataloghi. Dal 2010 è direttore artistico dell'Ass.ne IPAZIA Odv. Con le sue immagini collabora con la Casa editrice Moretti & Vitali e con le Edizioni della Normale di Pisa.

Nella dimensione dell'invisibile l'artista trova l'oggetto d'amore del suo lirismo materico e il nucleo teorico intorno a cui dipanare racconti del possibile, scoperte del presente, esistenze geniali del passato (Giordano Bruno, Leopardi, Pirandello...). Tra le sue mani l'invisibile diventa pensiero e passione. Diventa l'universale che il corpo sente e il senso che la mente cerca.

«L'essere umano, dice la pittrice-filosofa, nasce con la capacità di immaginare e la fantasia, che, spesso, per rapporti deludenti e malati, vengono perdute. Dobbiamo ritrovare l'origine sana e vitale che la natura ci ha regalato, dobbiamo ricreare la sapienza della realtà inconscia che ci spinge al rapporto con l'altro, al rifiuto della violenza e alla certezza di infinite possibilità di scelta e di creatività». (Comunicato strampa)

___ Eventi di IPAZIA a cura di Antonio Di Micco (dalle ore 17.30 alle 20.00)

- Sabato 31 gennaio, Linee di suoni tra i colori
Musica classica e non solo: al pianoforte il giovane Shayan Rossetti

- Sabato 7 febbraio, Paesaggio di Luce | Le nuove poesie di Eva Gebhardt
con Livia Profeti (filosofa) e Elena Monaldo (traduttrice)
voce Gabriele Marciano

- Sabato 14 febbraio, Dalla Materia al Tempo interno
Cinzia Folcarelli (critica e storica dell'arte) intervista Roberta Pugno tra le opere

- Sabato 21 febbraio, Il prodigio delle pitture rupestri
voce Paola Botta contrabbasso Marco Zenini
con il contributo di Stefania Panelli

- Domenica 1 marzo, Viaggio di ritmi in terra d'Africa
con il Sènègal Gambia trio
basso Papis Diarra kora Aliou Sahko djembe Iamine

ideazione/allestimento Emilio Rivetti
grafica Cristian Rossi
fotografie eventi Antonio Arminio
trasporto/montaggio Daniel Razvan

---

Stefanie Moshammer
"Grandmother said it's okay"

14 febbraio - 06 aprile 2026
Museo Civico d'Arte Ricchieri e Mercati Culturali - Pordenone
www.studioesseci.net

L'esposizione, curata da Marco Minuz e realizzata in collaborazione con Fotohof, fa parte di un progetto espositivo diffuso che abiterà gli spazi del Museo Civico d'Arte Ricchieri e i nuovi ambiti dei Mercati Culturali, nella della galleria "Die Gelbe Wand". Stefanie Moshammer (1988) è un'artista il cui lavoro spazia dalla fotografia alle immagini in movimento, dalle installazioni ai testi. La sua formazione comprende studi in design tessile a Vienna, seguiti da una laurea in Graphic Design & Photography a Linz e specializzazioni in Advanced Visual Storytelling in Danimarca. Autrice di sei volumi monografici (tra cui Vegas and She, Land of Black Milk e i recenti lavori per Louis Vuitton Fashion Eye), Moshammer fonde costantemente l'esperienza personale con l'osservazione sociale. La sua pratica esplora come gli spazi sociali plasmino il comportamento e la memoria, affrontando con ironia e precisione temi quali le tradizioni generazionali e i cambiamenti ambientali.

La fotografa austriaca presenta un'esplorazione profonda e sfaccettata delle culture della memoria familiare e del valore intrinseco degli oggetti quotidiani. Il progetto non è solo una cronaca visiva, ma una forma poetica e potente di empowerment che permette all'artista di confrontarsi con il proprio passato, mettendolo in discussione e reinterpretandolo attraverso il dialogo con le figure che costituiscono il fondamento della sua storia personale. Il punto di partenza della ricerca sono le fotografie, i racconti e gli oggetti trovati legati alla vita dei suoi nonni nel Mühlviertel, in Alta Austria. Si tratta di un'esistenza caratterizzata da una semplicità creativa e da un uso estremamente rispettoso e sostenibile delle risorse, valori che Moshammer traduce in un linguaggio visivo contemporaneo.

A distanza di anni, l'artista ricostruisce questi ricordi davanti alla sua macchina fotografica, creando un complesso intreccio di metafore visive. Il lavoro della Moshammer si distingue per la capacità di combinare l'approccio documentaristico con la fotografia messa in scena: gli oggetti d'uso comune vengono assemblati in modi nuovi e sorprendenti, trasformando il quotidiano in straordinario. Attraverso questa ricerca visiva di tracce, il colore e le somiglianze anatomiche fungono da collante narrativo, mentre il suo linguaggio - sensibile e acuto al tempo stesso - gioca con le aspettative del fruitore e sovverte i cliché consolidati. Il risultato è un'opera che riflette sui temi della vecchiaia, dei rituali quotidiani e della transitorietà della vita.

L'esposizione invita il visitatore a una riflessione più ampia sulla cultura materiale e sul cambiamento: cosa perdura nel tempo e come si trasforma il nostro rapporto con le cose? Con un mix di umorismo stravagante e osservazione intima, Moshammer evoca una speciale vicinanza alla casa e alle storie dei suoi nonni, trasformando il ricordo stesso in un vero e proprio atto artistico. Grandmother said it's okay diventa così un invito universale a riflettere sulla visibilità, sulla cura e sulla bellezza che si nasconde nelle pieghe della quotidianità.

La mostra si inserisce nella rassegna promossa dal Comune e dall'Assessorato alla Cultura di Pordenone, prodotta e organizzata da Suazes con il sostegno della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia. La programmazione, già avviata lo scorso autunno per rendere Pordenone protagonista della scena artistica nazionale, rappresenta un percorso strategico indirizzato al 2027, anno in cui la città sarà Capitale Italiana della Cultura. Il filo conduttore di questa stagione è la parola "leggere": un termine quanto mai appropriato per Pordenone che, storicamente, funge da cartina di tornasole delle dinamiche economiche e culturali del nostro Paese. (Estratto da comunicato ufficio stampa Studio ESSECI Comunicazione)

Immagine:
Stefanie Moshammer fotografata da Anna Breit

---

Astrattismo internazionale
27 febbraio (inaugurazione ore 18.30) - 05 marzo 2026
Fondazione Francesco Pasquinelli ETS - Milano
www.fondazionepasquinelli.org

La mostra presenta una selezione di nove opere di tendenza astratta provenienti dalla Collezione Giuseppina Antognini, con capolavori di Balla, Hartung, Kandinsky, Klee, Mathieu, Prampolini e Riopelle. Il percorso espositivo accompagna il pubblico alla scoperta delle principali correnti dell'astrattismo del Novecento, dal futurismo all'astrattismo classico, dall'informale alla pittura di gesto. La Fondazione partecipa inoltre alla sezione "Museo Segreto" con l'esposizione e un approfondimento dell'opera Regia nella tempesta (1938) di Paul Klee. Il programma prevede inoltre una conferenza dedicata a Paul Klee (lunedì 2 marzo), una visita guidata e un finissage musicale (giovedì 5 marzo) con il duo pianistico SVAR. (Comunicato stampa Alessandra Pozzi Studio)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Giacomo Balla, Bandiere all'altare della patria, 1915
2. Paul Klee, Regia nella tempesta, 1938

---

Bruno Cattani
"Light"

12 febbraio (inaugurazione) - 02 maggio 2026
VisionQuesT 4rosso - Genova
www.visionquest.it

Ci sono mondi che nessuno può vedere, prima che siano registrati da una fotografia. Come scrive John Berger, "Ciò che fa della fotografia una strana invenzione, con effetti imprevedibili, è che le materie prime con cui lavora sono la luce e il tempo". Bruno Cattani inizia a fotografare nel 1982 ed è fotogiornalista dal 1988. Light è il titolo del nuovo progetto di Cattani: la fotografia che coglie e ferma il preciso momento in cui la luce disegna una realtà e, allo stesso tempo, la trasfigura, rendendola densa di stupore. Prendendo spunto da inventive, esperienze, situazioni e realtà personali, Cattani cambia le prospettive dei paesaggi urbani attraverso il suo sguardo, l'immaginazione e la capacità di registrare scenari diversi, futuristici, utopici e a volte anche distopici.

L'origine della fotografia -fatta di passaggi, tracce e impressioni attraverso pellicole e processi chimici -è profondamente legata alla luce. Fotografare, o scrivere con la luce, permette all'autore di indagare come essa stessa informi i corpi, evidenzi le superfici, infondendo di vita propria tutto ciò che è intorno a noi. Ciò che interessa a Cattani è l'identità che cambia nello scorrere delle ore, nell'alternarsi del giorno e della notte in luoghi che crediamo di conoscere così bene: "[...] passeggiando per le strade, immortalo momenti quotidiani in cui la luce sembra cambiare pelle alla città, mettendoci di fronte a scenari sconosciuti e irreali." (Estratto da comunicato stampa)

---

Pellizza e Ballero
"La divina luce"

13 marzo - 14 giugno 2026
MAN Museo d'arte Provincia di Nuoro
www.studioesseci.net

Una amicizia, un carteggio, una vocazione condivisa. Per il paesaggio, per la pittura, per la trascrizione dei moti della terra in palpiti di colore. Il progetto inedito, varato dal museo MAN di Nuoro, mira a ricostruire per la prima volta il lascito ideale che Giuseppe Pellizza da Volpedo (1868-1907), padre nobile del divisionismo italiano, consegnò ad Antonio Ballero (1864-1932), grande artista sardo che, a cavallo fra passato e progresso, traghettò una pittura intrisa ancora di istanze realiste verso i modi sperimentali del divisionismo, veicolando la cultura tardo romantica dominante nel panorama dell'isola in direzione di una ricerca scientifica sul colore sposata a una narrazione cangiante del percepito.

Stringendo un legame affettuoso con Pellizza da Volpedo, interrotto dalla tragica morte di quest'ultimo, Antonio Ballero contribuì fortemente ad aprire la Sardegna alle indagini su quel nuovo linguaggio della pittura e sulle teorie del colore "diviso" protagonisti del dibattito in corso a livello nazionale e internazionale. Fu merito della lezione di Pellizza da Volpedo e dello scambio intellettuale che ne nacque, se Ballero giunse a ritagliarsi un ruolo da capofila nell'evoluzione della ricerca artistica sull'isola, entrata grazie a lui a pieno titolo nell'attualità della querelle che si agitava in continente.

Il progetto, curato da Chiara Gatti e coordinato da Rita Moro, con la consulenza scientifica di Gabriella Belli, massima studiosa del Divisionismo italiano (cfr. Divisionismo italiano, a cura di Gabriella Belli, Electa, Milano 1990 e L'età del Divisionismo, a cura di Gabriella Belli e Franco Rella, Electa, Milano 1990), porrà in stretta relazione gli esiti del maestro sardo con gli stimoli ricevuti dal rapporto privilegiato con Pellizza da Volpedo, testimoniati da un confronto iconografico e altresì dalle lettere datate fra il 1904 e il 1907 che ne documentano i contatti e la vivacità del dialogo.

Due quadri di Ballero, esposti nell'ambito della Cinquantunesima Esposizione della Società delle Belle Arti di Genova nel 1904 furono lodati da Pellizza al pari di una vera "rivelazione", come Pellizza stesso confessò al maestro sardo in una missiva di quello stesso anno. Merito di questa vicinanza ideale e di tale dichiarazione di stima se la ricerca espressiva e formale di Ballero imboccò la strada di una maturazione estetica venata anche di nuovi e più potenti contenuti sociali.

Antonio Ballero era emerso a Sassari all'Esposizione Artistica Sarda allestita al Palazzo della Provincia nel 1896, ma non tardò a segnalarsi per la sua statura di livello nazionale, superando rapidamente il verismo di matrice ancora macchiaiola e il sentimentalismo di certi soggetti di natura agreste, e guardando con piena maturità alla svolta divisionista e alla sua complessa e variabile concezione della luce e del colore, da affrontare con il neonato metodo scientifico del dipingere, che gli valse quell'incoraggiante plauso di Pellizza da Volpedo.

Già Salvatore Farina, grande scrittore sperimentale, originario di Sorso e milanese d'adozione, vicino agli Scapigliati e a tutta l'intellighenzia italiana dell'epoca, riconobbe il passo avanti compiuto da Ballero nel mondo dell'arte e ne paragonò gli esiti alle riflessioni di Giovanni Segantini, al suo equilibrio lirico fra realismo e simbolismo, quotidianità pregna di umori terreni e dimensione del sacro che si reifica in terra, nello spettacolo della natura e nei gesti con cui l'uomo la omaggia silenzioso.

Il legame con Grazia Deledda e il sodalizio con Francesco Ciusa, oltre all'amicizia in continente con Leonardo Bazzaro e Carlo Fornara, accentuarono la vocazione di Ballero per questo sentire e narrare l'esistenza diuturna degli umili. Le sue figure dignitose, solenni e insieme fragili al cospetto del cosmo, abitano orizzonti rurali dove il senso profondo di verità delle cose si sublima in una attesa senza tempo. "La fierezza olimpica dei pastori erranti tra le boscaglie, l'impeto di una corsa di cavalli, le movenze flessuose e festanti di un ballo tondo": così Ballero affondava nella descrizione dei suoi soggetti aggrappati saldamente alla tradizione della sua terra ma proiettati, allo stesso modo, nell'assoluto.

Il passaggio radicale da opere come Paesaggio con alberi del 1890 a tele come Mattino di Marzo del 1903 c. o L'appello serale del 1904 - identificate esattamente con le due opere esposte a Genova e che raccolsero l'entusiasmo di Pellizza - dimostra con chiarezza la svolta del maestro sardo dal giovanile debito verso i modi di Corot e il suo tonalismo, le sue pennellate fluide e il suo naturalismo vibrante, a una pittura fatta invece di piccole tacche, complementarietà dei colori, crepuscoli penetranti e coralità d'azione dei suoi personaggi.

Pellizza Da Volpedo, quattro anni più giovane di Antonio Ballero, ma già al centro della vita artistica nazionale, condivise con il collega nuorese i suoi pensieri sul tema del paesaggio, sullo spirito di verità e la capacità di osservazione che l'esistenza richiede per essere compresa e tradotta in immagine, nel suo scorrere intimo e feriale. Avvicinare due autori in un percorso che ne testimoni i punti di contatto, significa dunque lavorare sulla ricchezza e sui frutti del loro dialogo, sul lascito che Pellizza consegnò all'amico e come quest'ultimo seppe rigenerarlo alla luce di una cultura diversa, aspra e introversa quale fu quella della sua terra, visceralmente appesa alle asperità dei tacchi montuosi e alla scansione struggente dei compiti pastorali.

La stessa genesi dei quadri di Pellizza da Volpedo, gli scenari che riempirono i suoi occhi quando scrutava momenti di quotidianità campestre, dolorose nella miseria ma mistiche nella speranza di una vita migliore, può aiutare nell'analisi della crescita di Ballero, del suo affacciarsi a una rinnovata poetica del quotidiano. La lezione gli venne dai prati della pieve di Volpedo, dove si consumava il celebre Idillio primaverile con il girotondo dei bambini; allegoria dell'infanzia e del tempo che scorre, destinata a ritornare nelle tele dell'artista sardo come Baddemanna del 1903. Speranze deluse è uno dei titoli più sintomatici della ricerca sul senso dell'esistenza che ossessionò Pellizza fino a logorargli l'anima e che Ballero ereditò in altre opere significative come Logu lentu o La seminatrice. Attraversando le vie dei borghi, ai margini dei viottoli che affacciano sui fienili, si dipanano allora le tappe di un percorso pensato per temi dominanti.

___ Una nuova tecnica per una nuova luce

All'anno 1894 risale un numero lavori superstiti di Antonio Ballero che documentano la sua sempre più intensa dedizione alla ricerca formale, intorno al problema colore-luce e colore-materia. Da questa data cruciale si sviluppa la crescita, sotto tutti i punti di vista, della sua produzione. All'indomani della partecipazione, nel 1896, alla storica Esposizione Artistica Sarda, dove il suo nome spiccò accanto a quello del più anziano e celebrato Giacinto Satta, Ballero vide il proprio impegno espressivo riconosciuto da un sistema dell'arte aggiornato alle nuove sperimentazioni, divise fra i traguardi del pointillisme francese e il coevo diffondersi del metodo scientifico della divisione del colore in ambito italiano, segnato da una maggiore libertà nel segno e nel gesto rispetto al rigore inflessibile dei colleghi d'oltralpe.

Il 1896 è, non a caso, anche l'anno della celebre Triennale torinese, a cui parteciparono nomi del calibro di Morbelli, Grubicy, Longoni, Nomellini, Previati, Tominetti e lo stesso Pellizza, esponendo quadri a tecnica divisa, presenti in netta minoranza rispetto ai linguaggi ancora tradizionali, ma fondamentali per stabilire un punto di avvio della rivoluzione in atto. "Tenere i colori divisi e avvicinati anziché mescolarli sulla tavolozza", come prescriveva proprio Grubicy in un suo scritto fra le pagine de "La Triennale" del medesimo anno, divenne la prassi comune per acuire la luminosità migliore possibile nelle scene ritratte, mettendo così la tecnica al servizio di una esigenza espressiva, non certo come fine ultimo di un virtuosismo puramente linguistico.

"[...] ho la convinzione - aggiungerà Pellizza - essere questa non altro che un mezzo per rendere più efficace l'opera stessa e, aggiungerò, più consona ad esprimere le moderne idealità". All'alba del Novecento, anche l'artista nuorese, sensibilissimo a tali portati, orientò caparbio le proprie scelte formali verso la medesima separazione degli elementi cromatici, in virtù di effetti luministici avvolgenti, pozzi d'ombre e chiarori lampeggianti di una intensità mai raggiunta in precedenza, tanto da poter paragonare oggi il suo capolavoro Sa ria del 1908 alla lezione di Angelo Morbelli, ne La sedia vuota o Mi ricordo quand'ero fanciulla del 1903.

Sulle orme dell'amico Pellizza, Antonio Ballero dichiarò a sua volta: "La divisione del colore a seconda dello scopo che ti prefiggi nei tuoi lavori. Tutta la scienza riguardante la luce ed i colori deve destarti sempre un particolare interesse: solo per mezzo suo puoi avere maggiore coscienza di quel che fai. Quando copierai il vero non pensare a teorie, ma a tradurlo con tutti i mezzi che avrai a tua disposizione. Non fare il divisionismo per partito preso, ma perché devi essere convinto che cosi esplichi meglio le tue tendenze. Il divisionismo troppo apparente nuoce all'opera d'arte: mantenendo ciò che esso ha di buono, bisogna far scomparire ogni apparenza di sforzo, bisogna che l'opera sembri fatta di getto. Così la tecnica secondo me, non dovrebbe essere né tutta a puntini né tutta a lineette né tutta ad impasto; e nemmeno tutta liscia o tutta scabrosa, ma varia come sono varie le apparenze della natura".

___ Il destino degli umili

Sulla provinciale per Casalnoceto, nel viale del Cimitero, avanzava lento il corteo del Fiore reciso, storia di una morte prematura narrata con dolorosa partecipazione da Pellizza in una delle sue opere più tragiche. Accanto ai fenomeni naturali, esaltati dalla tecnica divisa, risulta centrale l'attenzione rivolta dal maestro di Volpedo e dal collega nuorese a un mondo palpitante di figure misere ed eroiche allo stesso tempo, figure spezzate, volti segnati dalla sofferenza o fermi immobili nella polvere che frulla intorno. "Ritornato in questo mio paese feci primieramente: ritratti dei genitori miei [...]" narrava Pellizza nelle note autobiografiche del suo Copialettere e minutari del 1895.

La donna dell'emigrato del 1888, la Testa di vecchio, del 1890, così come nel Ritratto di campagnoli del 1894, sembra riecheggiare una lunga letteratura del vero che attraversa il secolo e che Ballero raccolse nel midollo, complici i rapporti amicali con Sebastiano Satta o la Deledda, ambientati sullo sfondo di un paese che - non diversamente da Volpedo - succhiava la linfa dalla natura e restituiva l'amarezza dei giorni in quella «demoniaca tristezza» che, per citareIl giorno del giudizio di Salvatore Satta, distinse Nuoro «nido di corvi», landa scoscesa, e il suo popolo di notabili e pastori, preti e banditi. Il vero 'luogo comune', l'anello di congiunzione che, in questo caso, lega a doppio nodo la narrazione di Ballero a quella di Pellizza è in realtà il senso presente della morte, la metafisica che attraversa gli occhi dei suoi personaggi, vivi e morti, eternamente sospesi a picco sul dirupo dell'esistenza.

"Mio scopo fu di farle una figura reale ma circonfusa di un'atmosfera di sogno" scrisse Pellizza in una lettera alla Signora Vittorina Balladore Bidone, in merito a un ritratto del marito commissionato dalla consorte in sua memoria. Dietro un linguaggio che sposa divisionismo e sentimento del sacro, sconfinato nei territori amari della finitudine, i ritratti dei maestri dialogano durissimi nei tratti, ma accarezzati da una luce di compassione. Poche figure divengono allora specchio di un mondo intero che abita la terra e subito si inabissa, grazie alla disperata dolcezza di una pittura che traduce nel colore il destino degli umili. Così come da un lato, all'angolo dell'edificio della Società operaia di Volpedo, sventolavano i Panni al sole di Pellizza, in un'aia rimasta cristallizzata e pigra, come le pieghe segrete del paese di cui riassume l'indole, così i cortili di Ballero, silenziosi e riarsi nelle estati isolane, si fanno simbolo di un mondo sardo, dei suoi ritmi e della sua verità sociale.

___ L'arte in funzione sociale

Sullo sfondo del mondo civile della Sardegna fin de siècle, si agitavano gli stessi drammi di cui Pellizza da Volpedo, con la sua opera, si fece testimone e interprete a livello universale. Lavoro e soprusi, indigenza e malattia, fragilità e violenze che la pittura, nella sua azione militante, contribuì a denunziare con la forza visiva e toccante di un manifesto programmatico.

"Le opere che sanno innalzare la dignità e la bellezza del lavoro semplice, e la vita del popolo, che le sanno santificare, e glorificare nei loro dolori e nelle loro gioie, sono quelle che precorrono la vera arte futura. Sorgeranno forse altre forme, ed altri geni dell'arte troveranno vie nuove e formule nuove per commuovere le masse, ma l'arte futura non sarà né mistica, né adulatrice, né volgarmente realista, essa conterrà l'umanità tutta intera, l'umanità che, ammaestrata dai dolori passati della vita, e glorificata dal lavoro libero e rimuneratore corre trionfante e vittoriosa nella grande via del progresso e della civiltà".

Lo slancio accalorato di Ballero in questa sua dichiarazione giovanile dovrà drammaticamente scontrarsi con le delusioni del mondo moderno e di un idealismo romantico affranto dalle logiche del potere e dello sfruttamento. Il disagio sociale che attraversò l'Italia a cavallo del secolo divenne allora lo stimolo per affrontare nuove rappresentazioni della vita quotidiana venate di iniquità, che le poetiche sociali dei maestri del divisionismo resero in immagini dal taglio impegnato e accusatorio, come nel caso dell'eccidio di Buggerru del 1904 avvenuto durante lo sciopero dei minatori e che, idealmente, si può ricollegare al capolavoro di Pellizza, la marcia del Quarto Stato, manifesto di tutte le lotte per la conquista dei diritti all'alba della modernità.

Il peso delle tensioni sociali nella Sardegna del tempo non fu minore a quanto si stava verificando sul continente. Nel 1906, sull'Isola furono organizzati tredici scioperi e Cagliari fu scenario della famosa rivolta delle sigaraie: quest'ultimo fatto accadde nello stesso mese di maggio in cui Ballero tenne la sua conferenza sulla scultura, durante la quale affrontò con durezza il concetto di socialità dell'arte citando, non senza enfasi, l'eloquenza civile di opere realmente politiche come il celeberrimo Spartaco di Vincenzo Vela, il gladiatore simbolo della rivolta contro gli oppressori, che procurò all'artista svizzero la condanna degli austriaci.

Il sentimento di un'epoca intera, concentrato nel cammino dei contadini, con il loro messaggio assoluto di dignità e coraggio, trovò in Pellizza e nella sua eredità consegnata a Ballero l'apice di un'aderenza fra arte e vita, foriera di altre battaglie per la difesa dei braccianti o della classe operaia; l'occupazione delle fabbriche in vista del biennio rosso, registrò, in piena industrializzazione, lotte estenuanti raccolte dai maestri del colore negli "scatti" indelebili di una Italia sospesa in bilico fra tradizione e modernità. (Comunicato ufficio stampa STUDIO ESSECI Comunicazione)

---

Antonio Scordia. Un omaggio
06 febbraio (inaugurazione) - 09 marzo 2026
Mucciaccia Gallery - Roma
www.mucciaccia.com | Locandina della mostra

Mostra a cura di Giovanna Caterina de Feo, curatrice anche della mostra dedicata a Scordia in corso al Casino dei Principi - Musei di Villa Torlonia a Roma. Le 21 opere esposte, distribuite sui due piani della galleria, raccontano la parabola artistica di Antonio Scordia (1918-1988), figura centrale ma oggi poco conosciuta della pittura italiana del secondo Novecento.

Nato in Argentina da famiglia italiana e formatosi a Roma, città che scelse come luogo definitivo di vita e lavoro, Scordia sviluppò una ricerca coerente e autonoma, attraversando il figurativo e l'astrazione senza mai perdere il legame con l'esperienza concreta dell'esistere. La sua pittura nasce dall'osservazione della realtà quotidiana, ma non si limita a rappresentarla: la trasforma in spazio interiore, in immagine mentale e poetica. Il passaggio progressivo dalla figura alla forma astratta non è una rottura, ma una continuità: per Scordia il reale resta sempre il punto di partenza, filtrato dalla memoria, dall'immaginazione e dal sentimento.

Al centro della sua poetica, alcuni temi costanti come il rapporto tra visibile e invisibile, tra mondo esterno e vita interiore; l'idea che il "privato" possa farsi universale e sociale; la fiducia nell'immaginazione come strumento di conoscenza; l'importanza della forma e della chiarezza del linguaggio pittorico. Le sue opere, spesso caratterizzate da campiture di colore luminoso e da forme sospese, evocano spazi profondi e silenziosi, in equilibrio tra riconoscibilità e astrazione. Una pittura lirica e meditativa, che riflette sulla condizione umana senza ricorrere al racconto, ma attraverso il ritmo delle forme e dei colori. La mostra intende restituire l'essenza della ricerca di Scordia: quella di un artista che ha attraversato le principali trasformazioni dell'arte del suo tempo mantenendo uno sguardo personale, discreto e rigoroso, e che ha fatto della pittura un modo per indagare, con misura e libertà, quelli che egli stesso definiva i "segni dell'esistere". (Estratto da comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

---

Antonio Scordia | "La realtà che diventa visione"
26 novembre 2025 - 29 marzo 2026
Casino dei Principi - Musei di Villa Torlonia - Roma
Presentazione

---

Roberto Radici
"Singolare/Seriale"

07 febbraio (inaugurazione) - 28 febbraio 2026
Gare 82 - Brescia
www.gare82.net

Un progetto espositivo che riflette sul rapporto tra identità, memoria e rappresentazione nel contesto dell'attuale sovrapproduzione visiva. In un presente dominato da immagini rapide e intercambiabili, la pittura diventa per Radici uno spazio di resistenza, capace di restituire profondità allo sguardo e di riaffermare il valore dell'immagine come archivio culturale. La mostra si articola come un dialogo tra due poli iconografici distinti: da un lato i ritratti femminili provenienti da culture diverse, dall'altro sequenze di figure animali ripetute in modo regolare.

I volti non sono intesi come ritratti psicologici, ma come presenze dense e stratificate, in cui sguardi, posture e soprattutto i monili tradizionali diventano portatori di memoria e segni di una identità incarnata. In contrasto, gli animali, ridotti a icone seriali, evocano un processo di riproduzione meccanica che svuota l'immagine di specificità e profondità. Nel confronto tra unicità e ripetizione si costruisce il cuore concettuale della mostra. Lo spettatore è invitato a oscillare tra l'intensità dei volti e la neutralità delle forme seriali, sperimentando due tempi della visione: uno lento, attento, dialogico; l'altro rapido e consumabile. Il lavoro di Roberto Radici si configura così come un invito a opporsi all'omologazione visiva e a riconoscere nella pittura uno spazio ancora capace di custodire la complessità dell'esperienza umana. (A cura di Federica Picco)

---

Tycjan Knut
"On Formality"

12 febbraio (inaugurazione) - 07 marzo 2026
Cadogan Gallery - Milano
cadogangallery.com

Mostra personale dell'artista polacco Tycjan Knut (Varsavia, 1985) che espone per l'occasione un nuovo gruppo di opere in cui esplora la forma spingendola oltre i limiti del quadrato e della cornice. Allontanandosi dai formati tradizionali, Knut realizza le sue opere su tele sagomate su misura, asimmetriche, trasformando il supporto stesso in elemento attivo che destabilizza il rapporto convenzionale tra figura e sfondo, introducendo momenti di pausa, ambiguità e tensione spaziale. Le nuove opere esposte in On Formality raccontano di una pittura come luogo di negoziazione più che di risoluzione, dove i limiti vengono messi alla prova, la forma è sospesa e l'atto del guardare si espande.

I dipinti sono stati realizzati nel corso di diversi mesi trascorsi in isolamento nella campagna polacca, in un villaggio chiamato Dry Forest, località remota priva di connessione a internet; questo deliberato allontanamento ha permesso a Knut di confrontarsi con temi concettuali come la struttura, il processo, la durata. In questo contesto, la sua pratica pittorica si configura come un esercizio di riduzione e attenzione, in cui minime deviazioni acquistano significato e la tensione tra controllo e dissoluzione rimane sospesa.

L'artista stesso afferma: "nella pittura cerco di affidarmi completamente all'intuizione, perché nella sua essenza mi sembra la forma più pura. Per coltivare questa qualità nel mio lavoro, rinuncio a ogni forma di preparazione". Per le sue opere trae ispirazione dall'arte astratta geometrica del Novecento, in particolare da maestri meno noti; le sue opere risuonano di questa tradizione ma ne superano i confini, libere dai vincoli della formula e oltre le tendenze storiche di riferimento. Molte delle sue opere sono costruite da linee sovrapposte, sottilissime e aerografate, sviluppate mediante un processo più vicino alla costruzione tessile che al gesto pittorico: qui la forma non viene affermata, ma accumulata, emergendo gradualmente da ripetizione e densità. Sottili variazioni tonali e scarti quasi impercettibili generano superfici che appaiono silenziose e controllate, pur mantenendo un senso latente di movimento e creando una continua illusione spaziale. (Comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

Immagine:
Tycjan Knut, On Formality 24, 2025, photo credit The Artist courtesy of Cadogan Gallery

---

Saul Leiter
"Una finestra punteggiata di gocce di pioggia"

05 marzo 2026 - 19 luglio 2026
Palazzo Pallavicini - Bologna
www.mostrasaulleiter.it

Vertigo Syndrome, in collaborazione con diChroma photography, Saul Leiter Foundation, il patrocinio del Comune di Bologna e con la curatela di Anne Morin, presenta la grande mostra dedicata a Saul Leiter, uno dei più raffinati maestri della fotografia del XX secolo. L'esposizione riunisce 126 fotografie in bianco e nero, 40 fotografie a colori, 42 dipinti e rari materiali d'archivio - tra cui riviste originali d'epoca e un documento filmico. La mostra comprende sia stampe vintage che moderne, primi lavori sperimentali e celebri immagini di moda realizzate per testate come Harper's Bazaar. Un percorso che mette in luce ciò che distingue Leiter dai suoi contemporanei e spiega perché la sua opera continua a ispirare generazioni di fotografi.

L'allestimento è concepito anche come un'esperienza immersiva e partecipativa: la disposizione degli spazi, delle luci e dei punti di vista invita i visitatori a osservare e a fotografare come faceva lo stesso Saul Leiter. Alcune sezioni della mostra sono studiate per consentire al pubblico di sperimentare in prima persona le sue modalità di inquadratura e composizione, ricreando giochi di riflessi, trasparenze e frammenti visivi tipici del suo sguardo poetico.

Mentre i fotografi della sua epoca miravano a rappresentare la grandezza e la modernità di New York, Saul Leiter scelse una via opposta: trasformare la quotidianità in poesia visiva. Nelle sue immagini il reale diventa lirico - il vapore che sale dai tombini, gli ombrelli nella pioggia, i riflessi sulle vetrine - frammenti discreti e sognanti di una città colta più per allusioni che per descrizioni. La sua visione rifiuta l'approccio documentaristico dominante del dopoguerra per creare invece "haiku fotografici", brevi rivelazioni dove realtà e astrazione si fondono. "Leiter si divertiva con ciò che vedeva. Non era interessato al carattere egemonico di New York o alla sua mostruosa modernità - spiega la curatrice Anne Morin -. Inventava giochi ottici, intrecci di forme e piani che nascondono e rivelano ciò che si cela negli intervalli, nelle vicinanze, nei margini invisibili."

Viviamo un paradosso affascinante: mentre gli algoritmi perfezionano ossessivamente ogni pixel, il pubblico, logorato da instagram, torna a desiderare ciò che è fuori fuoco, appena evocato, impreciso. L'arte, ancora una volta, vive di contraddizioni. Foto che altri avrebbero scartato ma che Saul Leiter ha invece cercato e sono il cuore della sua poetica: l'ostruzione diventa linguaggio, il taglio fotografico non centrato diventa stile. Leiter avrebbe rifiutato la perfezione ossessiva dei nostri contemporanei, preferendo la sporcatura casuale e naturale alla definizione perfetta.

A differenza dei colleghi che cercavano nitidezza e definizione, Leiter abbracciava l'imperfezione, fotografando attraverso vetri appannati, tende, pioggia o neve - elementi che trasformava in parte integrante della composizione. Le sue immagini, dense di livelli e trasparenze, sfumano il confine tra fotografia e pittura. Già nel 1948 iniziò a sperimentare con il colore, in un'epoca in cui questo era considerato commerciale o frivolo. Leiter invece ne fece un linguaggio poetico, anticipando di decenni l'accettazione del colore nell'arte fotografica. Le sue tonalità audaci e vellutate trasformano le scene di strada in composizioni astratte e sensuali, attirando presto l'attenzione del mondo della moda. Collaborò così con Esquire, Harper's Bazaar e, nei due decenni successivi, con Show, Elle, British Vogue, Queen e Nova.

La mostra sottolinea la doppia identità di Leiter come pittore e fotografo, rivelando come la sua sensibilità pittorica abbia modellato il suo sguardo fotografico. La sua formazione nelle arti visive gli permise di affrontare la fotografia a colori con un'eleganza e una delicatezza uniche, trattando ogni immagine come una tela. "Non ho una filosofia. Ho una macchina fotografica - diceva Leiter -. Guardo attraverso l'obiettivo e scatto. Le mie fotografie sono solo una piccola parte di ciò che vedo e che potrebbe essere fotografato. Sono frammenti di possibilità infinite."

Antidivo per natura, refrattario alla fama, Leiter pubblicò e mostrò solo una parte del suo vasto corpus. Molti negativi rimasero inediti, custodendo l'aspetto più intimo e poetico della sua ricerca. Nel 2018, cinque anni dopo la sua morte, emerse una serie poco conosciuta di nudi in bianco e nero - scattati tra la fine degli anni '40 e i primi anni '60 - realizzati in collaborazione con le donne della sua vita.Il suo lavoro, intriso di un ordine segreto e di un equilibrio misterioso, rivela il poeta nascosto dietro il fotografo.

Figlio di un noto rabbino, Saul Leiter abbandonò gli studi religiosi per dedicarsi all'arte. Nel 1946 si trasferì a New York per dipingere, entrando presto in contatto con artisti come Richard Pousette-Dart e W. Eugene Smith, che incoraggiarono la sua attività fotografica. Fin dagli anni giovanili sperimentò con pellicole Kodachrome 35 mm, ritraendo amici, passanti e scorci di strada nei dintorni della sua casa dell'East Village. Dopo un periodo di successo nella fotografia di moda, visse due decenni lontano dai riflettori. La pubblicazione della monografia Early Color (2006) segnò la sua riscoperta internazionale, consacrandolo come pioniere della fotografia a colori. Le sue opere oggi fanno parte delle collezioni dei maggiori musei del mondo - dal Whitney Museum of American Art al Victoria and Albert Museum - confermandone il ruolo di figura chiave nella storia della fotografia moderna. Saul Leiter è morto il 26 novembre 2013 nella sua casa di New York.

La Saul Leiter Foundation, fondata nel 2014, conserva e promuove il suo archivio - un patrimonio di fotografie, dipinti e oggetti personali - attraverso mostre, pubblicazioni e attività culturali. Dopo il centenario della nascita celebrato nel 2023 con The Unseen Saul Leiter e Saul Leiter: The Centennial Retrospective, la Fondazione continua a far emergere nuovi capitoli del suo straordinario universo visivo. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci - Sergio Campagnolo)

---

Cinque artisti per cinque materiali
Benedini, Coletta, Cuschera, De Marchi, Ōki

05 febbraio (inaugurazione) - 19 marzo 2026
Paula Seegy Gallery - Milano
www.paulaseegygallery.com

Dedicata alla scultura contemporanea, la collettiva - a cura di Luigi Sansone - riunisce artisti che da anni conducono una ricerca rigorosa e personale intorno alla materia. Legno, rame, ferro, acciaio e vetro diventano strumenti di conoscenza, organismi vivi, attraversati dal tempo, dalla memoria e dall'energia. In mostra le opere di Gabriella Benedini, che affida al legno - spesso recuperato e già segnato da un vissuto precedente - il compito di raccontare storie di trasformazione e rinascita; di Pietro Coletta, che nel rame individua un principio vitale e alchemico, capace di sprigionare luce, calore ed equilibrio spirituale; di Salvatore Cuschera, che piega e tende il ferro fino a renderlo sorprendentemente dinamico e instabile; di Riccardo De Marchi, che lavora l'acciaio come una superficie da attraversare, scavare e aprire, trasformandola in un campo di segni e di ritmo; e di Izumi Ōki, che sceglie il vetro per costruire architetture di luce e trasparenza, in cui forma e spiritualità coincidono.

L'esposizione mette in dialogo queste cinque esperienze in un percorso unitario, in cui la scultura si rivela come pratica di ascolto della materia e come spazio di incontro tra visibile e invisibile. Il progetto espositivo si inserisce idealmente in una linea di continuità con le grandi sperimentazioni delle avanguardie storiche del Novecento, in particolare con il Futurismo, primo movimento artistico a concepire l'arte come intervento totale sull'esistenza e a introdurre l'uso libero e innovativo dei materiali. Dai "complessi plastici" di Balla e Depero alle riflessioni di Boccioni sulla distruzione della nobiltà tradizionale del marmo e del bronzo, la materia diventa veicolo di dinamismo, energia e visione. È proprio questo spirito di ricerca che anima ancora oggi il lavoro degli artisti in mostra.

Gabriella Benedini lavora il legno come materia archetipica, portatrice di memoria e di tempo. I materiali di recupero, spesso provenienti da fasciami di barche, conservano le tracce di una vita precedente che l'artista non cancella ma trasforma. Nelle sculture Vele (2024-2025), una nera e una bianca, la materia vissuta si apre a una dimensione simbolica e spirituale: forme concave sospinte dal vento, metafora di un viaggio interiore oltre la realtà fisica. La dualità yin/yang, il tema della trasformazione continua e il rispetto profondo per la natura rendono l'opera di Benedini una riflessione poetica sul tempo, sulla rinascita e sull'energia che permane nella materia.

Il rame è invece il materiale elettivo di Pietro Coletta, scelto per il suo potente valore simbolico e alchemico. Metallo associato alla vitalità, alla luce e all'equilibrio spirituale, il rame nelle sue sculture diventa superficie sensibile, capace di catturare e riflettere l'energia del fuoco. Attraverso bruciature, ossidazioni e accostamenti con legno, ferro e vetro, Coletta indaga il rapporto tra luce e ombra, reale e virtuale, materia e trascendenza. Opere come Soglia, Dardo di Zeus o Incanto si configurano come portali simbolici, luoghi di passaggio tra il visibile e l'invisibile, dove la scultura diventa espressione dell'anima.

Salvatore Cuschera utilizza il ferro per creare forme tese, dinamiche, in equilibrio precario. La sua profonda conoscenza delle tecniche di forgiatura e saldatura gli consente di trasformare un materiale pesante e resistente in strutture che sembrano sfidare la gravità. In opere come Fuori diagonale o Tavola del deserto, il ferro si carica di valenze simboliche: passaggi, soglie, archetipi legati alla nascita, al viaggio e alla spiritualità. Il vuoto, l'aria, lo spazio interno alle sculture diventano elementi costruttivi essenziali, contribuendo a una riflessione sull'equilibrio tra ordine e disordine, forza e leggerezza.

La ricerca di Riccardo De Marchi si fonda su un gesto tanto elementare quanto radicale: il foro. Da oltre quarant'anni l'artista incide, perfora e modula superfici di acciaio, alluminio e plexiglas, costruendo un linguaggio personale basato su punto, linea e piano. I suoi lavori evocano antiche scritture, geoglifi, partiture musicali e fenomeni naturali, generando sequenze ritmiche di vuoti e pieni. I "buchi" di De Marchi non sono assenze, ma aperture verso uno spazio altro, inviti a guardare oltre la superficie per cogliere l'ordine nascosto della realtà.

Con Izumi Ōki la materia si fa luce. Le sue sculture, realizzate esclusivamente in vetro, amplificano lo spazio e dialogano con l'architettura attraverso trasparenze, rifrazioni e ritmi luminosi. La forma nasce da una necessità interiore e si traduce in strutture essenziali, cariche di spiritualità. Opere come Pensiero danzante, Onda architettonica o Torre cattedrale trasformano il vetro in un medium poetico capace di unire leggerezza, energia e armonia, evocando una visione cosmica in cui caos e ordine trovano un equilibrio perfetto.

La galleria, in collaborazione con l'Archivio Giacomo Benevelli, nell'ambito del progetto di Milano MuseoCity presenta il lavoro di Giacomo Benevelli Liason#100, realizzato in marmo di Carrara. L'esposizione si configura così come un percorso intenso e coerente, in cui la scultura contemporanea riafferma il proprio ruolo di spazio di ricerca, conoscenza e visione. Materiali e sensibilità diversi, un'unica tensione verso l'essenza profonda della materia e del fare artistico. (Comunicato ufficio stampa IBC Irma Bianchi Communication)

Immagine:
Gabriella Benedini, Vela bianca e Vela nera, 2008-2024/2025, vetroresina e ferro su legno cm 230x96 e 248x88 © Fabio Viganò

---

William Kentridge
"Sharpen Your Philosophy"

29 gennaio (inaugurazione) - 28 marzo 2026
Galleria Lia Rumma - Milano
www.liarumma.com

L'artista sudafricano, noto a livello internazionale per i suoi film animati, disegni, arazzi, sculture e produzioni teatrali e liriche, torna ad esporre a Milano consolidando la collaborazione, quasi trentennale, con la Galleria Lia Rumma, sviluppatasi negli anni grazie a numerosi progetti permanenti e temporanei in Italia. Per questo nuovo progetto espositivo, Kentridge presenta un poetico e variegato corpus di opere recenti - disegni e stampe, diorama, sculture in alluminio e bronzo di grandi e medie dimensioni, video installazioni - che riflettono l'esplorazione continua di temi complessi come lo sradicamento, l'identità e la natura sfuggente della conoscenza.

Nella sala al piano terra, Kentridge ripercorre metaforicamente il viaggio via mare che nel 1941 alcuni intellettuali europei in fuga dalla guerra e dalle persecuzioni naziste intrapresero da Marsiglia alla volta della Martinica. Tra loro c'erano il surrealista André Breton, l'antropologo Claude Lévi-Strauss, il pittore cubano Wilfredo Lam. Una storia che ricorre in diverse opere esposte, che si sfiorano, si contaminano, senza perdere la loro singolarità, costruendo una geografia di distanze e risonanze, un insieme di accordi e di intonazioni più che un'armonia compiuta. Sharpen Your Philosophy, l'opera che dà il titolo alla mostra, è un paravento che segna l'inizio di questo viaggio, evocando una migrazione forzata verso un futuro sconosciuto, in un mondo destinato a ripetere i suoi errori.

Sono temi che si rintracciano anche nelle maschere in cartoncino montate a parete, tenute davanti ai volti dei performer, nella recente opera teatrale di Kentridge The Great Yes The Great No (titolo di una poesia del poeta greco Konstantinos Kavafis), come pure nelle sculture della serie Paper Procession esposte al piano terra e al primo piano: silhouettes antropomorfe realizzate da frammenti di carta strappata ricavati da un registro siciliano del XIX secolo e replicate a olio su sottili fogli di alluminio, danno corpo e forma, come racconta l'artista, a figure di burattini o anche alla forma di alberi, che popolano un mondo di esuli.

Nella grande video installazione To Cross One More Sea, che racconta il viaggio del '41 e riecheggia nella sua composizione una nave che ondeggia in acque profonde, Kentridge allontana l'opera dal suo specifico contesto storico trasformandola in una sorta di nuova arca eretta a simbolo delle innumerevoli migrazioni forzate del passato e del presente.

I piani superiori ospitano sculture in bronzo, disegni e stampe, oltre ad alcuni elementi - un leporello e vinili accompagnati da disegni originali - che ripercorrono le scene realizzate da Kentridge e le musiche composte da Philip Miller per il progetto Triumphs and Laments, il monumentale fregio sul Lungotevere a Roma del 2016, ormai quasi del tutto "cancellato" dal tempo.

Il video Fugitive Words (2024), all'ultimo piano, mostra le mani dell'artista che sfogliano le pagine di uno dei suoi taccuini - parte vitale del suo processo creativo - dove compaiono una moltitudine di disegni animati a china e carboncino: schizzi, ritratti di Kentridge e dei suoi genitori, quasi maschere funebri, ma anche spartiti, diagrammi, elenchi e frasi, una lunga sequenza in cui persino gli strumenti da disegno prendono vita per creare un paesaggio emotivo di memoria e trasformazione. Tracce sfocate di un pensiero in costante divenire, dove nulla è definitivo e tutto può generare connessioni, contaminazioni e forme inattese. Il disegno Seven Kitchen Objects, omaggio dell'artista alle nature morte di Giorgio Morandi, crea un collegamento con alcune opere di Kentridge presenti a Milano nelle diverse sedi della mostra Metafisica / Metafisiche, tra Palazzo Reale e Palazzo Citterio.

William Kentridge (Johannesburg - Sudafrica, 1955) è riconosciuto a livello internazionale per i suoi disegni, film, produzioni teatrali e operistiche. Il suo metodo combina disegno, scrittura, cinema, performance, musica, teatro e pratiche collaborative per creare opere d'arte radicate nella politica, nella scienza, nella letteratura e nella storia, mantenendo al contempo uno spazio di contraddizione e incertezza. Dagli anni Novanta, il lavoro di Kentridge è stato presentato in musei e gallerie di tutto il mondo. Le sue produzioni operistiche includono Il flauto magico di Mozart, Il naso di Šostakovič e le opere Lulu e Wozzeck di Alban Berg, presentate in importanti teatri lirici. Nel 2016 Kentridge ha fondato a Johannesburg il Centre for the Less Good Idea, uno spazio dedicato al pensiero e alla creazione reattiva attraverso pratiche artistiche sperimentali, collaborative e interdisciplinari.

Le sue opere sono presenti nelle collezioni dei musei e delle istituzioni più prestigiose, oltre che in importanti collezioni private in tutto il mondo. Kentridge vanta inoltre una lunga storia di mostre e progetti in Italia, tra cui personali al Castello di Rivoli (2004), al MAXXI di Roma (2012), a Palazzo Branciforte a Palermo (2023) e a Palazzo Collicola a Spoleto (2025), oltre al monumentale fregio Triumphs and Laments, realizzato sul Lungotevere a Roma nel 2016. Attualmente il suo lavoro è esposto allo Yorkshire Sculpture Park; tra i progetti futuri del 2026 figurano l'opera L'Orfeo al Glyndebourne e mostre personali alla Kunsthalle Praha di Praga e al BOZAR di Bruxelles. (Comunicato stampa)

Immagine:
William Kentridge, Sharpen Your Philosophy, 2025, indian ink, pastel, charcoal, pencil crayon and wood

---

Valente Taddei
"Solilunio: racconti a colori"

06 febbraio (inaugurazione) - 14 marzo 2026
Villa Argentina - Viareggio (Lucca)
www.mercurioviareggio.com

In esposizione una serie di recenti dipinti a olio e china su carta: sintetici lavori dal taglio narrativo, nei quali un minuscolo individuo - inconfondibile protagonista delle opere di Taddei - si ritrova in situazioni costantemente in bilico tra ironia e paradosso. L'artista propone una lettura metaforica della condizione umana, sdrammatizzando, con sottile ironia, il senso di vuoto e di caducità che l'uomo può provare dinanzi al proprio destino. La mostra, patrocinata dalla Fondazione Carnevale di Viareggio, è curata da Gianni Costa ed è organizzata dalla galleria Mercurio Arte Contemporanea di Viareggio in collaborazione con la Provincia di Lucca.

Così osserva lo scrittore Ernesto Franco nel testo introduttivo del catalogo che correda la mostra: "Nelle opere di Valente Taddei, nelle sue figure, c'è una dismisura. Nei suoi colori, un urlo. C'è una tonalità dominante - un blu, un rosso, l'alba di un viola, il crepuscolo di un azzurro: è la profondità dello spazio, che in un punto poi si attenua e lascia trasparire il laser della linea. E il laser brucia. Perché nella linea ci sono il racconto e il senso. E c'è l'uomo particella. Non è piccolo, anzi minimo, l'uomo particella: sono immense le cose con cui ha a che fare. E' questo il verso della dismisura".

Valente Taddei (Viareggio, 1964), diplomato all'Accademia di Belle Arti di Carrara, ha all'attivo un nutrito curriculum espositivo, con numerose personali e collettive sia in Italia che all'estero. Ha eseguito illustrazioni per copertine di libri (per i tipi di: Mauro Baroni Editore, Viareggio; Giulio Einaudi Editore, Torino; Alberto Gaffi Editore, Roma; FrancoAngeli Edizioni, Milano) e cd musicali, per riviste (Notizie Lavazza, Cfr:), per siti Internet. Nel 2008 ha illustrato con 10 tavole inedite il saggio "Pandora, la prima donna" di Jean-Pierre Vernant, pubblicato da Einaudi nella collana 'L'Arcipelago'. Ha realizzato il logo e il manifesto ufficiale dell'edizione 2013 di EuropaCinema, festival cinematografico internazionale con sede a Viareggio, e il manifesto ufficiale del Carnevale Pietrasantino 2014. Nel 2020 e nel 2026 il quotidiano Il Tirreno gli ha commissionato la realizzazione del Manifesto del Carnevale di Viareggio dedicato ai lettori della testata. (Comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Valente Taddei, Icaro, olio e china su carta cm 56x76
2. Valente Taddei, Solilunio, olio e china su carta cm 56x76

---

The New American West: Photography in Conversation
11 marzo - 07 aprile 2026
Galleria 10 Corso Como - Milano
www.10corsocomo.com

Una riflessione su come l'idea dell'American West sia stato costruito, mitizzato e reinventato attraverso la fotografia nell'arco di quasi un secolo. Co-curata da Alessio de' Navasques, Howard Greenberg e Carrie Scott, la mostra esalta la fotografia come strumento sia di documentazione sia di proiezione. Le opere contemporanee di Maryam Eisler e Alexei Riboud sono messe in dialogo diretto con fotografie di Edward Weston, Paul Strand, Diane Arbus, Esther Bubley, Mary Ellen Mark, Robert Adams, Joel Meyerowitz, Lee Friedlander, Wright Morris, Minor White, Allen Ginsberg, Wim Wenders e molti altri. Nel loro insieme, tracciano l'evoluzione del West dall'inizio del XX secolo a oggi, rivelando non un'unica narrazione, ma un'idea stratificata e in continua evoluzione, plasmata da ambizione, spaesamento, bellezza e contraddizione.

Howard Greenberg è uno dei massimi esperti a livello mondiale di fotografia del XX secolo e fondatore della Howard Greenberg Gallery di New York. Critico di moda e curatore, Alessio de' Navasques focalizza la sua ricerca sulle intersezioni tra moda e arte visiva. È curatore del programma culturale della Galleria di 10 Corso Como. Carrie Scott è storica dell'arte, curatrice e fondatrice di Seen.art, una piattaforma dedicata ad ampliare la comprensione e l'accessibilità dell'arte contemporanea.

Lo sguardo contemporaneo di Eisler e Riboud riattiva le opere storiche provenienti dall'archivio Greenberg, dimostrando come ancora oggi la dimensione del West non sia soltanto un luogo fisico, ma anche uno spazio di pensiero, riflessione e confine. Ne emerge un paesaggio rarefatto e metafisico, osservato attraverso i grandi nomi della fotografia americana, così come attraverso le visioni di fotoreporter e autori di nicchia.

Le opere storiche - che spaziano dal modernismo essenziale di Strand e dai paesaggi scultorei di Weston alle osservazioni sociali di Bubley e ai ritratti implacabili di Arbus - non sono trattate come reperti nostalgici, ma come immagini vive che continuano a influenzare l'immaginario occidentale odierno. Il cuore del progetto rimane il viaggio intrapreso nel 2024 da Eisler e Riboud attraverso Texas, New Mexico, Arizona e Utah. Lavorando fianco a fianco ma in modo indipendente, i due artisti hanno fotografato gli stessi territori senza condividere le immagini, producendo risposte visive radicalmente diverse. Il lavoro di Eisler è cinematografico, intuitivo e carico di significato psicologico; quello di Riboud è essenziale, architettonico e contemplativo. Accostate ai capolavori storici, le loro fotografie ribadiscono una premessa centrale della mostra: l'American West più che un luogo è una domanda ricorrente, continuamente riscritta da chi lo attraversa.

La mostra suggerisce che la nostra comprensione dell'America - e degli ideali un tempo proiettati sul West - è in continua evoluzione. Senza ricorrere a dichiarazioni politiche, The New American West riflette su ciò che il West ha promesso in passato: libertà, opportunità, reinvenzione - ideali spesso costruiti su esclusione e difficoltà. La fotografia diventa il mezzo attraverso cui queste tensioni vengono preservate, analizzate e riviste. (Estratto da comunicato Ufficio stampa 10 Corso Como)

---

All'ombra simile o a un sogno
By Claudia Corrent

03 febbraio (inaugurazione) - 07 marzo 2026
Foto Forum - Bolzano-Bozen
foto-forum.it

Mostra a cura di Sabine Gamper, progetto espositivo di Anni Seligmann.

_ A fuoco, fuori luce
di Davide Dal Sasso

L'alternarsi del giorno alla notte, l'aprirsi e il chiudersi delle palpebre. L'affiorare di dettagli altrimenti invisibili, la ricerca dell'ombra per gioire di un po' di frescura nascondendosi al sole. L'instancabile dinamismo degli esseri viventi. La si consideri dal punto di vista che si preferisce, ma quell'onda elettromagnetica che corre velocissima nel vuoto rende continuamente manifesto il suo imprescindibile ruolo in avvicendamenti, variazioni, movimenti. La luce è ritmo. Possiamo riconoscerlo nelle dinamiche della natura e rilevarlo con taluni artifici, in particolare con la fotografia. Un andamento ben noto alla fotografa Claudia Corrent che con il progetto All'ombra simile o a un sogno si è cimentata nell'impresa di riuscire a rendere visibile quel ritmo lasciandosi ispirare da un passo dell'Odissea in cui Ulisse, sceso nell'Ade, incontra l'ombra della madre e prova per tre volte ad abbracciarla ma senza successo poiché lei è ormai eterea.

A interessare Corrent è tanto l'irregolarità di quella presenza quanto l'immediato rinvio alla dimensione onirica, tipicamente intangibile seppure intensa ma non necessariamente nitida; spesso, infatti, dei sogni si rimembrano frammenti lontani e sfocati, se non persino la completa assenza di qualsiasi dettaglio. Dunque, come porsi rispetto a quel ritmo? La risposta Corrent non la dà, ma lascia che si possa riconoscere una condizione decisiva che contraddistingue le sue fotografie: più siamo inclini a dire si tratti di ombre, più dovremo ammettere che comunque qualcosa lo stiamo vedendo. Ed ecco il punto che Corrent ci invita a considerare: va così poiché non possiamo discorrere solo del buio, bensì altrettanto della luce.

Vi è qualcosa di specifico che, per sua natura, una fotografia rende visibile: lo spazio circoscritto entro il quale è resa manifesta la traccia di un certo rapporto con la luce. Niente di così elementare. Se, infatti, prestiamo la dovuta attenzione riconosceremo che la stessa possibilità di apprezzare o criticare ciò che viene mostrato si basa necessariamente su quel rapporto, poiché la luce è imprescindibile tanto per mostrare quanto per vedere ciò che una fotografia ritrae o raffigura. La luce ne è all'origine e sarà poi nuovamente cruciale per i diversi modi di esercitare gli sguardi. Oltre a questo doppio ruolo la luce ne ha poi anche un altro, legato in profondità alla instabilità ontologica che caratterizza le immagini.

Quest'ultima si deve a una condizione che conosciamo bene: le immagini sono di qualcosa ma anche per uno sguardo. In altri termini, nel momento in cui ci chiediamo che cosa sono le immagini ci ritroviamo a fare i conti con il loro ricorrente oscillare tra quelle che possiamo chiamare due 'dimensioni', una oggettiva (l'immagine è nel mondo) e una soggettiva (l'immagine è nella mente). Proprio in questo terzo ambito, nel quale la luce diviene il punto critico della ordinaria instabilità dell'immagine fotografica, si palesa la questione che Corrent sta affrontando da tempo, quella della sua essenza. Che quello con la luce sia un rapporto di un certo tipo significa che essa è determinante per la differenziazione dei gradi di visibilità di ciò che una fotografia mostra.

Un gruppo di persone sedute, forse ritratte in un interno; una casa in un bosco; un serpente; un pulcino appena uscito dall'uovo; una farfalla; il dettaglio in primissimo piano di un occhio. 'Che cosa stiamo vedendo?' Ecco, questa non è la domanda giusta: più corretto sarebbe invece chiedersi 'Come lo stiamo vedendo?' Ebbene, potremmo rispondere riconoscendo che ciascuna fotografia ci mostra quei soggetti in modo tale da farci continuamente scoprire la luce in quanto ritmo: nelle intermittenze delle presenze, negli intervalli tra tangibile e intangibile. Naturalmente, si dirà che davanti a noi non c'è nessun pulcino e neppure la casa o la farfalla. Corretto.

Ma vi è la loro immagine, ossia il frutto del lavoro che Corrent ha svolto per renderla visibile pur costringendone la visibilità. Queste sue immagini sono a fuoco ma, potremmo dire, 'fuori luce'. È così che Corrent riesce a restituire la luce come ritmo. Ma, si noti, non si tratta di una mera soluzione tecnica. Un notevole investimento di luce determina che l'immagine sia sovraesposta, mentre un investimento minimo o nullo che essa sia sottoesposta. Piuttosto che ridurlo a frutto dell'espediente tecnico, Corrent riesce a convertire quel divario, tra ciò che vi è nel perimetro della fotografia e la luce che siamo pronti a dire non vi sia, rendendolo direttamente la imprescindibile condizione di possibilità per le sue opere. Che cosa significa questo?

Consideriamo tre sue fotografie, ossia quelle che in ordine ritraggono una finestra aperta, due donne in altalena, un dente tenuto da due dita. L'ordine non è casuale poiché ciascuna attesta che il grado di visibilità cambia in stretto rapporto alla possibilità di lavorare sul bilanciamento tra messa a fuoco (offrire qualcosa di visibile entro la cornice della fotografia) e differenziazione della riconoscibilità attraverso il fuori luce. Infatti, la finestra è visibile sulla base del contrasto tra la luce del cielo e il buio della stanza; più difficile distinguere le due donne che si confondono nella radura, complice anche il taglio verticale dell'immagine; a mala pena riusciamo a riconoscere il dente e le due dita. Per Corrent riuscire ad attuare il fuori luce significa modulare la presenza della luce per modellare la resa dell'immagine.

Abbiamo bisogno di luce (esterna alla fotografia) per riconoscere, per esempio, quell'automobile che va in fiamme in un'altra delle sue fotografie. Al palesarsi della luce (interna alla fotografia) rileviamo il ritmo e ciò accade anche se passiamo da una immagine all'altra (la serie e i diversi modi di esporle sono certamente di aiuto). Ma se, da una parte, proprio la luce determina che qualcosa possa sempre sfuggire, dall'altra, fa sì che lo sguardo sia catturato per riuscire a scoprire in una immagine qualcosa nonostante Corrent lo mostri al limite della visibilità. Insistiamo pure a dire che non stiamo vedendo, nel farlo quel che invece appare è l'esposizione della luce in quanto ritmo. (Comunicato stampa)

---

Il Simbolismo in Italia
Origini e sviluppi di una nuova estetica 1883-1915

14 marzo - 28 giugno 2026
Fondazione Magnani-Rocca - Mamiano di Traversetolo (Parma)
www.studioesseci.net

Bellezza, mistero, ossessione. Una delle più grandi mostre mai dedicate al Simbolismo italiano. Più di 140 opere - dipinti, sculture, incisioni - rivelano al grande pubblico la stagione più visionaria dell'arte italiana tra Otto e Novecento: un capitolo che si sviluppò in dialogo serrato con una tendenza internazionale che muoveva da varie declinazioni del preraffaellismo e da una cultura francese e mitteleuropea che aveva in Gustave Moreau e Arnold Böcklin alcuni dei suoi principali riferimenti.

Eppure la via italiana al Simbolismo seppe elaborare una propria fisionomia, riconoscibile nella convergenza tra istanze spirituali e la costante riflessione sul mito e sul paesaggio capace di tenere insieme tradizione e modernità. La natura come organismo vivente, il mito come esperienza perturbante, la figura femminile come presenza ambivalente, il paesaggio come spazio dell'interiorità, il segno grafico come veicolo dell'invisibile: sono i nuclei tematici delle sette sezioni della mostra, concepite per restituire tutta la complessità e l'ampiezza dell'immaginario simbolista italiano.

La mostra, curata da Francesco Parisi e Stefano Roffi, compie un'operazione critica necessaria: distingue gli artisti che elaborarono consapevolmente un lessico simbolista da quelli che aderirono occasionalmente a mode iconografiche. Ne emerge la ricostruzione filologica di un linguaggio autonomo, sviluppato in dialogo serrato con le ricerche europee ma dotato di caratteri propri.

Tra gli artisti in mostra: Giovanni Segantini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Gaetano Previati, Arnold Böcklin, Edward Burne-Jones, Franz von Stuck, Max Klinger, Domenico Morelli, Giulio Aristide Sartorio, Galileo Chini, Luigi Russolo, Leonardo Bistolfi, Adolfo Wildt, Giulio Bargellini, Adolfo De Carolis, Francesco Paolo Michetti, Plinio Nomellini, Emilio Longoni, Ettore Tito, Carlo Fornara, Duilio Cambellotti, Felice Carena, Alberto Martini, Cesare Saccaggi, Libero Andreotti, Ettore Ximenes, Mario De Maria, Mariano Fortuny.

Il percorso espositivo illumina le ragioni storiche di una ricezione più tarda rispetto a Francia, Belgio e area mitteleuropea, e documenta gli scambi decisivi: la permanenza di Arnold Böcklin a Firenze, il milieu preraffaellita attivo tra Roma e Firenze, i soggiorni di Max Klinger, l'influenza della colonia dei Deutsch-Römer. Ne emerge un quadro in cui l'Italia non è periferia, ma laboratorio di soluzioni formali elaborate in costante confronto con l'Europa. Sette sezioni per un viaggio nell'immaginario simbolista.

Sezione I - Alle soglie del Simbolismo: tra teoria e letteratura
Il contesto culturale degli anni Ottanta e Novanta dell'Ottocento, con le figure di D'Annunzio, Angelo Conti, Vittore Grubicy. Le prime esperienze pittoriche coerenti con la nuova sensibilità: Marius Pictor, Giuseppe Cellini, il gruppo di In Arte Libertas, gli esordi di Giulio Aristide Sartorio. In mostra l'Isaotta Guttadauro, esempio eminente della declinazione preraffaellita romana.

Sezione II - Dalla storia al simbolo
La pittura di storia in Italia veniva progressivamente rielaborata alla luce di una nuova sensibilità alimentata e da un rinnovato interesse per il mito. I soggetti dell'antico cessavano di essere trattati in chiave narrativa per assumere una dimensione evocativa e sacrale. In questo contesto si collocavano i percorsi di Francesco Netti, Cesare Maccari Domenico Morelli, Giulio Bargellini, Luigi Conconi.

Sezione III - Nei boschi e nei mari degli dei
L'universo panico e visionario che legò l'Italia alla cultura mitteleuropea attraverso la ricezione dell'opera di Arnold Böcklin, Max Klinger e Franz von Stuck. In mostra Abisso verde di Sartorio, tra i capolavori assoluti del Simbolismo italiano, insieme ai lavori di Discovolo, Plinio Nomellini, Edoardo Dalbono, Cesare Laurenti e gli stessi Böcklin, Klinger e von Stuck.

Sezione IV - Veleno, desiderio e redenzione. La visione femminile
La figura femminile nei suoi poli simbolisti: santa e peccatrice, angelo e demone, corpo spirituale e corpo seduttivo. Opere di Galileo Chini, Alberto Martini, Cesare Ferro, una rara prova giovanile di Marussig. Particolare rilievo assume la Salomé di Glauco Cambon, conservata per oltre trent'anni in Israele, torna ora per la prima volta in Italia.

Sezione V - Geografie dell'invisibile. Il paesaggio
Il paesaggio diventa spazio mentale, proiezione di stati interiori. Dalle prime formulazioni del paysage d'âme fino ai divisionisti: Segantini, Longoni, Benvenuti.

Sezione VI - Il segno oscuro. L'illustrazione simbolista
Il disegno e le tecniche grafiche come ambiti di raffinatezza particolare. Opere di Alberto Martini, Costetti, Sartorio, Cambellotti.

Sezione VII - Ultime tendenze e sviluppi
La persistenza del Simbolismo oltre il 1910. Opere di Ferenzona, Ferrazzi, Gabrielli, Crema: testimonianze di una sopravvivenza elaborata e personale.

Catalogo e apparato scientifico. Il catalogo della mostra, curato da Francesco Parisi e Stefano Roffi, pubblicato da Dario Cimorelli Editore, costituisce un importante strumento critico sul Simbolismo italiano. Saggi di Alessandro Botta, Niccolò D'Agati, Mario Finazzi, Eugenia Querci, Sergio Rebora, Alessandra Tiddia, oltre ai contributi dei curatori. (Estratto da comunicato Ufficio stampa Studio ESSECI)

---

Paul Pretzer
"I'm still standing"

Michael Conrads, Riccardo Dapino, Sven Drühl, Antonio Gómez Bueno, Fukushi Ito, Spazio Pirotecnico
"Between gesture and digital code"

22 gennaio (inaugurazione) - 07 marzo 2026
A PICK GALLERY - Torino
www.apickgallery.com

___ "I'm still standing"

Paul Pretzer (Paide, Estonia, 1981) affronta il genere della natura morta trasformandolo in un teatro dell'assurdo, dove l'equilibrio formale convive con il disordine dell'esistenza. Le sue tele mettono in scena oggetti, creature ibride e situazioni apparentemente statiche che, a uno sguardo più attento rivelano tensioni latenti, umorismo nero e una sottile tragicommedia. Le opere di Pretzer evocano mondi fantastici popolati da chimere e figure enigmatiche, sospese tra il grottesco e il fiabesco. L'assurdo, la sfortuna e l'imprevisto diventano elementi narrativi centrali, richiamando tanto l'immaginario visionario di Hieronymus Bosch quanto la commedia nera di Tim Burton o il surrealismo di Dalí.

Anche quando il soggetto sembra appartenere alla tradizione della natura morta, gli oggetti si deformano, mutano funzione e identità, perdendo la loro neutralità per caricarsi di significati ambigui. Per Pretzer il contenuto segue la forma: è attraverso una composizione rigorosa, un uso controllato della luce e una raffinata tecnica pittorica che emergono soggetti strani e difficilmente decifrabili. Oggetti di uso quotidiano o completamente inventati convivono in un equilibrio precario, suggerendo storie che sfuggono a una lettura univoca, dove il confine tra ironia e tragedia è labile. Con I'm Still Standing, Pretzer dialoga apertamente con la storia dell'arte, citando i grandi maestri e al tempo stesso mettendone in discussione le convenzioni.

L'introduzione del grottesco, della farsa e della tragicommedia sovverte l'idea di serietà tradizionalmente associata alla pittura e, in particolare, alla natura morta, restituendole una vitalità disturbante e profondamente contemporanea. Questa capacità di coniugare virtuosismo tecnico, immaginazione e una critica sottile alle dinamiche della vita e dell'arte rende il lavoro di Paul Pretzer immediatamente riconoscibile e spiega l'attenzione crescente che la sua ricerca ha già suscitato nel panorama artistico e collezionistico nazionale e internazionale.

Paul Pretzer (Paide, Estonia, 1981) dal 2017 vive e lavora tra la Spagna e Berlino. Ha studiato alla Muthesius Kunsthochschule di Kiel (2002-05) e alla Hochschule für Bildende Künste di Dresda, dove ha conseguito il master dal Prof. Ralf Kerbach nel 2009. L'artista ha ricevuto il Premio Robert Sterl della Sammelstiftung Dresden (2009) e diverse borse di studio per le sue residenze d'artista.

___ "Between gesture and digital code"

La collettiva esplora il rapporto tra segno, gesto manuale, tradizione artigiana e linguaggi tecnologici/digitali. Il progetto mette in dialogo pratiche artistiche che fondono la dimensione fisica del fare - il gesto, la materia, l'artigianato - con le possibilità offerte dal codice digitale, dall'intelligenza artificiale e dalle tecnologie contemporanee. Le opere in mostra indagano come la tradizione artistica e le tecniche manuali si trasformano e si intrecciano con strumenti digitali, algoritmi, processi computazionali e nuove forme di immaginazione visiva.

Il titolo suggerisce una tensione dinamica tra ciò che è tattile, intuitivo, corporeo e ciò che è sintattico, logico e digitale: uno spazio in cui gesto e codice non si escludono ma si influenzano, dando forma a nuove estetiche e modalità di percezione. La collettiva riunisce artisti con percorsi e linguaggi differenti, accomunati dall'interesse per la relazione tra arte, gesto e tecnica. Pittura, disegno e scultura si manifestano come un linguaggio capace di assorbire e reinterpretare le logiche tecnologiche, senza rinunciare alla propria fisicità, su un terreno di confronto contemporaneo tra manualità e codice, percezione sensibile e costruzione artificiale, immagine dipinta e visione tecnologica.

La pittura di Michael Conrads (Grevenbroich, Germania, 1977) nasce da una struttura rigorosa: una griglia iniziale che funge da matrice quasi algoritmica, attraverso cui l'artista costruisce illusioni di profondità e prospettive instabili. Questo dispositivo ordinatore non è mai visibile come semplice schema, ma agisce come principio sotteso, capace di guidare la composizione e di attivare una complessa dinamica percettiva. Forme geometriche, monocrome o cromatiche, si ripetono, si sovrappongono e si modulano sollecitando lo sguardo dello spettatore. Pur restando ancorata alla tradizione del medium pittorico, la sua ricerca dialoga apertamente con le logiche dei sistemi digitali. Figure geometriche nette e la sovrapposizione di diversi materiali si fondono creando paesaggi astratti e illusioni spaziali. Una cifra tematica fondamentale della sua opera è la compenetrazione tra due mondi differenti, quello astratto geometrico e quello paesaggistico, che evocano nello spettatore un'esperienza del tutto unica.

La ricerca di Riccardo Dapino (Torino, 1982) si concentra sul disegno con strumenti tradizionali come grafite, pigmenti, pastelli e matite colorate, sperimentando supporti come la cartea, il marmo e il travertino. Nel suo lavoro ciò che nasce da un gesto lento e manuale si presenta allo sguardo come un'immagine nitida, compatta, quasi artificiale, al punto da evocare l'estetica della stampa o dell'elaborazione digitale. I soggetti, tratti dal mondo naturale, vengono ingranditi fino a perdere ogni riferimento immediato della loro origine. Funghi e strutture organiche si trasformano in superfici astratte e iperdefinite che sembrano il risultato di un processo tecnologico più che di un lavoro a mano. L'osservatore è così spinto a interrogarsi su ciò che vede, a ricostruire mentalmente l'immagine attingendo al proprio archivio visivo e alla memoria, in un processo di riconoscimento lento e meditativo.

Sven Drühl (Nassau, Germania, 1968) affronta il genere del paesaggio partendo dai fondali vettoriali dei videogiochi e delle simulazioni digitali. La sua pratica si colloca in un territorio ibrido, in cui la tradizione pittorica del paesaggio si confronta con le immagini generate per ambienti virtuali, mettendo in tensione natura, artificio e memoria visiva. Le sue tele evocano una natura apparentemente incontaminata e sorprendentemente familiare, che sembra attingere a un immaginario collettivo sedimentato. Tuttavia, questi paesaggi non derivano mai dall'osservazione diretta del reale. Attraverso un rigoroso processo pittorico, l'artista restituisce alla simulazione digitale una qualità contemplativa, rallentata, che appartiene storicamente alla pittura. Come nella realtà virtuale, i suoi scenari costruiscono spazi immersivi che appaiono paradossalmente più intensi e "veri" della natura stessa, interrogando i concetti di autenticità, riproduzione e rappresentazione. In questo slittamento tra virtuale e pittorico, Drühl riflette sul modo in cui oggi immaginiamo il paesaggio: non più come esperienza diretta, ma come costruzione mediata da schermi, archivi digitali e memorie artificiali.

Il lavoro di Antonio Gómez Bueno (Cantabria, Spagna, 1964) si forma all'interno delle sottoculture del surf, dello skate e dello ska, ambienti in cui il gesto, la velocità e l'immagine seriale convivono naturalmente. Entrato in contatto con la street art ha sperimentato interventi diretti nello spazio pubblico, unendo azione performativa, comunicazione visiva e ironia politica. Al centro della sua ricerca rimane il segno: un tratto gestuale, fluido e istintivo che, pur nascendo dal disegno manuale e dall'illustrazione, assume una qualità sorprendentemente affine al linguaggio digitale. Le sue immagini sembrano spesso generate o moltiplicate da processi grafici contemporanei, pur mantenendo una forte componente fisica e artigianale. In questo continuo scambio tra gesto analogico e immaginario digitale, la sua opera costruisce un linguaggio ibrido, capace di connettere culture visive del passato e del presente, trasformando il disegno in uno spazio di attraversamento tra manualità e tecnologia.

La ricerca di Fukushi Ito (Nagoya, Giappone, 1952) si fonda sul concetto di ricomposizione e sulla trasformazione dell'immagine attraverso processi digitali. Le sue opere nascono al computer, dove frammenti visivi, fotografie, segni e geometrie vengono elaborati, sovrapposti e trasformati in composizioni complesse e instabili. La luce, i neon, i light box e le superfici trasparenti dialogano con immagini generate digitalmente, creando strutture ibride in cui memoria, percezione e tecnologia si intrecciano. In questo processo l'immagine non è mai fissa, ma appare come un organismo in continua evoluzione, che invita lo spettatore a confrontarsi con una realtà visiva fluida, aperta e sempre in divenire. Il suo lavoro si sviluppa così interamente attraverso l'uso del computer, trasformando il linguaggio digitale in materia poetica e visiva.

Gli artisti di Spazio Pirotecnico presentano una serie di opere in cui il disegno, il gesto e la materia si confrontano con la tridimensionalità, la tecnologia e la sperimentazione dei materiali. Le sculture di BohDo - realizzate da Piero Brarda (Torino, 1943) e Ditjan Muça (Peshkopi, Albania, 1993) - e quelle di Francesca Lopetuso (Roma, 1979) individuano nei disegni di Brarda elementi latenti, curve, punti, ombre, trasformandoli in volumi, strutture e forme che superano la bidimensionalità della carta. Ciò che nasce come segno manuale si evolve così in oggetto, scultura, spazio. Le installazioni trasformano lo spazio in un campo visivo dinamico, dove la ricerca tecnica si intreccia con immaginazione e gioco, dando forma a visioni sospese tra sogno e costruzione.

Ad aggiungersi in questo dialogo Paula Daher (Mendoza, Argentina, 1990) presenta Ánimas, installazione interattiva che si costruisce su più livelli: una struttura tecnologica basata su programmazione, data science e sistemi elettrici, e una dimensione visivo-uditiva in cui la videoarte generativa traduce questi dati in forme, velocità e suoni. Ogni interazione modifica l'opera, rendendo visibile la relazione tra corpo e sistema, tra arte e algoritmo. (Estratto da comunicato stampa)

---

Zin Taylor
"Propylon Stela"

21 gennaio (inaugurazione) - 31 marzo 2026
Quartz Studio - Torino
www.quartzstudio.net

Prima mostra personale in Italia dell'artista canadese Zin Taylor (Calgary, Canada, 1978). Il titolo della mostra suggerisce l'immagine, comune sia in ambito archeologico che nella narrativa di fantascienza, di una soglia, di un varco di accesso ad una dimensione altra. L'installazione per Quartz Studio utilizza una selezione della produzione scultorea di Zin Taylor (ambient tokens) per creare una narrazione specifica per lo spazio. Gli ambient tokens sono tavolette simili a lastre che levitano sulla parete. Variano per dimensioni e colore e sono goffrate con un linguaggio familiare di unità geometriche colorate.

La creazione di ciascuna tavoletta utilizza un indice di elementi illustrati, dipinti e ritagliati da cartoncino e polimero, che vengono pressati in un'argilla sintetica sensibile al tempo. I materiali sono sintetici perché le idee sono sintetiche. Si tratta di copie, riferimenti e appropriazioni, proiezioni memetiche vissute a livello subculturale e ritradotte in alfabeti cuneiformi di diverso colore e forma. Queste generano un linguaggio astratto enigmatico, strettamente legato all'idioma ludico-geometrico che caratterizza il lavoro di Paul Klee durante i suoi anni di insegnamento al Bauhaus.

Il lavoro di Taylor utilizza segnali visivi familiari per esplorare le divisioni malleabili e misteriose tra concetto e materiale. Il suo processo analizza la costruzione e l'iscrizione della forma attraverso specifiche storie culturali, indagando come gli oggetti possano tradurre il pensiero e come le idee astratte possano trovare un'articolazione tangibile attraverso un dialogo in cui i pensieri su un soggetto vengono tradotti in forme relative a quel soggetto. (Estratto da comunicato stampa)

---

Victoria Stoian
"Cel mai iubit dintre pămȃnteni"

15 gennaio (inaugurazione) - 28 febbraio 2026
SIMONDI Gallery - Torino
www.simondi.gallery

C'è una domanda che attraversa il romanzo Cel mai iubit dintre pămȃnteni (Il più amato tra i terrestri) di Marin Preda come una lama: cosa resta dell'essere umano quando tutto ciò che lo circonda tenta di sottrargli la libertà - la politica, la storia, il mito stesso del progresso? Victoria Stoian, che della cultura evocata da Marin Preda porta un'impronta profonda, accoglie questa domanda e la spinge oltre: la conduce alla terra. Non un suolo metaforico o pacificato, ma una materia viva e minerale, capace di conservare l'eco delle mani, dei conflitti, dei gesti domestici e delle cicatrici di chi l'ha attraversata.

La mostra, a cura di Irene Biolchini, nasce qui, in questo incrocio tra memoria, amore per la propria terra ed esigenza di essere nel mondo. Il più amato tra i terrestri è lo specchio di una società in cui l'individuo è costretto a misurarsi costantemente con le ombre del potere. Victoria Stoian riparte da questo romanzo per recuperarne la lezione più profonda: quella di un essere umano che cerca nella materia un modo per non scomparire. Nelle sue opere non c'è allegoria: c'è corpo. Non c'è distanza: c'è una vicinanza che brucia.

Le tovaglie ricamate da sua nonna, esposte come fossero superfici geologiche che dialogano con le sculture in terra cruda, incarnano questo principio. Non sono reliquie né nostalgie: sono un passato che ancora pesa, che non si lascia romanticizzare. La loro trama custodisce un'ostinazione quotidiana, una forma di resistenza silenziosa, femminile, domestica - ma niente affatto docile. Sono l'inizio di una genealogia che non idealizza la famiglia, bensì ne mostra la materialità: fili tirati, bordi consumati, gesti ripetuti fino a diventare linguaggio.

In questo dialogo entra anche il bronzo, materiale ancestrale che nelle nuove sculture rimette in circolo rituali, simboli e forme radicate nella tradizione moldava. Le sculture e i tessuti - entrambi ripresi e trasformati nei dipinti - diventano motivi, presenze totemiche, frammenti di un immaginario che affonda nelle pratiche comunitarie, nei riti contadini, nei gesti trasmessi di generazione in generazione. Questa rete di segni costruisce un linguaggio visivo che è memoria incarnata: ciò che si trasforma ma non si estingue. In esse sta la prima risposta alla domanda del romanzo: la libertà non è un concetto, è una fibra.

La libertà e l'amore sono l'intreccio capace di tenere assieme pittura e scultura, la terra cruda e il cielo, un cielo che nelle tele di Stoian rifiuta ogni trascendenza. Non è un cielo medievale, né sacro, né metafisico: è un cielo terrestre, un cielo che pesa. Un cielo moldavo rosa e azzurro - in una tonalità mai più ritrovata dall'artista in nessun altro orizzonte - attraversato dalla luce bassa delle alture e dalla calma dopo le tempeste. Uno spazio che si offre allo sguardo ma non lo eleva: lo riconduce al suolo. È il cielo che, nel romanzo, Victor Petrini osserva disteso sulla terra nera, quando sente che la sola promessa di pace è la vicinanza radicale al mondo, non la fuga da esso. Stoian intercetta quella stessa vibrazione e la trasforma in pittura: il cielo non come promessa, ma come appartenenza. Ecco quindi apparire l'orizzonte per la prima volta nella sua pittura: quel legame che tiene assieme terra e cielo, amore e libertà.

Dentro la tela la scrittura compare e scompare. A volte è timbro, a volte ferita; altrove è cancellazione deliberata, forma di pudore o di dissenso. Una frase, soprattutto, ritorna come un'intuizione antica: "dacă dragoste nu e, nimic nu e..." - se l'amore non c'è, niente c'è. Stoian la lascia affiorare, poi la ricopre di pittura: ne resta un fantasma, un'eco. Nel romanzo la coscienza del protagonista è costretta a interrogarsi sul senso dell'etica, della sopravvivenza, della dignità; nelle opere di Stoian la parola diventa un sedimento emotivo, qualcosa che esiste anche quando non è più visibile. Come se la pittura dicesse: ciò che è necessario resta, anche se è nascosto.

La mostra procede così, per stratificazioni: non sono capitoli, ma zone di densità. Ogni opera è un frammento di un racconto più grande, una stazione di un viaggio che non è lineare ma circolare, come la memoria stessa. Le figure, quando appaiono, non hanno identità definite: sono terrestri, pământeni, esseri che portano il suolo sul volto e nelle mani. Sono la terra che cade e che si rialza, come i personaggi di Preda costretti a misurarsi con la brutale logica della storia.

Ciò che emerge è una politica senza slogan: una politica del vivente. Le tele trattengono la tensione tra corpo e potere, tra radice e sradicamento, tra la possibilità di essere e l'obbligo di adattarsi. Ma attraverso questo groviglio materico, Stoian costruisce una via d'uscita che non è ideologica: è affettiva. L'amore, nella sua opera, non è sentimento romantico: è forza generativa, condizione necessaria per qualsiasi idea di equità. Amore come possibilità di riconoscere l'altro, di ascoltare la sua voce anche quando balbetta, di custodire la sua vulnerabilità.

Per questo le sue superfici sono così fisiche, così imperfette, così cariche di tracce: perché l'amore, che nel romanzo appare come ultimo baluardo contro la disumanizzazione, qui diventa pigmento, gesto, trama. Si manifesta come un atto di responsabilità: se l'amore manca, manca il mondo; se l'amore si sottrae, nessuna libertà è possibile. In Pământeni, Victoria Stoian non illustra Preda. Lo estende. Ne porta il pensiero al presente, dove le forme della coercizione sono mutate ma non scomparse, e dove la terra - reale, politica, simbolica - resta il luogo da cui ripartire per immaginare un'altra possibilità di esistere. Una possibilità fragile, ma essenziale: quella di essere, finalmente, terrestri. (Irene Biolchini)

---

---

---

Elisa Abela
"La belva che sei"

15 gennaio (inaugurazione) - 28 febbraio 2026
Maja Arte Contemporanea - Roma
www.majartecontemporanea.com

Maja Arte Contemporanea inaugura la prima collaborazione con Elisa Abela, presentando una mostra personale che riunisce circa trenta opere - una selezione di lavori su carta datati 2020-2022 e un nucleo inedito di dipinti su tela del 2025. Protagonisti assoluti sono gli animali: un piccolo bestiario che spazia dal domestico al selvatico, dall'aria all'acqua, fino alle creature più inattese. Figure autonome e solitarie, portatrici di una presenza irriducibile, emergono dalla superficie del dipinto come alter ego, specchi e controcanti del nostro umano.

La scelta di lavorare sul soggetto animale attraversa questo ciclo di opere come un terreno di ricerca specifico, non simbolico in senso stretto. Gli animali di Abela non rappresentano tipi né allegorie stabilite, ma presenze singolari, sottratte a dinamiche di gruppo e a qualsiasi gerarchia narrativa. In questa condizione di isolamento e sospensione di ruoli e funzioni, l'artista individua uno spazio di prossimità: una possibilità di osservazione non mediata, in cui l'animale non è chiamato a "dire" qualcosa, ma semplicemente a essere.

Il titolo della mostra - a cura di Matteo Di Castro - riprende una delle frasi che accompagnano le opere, La belva che sei, e rimanda a una pratica ricorrente in questa serie: l'inserimento di brevi testi che affiancano o attraversano le immagini. Non si tratta di didascalie né di commenti esplicativi, ma di enunciati essenziali, talvolta formulati in seconda persona, che entrano in relazione con la figura senza chiuderne il senso. Le parole non spiegano l'immagine né la guidano, ma ne costituiscono un ulteriore livello, una soglia di risonanza che resta aperta all'esperienza dello sguardo. La belva che sei non indica un'identità da svelare, ma una molteplicità da attraversare, un campo di presenze in continua trasformazione.

Elisa Abela (Catania, 1980) vive e lavora in Francia, dove affianca alla ricerca visiva un'attività musicale costante. Il suo lavoro si sviluppa attraverso disegno, pittura, libro d'artista e pratiche performative e video, spesso in dialogo con il collettivo canecapovolto, con cui ha realizzato numerosi progetti espositivi e audiovisivi. Ha tenuto mostre personali e partecipato a esposizioni in diverse sedi in Italia, tra cui s.t. foto libreria galleria (Roma), Bocs (Catania), AOC F58 - Galleria Bruno Lisi (Roma) e Interzone Galleria (Roma).

Parallelamente ha sviluppato una ricerca articolata sul libro d'artista, presentata in mostre e pubblicazioni dedicate. Nel 2017 e 2018 alcune sue opere sono entrate nella Collezione Donata Pizzi e sono state successivamente esposte nella mostra L'altro sguardo. Fotografe italiane 1965-2018, a cura di Raffaella Perna, presso il Palazzo delle Esposizioni di Roma. Nel 2021 una parte significativa della sua produzione di libri d'artista è stata acquisita nella collezione di Tiane Doan na Champassak. Nel 2024 ha partecipato al programma di residenza artistica dell'Associazione Lizières (Épaux-Bézu, Francia), sviluppando il progetto mostra-atelier Enjoy Panic e collaborando con scuole e realtà locali per progetti di arti visive e musicali. (Comunicato stampa)

Immagine:
Elisa Abela, Fenicotteri, 2025, smalto, acrilico, pastelli ad olio, grafite su tela cm 69.5x63

---

---

Autorotella
08 gennaio (inaugurazione) - 29 marzo 2026
Casa della Memoria - Catanzaro

A vent'anni dalla scomparsa di Mimmo Rotella, tra i maggiori protagonisti della scena artistica internazionale, la Fondazione Mimmo Rotella rende omaggio al grande artista con il progetto espositivo, Autorotella, a cura di Alberto Fiz. Le opere si sviluppano attorno ai suoi autoritratti e sono esposte in un luogo di particolare valore simbolico e storico, denso di ricordi e testimonianze, la Casa della Memoria di Catanzaro, casa-museo dove l'artista è cresciuto accanto alla madre modista.

La rassegna prende spunto da una serie di opere conservate all'interno della Casa della Memoria per poi arricchirsi con preziose testimonianze messe a disposizione dalla Fondazione Mimmo Rotella in un'esposizione intitolata Autorotella con diretto riferimento all'autobiografia dell'artista che racconta in forma diaristica gli avvenimenti che lo hanno coinvolto tra il 1966 e il 1970. Si viene così a creare una stretta relazione tra parola e immagine nell'ambito di una rassegna che può essere letta come una dichiarazione di poetica, un modo originale per indagare il maestro del décollage attraverso la disseminazione della propria immagine.

Le opere selezionate spaziano in un percorso che va dal 1969 al 1999 proponendo una sintesi di tecniche e stili: da Autoportrait, tela emulsionata del 1969, per giungere a Autoritratto napoleonico, lamiera con interventi di décollage e sovrapittura, passando attraverso un'altra lamiera dove compare l'artista con la figlia Asya sulle spalle. Non manca poi una scultura in bronzo con i tratti del motociclista e alcuni disegni autoironici e caricaturali.

Da Picasso a Warhol, da Giacometti a Bacon, l'affermazione del sé rappresenta una componente determinante di un'arte che rivolge il proprio sguardo all'interno, a un soggetto solo in apparenza stabile. Nel caso di Rotella la pratica dell'autoritratto è scevra da ogni forma di narcisismo autoreferenziale con l'artista che pone sé stesso come parte di un sistema semantico articolato dove il proprio volto può essere strappato, manipolato, ridipinto o reso iconico attraverso la maschera. Rotella mette così in discussione la propria immagine sottoponendola alla medesima forza di abrasione che agisce su altri contesti quali la pubblicità, l'universo cinematografico o il paesaggio urbano. Autorotella appare dunque come un percorso particolarmente attuale per indagare la poetica di un artista che, a vent'anni dalla scomparsa, non ha perso la propria forza trasgressiva e dirompente. (Estratto da comunicato Ufficio stampa Lara Facco P&C)  

Immagine:
Mimmo Rotella, Autoritratto Napoleonico, 1992-1999, sovrapittura su lamiera, cm 100x75, Courtesy Fondazione Mimmo Rotella

---

Mimmo Rotella. 1945-2005
23 aprile 2026 (inaugurazione) - 13 settembre 2026
Palazzo Ducale - Genova
Presentazione

---

---

Linosa: prosegue l'evoluzione del progetto Nereidee
L'iniziativa che recupera e valorizza competenze, energie e potenzialità della comunità di una delle più piccole isole del Mediterraneo, con il sostegno della Fondazione Sanlorenzo.
aquietplace.it  | sanlorenzofondazione.org

La Spezia, 28 novembre 2025 - In un contesto che, come molte piccole isole, affronta difficoltà di continuità sociale ed economica, Nereidee offre un segnale di inversione di tendenza: tre giovani linosani decidono di investire sul proprio territorio, trasformando un'idea in un'opportunità concreta. Si chiamano Flora, Dario e Paolo i tre microimprenditori che, con il sostegno della Fondazione Sanlorenzo, hanno dato vita a Nereidee, un progetto semplice nella forma ma ambizioso nella visione: valorizzare il territorio di Linosa e le sue risorse, umane e ambientali, per costruire nuove opportunità economiche non legate esclusivamente al turismo.

L'iniziativa si sviluppa lungo più direttrici. Una di queste riguarda la creazione di giardini botanici e la reintroduzione dell'Apis mellifera siciliana, la cosiddetta ape nera, una specie minacciata dalla contaminazione genetica con altre popolazioni alloctone. Grazie alla sua insularità, Linosa offre un contesto ideale per tutelare la purezza di questa specie, favorendone la sopravvivenza e, nel tempo, la produzione di miele e altri prodotti apistici di qualità. Ma Nereidee non si limita alla dimensione apistica. Il progetto punta più in profondità: recuperare e rigenerare le risorse locali, rafforzare la biodiversità, creare nuove competenze e occasioni di lavoro, e soprattutto dare spazio a un modello di sviluppo che mette al centro la cura dell'ambiente e la continuità della vita sull'isola. Una visione che, passo dopo passo, contribuisce a migliorare Linosa e a renderla un luogo capace di generare futuro.

Dario e Paolo, fratelli inseparabili, condividono una passione per la natura che li ha spinti a studiare all'Università di Palermo Scienze agrarie e forestali l'uno e Scienze naturali con specializzazione in Biodiversità e Biologia ambientale l'altro. Flora, invece, è animata da un forte impegno sociale e per i diritti civili. Dopo aver studiato come Assistente sociale prima a Palermo e poi a Bologna, lavora a Lampedusa, occupandosi delle difficoltà quotidiane degli abitanti.

"A muoverci è stato senz'altro il desiderio di tornare a casa, alla nostra Itaca: ma volevamo farlo con un presente e futuro in tasca, che desse un senso anche agli investimenti che i nostri genitori hanno fatto per sostenerci negli studi" raccontano i tre fondatori. "Nereidee racchiude in nuce ogni nostra passione: l'amore per la nostra casa, le sfide legate alla sua sopravvivenza e alla continuità, la tutela dell'ambiente e della flora e fauna della nostra isola; l'obiettivo è di preservare il suo fragile ecosistema dando vita ad un'attività imprenditoriale, nella produzione di miele e derivati apistici, che ci possa garantire di vivere felici qui tutto l'anno, non solo nel quadrimestre estivo".

Il progetto, sostenuto dalla Fondazione che ha come mission la tutela delle piccole isole del Mediterraneo, è partito da uno studio di fattibilità e con l'identificazione dei terreni, allora in disuso, più vocati per la nuova impresa. La costituzione dell'Associazione ha posto le basi, insieme ai fondi raccolti, per avviare il progetto. Oggi, dopo la bonifica dei terreni e l'avvio dei lavori per due bacini di raccolta dell'acqua, sia per aiutare l'irrigazione che per favorire la fauna migratoria, ha preso avvio la piantumazione: salvia, rosmarino, timo e lavanda, 4.000 piante messe a dimora.

A vestire le recinzioni, saranno invece erica e passiflora, mentre con l'arrivo della primavera verranno disegnati spazi fioriti con margherite e diverse varietà di aglio ornamentale. In parallelo, è iniziata anche la raccolta e la messa a dimora delle piante endemiche di Linosa: sono stati raccolti i semi e piantati il Pancratium maritimum (giglio marino), un fiore bianco molto ornamentale, e una varietà locale di aglio selvatico, pianta mellifera e di grande valore paesaggistico, capaci di offrire un effetto scenico molto suggestivo. Al fine di rafforzare le colonie e assicurarne la sopravvivenza, la prima produzione di miele sarà avviata solo nei prossimi anni.

Continuano i tre fondatori, "la piantumazione è stata un momento speciale di condivisione e solidarietà, vissuto fin dall'attesa al molo di ponente insieme a tante persone accorse per sostenere l'iniziativa. Dall'arrivo delle piantine alla messa a dimora, il calore, la partecipazione e le tante forme di collaborazione spontanea hanno mostrato un forte senso di appartenenza a una comunità ancora profondamente radicata, riempiendoci di gioia e gratitudine. Questa non è solo un'iniziativa: è una scelta concreta. Un modo per restituire qualcosa alla nostra terra e costruire, insieme, un ambiente che continui a vivere. E a far vivere."

"Nereidee è un piccolo grande progetto, nella sua semplicità" commenta Cecilia Perotti, che guida la Fondazione insieme al fratello Cesare e al padre Massimo. "La sua forza sta nella capacità di riportare sull'isola persone, competenze e nuove forme di vita e lavoro, generando valore e occasioni di incontro. È un passo avanti anche sul piano sociale, e per noi un motivo di orgoglio: dimostra che contribuire in modo concreto alla crescita della propria terra è possibile".

---

La Fondazione Sanlorenzo nasce nel 2021 dalla volontà dei suoi fondatori, Massimo Perotti insieme ai figli Cecilia e Cesare, di sostenere quelle comunità che più̀ di tutte affondano nel mare le proprie radici, ovvero le piccole isole italiane. L'obiettivo è colmare il divario con la terraferma mettendo a disposizione strumenti e opportunità per preservare e valorizzare il patrimonio socio-culturale, economico e ambientale di queste terre. La Fondazione concentra il proprio impegno su tre ambiti di intervento prioritari.

Educazione e crescita, attraverso progetti rivolti agli studenti delle isole, come "La Lettura non isola", un laboratorio di scrittura creativa che promuove gemellaggi tra scuole della terraferma e delle isole, e il "Bando Oltremare", che offre borse di studio a chi deve proseguire gli studi superiori dell'obbligo fuori dal proprio territorio. Innovazione e impresa, con percorsi e strumenti di sostegno rivolti a realtà locali, per promuovere e sostenere iniziative che generino valore sociale ed economico oltre la stagionalità turistica. Infrastrutture essenziali, infine, con azioni mirate a migliorare l'accesso a servizi fondamentali come sanità e istruzione, per garantire condizioni di equità e pari diritti ai cittadini delle piccole isole. (Comunicato stampa Ufficio stampa White Lady - a quiet place)

---

---

La scomparsa del Maestro Ernesto Piccolo
30 dicembre 2025

Nato a Catanzaro nel 1936, Ernesto Piccolo arriva a Firenze giovanissimo al seguito della famiglia. Dopo essersi formato presso l'Istituto d'Arte e l'Accademia di Belle Arti del capoluogo toscano, negli anni Sessanta entra in contatto con l'ambiente culturale fiorentino frequentando il Gabinetto Viesseux. Qui l'incontro col poeta Mario Luzi si consolida in un duraturo e fruttuoso rapporto di amicizia e di reciproca ispirazione. Esercita l'insegnamento da titolare della cattedra per le tecniche di incisione presso le Accademie di Belle Arti di Palermo, Venezia e Firenze.

Tra le mostre personali più importanti degli ultimi anni si ricordano l'antologica Una grande avventura lirica e umana presso Palazzo Piccolomini di Pienza nel 2002, I luoghi della mente tra luce e colore presso l'Accademia delle Arti del Disegno di Firenze nel 2010, e sempre a Firenze La poetica del colore e della forma presso Palazzo Medici Riccardi nel 2013 e Compenetrazioni cromatiche prezzo Palazzo Panciatichi nel 2016. L'ultimo grande lavoro è la realizzazione di un ciclo di opere dedicato a Gioacchino Da Fiore e ancor più a Dante Alighieri e alla sua Divina Commedia, poi esposto nel 2019 presso il Centro Internazionale di Studi Gioachimiti di San Giovanni in Fiore (CS) e presso l'Accademia delle Arti del Disegno di Firenze e, tra il 2021 e il 2022, presso i prestigiosi spazi della Certosa di Firenze. (Francesco Ciaffi - Edarcom Europa Galleria d'Arte Contemporanea - Roma)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Ernesto Piccolo, Composizione con vasi, olio su tela cm 50x60
2. Ernesto Piccolo in una recente foto a Roma
3. Ernesto Piccolo, Il castello degli spiriti magni, olio su tela cm 100x150
4. Ernesto Piccolo, Paesaggio, olio su tela cm 40x50

---

Van Dyck l'Europeo
Il viaggio di un genio da Anversa a Genova e Londra

20 marzo - 19 luglio 2026
Palazzo Ducale - Genova
www.palazzoducale.genova.it

Mostra dedicata alla straordinaria opera di uno degli artisti più iconici della storia dell'arte internazionale e tra i più amati dal grande pubblico. Un "genio", appunto, perché è stato in grado di scavalcare i secoli e incontrare il gusto, per contenuti e tecnica pittorica, di diversi contesti sociali e di molte epoche storiche. Van Dyck fu un artista che riuscì a mettere a sistema una serie di soluzioni e di sensibilità provenienti da vari ambienti e, nello stesso tempo, a tradurle in formule innovative. L'eccezionalità della mostra - che si propone come una retrospettiva aperta a uno sguardo internazionale - si deve al numero davvero straordinario di opere di Van Dyck (58 in dieci sezioni tematiche), prestate dai più grandi e autorevoli musei d'Europa, oltre che da prestigiose fondazioni e collezioni internazionali.

Van Dyck fu un pittore europeo, nel senso letterale del termine: saranno presentate opere dell'importante periodo italiano tra il 1621 e il 1627, in cui Genova ebbe un ruolo centrale, ma anche numerose opere eseguite nei diversi momenti della carriera del pittore, nelle Fiandre, sua patria, e a Londra, dove venne chiamato a lavorare per il re Carlo I d'Inghilterra. La parabola artistica del pittore corre sul filo della storia anche economica e politica dell'Europa. La mostra vuole essere, così, un viaggio alla scoperta del Van Dyck di "tre patrie" e di "tre stagioni" distinte, che condurrà il visitatore non in un percorso strettamente cronologico, ma con proposte tematiche che più chiaramente testimoniano come la sua arte sia stata in grado di adattarsi e di maturare. Ma soprattutto di conquistare il gusto e il favore di tutti, allora come oggi.

In mostra ci saranno tele di grandi dimensioni e il visitatore verrà naturalmente immerso in vere e proprie scene teatrali, piene di colori, di personaggi, di suggestioni. Non ci sarà, però, soltanto il Van Dyck ritrattista, attività che lo ha reso celebre e che certo verrà rappresentata con opere di ogni stagione della sua attività, da Anversa, all'Italia, all'Inghilterra. Il visitatore scoprirà, forse per la prima volta, il Van Dyck delle opere sacre: un mix di teatro e pathos, religione e sentimento, che sarà più coinvolgente di quanto si possa pensare, per la pura bellezza della sua pittura e per la capacità, comunque e sempre, di sedurre il suo pubblico.

Nella sezione dedicata al sacro saranno presentate opere celebri, come il grande Matrimonio mistico di Santa Caterina proveniente dal Prado di Madrid o l'intenso San Sebastiano dalla Scottish National Gallery di Edimburgo, ma anche alcuni straordinari inediti, con l'Ecce Homo di collezione privata europea. E inoltre, eccezionalmente staccata dall'altare della piccola chiesa di San Michele di Pagana (Rapallo) per essere finalmente ammirata da un pubblico internazionale, sarà esposta a Palazzo Ducale l'unica pala a destinazione pubblica che Van Dyck esegue per la Liguria: una monumentale Crocifissione di grande intensità.

Le collezioni civiche genovesi avranno un ruolo rilevante nell'accogliere i tanti visitatori da fuori Genova, ma anche i genovesi, grazie a un percorso di valorizzazione dei dipinti di Van Dyck e dei suoi contemporanei nordici allestiti nei meravigliosi spazi dei Musei di Strada Nuova (Palazzo Rosso e Palazzo Bianco). L'incanto e lo stupore della mostra di Palazzo Ducale potranno proseguire infatti grazie alla segnalazione di itinerari a Genova, città dove Van Dyck risiedette a lungo e dove ha lasciato segni tangibili della sua presenza. Il catalogo è edito da Allemandi e avrà una edizione inglese a cura della casa editrice belga Hannibal Books. (Estratto da comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

---

Zandomeneghi e Degas
"Impressionismo tra Firenze e Parigi"

27 febbraio - 28 giugno 2026
Palazzo Roverella - Rovigo
www.palazzoroverella.com

In dialogo, per la prima volta in maniera organica, un protagonista dell'arte italiana dell'Ottocento e uno dei nomi più incisivi della scena europea: Federico Zandomeneghi (Venezia 1841 - Parigi 1917) ed Edgar Degas (Parigi 1834 - 1917). L'esposizione, curata dalla storica dell'arte Francesca Dini, ricostruisce il rapporto intenso - talvolta spigoloso, sempre fecondo - che unì i due artisti nel corso di una lunga amicizia parigina. Il percorso espositivo illumina affinità, rimandi e sorprendenti convergenze tra due maestri capaci di ridefinire lo sguardo moderno ed è reso unico da prestiti nazionali e internazionali di straordinaria qualità, provenienti da importanti musei e collezioni.

La storiografia dell'epoca descrive Zandomeneghi e Degas come due personalità dal carattere non facile, ma accomunate da una profonda stima reciproca. Degas fu per Zandò un maestro e un mentore e il pittore italiano definiva il collega "l'artista il più nobile e il più indipendente dell'epoca nostra", mentre Degas lo chiamava, con leggero sarcasmo affettuoso, "le vénetien", alludendo all'orgoglio con cui il collega difendeva la propria identità italiana all'interno dell'ambiente impressionista. La mostra indaga in modo puntuale gli scambi, le influenze e gli arricchimenti che, in questo confronto costante, alimentarono l'opera di entrambi.

Il racconto prende avvio a Firenze, città in cui i due artisti - seppur in momenti diversi - maturarono parte della loro formazione. Degas vi giunse nel 1858 e trovò nel Caffè Michelangelo un luogo di dialogo creativo con i giovani pittori toscani. Qui approfondì lo studio della pittura rinascimentale e affinò il proprio linguaggio grazie al contatto con gli artisti legati alla poetica della "macchia", come Vincenzo Cabianca.

Il soggiorno fiorentino portò Degas verso una pittura attenta alla vita contemporanea, e fu in questo contesto che prese forma il suo capolavoro giovanile, La famiglia Bellelli: proviene dal museo Ordrupgaard di Copenaghen il prezioso quadro preparatorio, per la prima volta esposto in Italia, evento davvero straordinario anche per la delicatezza della tecnica a pastello che ne ha fin qui sempre scoraggiato il prestito. Accanto alle opere di Degas, come i ritratti di Thérèse de Gas e di Hilaire de Gas, prestito eccellente del Musée d'Orsay, trovano spazio confronti inediti con alcuni capolavori macchiaioli, tra cui Cucitrici di camicie rosse di Odoardo Borrani, il Ritratto di Augusta Cecchi Siccoli di Giovanni Fattori, e Dalla soffitta di Giovanni Boldini.

La seconda sezione mette al centro gli anni italiani di Zandomeneghi, profondamente legato a figure come Giuseppe Abbati - di cui viene esposto il restaurato Monaco al coro (Museo e Real Bosco di Capodimonte) - e lo stesso Cabianca, rappresentato con studi di ciociare strettamente connessi al dipinto dei poveri che mangiano la zuppa sulla scalinata di una chiesa romana. È questo infatti il periodo in cui Zandò realizza l'opera che Manet ammirò a Brera: una testimonianza dell'energia creativa che precede la sua definitiva svolta parigina.

La mostra segue poi la conversione di Zandomeneghi all'impressionismo, avvenuta dopo il trasferimento a Parigi. Entrato nel vivace ambiente del Caffè Nouvelle Athènes, Zandomeneghi si ritrova parte di un gruppo affiatato di artisti e intellettuali: Mary Cassatt, Forain, Rouart, Tillot, Madame Bracquemond, Raffaelli. Nel 1878 lo raggiunge l'amico critico Diego Martelli, che favorisce nuovi scambi con Degas, Duranty e Pissarro. L'anno successivo, Zandò espone alla quarta mostra impressionista, in avenue de l'Opéra, dove Martelli viene ritratto sia da Degas sia dallo stesso Zandomeneghi.

Gli anni Ottanta, illustrati nella quarta sezione, segnano una stagione di piena maturità per l'artista veneziano. Opere come Mère et fille, Il dottore, Le madri, Visita in camerino, Al caffè Nouvelle Athènes testimoniano una partecipazione convinta al percorso impressionista, pur in dialogo costante con una ricerca personale. In mostra queste opere si confrontano con lavori di Degas quali Lezione di danza. Il percorso si chiude con l'anno 1886, ultima collettiva del gruppo impressionista, che segna una svolta: Zandomeneghi, pur rimanendo vicino ai compagni di stagione, evolve verso una sintesi più autonoma. La morbidezza della forma, la compostezza classica e un nuovo equilibrio narrativo caratterizzano dipinti come Sul divano, Il giubbetto rosso, La conversation, La tasse de thé e Hommage à Toulouse-Lautrec. È l'esito di un percorso personale e coerente, che offre una lettura limpida e al tempo stesso sorprendente del contributo italiano alla modernità europea.

Questa mostra non solo illumina un rapporto artistico di straordinaria vitalità, ma restituisce la complessità di un'epoca in cui Firenze e Parigi, la tradizione e l'avanguardia, la macchia e l'impressione, dialogavano in un intreccio serrato che continua a parlarci con forza. (Estratto da comunicato ufficio stampa Studio ESSECI, Sergio Campagnolo)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Federico Zandomeneghi, Visita in camerino, collezione privata
2. Edgar Degas, Classe de ballet, 1880 ca., collezione privata, Photo Credit: Dominic Büttner

---

Focus. 3 Artisti Israeliani.
Oded Feingersh / Moshe Kupferman / Yona Lotan

02 gennaio - 01 marzo 2026
MACT/CACT Museo e Centro d'Arte Contemporanea Ticino - Bellinzona
www.cacticino.net

Parallelamente alla seconda tappa del trittico espositivo dedicato a Maren Ruben, il MACT/CACT consacra due sale alle opere degli artisti Oded Feingersh (1938), Moshe Kupferman (1926-2003) e Yona Lotan (1926-1998). Gli autori appartengono ai classici moderni, che - nati nella prima metà del secolo - hanno contribuito in maniera preponderante allo sviluppo dell'arte, non solo israeliana, del dopo-guerra, inserendosi così in un bacino di produzione dell'arte molto più ampio, affiancati da figure come Naftali Bezem, Moshe Gershuni, Aharon Kahana, Raffi Lavie, Uri Lifshitz, Lea Nikel e Igael Tumarkin, per citare solo alcuni tra i più indicativi.

Questa generazione di artisti, che hanno contribuito a gettare le basi dell'arte israeliana a partire dalle grandi scuole europee, in particolare Parigi, rappresentano anche uno spaccato fortemente legato alla diaspora come elemento e vissuto culturali. Molti di loro sono nati, infatti, in diverse parti d'Europa, com'è il caso della Polonia per Kupferman o la Lituania per Lotan; caratteristica esperienziale, quella geografica, fondamentale per gli artisti. Dal punto di vista prettamente artistico e linguistico, i tre autori sviluppano, ognuno a modo suo, la cifra stilistica, che pregnerà con vigore tutta la produzione del dopo-guerra, e con la voglia di voltare pagina non solo culturalmente.

Moshe Kupferman (1926-2003) analizza e approfondisce, per pressoché tutta la sua vita, il linguaggio dell'astrazione, lavorando sulla percezione del colore e l'elaborazione delle campiture, (in)cosciente dell'influsso esercitato dalla stratificazione della pittura europea nei secoli. Attivo in ambito astratto o informale già negli anni 1960, è, però, solo a partire dal 1970, che Kupferman va oltre il gesto, definendo fino alla morte la sua lingua, ove il gesto medesimo racchiude una forte lavorazione del segno e del colore, quasi come un musicista entra in contatto fisico col proprio strumento. Di Kupferman, vengono esposte opere - appunto - dal 1973 fino al 2000, pochi anni prima del sua morte.

Diversa la storia personale e professionale di Yona Lotan (1926-1998), nato in Lituania ed emigrato nel 1936 in Palestina, ingegnere di formazione, si dedicherà dal 1959 - e per tutta la sua vita - alla pittura da autodidatta. Parigi ha sicuramente avuto un influsso rilevante sulla sua arte, che passa dolcemente dalla figurazione, per quanto elaborata, dei primi anni 1960 verso forme di astrazione dell'oggetto, senza mai davvero cadere nell'astrattismo, sia di stile che di maniera. Le sue coppie di amanti, i suoi paesaggi naturali, ma soprattutto quelli urbani, così come l'impeto della sua vasta produzione, fanno di lui un artista eclettico, sfuggente di fronte all'ortodossia accademica.

Oded Feingersh (1938), è anch'egli il testimone di una cultura fortemente occidentale, il cui linguaggio è pure figlio della sua epoca. I contorni ludici e teatrali della sua generazione, in un piacevole equilibrio tra arte ed illustrazione, ci fanno presagire la società Pop degli anni 1960, dove gli aspetti giocosi sono caratteristica di apertura e cambiamento epocale. Nella sua pratica, Feingersh non taglia con la Storia, ma cerca e trova corrispondenze anche con il surrealismo di un Magritte e di un Delvaux. Oded Feingersh, se non poetico, è quasi un disegnatore di fiabe, e a tratti un curioso illustratore metaforico dell'esistenzialismo umano. (Mario Casanova, Bellinzona, 2025)

Immagine:
Moshe Kupferman, "Senza titolo", 1979, tecnica mista su carta, cm 70x100, firmata e datata in basso a sinistra, collezione privata, Svizzera

---

MAG2
23 dicembre 2025 - 28 febbraio 2026
Studio la Città - Verona
www.studiolacitta.it

Lo spazio di una galleria d'arte contemporanea, oltre a concretizzare un ruolo culturale, è un luogo che coesiste con il suo equivalente "non luogo" nell'epoca contemporanea dematerializzata: chissà se lo avrebbe definito così anche il compianto antropologo Marc Augé… Questo spazio può essere considerato con intenti diversi: contenitore "sacro" o spazio istituzionale?

Il contenitore sacro si concentra sulla neutralità fisica e metafisica dello spazio espositivo per isolare l'opera, preservarne la "purezza" e sottrarla a tutti gli indizi esterni che potrebbero interferire con il suo statuto artistico. Lo spazio della galleria è progettato secondo leggi rigorose: finestre sigillate, pareti bianche e illuminazione proveniente dal soffitto. concettualmente l'arte si trova in una sorta di eternità espositiva, fuori dal tempo e dalle vicissitudini della vita reale. Questo ambiente è come uno spazio rituale o religioso, nel quale il mondo esterno non deve penetrare. Il contenitore è così potente che, una volta all'esterno, l'opera può perdere il suo statuto sacro per tornare a essere un oggetto secolare.

Lo spazio istituzionale rappresenta un'evoluzione in cui la galleria smette di essere un semplice "negozio di quadri" per diventare un attore culturale a tutto tondo; la mostra istituzionale è accompagnata da un'elevata rigorosità curatoriale e da attività di ricerca, spesso includendo pubblicazioni scientifiche e cataloghi un tempo riservati ai musei. La galleria assume così un ruolo di archivio e di memoria storica. L'istituzionalizzazione include anche la conservazione degli archivi degli artisti per offrire narrazioni storiche alternative oltre a creare valore sociale.

Da una parte il contenitore sacro, una lente che focalizza l'attenzione esclusivamente sull'oggetto per estrarne un'essenza artistica, dall'altra lo spazio istituzionale che lega l'opera alla storia, alla società e alla posterità e presuppone la galleria come luogo multi funzionale, oltre quello espositivo. MAG2 è un'esposizione che riprende, ripropone, ricollega, affonda le radici nel terreno fertilissimo di Studio la Città. Gli artisti e le opere sono associati e isolati con il più grande sforzo di neutralità; è vero, il percorso della galleria l'ha istituzionalizzata ma il pensiero originale era sacro e da quel valore si concretizza il presente e si diramerà il futuro. (Comunicato stampa)

---

Mimmo Rotella. 1945-2005
23 aprile 2026 (inaugurazione) - 13 settembre 2026
Palazzo Ducale - Genova
www.palazzoducale.genova.it

A vent'anni dalla scomparsa di Mimmo Rotella (1918-2006), una grande retrospettiva a uno dei protagonisti assoluti dell'arte italiana e internazionale del Novecento. La mostra, curata da Alberto Fiz e realizzata in collaborazione con la Fondazione Mimmo Rotella, ripercorre oltre sessant'anni di attività dell'artista, restituendo la complessità e l'attualità di una ricerca che ha segnato in modo radicale il rapporto tra arte, immagine e società contemporanea. L'esposizione analizza l'intero arco creativo di Rotella, dalle prime sperimentazioni astratte del secondo dopoguerra, influenzate dal surrealismo, fino alle Nuove Icone degli ultimi anni, realizzate attraverso collage e sovrapitture in cui l'universo mediale viene nuovamente sottoposto a un processo di destrutturazione e risignificazione.

Oltre cento opere provenienti da musei, fondazioni e collezioni pubbliche e private internazionali compongono un percorso articolato in cinque sezioni tematiche, che consente di riscoprire la forza innovativa di un linguaggio capace, come pochi altri, di raccontare la nascita e l'evoluzione della società dell'immagine e del consumo. Fulcro della mostra è il décollage, il gesto-simbolo più radicale di Rotella. Lo strappo diventa un atto assoluto e dirompente, capace di aprire nuovi varchi alla percezione e di ridefinire il rapporto tra arte e vita. Come afferma il curatore Alberto Fiz, «non conta più ciò che si trova in superficie, ma l'aspetto frammentario e frammentato di una dimensione reale destinata a modificarsi sotto lo sguardo complice dell'osservatore».

In mostra a Palazzo Ducale figurano alcuni dei lavori più emblematici dell'artista, tra cui Naturalistico (1953), collage su tela con specchi e vetro, La tigre (1962), Il punto e mezzo (1963), tra i primi interventi sul mondo pubblicitario, e Tenera è la notte (1962), accanto a una selezione di opere dedicate alla sua icona più celebre, Marilyn Monroe. Tra i lavori più tardi spiccano un grande Senza titolo degli anni Novanta, décollage su lamiera di tre metri, e Attenti, ultimo grande décollage realizzato dall'artista.

Sempre guidato da una profonda attenzione al frammento, Rotella ha trasformato lo strappo in un gesto estetico e politico, in un atto di rivelazione che mette a nudo la verità nascosta dietro le immagini del consumo. Accanto ai décollage, la mostra approfondisce le sue tecniche più sperimentali - dagli artypo agli effaçage, dai frottage alle tele emulsionate, dai riporti fotografici alle estroflessioni - testimoniando la varietà e la coerenza di una ricerca estremamente stratificata, nella quale l'artista si pone come lucido testimone della rivoluzione tecnologica.

Questo desiderio di andare oltre la superficie, indagando la materia nei suoi aspetti più profondi, conduce Rotella negli anni Ottanta verso le sovrapitture, in dialogo autonomo con il ritorno alla pittura che caratterizza molte esperienze europee, tra cui la Transavanguardia. Allo stesso modo, l'artista non rinuncia al confronto con il graffitismo, così come negli anni Sessanta aveva saputo misurarsi con la Pop Art.

Allestita nelle sale medievali di Palazzo Ducale, la mostra è inoltre arricchita da materiali d'archivio e documenti audiovisivi che contribuiscono a costruire un percorso immersivo, capace di restituire la complessità di una figura centrale nella storia dell'arte contemporanea. Celebrare Mimmo Rotella a vent'anni dalla scomparsa significa riconoscere, anche nell'epoca dei social media, la sorprendente attualità del suo sguardo e la forza di un'arte che continua a interrogarci sul ruolo delle immagini, sulla fragilità della memoria e sulla bellezza del disordine creativo. La mostra è accompagnata da un catalogo bilingue italiano/inglese, con un ampio apparato critico e iconografico. (Comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

Immagine:
Mimmo Rotella, La tigre, 1962, dècollage su tela, cm 108x84, Collezione Privata

---

Juliet 45 Years
www.juliet-artmagazine.com

La rivista Juliet ha visto la sua nascita nel dicembre del 1980. La copertina era il "cagnetto sputafuoco", progettato a colori piatti, da Oreste Zevola. Da quel primo timido esordio arriviamo al dicembre del 2025 con la pubblicazione di 225 numeri e di circa un centinaio di edizioni collaterali e di extra issues. Tra questi si ricordano i Photo Juliet, i Juliet Design Magazine e Juliet Design Hotels. Non sono mancate produzioni secondarie e promozionali di felpe e t-shirt (disegnate da artisti come Živko Marušič, Oreste Zevola, Enrico T. De Paris, Claudio Massini, Sergio Cascavilla, Getulio Alviani...), oltre all'esecuzione di piastrelle fermacarte (progetto di Andrea Toniolo per Cottoveneto) e di cartelle di serigrafie in tiratura limitata.

La rivista fin dal suo esordio aveva come obiettivo di porsi come punto di raccordo tra le immagini della contemporaneità e le teorie critiche più avanzate, senza disdegnare, talvolta, una meditazione analitica sui protagonisti della cosiddetta neoavanguardia. Il numero di dicembre, tra i vari argomenti trattati, ospiterà i servizi in itinere firmati da Luciano Marucci, un saggio di Pasquale Fameli su Giuseppe Chiari, la rubrica firmata da Gabriele Perretta sul concetto di medialismo, l'intervista a Brad Spencer (in inglese) curata da Leda Cempellin. Nella serata dell'11 dicembre 2025, a Trieste al Antico Caffè San Marco, Antonio Sofianopulo e Roberto Vidali hanno parlato della storia della rivista e illustreranno i contenuti del nuovo numero che sarà diffuso a titolo gratuito a tutti i presenti.

Roberto Vidali (Capodistria, 1953), direttore editoriale della testata JULIET, dal 1955 risiede, più o meno, a Trieste. Dopo aver compiuto gli studi presso l'Accademia di BB.AA. di Napoli si è dedicato alla promozione dell'arte contemporanea. Dal 1975 al 1987 è stato direttore esecutivo per la sezione arti figurative del Centro La Cappella di Trieste, dove ha curato quarantaquattro mostre, tra le quali ricordiamo quelle di Riccardo Dalisi, Giuseppe Desiato, Stefano Di Stasio, Živko Marušič.

Dal 1979 al 1985 ha collaborato alla pagina culturale del quotidiano "Il Piccolo" e dal 1980 è direttore editoriale della rivista Juliet. Ha inoltre firmato svariate pubblicazioni; tra le altre: "L'uva di Giuseppe" (1986), "Uhei, uistitì" (1988), "Sul Filomarino slittando" (1990), "Bestio!" (1993), "Merlino, pinturas" (1993), "Massini, énkaustos" (1994), "Sofianopulo, quadros" (1994), "Oreste Zevola, rosso tango" (1994), "Mondino, tauromania" (1995), "Barzagli, impressos" (1995), "Libellule" (1995), "Perini, photos" (1996), "Notturno, setas" (1996), "Ascoltatemi!" (1997), "Kastelic, cadutas" (1997), "Damioli, Venezia New York" (1998), "Onde di formiche a far filari" (1998), "Carlo Fontana" (1999), "Topin meschin" (1999), "Giungla" (1999), "No, non è lei" (2003), "Mamma, vogghiu fa' l'artista" (2007), "Otto fratto tre" (2010).

A seguire "I pensieri di Giacomino Pixi", pubblicato nel 2012; "Tutto intorno a noi" (2021), "Tre bacche di rovo" (2022); "Aldo Damioli" (2024); "Le parole risuonavano con incoraggiante semplicità" (2024); "Mark Kostabi" (2024). Dal 1991 è coordinatore per l'attività espositiva dell'Associazione Juliet nella cui sede ha presentato innumerevoli artisti; tra gli altri si segnalano: Piero Gilardi, Marco Mazzucconi, Maurizio Cattelan, Ernesto Jannini, Paola Pezzi, Luigi Ontani, Enrico T. De Paris, Alberto Garutti, Mark Kostabi, Massimo Giacon, Cuoghi Corsello, Aldo Mondino, Aldo Damioli, Botto & Bruno, Bonomo Faita.

Nel 1994 ha partecipato alla realizzazione della pagina culturale del quotidiano "La Cronaca" e nel 1997 ha pubblicato alcune interviste sulla pagina culturale de "Il Meridiano". Dal 1998 al 2010 è stato direttore incaricato della PARCO Foundation di Casier. Dal novembre del 2000 e fino alla sua chiusura ha collaborato al mensile "Network Caffé", dal 2005 e fino al 2009 ha collaborato con il mensile "Zeno". (Comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Stand Juliet ad Arte Fiera 2019, a sx Roberto Vidali, a dx Eugenio Vanfiori
2. Copertina di Juliet disegnata da Oreste Zevola

---

Le parole risuonavano con incoraggiante semplicità
di Roberto Vidali, postfazione: Gabriele Perretta, pagg 206, Juliet Editrice, settembre 2024
Presentazione

---

Mostre su Trieste

---

---

---

Fausto Pirandello. La magia del quotidiano
19 dicembre 2025 (inaugurazione) - 28 febbraio 2026 (chiusura 24, 25, 26, 31 dicembre 2025, 1 e 6 gennaio 2026)
Accademia Nazionale di San Luca - Roma
www.accademiasanluca.it

_ Villa Aurea, Parco Archeologico e Paesaggistico della Valle dei Templi - Agrigento
20 marzo - 02 giugno 2026
www.parcovalledeitempli.it

Nel 2025 ricorrono i cinquant'anni dalla scomparsa di Fausto Pirandello e la ricorrenza offre l'occasione per riportare al centro dell'attenzione pubblica una figura fondamentale della pittura italiana del XX secolo: artista, figlio del grande drammaturgo e Premio Nobel Luigi Pirandello, di radici siciliane e formazione romana e parigina, capace di attraversare con originalità il passaggio dal realismo esistenziale degli esordi all'intenso linguaggio "astratto-concreto" del dopoguerra.

L'Accademia Nazionale di San Luca di Roma e il Parco Archeologico e Paesaggistico della Valle dei Templi di Agrigento, in collaborazione con l'Associazione Fausto Pirandello, presentano la mostra dedicata a uno dei protagonisti dell'arte italiana del Novecento, nel cinquantenario della sua morte. Curata da Fabio Benzie Flavia Matitti, l'esposizione riunisce circa trenta dipinti, selezionati tra i maggiori capolavori dell'artista, e un nucleo di opere su carta, con un focus sui pastelli, tecnica prediletta da Pirandello nel secondo dopoguerra. La mostra si avvale della preziosa collaborazione di Alberto e Fabrizio Russo della Galleria Russo di Roma.

Dopo la grande retrospettiva del 1976 a Roma, alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna,e dopo numerose mostre in Italia e all'estero - tra Palazzo delle Esposizioni (Roma, 1999), Estorick Collection (Londra, 2015) e, più recentemente Mart - Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto (Rovereto, 2023) e l'Istituto Italiano di Cultura (Parigi, 2025) - l'ultima esposizione pubblica a Roma risale al 2010, sempre alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna. Il cinquantenario diventa dunque un momento ideale per rendere a Pirandello un doveroso omaggio nella sua città natale.

La scelta dell'Accademia Nazionale di San Luca è motivata anche dal legame storico dell'artista con l'istituzione: Pirandello fu eletto Accademico di merito residente nel 1947 e Accademico nazionale nel 1948. La seconda tappa, nella suggestiva Villa Aurea ad Agrigento, assume il valore simbolico di un ritorno alle origini familiari. Luigi Pirandello, padre dell'artista, nacque infatti nella contrada "Caos", oggi sede della Casa Museo che ne custodisce le ceneri. Fausto, pur nato a Roma, trascorse in Sicilia molte estati giovanili, assorbendone luce e colori che avrebbero alimentato la sua poetica. Il percorso espositivo propone una lettura cronologica e critica dell'intera produzione di Fausto Pirandello, restituendone la complessità e la continua tensione innovativa.

A Roma, la selezione di dipinti presentati nelle sale al piano terra di Palazzo Carpegna, sede dell'Accademia Nazionale di San Luca, si apre con i lavori degli esordi degli anni Venti, segnati da un crudele e stupefacente realismo, che sembra anticipare, per intensità e taglio visivo, l'impietosa oggettività di Lucian Freud. Seguono le opere del periodo parigino (1928-1930), dove si innestano suggestioni surrealiste e atmosfere enigmatichee i grandi capolavori degli anni Trenta, con composizionidi forte impianto plastico e drammatico, che collocano Pirandello tra i maggiori interpreti dell'arte europea tra le due guerre (la sua opera ebbe un posto privilegiato in seno alla mostra Realisme al Centre Pompidou nel 1980). L'ultima sala presenta la stagione del dopoguerra, animata da un rinnovamento profondo delle forme e del colore, che ebbe riconoscimenti in Italia e all'estero (in particolare negli Stati Uniti) nel corso degli anni Cinquanta e Sessanta.

Nella grande sala del primo piano sarà esposta una selezione di opere su carta, insieme a un solo dipinto, un Autoritratto: un nucleo di opere che rivela il laboratorio intimo dell'artista, il suo incessante lavoro sulla forma, la sua visione oggettiva e insieme drammatica della realtà. Durante l'orario di apertura della mostra sarà possibile visitare anche la Galleria accademica, che custodisce capolavori, tra gli altri, di Gianlorenzo Bernini, Antonio Canova, Francesco Hayez, Peter Paul Rubens e Raffaello Sanzio. Per la prima volta sarà inoltre aperta al pubblico la nuova sala dedicata alla prestigiosa donazione Gian Enzo Sperone che riunisce 33 opere d'arte firmate da alcuni tra i più significativi protagonisti del Sei-Settecento, dei primi del Novecento e della contemporaneità, tra cui Vincenzo Camuccini, il Guercino, Anton Raphael Mengs, Filippo de Pisis e Giulio Paolini.

La mostra è accompagnata da un catalogo, edito dall'Accademia Nazionale di San Luca, con le presentazioni istituzionali di Marco Tirelli, già Presidente dell'Accademia, e di Roberto Sciarratta, Direttore del Parco Valle dei Templi; i contributi introduttivi di Silvio Pirandello, Presidente dell'Associazione Fausto Pirandello, e di Giovanna Carlino Pirandello, Presidente della Fondazione Fausto Pirandello, nonché i saggi di Fabio Benzi e Flavia Matitti, curatori della mostra, e di Claudio Strinati, segretario generale dell'Accademia Nazionale di San Luca. (Comunicato stampa)

Fausto Pirandello nasce a Roma nel 1899, e inizia a dedicarsi alla pittura subito dopo la fine della prima guerra mondiale. La sua cultura mitteleuropea, educata in seno alle Secessioni romane, si incrocia presto con la pittura del suo primo maestro Felice Carena. Tuttavia un'inquietudine volta a dettagli conturbanti, a composizioni diagonali, a una realtà senza concessioni, lo differenzia dal clima classicista del ritorno all'ordine romano e in particolare dal classicismo del maestro.

Durante l'apprendistato presso Carena conosce Giuseppe Capogrossi ed Emanuele Cavalli, che con lui e Corrado Cagli diverranno, nei primi anni Trenta, i principali protagonisti della giovane "Scuola Romana": movimento tra i maggiori degli anni Trenta italiani, che rigettando il classicismo "novecentista" degli anni Venti si allargò a definire tutta la pittura romana del decennio. A ventisei anni partecipa per la prima volta alla Biennale di Venezia (1926). Tra il 1928 e il 1930 si stabilisce a Parigi, dove la sua pittura maturadefinitivamente, a contatto con gli "Italiens de Paris", sviluppando un carattere surreale pur nella costante definizione di una realtà scabra e di una tecnica molto attenta alle stesure spatolate del cubismo.

Nel 1929 alla Galerie Vildrac tiene la sua prima mostra personale e lo stesso anno ha una personale a Vienna. Tornato a Roma, al principio del 1931 inizia un percorso decisamente autonomo, anche se legato alla pittura "tonale" degli amici Cavalli e Capogrossi, e lo scavo della realtà diviene il carattere dominante della sua espressione lucida e contorta al tempo stesso. Le figure umane, suo tema prediletto, vengono definite in una carnalità concentrata sul corpo anziché sulla psicologia, in composizioni di ambiguità spiazzante e dai significati quasi indecifrabili, dove prevale una ritualità astratta, una monumentalità senza retorica e di drammaticità esistenziale, privata di qualsiasi accento narrativo. Una tappa fondamentale nell'affermazione pubblica è nel 1935 la partecipazione, con una sala personale, alla II Quadriennale romana.

Nel 1938 tiene una personale di disegni alla Galleria della Cometa a Roma, presentato dal poeta Corrado Alvaro, che lo definisce "un pittore di drammi". Nel 1939 ha di nuovo una sala personale alla terza Quadriennale di Roma. Negli anni Trenta la sua visione concitata, le sue composizioni affollate o altrimenti le sue figure isolate in una carnalità impietosa, sono un esempio fulminante per Renato Guttuso (che su Pirandello scrive pagine di bellissima esegesi) e per tutta la pittura italiana durante la seconda guerra mondiale. Il gruppo di "Corrente", in particolare, che ricercava un'espressione consona alla drammaticità del periodo, trae ispirazione dal suo espressionismo drammatico e inclemente, che diviene anche bandiera di un antifascismo antiretorico ed esistenziale.

Negli anni del dopoguerra continua nel suo percorso autonomo, mostrandosi distaccato dai principali gruppi di tendenza che si formano in Italia, soprattutto sotto l'ègida di Lionello Venturi ("Fronte Nuovodelle Arti"), con cui tuttavia è in contatto (a lui il critico d'arte già esule antifascista dedica un lungo articolo nel 1954). In consonanza però con gli artisti del "Fronte Nuovo" egli sperimenta l'inserzione, sulla sua pittura espressionista e materica, di scomposizioni di origine cubista, già ben conosciute durante il suo soggiorno parigino.

Nel 1947 è eletto, insieme a Giorgio de Chirico, Accademico di merito residente della romana Accademia Nazionale di San Luca, quindi Accademico nazionale nel 1948. Tra la fine degli anni Quaranta e i primi Cinquanta sviluppa il suo nuovo stile, fatto di piani spezzati e concitati, di geometrie ellittiche ed espressioniste, definendo la sua nuova visione di realtà, in dialogo con molta arte del suo tempo: da Afroa Leoncillo, da De Kooning all'informel francese, da Birolli a Morlotti.

Alla Quadriennale di Roma nel 1952 vince il primo premio. L'attività espositiva in Italia e all'estero prosegue intensa nel corso degli anni Cinquanta e Sessanta, tra l'altro con due personali a New York (1955, 1962), e numerosi premi e riconoscimenti pubblici. Negli ultimi anni di vita si dedica soprattutto al disegno a pastello, tecnica che l'artista ha sempre esercitato con esiti di grande libertà espressiva. Muore a Roma il 30 novembre 1975. L'anno seguente la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea gli rende omaggio con una importante mostra retrospettiva. (Comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

___ Elenco della Opere in mostra Accademia Nazionale di San Luca ___

_ Prima sala al piano terra
"Gli esordi, Parigi e i primi successi"

- Nudo in prospettiva, 1923, olio su tela, cm 135,5x76,5, Mart Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto Collezione VAF-Stiftung;
- Composizione, 1923, olio su tela, cm 117,5x109, firmato e datato in basso a destra Pirandello 23, Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto Collezione VAF-Stiftung;
- Composizione con nudi e pantofole gialle, 1923 circa, olio su tela, cm 104x150, Roma, Collezione privata;

- Scena campestre, 1926, olio su tela, cm 138x71, firmato e datato in basso a destra Pirandello 26, Roma, collezione privata; - Composizione, 1928, olio su tela, cm 106x100, firmato e datato in basso a sinistra Pirandello 28, Milano, collezione privata;
- Donne con salamandra, 1928-1930, olio su tela, cm 93x80, Roma, collezione Associazione Fausto Pirandello;

- Bagnanti, 1929, olio su tavola, cm 52x63, firmato e datato in basso a sinistra Pirandello 29, Roma, Istituto di Studi Pirandelliani;
- La lettera, 1929, olio su cartone, cm 70x53, firmato e datato in basso al centro Pirandello 29, Milano, collezione Giuseppe Iannaccone;
- Natura morta con oggetti elettrici, 1939 circa, olio su tavola, cm 32x39, Agrigento, Collezione privata.

_ Seconda sala al piano terra
"Anni minacciosi"

- Tetti di Roma dal balcone di Casa Villa, 1933, olio su tavola, cm 62x50, firmato e datato in basso a destra Pirandello 33 Carpi, collezione privata;
- Testa di bambola, 1935 circa olio su tavola, cm 116x84,5, firmato in basso a destra Pirandello Roma, collezione privata;
- Natura morta, 1937, olio su tavola, cm 52x74,5, firmato e datato in basso a sinistra Pirandello '37 Roma, collezione privata;

- Bagnanti, 1938, olio su tavola, cm 64x85, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione privata;
- La tempesta, 1938, olio su tavola, cm 150x225, firmato e datato in basso a sinistra Pirandello 1938 Roma, collezione privata;
- Bagnanti, 1939, olio su tavola, cm 150x224,5, firmato in basso a sinistra Pirandello Firenze, collezione privata, Courtesy Tornabuoni Arte;
- Natura morta con le lische, 1942, olio su tavola, cm 32 x 51,5, firmato in basso asinistra Pirandello Roma, collezione Attolico.

_ Terza sala al piano terra
"La maturità"

- Tetti di Roma (Veduta da Villa Medici), 1944, olio su tavola, cm 39x55, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione privata;
- Donna seduta (Donna in primo piano), 1950 circa, olio su tavola, cm 105x71, firmato in basso a sinistra Pirandello Napoli, collezione privata;
- Natura morta, 1952 circa, olio su cartone, cm 52x70, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione Nunzio Bertolami;

- Attraverso gli occhiali, 1953-1954, olio e collage su cartone, cm 70x100, firmato in basso a sinistra Pirandello Guidonia (Roma), collezione Lavinia Biagiotti Cigna;
- Natura morta con bottiglia e zuccheriera d'argento, 1955, olio su cartone, cm 68x48, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione privata;
- Mezzogiorno, 1955, olio su cartone, cm 70x97,5, firmato in basso a sinistra Pirandello Firenze, collezione privata, Courtesy Tornabuoni Arte;

- Bagnanti nella luce (Bagnanti nella rifrazione), 1959 circa, olio su tavola, cm 100x137, firmato in basso a sinistra PirandelloRoma, collezione privata;
- Bagnanti sulla spiaggia (Grandi bagnanti), 1961 circa, olio su tavola, cm 103x150, firmato in basso a destra Pirandello Roma, collezione privata;
- Bagnanti in acqua, 1961, olio su tavola, cm 104x137, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione privata;
- Nudo di donna, 1965-1966, olio su cartone, cm 72x51, firmato in basso a destra Pirandello Roma, Accademia Nazionale di San Luca.

_ Sala espositiva al primo piano
"Opere su carta"

- Autoritratto assorto, 1948, olio su cartone, cm 58x38, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione privata;
- Autoritratto, 1921, acquaforte, mm 120x90, datato a matita in basso a destra 1921 e monogramma FP Roma, collezione privata;
- Scena mitologica, 1928, pastello su carta, mm 400x310, firmato e datato in basso a sinistra Pirandello - 28 Roma, collezione privata;

- La sarta, 1928 circa, acquerello su carta, mm 150x120, firmato in alto a sinistra Pirandello Roma, collezione privata;
- Composizione, 1928-1929 circa, acquerello su carta, mm 260x220, Roma, collezione privata;
- Donna seduta (Pompilia), 1929 circa, pastello su carta, mm 290x230, Roma, collezione privata;

- Composizione, 1929-1930 circa, acquerello su carta, mm 320x220, Roma, collezione privata;
- Composizione (Donne che si pettinano), 1936, acquerello su carta, mm 290x220, firmato e datato in basso a sinistra Pirandello - 36 Roma, collezione privata;
- Figure, fine anni Trenta sanguigna su carta, mm 260x220, Roma, collezione privata;

- Quattro figure (Soldati), 1940-1944 circa, acquerello su carta, mm 230x290, Roma, collezione privata;
- Autoritratto, prima metà anni Quaranta, acquerello su carta, mm 280x220, Roma, collezione privata;
- Bagnanti, 1949 circa, pastello su carta, mm 284x221, firmato in basso a destra Pirandello Roma, collezione privata;

- Bagnanti, 1949 circa, pastello su carta, mm 269x226, firmato in basso a destra Pirandello Roma, collezione privata;
- Nudo disteso, 1950 circa, pastello su carta, mm 204x275, firmato in basso a destra Pirandello Roma, collezione privata;
- Bagnanti, 1958 circa, pastello su carta, mm 260x220, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione privata;
- Bagnanti, 1970 circa, pastello su carta, mm 222x277, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione privata.

_ Elenco provvisorio delle Opere in mostra alla Villa Aurea, Parco Archeologico e Paesaggistico della Valle dei Templi (Agrigento)

- Composizione (Siesta rustica), 1924, olio su tela, cm 100x126, firmato e datato in basso a destra 24 F. Pirandello Milano, collezione Giuseppe Iannaccone;
- Scena campestre, 1926, olio su tela, cm 138x71, firmato e datato in basso a destra Pirandello 26 Roma, collezione privata;
- Composizione, 1928, olio su tela, cm 106x100, firmato e datato in basso a sinistra Pirandello 28 Milano, collezione privata;

- Donne con salamandra, 1928-1930, olio su tela, cm 93x80, Roma, collezione Associazione Fausto Pirandello;
- La lettera, 1929, olio su cartone, cm 70x53, firmato e datato in basso al centro Pirandello 29 Milano, collezione Giuseppe Iannaccone;
- Tetti di Roma dal balcone di Casa Villa, 1933, olio su tavola, cm 62x50, firmato e datato in basso a destra Pirandello 33 Carpi, collezione privata;

Testa di bambola, 1935, circaolio su tavola, cm 116x84,5, firmato in basso a destra Pirandello Roma, collezione privata;
- Natura morta,1937, olio su tavola, cm 52x74,5, firmato e datato in basso a sinistra Pirandello '37 Roma, collezione privata;
- Bagnanti, 1938, olio su cartone, cm 64x85, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione privata;

- La tempesta, 1938, olio su tavola, cm 150x225, firmato e datato in basso a sinistra Pirandello 1938Roma, collezione privata;
- Natura morta con oggetti elettrici, 1939 circa, olio su tavola, cm 32x39, Agrigento, Collezione privata;
- Natura morta, 1940 circa, olio su tavola, cm 42x61, firmato in basso a sinistra Pirandello Agrigento, collezione privata;

- Natura morta con le lische, 1942, olio su tavola, cm 32x51,5, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione Attolico;
- Tetti di Roma (Veduta da Villa Medici), 1944, olio su tavola, cm 39x55, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione privata;
- Autoritratto assorto, 1948, olio su cartone, cm 58x38, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione privata;

- Donna seduta (Donna in primo piano), 1950, circa olio su tavola, cm 105x71, firmato in basso a sinistra Pirandello Napoli, collezione privata;
- Natura morta, 1952 circa, olio su cartone, cm 52x70, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione Nunzio Bertolami;

- Attraverso gli occhiali, 1953-1954, olio e collage su cartone, cm 70x100, firmato in basso a sinistra Pirandello Guidonia (Roma), collezione Lavinia Biagiotti;
- Cigna Natura morta con bottiglia e zuccheriera d'argento, 1955, olio su cartone, cm 68x48, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione privata;
- Bagnanti nella luce (Bagnanti nella rifrazione), 1959 circa, olio su cartone, cm 100x137, firmato in basso a sinistra Pirandello Roma, collezione privata;
- Nudo di donna, 1965-1966, olio su cartone, cm 72x51, firmato in basso a destra Pirandello Roma, Accademia Nazionale di San Luca.

---

---

Andy Warhol. Ladies and Gentlemen
14 marzo - 19 luglio 2026
Palazzo dei Diamanti - Ferrara
www.palazzodiamanti.it  

Ricorrono i 50 anni dall'epocale mostra Ladies and Gentleman del 1975-76 che ha portato a Palazzo dei Diamanti una delle più carismatiche figure del Novecento: Andy Warhol. La città estense celebra l'evento accogliendo nella stessa sede i capolavori del padre della pop art. Non sarà solo una mostra su Warhol, ma una riedizione della trasgressiva esposizione che Warhol in persona aveva presentato in Italia e che aveva segnato un punto di svolta nella sua produzione e nell'arte del tempo. Con Ladies and Gentleman, infatti, l'artista aveva per la prima volta eletto a protagonisti del proprio lavoro anonime drag queen afro-americane e portoricane, piuttosto che icone della società dello spettacolo come Marilyn Monroe e Liz Taylor sulle quali si era concentrato fino a quel momento, spostando l'attenzione sull'individuo e sulla sua identità. Un'energia nuova emerge da quei ritratti vividi ed esuberanti.

La mostra, a cura di Chiara Vorrasi, ideata e organizzata dalla Fondazione Ferrara Arte e dalle Gallerie d'Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara, vanta il prestigioso sostegno dell'Andy Warhol Museum di Pittsburgh. Palazzo dei Diamanti torna ad accogliere alcune tra le creazioni più provocatorie del grande artista, in un'immersiva rievocazione dell'esposizione del 1975-76 a cui si accompagna un appassionante viaggio nell'universo della ritrattistica warholiana. La mostra propone, infatti, una eccezionale selezione di oltre 150 ritratti, tra acrilici, disegni, serigrafie e Polaroid, provenienti da importanti musei e collezioni, europei e americani.

La duplice ambizione è quella di riscoprire la forza iconica di quelle immagini esplosive e, parallelamente, mettere alla prova la sorprendente attualità della ricerca di Warhol, che ha anticipato l'era della comunicazione globale e ha acceso i riflettori su temi tuttora aperti come la manipolazione estetica, l'identità di genere, il multiculturalismo, l'artificialità mediatica, la creazione e diffusione di un'identità sociale.

A un'estesa narrazione dedicata alla serie Ladies and Gentlemen segue una selezione di alcuni dei ritratti e autoritratti più iconici prodotti tra gli anni Sessanta e gli Ottanta: dalla serie di Marilyn che codifica l'archetipo della star, alla parodia dell'iconografia ufficiale di Mao Tse-tung, dalle silhouette di Mick Jagger e Liza Minnelli, emblemi globali di una sensualità disinibita e teatrale, alle effigi fluide e smaterializzate di Robert Mapplethorpe e Grace Jones, che annunciano l'avvento delle immagini digitali, per culminare con una spettacolare sala di autoritratti con cui l'artista esplora i confini della sua stessa identità.

Il percorso espositivo segue le tappe della radicale reinvenzione del ritratto tradizionale operata da Warhol prendendo a prestito i codici della comunicazione di massa, l'estetica tecnologica, gli idiomi del glam rock e della cultura camp, le immagini amatoriali scattate con la Polaroid, il linguaggio filmico e persino il reality televisivo. Il pubblico potrà immergersi nel processo creativo del genio warholiano, grazie a un esteso nucleo di dipinti ad acrilico, molti dei quali mai mostrati in Italia, e a una rassegna dei diversi media che l'artista ha sperimentato. Filmati e fotografie arricchiscono il racconto per far rivivere l'artista nelle sale di Palazzo dei Diamanti ma anche l'energia irripetibile della scena pop di cui Warhol ha incarnato il mito. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

---

Fotografia in Sinfonia
Periodo di invio: 19 dicembre 2025 - 15 marzo 2026
Partecipazione: gratuita
Modalità di partecipazione

Le associazioni culturali dotART e Exhibit Around APS, in collaborazione con il Dipartimento di Discipline compositive e nuove tecnologie del Conservatorio Giuseppe Tartini di Trieste, lanciano un Contest Musicale. L'iniziativa è rivolta a studenti e diplomati del Conservatorio Tartini e prevede la realizzazione di composizioni musicali inedite destinate ad accompagnare tre percorsi fotografici all'interno di una mostra multisensoriale presso il Magazzino 26, nell'ambito della 13ª edizione di Trieste Photo Days in programma dal 23 al 25 ottobre 2026. Dai voce alle fotografie e trasformale in composizioni originali, intrecciando emozione e percezione, silenzio e risonanza, e contribuisci a creare un'esperienza unica in cui suono e immagini si incontrano in un racconto coinvolgente. (Estratto da comunicato Exhibit Around APS)

---

Achille Perilli
"Estate"

19 gennaio - 28 febbraio 2026
alfonsoartiaco - Napoli
www.alfonsoartiaco.com

Figura centrale dell'astrazione italiana del secondo dopoguerra, Perilli ha elaborato un linguaggio visivo assolutamente personale, in cui colore, struttura e una tensione espressiva consapevole convergono in composizioni capaci di sfidare la geometria convenzionale, affermando al contempo l'autonomia della pittura. Membro fondatore del gruppo Forma 1 a Roma, Perilli ha saputo coniugare la ricerca artistica con un ampio impegno culturale e intellettuale, dando vita a un corpus di opere al tempo stesso rigoroso e animato da una libertà vibrante.

Il suo approccio inconfondibile - fatto di forme irregolari, apparentemente improbabili, che si dispiegano sulla superficie del quadro - continua a colpire per la chiarezza dell'intento e per un'energia vitale immediatamente riconoscibile. La galleria accompagnerà l'Estate nella cura e nella valorizzazione di questa eredità, presentando le opere di Perilli attraverso le prossime mostre e i progetti futuri. (Comunicato di presentazione)

---

Maren Ruben
"État d'amour fragmenté. L'exil de l'imaginaire."

02 gennaio - 01 marzo 2026
MACT/CACT Museo e Centro d'Arte Contemporanea Ticino - Bellinzona
www.cacticino.net

Nata nella Germania dell'Est, satellite sovietico, nel 1967, Maren Ruben presenta la seconda tappa del suo progetto État d'amour fragmenté. Dopo Pissenlit. Herbes Troublantes, questa è la volta di L'exil de l'imaginaire, con cui l'artista - oggi residente e operante in Francia - ripropone la sua riflessione sull'amore incondizionato, in generale e le sue interferenze. Ma non esclusivamente l'artista parla di sentimento, legato alle faccende di cuore. Ruben propone una sorta di riflessione sullo stato di salute del mondo meta-contemporaneo, laddove il rapporto gruppo sociale-individuo subisce la frammentazione di una società, che fatica a riconoscere l'orgoglio umanista, come elemento imprescindibile di una società identitaria forte e che si vuole bene.

Se la sua esperienza esistenziale è testimone dei fondamentali cambiamenti occorsi ne XX secolo, essa si rende osservatrice ora delle diverse evoluzioni, di cui si cerca una improbabile forma, e che incarnano le debolezze e le fragilità di una generazione che chiede disperatamente all'universo digitale. Ruben è portatrice sana del suo vissuto culturale della Germania comunista, intercalando i ricordi positivi di una società, che credeva e incarnava i valori della condivisione sociale, con i paradossi di una società occidentale apparentemente colta e progressista ma terribilmente fragile e frammentata al suo interno.

Tra la realtà, e cioè la consapevolezza del sentimento frantumato, e il sogno, ovvero l'immaginario esiliato, l'artista mette perennemente in discussione, ma in profonda connessione, le sue tematiche interiori con la sua pratica artistica, laddove il viaggio del cuore e dell'anima si realizza mano a mano con il "fare" dell'arte e la realizzazione di modelli produttivi, attraverso la scelta oculata di materiali delicati, quasi effimeri come l'uso di determinate carte provenienti da innumerevoli viaggi in diverse parti del mondo, soprattutto asiatico. Ecco che l'elemento onirico, o meglio visionario, sostituisce automaticamente la meta realtà per diventare visione dell'immaginario e non già mondo virtuale, vero cancro, che tocca e mistifica oggi anche la politica e la geo-politica.

Ruben non sviluppa, né ostenta un linguaggio militante o anche solo femminista nell'uso dell'arte come grammatica o sintassi visiva, bensì affronta l'eterno tema della mise à nu dentro un processo produttivo infinito, quasi performativo o scritturale. La delicatezza di questo approccio infinito o davvero mai-finito, rende la sua narrazione o la narrazione del sé non già reale, ma vera; e resistente ai modelli artificiali. (Mario Casanova, 2025)

---

Gianfranco Zappettini
"Il Metodo della Pittura"

15 gennaio (inaugurazione) - 28 marzo 2026
Glenda Cinquegrana Art Consulting - Milano
www.glendacinquegrana.com

Mostra personale dedicata al maestro della Pittura Analitica Gianfranco Zappettini, a cura di Andrea Daffra, direttore artistico della Fondazione Zappettini di Chiavari. L'esposizione, che presenta un nucleo significativo di opere di Zappettini, vuole sottolineare la continuità nel metodo pittorico del maestro genovese fra la ricerca storica e quella più recente.

Articolato in un dialogo serrato tra i lavori degli anni Sessanta e Settanta ed alcune opere dell'ultimo decennio, il percorso espositivo intende mettere in evidenza la coerenza di un metodo che attraversa l'intero percorso dell'artista che, basato sulla costruzione del dipinto come strumento analitico, in cui superficie, supporto e luce costituiscono i termini essenziali della forma. I lavori storici delle serie Strutture, Tavole, Superfici analitiche e Le tele sovrapposte sono accostate ai cicli recenti quali La trama e l'ordito, La Luce Prima e Con-Centro, permettendo allo spettatore di osservare come la riflessione sulla percezione ridefinisca costantemente nella ricerca di Zappettini nel tempo, senza mai perdere costanza analitica e formale.

Il percorso, concepito non secondo una ricostruzione in chiave cronologica, bensì secondo un criterio comparativo, consente di individuare, da un lato, le costanti, ma anche le trasformazioni avvenute nel tempo nel linguaggio dell'artista. La mostra si propone come occasione di lettura complessiva della ricerca di Zappettini, mettendo in relazione il carattere analitico delle opere storiche con la dimensione luminosa e rarefatta delle produzioni più recenti.

La mostra si propone come occasione di lettura complessiva della ricerca di Zappettini, mettendo in relazione il carattere analitico delle opere storiche con la dimensione luminosa e rarefatta delle produzioni più recenti. L'esposizione, poi, presenta un inedito nucleo fotografico: se la fotografia occupa nella ricerca di Zappettini una posizione connessa alla riflessione sulla percezione e sulle condizioni di formazione dell'immagine, costituisce uno strumento fondamentale per la costruzione del percorso analitico svolto in pittura. In lavori come En plein air, S. Andrea a Rovereto e Sera a S. Pietro di Rovereto, la fotografia, posta in relazione diretta con la luce naturale e con la memoria visiva, diviene uno strumento di verifica dell'atto del vedere. Non si tratta di un mero mezzo di documentazione, ma di un attrezzo operativo che, al pari della tela, rende visibili il tempo e lo spazio, che trovano sede di sviluppo nelle opere analitiche. (Comunicato stampa)

Immagine:
Gianfranco Zappettini, La Trama e l'ordito, 2010, tecnica mista su tela, cm 80x80, ©Fondazione Zappettini / Courtesy Glenda Cinquegrana Art Consulting

---

Edward Weston
"La materia delle forme"

12 febbraio - 02 giugno 2026
CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia - Torino
www.camera.to

Con una selezione di 171 immagini, il percorso espositivo - curato da Sérgio Mah - si configura come un'ampia antologia che ripercorre tutte le fasi della produzione di Edward Weston (Illinois, 1886 - California, 1958), offrendo un punto di vista europeo sull'eredità di una delle figure di spicco della fotografia moderna nordamericana. Un corpus che si pone come un contrappunto estetico e concettuale al modernismo delle prime avanguardie fotografiche europee.

La mostra attraversa oltre quarant'anni di attività (dal 1903 al 1948) del grande fotografo statunitense, dalle prime prove segnate dal pittorialismo alla piena affermazione come figura centrale della straight photography. Il progetto mette in luce il ruolo di Weston - cofondatore del Group f/64 e dei Camera Pictorialists of Los Angeles - nel riconoscere e consolidare la fotografia come linguaggio poetico e intellettuale, oltre che come chiave interpretativa dell'estetica e dello stile di vita dell'America tra le due guerre.

Pioniere di una visione rigorosamente moderna, Weston scelse la fotocamera a grande formato come strumento privilegiato, realizzando immagini in bianco e nero di straordinaria nitidezza e ricchezza di dettagli. Il suo rigore tecnico, unito a un profondo legame con la natura, la luce e la forma, ha generato un corpus che comprende nature morte, nudi, paesaggi e ritratti oggi considerati iconici. Radicata nel paesaggio e nella cultura statunitense, l'opera essenziale e inconfondibile di Weston offre una prospettiva unica sul processo di affermazione della fotografia e sul ruolo centrale che essa ha assunto nella cultura visiva contemporanea. (Comunicato Ufficio stampa Lara Facco P&C)

---

Alfredo Casali
"Isolitudine"

05 dicembre 2025 - 01 marzo 2026
Museo MAN di Nuoro
www.museoman.it

Nel contesto di un anno dedicato a un'ampia e articolata riflessione sul concetto di isola - intesa non solo nella sua dimensione geografica, ma come dispositivo semantico, generatore di narrazioni, cosmologie, idealità e utopie - il MAN prosegue il proprio percorso con la mostra personale di Alfredo Casali. Dopo Isole Minori. Note sul fotografico dal 1990 ad oggi e Isole e Idoli, la nuova esposizione - a cura di Massimo Ferrari e Chiara Gatti - si inserisce in un ciclo che esplora il concetto di insularità attraverso visioni differenti, dando voce a prospettive artistiche che interrogano il senso e i perimetri dell'isola, quale idea che diventa luogo, concetto che prende corpo nello spazio.

Esponente di una ricerca pittorica profondamente votata al linguaggio stesso della pittura e alla sua persistenza in un equilibrio esatto fra narrazione e astrazione, fra segno e materia, Alfredo Casali presenta al MAN un nucleo di opere inedite e recenti che affondano nel tema del confine poroso, dell'origine arcaica, del distacco volontario e insieme della riemersione dalle secche delle dimenticanza. Il neologismo "isolitudine" plasma nella sua pittura una condizione esistenziale complessa e affascinante: quella di chi identifica nell'isola - nelle sue coordinate fisiche, ma anche nel suo abitare l'inconscio - una necessità ancestrale di appartenenza e, insieme, un sentimento melanconico di isolamento.

Veleggiando nei territori dell'identità, della memoria, della percezione di sé e del mondo, l'isolitudine diviene uno stato mentale, una sofferenza appagante del vuoto intorno, la vertigine al cospetto del deserto liquido. Pagine intense della letteratura insulare moderna, da Salvatore Satta a Gesualdo Bufalino, hanno restituito i fossili di una vita vissuta ai margini e comunque al centro, in un microcosmo che è anche l'infinito, in una solitudine che è anche bellezza. In tale acuta tensione fra radicamento e distacco, fra sete d'altrove e orgoglio di quella remota territà teorizzata dall'antropologo Matteo Meschiari, si ritrova una dimensione universale che accomuna popoli lontani, tutti figli di un'isola, tutti abitanti dell'isolitudine.

Alfredo Casali se ne fa interprete in pittura. Sin dalle sue prime opere giovanili, influenzate dall'astrattismo lirico di Gastone Novelli o di Cy Twombly, dalla poesia visiva e da una figurazione sospesa, carica di attese ed erede della lezione silenziosa di Morandi, l'artista ha tratteggiato nello spazio confini minimi, luoghi vitali circoscritti alla dimensione di un quotidiano intimo, sublimati come archetipi domestici: la casa, l'albero, la sedia, la toppa di paesaggio che affaccia sul vuoto del mare o del cielo.

Rigore formale, sintesi geometrica e una cura del segno come elemento espressivo e letterario, derivato dalla sua solida formazione filosofica, nutrono una pratica pittorica e un immaginario coerente, profondamente meditato, lento nel gesto, nelle pause, nella scansione dei piani che costruiscono altri vuoti. La sua poetica rarefatta ed essenziale oggi approda alle soglie dell'isola, che è un disegno dai bordi slabbrati sulle mappe della coscienza, una epifania di roccia e sabbia sul piano cartesiano della geografia umana e cosmica.

Alfredo Casali (Piacenza, 1955) si laurea in filosofia all'Università di Bologna nel 1983, sotto la guida di Luciano Anceschi. Dopo un articolato percorso tra pittura, poesia visiva e studi teorici, approda a un linguaggio artistico personale, caratterizzato da una ricerca poetica essenziale e dalla ricorrenza di elementi archetipici organizzati in cicli tematici. Tra i primi a riconoscere il valore della sua opera è Giovanni Fumagalli, che lo accoglie nella storica Galleria delle Ore di Milano e lo affianca come guida e maestro tra il 1986 e il 1996. Casali partecipa alla XXXII Biennale d'Arte Città di Milano (1993) e alla Biennale di Cremona (1993 e 1999), e nel corso degli anni espone in numerose mostre personali e collettive.

Tra le mostre recenti, nel 2019 è presente allo Studio d'arte del Lauro di Milano e, nel 2023, al MAN_Museo d'arte della Provincia di Nuoro per un progetto condiviso con il Polo Territoriale universitario di Agrigento. La recente mostra allestita nel 2023 al Magazzino del Sale di Cervia dal titolo Alfredo Casali, Giovanni Fabbri. Geografie vita, territorio, storia, anticipa di pochi mesi la grande antologica del 2024 Alfredo Casali. La memoria delle cose, curata da Massimo Ferrari per Volumnia nella navata rinascimentale dell'ex chiesa di Sant'Agostino a Piacenza. (Estratto da comunicato stampa)

Immagine:
Alfredo Casali, Isole come nuvole

---

Franco Pinna | "Sardegna a colori. Fotografie recuperate 1953-67"
05 dicembre 2025 - 01 marzo 2026
Museo MAN - Nuoro
Presentazione

Franco Mazzucchelli | "Blow Up"
05 dicembre 2025 - 01 marzo 2026
Museo MAN - Nuoro
Presentazione

---

---

Tothi Folisi
"O" (Una cosa bella, non di questo mondo)

27 dicembre 2025 (inaugurazione) - 28 febbraio 2026
BOCS - Catania
www.bebocs.it

A più di dieci anni dalla mostra al BOCS, Tothi Folisi torna con "O" (Una cosa bella, non di questo mondo). Un lavoro in gran parte mimetico a quello del 2014, "O" (Estensione dello spazio addomesticato), che cerca di esplorare il tempo e la memoria, e il modo in cui questo ridefinisce esperienze e analisi della realtà. In occasione della serata iniziale sarà presente il musicista Carlo Paraforiti che curerà il tappeto sonoro del percorso espositivo.

Tothi Folisi è un artista nato a Sant'Agata di Militello nel 1979. La sua ricerca artistica attraversa vari media, dalla pittura alle installazioni, e si concentra spesso sul tema della ripetizione e sui legami tra ritualità, paesaggio e azione performativa. Si laurea all'Accademia di Belle Arti di Palermo nel 2004, nel 2003 è cofondatore del collettivo artistico Laboratorio Saccardi di cui fa parte fino al 2013. (Comunicato stampa)

Tra le sue mostre e residenze:
- "La morte di Robert Walser nel Natale del 1956", Spazio Y, Roma (2019)
- "Ask the boy", OltreOreto, Manifesta Biennial, Palermo (2018)
- "Yatoo Gnab" International Artist in Residence, Gongju-si, South Korea (2015)
- "O" (Estensione dello spazio addomesticato) BOCS, Catania (2014)
- "9.Shangai Biennial 2012" MocArt, Shanghai (2012)
- "PPS Paesaggio e popolo della Sicilia" Museo Palazzo Belmonte Riso, Palermo (2010)
- "La Biennale di Venezia" Antonio Colombo Artecontemporanea, Milano (2006)
- "Prague Biennale II expanded Painting/accìonDirecta", Praga (2005)
- "Beauty Not so Difficult" Istituto Italiano di Cultura, Berlino (2005)

---

---

Franco Pinna
"Sardegna a colori. Fotografie recuperate 1953-67"

05 dicembre 2025 - 01 marzo 2026
Museo MAN - Nuoro
www.museoman.it

Il MAN prosegue la riflessione sul linguaggio fotografico e il suo rapporto con la Sardegna, territorio di ispirazione e sperimentazione per generazioni di artisti. La mostra, che celebra il centenario della nascita del fotografo maddalenino Franco Pinna (La Maddalena 1925 - Roma 1978), maestro della fotografia italiana del Novecento, riporta alla luce un corpus a lungo dimenticato, restituendo una dimensione nuova e sorprendente del suo sguardo: quella del colore. In dialogo con le recenti ricerche del museo su autori e visioni del paesaggio sardo, l'esposizione amplia la nostra percezione di un fotografo che molti hanno conosciuto solo attraverso il bianco e nero.

Franco Pinna, reporter tra i più noti del suo tempo, Pinna è stato una figura centrale del Neorealismo fotografico italiano. Dopo la militanza nella Resistenza romana e una breve esperienza come operatore di documentari, esordisce nel 1952 nella cooperativa "Fotografi Associati" e segue Ernesto De Martino nelle spedizioni etnografiche in Lucania e Salento. Nel 1961 pubblica Sardegna. Una civiltà di pietra, il suo volume più importante, e a partire dal 1964 diventa fotografo di fiducia di Federico Fellini. Autore di oltre 300.000 scatti, Pinna ha saputo unire impegno civile e rigore estetico, documentando l'Italia in trasformazione e restituendo, con sguardo lucido e poetico, il volto più umano del Novecento. Dal 1997 l'Archivio Franco Pinna (Roma/Bologna) custodisce e valorizza il suo patrimonio, promuovendo ricerche e mostre che ne mantengono viva la memoria.

Il percorso della mostra "Sardegna a colori. Fotografie recuperate 1953-67", composto da circa ottanta opere tra stampe fotografiche a colori - in larga parte raramente esposte - e materiali d'archivio, propone un viaggio nella storia visiva e professionale di Pinna, offrendo nuovi elementi di valutazione critica della sua opera. Le immagini scelte, frutto di un lungo lavoro di recupero e restauro digitale delle cromie originali, sono accompagnate da fotografie di raffronto dello stesso soggetto in bianco e nero, oltre a diapositive, strumenti di lavoro provenienti dall'Archivio Franco Pinna, a testimonianza della complessità del suo approccio documentario. Una selezione di pubblicazioni d'epoca, fra cui "Vie Nuove", "Noi Donne", "L'Espresso" e "Panorama", spiega la ragione del suo impegno con il colore, destinato alle riviste del tempo e alle loro pagine patinate, che richiedevano un senso di attualità e non la storicizzazione tipica del classico bianco e nero.

La mostra prende avvio da Orgosolo 1953, prima campagna fotografica a colori realizzata da Pinna in Sardegna, per poi attraversare le tappe più significative della sua produzione isolana: Canne al vento (1958), Argia a Tonara (1960) immagini per il celebre volume Sardegna. Una civiltà di pietra (1961), fino alle cronache sul banditismo e le proteste dei pastori del 1967. Le sequenze, disposte come un racconto di lunga durata, restituiscono l'evoluzione di un linguaggio che trova nel colore una dimensione autonoma e poetica, capace di cogliere la materia viva della Sardegna arcaica e modernissima insieme.

A emergere è la tensione tra documento e rito, che percorre tutta la sua opera: un modo di attraversare la realtà che, come scriveva Federico Fellini nel 1976, rivela in Pinna "una lentezza da ierofante", sospesa tra lo sguardo dello scienziato e quello del sacerdote. È proprio in questa dimensione sospesa tra documento e rito che la mostra del MAN invita a rileggere la sua opera: come un attraversamento della realtà che diventa rivelazione. (Comunicato stampa)

---

Franco Mazzucchelli | "Blow Up"
05 dicembre 2025 - 01 marzo 2026
Museo MAN - Nuoro
Presentazione

---

---

---

Visioni d'arte in Sicilia tra Ottocento e Novecento
"Sciatuzzu miu"

29 novembre 2025 - 12 aprile 2026
Castello Maniace - Siracusa
Locandina della mostra

La mostra, curata da Mery Scalisi e organizzata da Mediterranea Arte, è un viaggio emozionale e visivo attraverso due secoli di arte siciliana, dalle luci poetiche dell'Ottocento alle avanguardie del Novecento. Sarà il Castello Maniace, capolavoro dell'architettura militare sveva affacciato sul Mar Ionio ad ospitare questa mostra che celebra la grande arte siciliana.

L'evento è promosso da Mediterranea Arte, realtà imprenditoriale attiva nella produzione, organizzazione e promozione di mostre ed eventi culturali. Al centro della sua missione vi è la convinzione che l'arte sia un patrimonio universale, capace di generare bellezza, ispirazione ed emozione. Mediterranea Arte promuove un approccio che valorizza il dialogo tra le opere e i territori, trasformando ogni esposizione in un'esperienza di scoperta, promozione e rigenerazione culturale.

«Visioni d'arte in Sicilia tra Ottocento e Novecento. Sciatuzzu miu - spiega Marco Mariani Amministratore Mediterranea Arte S.r.l - esprime il legame viscerale tra gli artisti e la loro madre-musa, la Sicilia. È un viaggio nell'anima dell'isola, che respira nelle luci dell'Ottocento e nelle avanguardie del Novecento. Una rassegna che invita a riscoprire la Sicilia non solo come luogo fisico, ma come forza creativa eterna.»

Continua Tania Spitaleri, Direttrice di produzione Mediterranea Arte: «Mediterranea Arte sceglie nuovamente il Castello Maniace per una mostra d'arte di alto profilo culturale. Il viaggio tra i paesaggi,la luce,i corpi e l'anima della nostra Sicilia mette in risalto,attraverso le opere di straordinari artisti, tutta la bellezza e l'ntrinseco essere eterna lotta tra contrari,coesistenti e inseparabili,dell'Isola. Il visitatore godrà di questa dimensione tanto reale quanto onirica, coccolato dai 'sciatuzzi' dei più grandi pittori siciliani dell'Ottocento e del Novecento.»

Il sottotitolo in siciliano, "Sciatuzzu miu", ovvero, "respiro mio" racchiude un'intimità profonda, simbolo del legame viscerale tra l'artista e la sua terra: un rapporto fatto di amore, memoria e appartenenza. La mostra, articolata in due sezioni, una dedicata all'Ottocento e una al Novecento, restituisce alla Sicilia il suo ruolo di protagonista nella storia dell'arte italiana ed europea, raccontando come luce, paesaggio e tradizione abbiano generato un linguaggio artistico unico. Come afferma la stessa curatrice Mery Scalisi: «questa mostra che si compone sia di opere pittoriche che scultoree è il mio modo di dire grazie alla Sicilia, una terra che ti prende e ti restituisce a te stesso, che ti fa sentire parte di una storia più grande».

Nell'Ottocento, la Sicilia dei contrasti vive nella pittura di Pirandello, Lojacono, Leto, Frangiamore, Pardo, Tomaselli, Rizzo: scene di vita rurale, ritratti e paesaggi immersi in una luce che trasfigura il reale. È l'epoca in cui la pittura diventa specchio dell'anima dell'isola, della sua natura e delle sue genti. Con il Novecento, gli artisti siciliani si aprono alla modernità. Le opere di Fiume, Guttuso, Accardi, Greco, Guccione, Calogero, Modica esprimono una nuova coscienza estetica, in cui libertà espressiva e radici culturali si fondono in un linguaggio universale. Negli anni Ottanta, la pittura di Piero Guccione e l'esperienza del Gruppo di Scicli riportano al centro la luce mediterranea e il paesaggio, mentre il Gruppo Forma 1 rinnova il linguaggio del dopoguerra, coniugando astrazione e impegno ideologico.

Il percorso si arricchisce di quattro "curiosità" dedicate a Pirandello, Guccione, Accardi e Guttuso che rendono dinamica la fruizione della mostra, fornendo ulteriori chiavi di lettura. Si pensi al rapporto tra Luigi e Fausto Pirandello, padre e figlio uniti da un legame profondo di arte e destino, evocato dal Dialogo immaginario di Luciana Grifi, interpretato da Giovanna e Pierluigi Pirandello. Al dialogo ideale tra Renato Guttuso e Leonardo Sciascia.

Accanto a loro, la curiosità dedicata a Piero Guccione e al Gruppo di Scicli racconta come, dagli anni Ottanta, un gruppo di artisti siciliani abbia saputo trasformare la luce e il paesaggio dell'isola in linguaggio pittorico, fondendo realismo e modernità in una poetica di profonda introspezione. Infine, quella su Carla Accardi e il Gruppo Forma 1 ripercorre la nascita, nella Roma del 1947, di un movimento che unì marxismo e astrazione, affermando la forma pura come espressione di libertà artistica e intellettuale.

"Visioni d'arte in Sicilia tra Ottocento e Novecento. Sciatuzzu miu" è un omaggio alla Sicilia, alla sua luce, alla sua memoria e alla sua forza creativa senza tempo: un percorso che invita il pubblico a immergersi nell'anima dell'isola, dove arte e vita respirano all'unisono. (Comunicato Ufficio Stampa Valentina Lucia Barbagallo)

Immagine:
Dipinto di V. Ribaudo nella locandina della mostra Visioni d'arte in Sicilia tra Ottocento e Novecento

---

Silvia Giambrone
"Sub Rosa"

02 dicembre (inaugurazione) - 29 marzo 2026
Palazzo Doria Pamphilj - Roma

Terza personale dell'artista prodotta da Studio Stefania Miscetti. Una selezione di opere - sculture, lavori su carta, video - molte delle quali realizzate da Silvia Giambrone appositamente per questa occasione. Tra queste, il video della performance Perché poi sarà troppo tardi (Cinque visioni), tenutasi all'Ospitale di Santa Francesca Romana lo scorso 14 novembre, anch'essa prodotta dallo Studio Stefania Miscetti.

La mostra di Silvia Giambrone nasce dalla riflessione sull'intrecciarsi di storie personali e Storia, tra stratificazioni di tradizioni e convenzioni sociali, indagando così la costruzione dell'immaginario collettivo domestico. Il titolo è la forma abbreviata del detto latino Sub rosa dicta velata est - ciò che viene detto sotto la rosa è segreto - e rimanda alla tradizione greco-romana secondo cui tutto ciò che veniva pronunciato intorno a un tavolo su cui era posto una rosa, simbolo di riservatezza consacrato al dio del silenzio, doveva restare confidenziale.

Le sue opere si rivelano al tempo stesso oggetti familiari e stranianti e la percezione di questa loro difformità genera nel visitatore una sottile inquietudine, un dubbio che riattiva lo sguardo e la memoria. Sono oggetti traditori che "mimetici nella dimensione estetica ma dissidenti nella funzione", come li definisce Silvia Giambrone, si fanno portatori di senso in quanto non neutrali, anzi capaci di svelare e testimoniare storie e narrazioni.

L'iniziativa si inserisce nel programma dello Studio Miscetti, in continuità con la sua storia e la sua pratica: non solo interventi nello spazio della galleria, ma un incontro diretto con la città, con i suoi luoghi, le sue architetture e le sue storie. Un modo per attivare e far conoscere il patrimonio storico attraverso l'arte contemporanea, creando connessioni tra passato e presente, tra la dimensione intima del museo e quella collettiva dello spazio urbano.

Silvia Giambrone (Agrigento, 1981) lavora con performance, installazione, scultura, video, suono. La sua ricerca è incentrata sulle forme sotterranee di assoggettamento. Vince il Premio VAF 2019, il più importante riconoscimento per i giovani artisti italiani. È ambasciatrice di Kaunas Città Europea della Cultura 2022. Tra le sue mostre ricordiamo: W Women in Italian Design, Triennale Design Museum, Milano (2016); Terra mediterranea: in action, NiMAC, Nicosia, Cipro (2017); Walleyes. Looking at Italy and Africa, Keynes Art Mile, Johannesburg (2019); VII Premio Fondazione VAF, Stadtgalerie Kiel, Germania (2019); Hall of Shadows, Dior show FW2021, Castello di Versailles, Francia (2021); Reise nach Italien, Goethe Institut, Roma (2023) e Istituto Italiano di Cultura, Berlino (2024); Giorni felici?, Fondazione Merz Palermo (2024); La Passione, Fotogalleriet, Oslo (2024); Annotazioni video, Istituto Italiano di Cultura, Tirana, Albania (2025); Silenzi Eloquenti, Biblioteca Beato Pellegrino, Università di Padova (2025); Identities beyond borders, Istituto Italiano di Cultura, Berlino (2025). (Estratto da comunicato stampa)

---

---

Franco Mazzucchelli
"Blow Up"

05 dicembre 2025 - 01 marzo 2026
Museo MAN - Nuoro
www.museoman.it

Mostra personale di Franco Mazzucchelli (Milano 1939) curata da Marina Pugliese e frutto di un protocollo di intesa con il MUDEC di Milano. L'esposizione ripercorre la ricerca dell'artista milanese dagli anni Sessanta a oggi, attraverso una selezione di opere e fotografie che documentano il carattere sperimentale, sociale e partecipativo del suo lavoro. In linea con una ricerca che il MAN sta conducendo sugli artisti sensibili ai temi della sostenibilità e della collettività, autori di opere che sono state in grado di attivare, nel tempo, la comunità attraverso pratiche di condivisione, la mostra di Mazzucchelli restituisce, per tappe, la sua azione artistica dipanata nello spazio, il suo abitare i luoghi pubblici, connotandoli, qualificandoli e invitando i cittadini stessi a riappropriarsi di aeree dimenticate attraverso una nuova dimensione di senso e di partecipazione.

In mostra emerge una scelta di lavori connessi agli Abbandoni dei primi anni Sessanta e ai progetti successivi A. TO A.(Art to Abandon / Arte da abbandonare), tra cui gli interventi realizzati davanti all'Alfa Romeo di via Traiano a Milano (1971), nel piazzale del Liceo artistico di Torino (1971) o nella Piazza dei Priori di Volterra (1973). Queste azioni, nate dall'idea di "abbandonare" grandi strutture gonfiabili in PVC nello spazio pubblico, rappresentano un gesto di apertura, un invito alla interazione e all'esperienza prossemica, oltre che una riflessione critica sulla liberazione dell'arte dai circuiti tradizionali.

L'intervento nei pressi della fabbrica l'Alfa Romeo, era inizialmente pensato per i bambini del vicino parco giochi, ma offrì in modo inaspettato un momento di svago e di immaginazione per i lavoratori, per poi trasformarsi addirittura in uno strumento politico, con gli operai che se ne servirono per creare una barriera d'ostacolo al passaggio delle macchine. Ancora, a Volterra nel 1973 - in occasione della rassegna sull'arte ambientale curata da Enrico Crispolti - i suoi gonfiabili divennero protagonisti di una festa collettiva, mentre a Torino l'installazione di un grande arco gonfiabile nell'area urbana generò una diversa lettura del paesaggio e, insieme, del tessuto sociale.

Un'altra sezione storica, per la prima volta esposta in una istituzione pubblica italiana, è dedicata all'opera Caduta di Pressione, allestita nel 1974 presso la galleria milanese Diagramma e che prevedeva - tramite l'impiego di unmanovuotometro, strumento di precisione utile a misurare pressioni relative, superiori o inferiori a quella atmosferica - il rilevamento del consumo di ossigeno in una stanza, in base alla presenza di ospiti differenti; ne uscì una sorta di mappatura del respiro e del fiato, del vuoto e dell'apnea, registrato al pari di un esperimento in schedari che custodiscono ancora i valori della pressione e i nomi degli avventori, fra cui colleghi come Agnetti, Fabro, Nigro, La Pietra, oltre a Gillo Dorfles, Urs Lüti, Tommaso Trini.

Il percorso presenta poi due grandi sculture gonfiabili in PVC, un Totano di 26 metri di lunghezza e Cono alto 12 metri, esempi della tensione dell'artista verso una scultura espansa e temporanea, capace di ridefinire il rapporto tra opera, spazio e pubblico. I materiali sintetici e le grandi dimensioni contribuiscono a plasmare forme celibi, non funzionali e puramente ludiche, che invadono gli ambienti, modificando la percezione dell'architettura, stimolano una reazione da parte del visitatore che, in passato, Mazzucchelli ha documentato ampiamente, in una sorta di analisi comportamentale del pubblico al cospetto dell'innesto estraneo e inatteso.

L'installazione site-specific in membrana di film plastico del ciclo Riappropriazioni - che negli anni Settanta l'artista ha distillato in luoghi come Parco Sempione o la Triennale di Milano - occupa integralmente, si propaga e inghiotte, una sala del museo, annullandone i confini e suggerendo nuove modalità di esperienza estetica, invitando il pubblico a entrare fisicamente nella bolla stessa, nella sua sospensione metafisica che avvolge, lambisce, aderisce a soffitti e pavimenti, come una placenta, un tessuto vitale e traspirante che impacchetta idealmente anche una scultura giovanile di Mazzucchelli, scolpita sotto la guida di Marino Marini negli anni trascorsi nelle aule dell'Accademia di Brera. Testimonianza del dialogo continuo fra l'artista e la dimensione collettiva del suo lavoro, l'opera si fa luogo di incontro, in un processo aperto che coinvolge lo spettatore nella possibilità di riappropriarsi simbolicamente dello spazio tramite l'arte che lo abita.

Monumentalità e leggerezza, sospensione e adesione, uso di materiali un tempo sperimentali come la plastica e riflessione critica attuale su questioni ecologiche: la mostra Franco Mazzucchelli. Blow Up (citazione deflagrante della celebre pellicola di Antonioni) affonda in queste dicotomie e racconta per capitoli la storia un artista che ha saputo ridefinire i linguaggi della scultura contemporanea, portando l'arte fuori dei musei e dentro la vita quotidiana, in una continua esplorazione delle relazioni tra estetica, società e partecipazione.

Conosciuto per la sperimentazione pionieristica con materiali sintetici iniziata negli anni Sessanta e per la creazione di installazioni ambientali su larga scala che hanno la capacità di sovvertire le convenzioni quotidiane delle comunità locali, Franco Mazzucchelli ha prodotto un prolifico corpus di opere, che continua a evolversi ancora oggi. La sua pratica, avvicinandosi alla partecipazione totale, ne analizza le dinamiche sociali. Le opere diventa temporaneamente parte del paesaggio urbano e il pubblico è incline a toccarle, spostarle, giocarci e persino portarle via.

Dall'inizio degli anni 2000, la ricerca di Mazzucchelli si spostata verso una dimensione più estetizzata, dando origine a tele gonfiabili parte del ciclo Bieca Decorazione. Questo termine è utilizzato in modo autoironico per descrivere la pratica del dipingere come puro godimento estetico e per sottolinearne la connessione con le logiche commerciali. Le installazioni ambientali di Franco Mazzucchelli sono state presentate in numerosi luoghi in Italia e all'estero. I suoi lavori sono stati inclusi in mostre storiche. È stato Direttore Vicario di Brera 2 e Professore di Tecniche della Scultura presso l'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. (Estratto da comunicato stampa)

---

Agnieszka Kurant
"Variantology"

04 dicembre 2025 - 28 febbraio 2026
Galleria Lia Rumma - Napoli
www.liarumma.com

La prima mostra personale di Agnieszka Kurant con la Galleria. La mostra riunisce una selezione di opere nuove e recenti. La pratica multidisciplinare di Kurant esplora le intelligenze collettive e non umane, il futuro del lavoro e della creatività, e le forme di sfruttamento insite nel capitalismo digitale. Attingendo a filosofia, antropologia, tecnologia e scienza, il suo lavoro si concentra sull'emergere e l'evoluzione di forme modellate da un'agenzia collettiva, che si tratti di termitai, minerali, linguaggi, segni, strumenti, valute o movimenti sociali. In collaborazione con scienziati, l'artista costruisce sistemi complessi, reti e ambienti in cui molteplici agenti-molecole, batteri, animali, algoritmi di intelligenza artificiale o folle umane-interagiscono generando forme ibride e instabili, in continua metamorfosi, come organismi viventi.

Oscillando tra biologico, digitale e geologico, naturale e artificiale, vita e non-vita, passato profondo e futuro remoto, le sue opere indagano la soggettività plurale, l'evoluzione dei sistemi viventi, la cultura e la tecnologia, le trasformazioni dell'umano, l'automazione e la cibernetica. Le opere di Kurant, basate sulla ricerca, si nutrono dei processi di creazione di valore in rete dell'economia digitale e indagano l'autorialità collettiva e il sistema globale di sfruttamento del lavoro incorporato nell'intelligenza artificiale.

Le forme ibride che l'artista produce spesso contrastano le previsioni algoritmiche con processi non calcolabili e imprevedibili. I suoi assemblaggi e amalgamazioni-cresciuti, evoluti, cristallizzati o modellati a livello molecolare-emergono dalle mutazioni della materia nell'Antropocene e riflettono mutamenti della soggettività collettiva influenzati dalla tecnologia. Questi esperimenti speculativi propongono idee su come la vita umana e non umana potrebbe evolvere.

Il titolo della mostra, Variantology, si ispira al concetto di ricerca interdisciplinare introdotto dall'archeologo dei media Siegfried Zielinski, che mette in discussione il progresso tecnologico lineare ed esplora variazioni e alternative alle narrazioni dominanti nella storia della tecnologia e dei media. L'approccio variantologico indaga le relazioni del "deep time" (tempo profondo), osservando come arti, scienze e tecnologie abbiano evoluto insieme, spesso in modi inaspettati, in diverse culture della conoscenza, dall'antichità all'epoca moderna.

Unendo un possibile passato a un possibile futuro, mira a comprendere come queste variazioni abbiano modellato il nostro mondo e a sfidare l'idea di un unico percorso corretto di sviluppo. Il ruolo particolarmente significativo di Napoli nella storia dell'alchimia e della tecnologia riveste un'importanza centrale nell'approccio variantologico. Nell'interpretazione di Kurant, le previsioni sul futuro prodotte oggi dalla tecnologia sono intrecciate in una relazione ricorsiva con il mondo, influenzando presente e futuro, indipendentemente dal fatto che si avverino o meno.

Agnieszka Kurant (nata a Łódź, Polonia) attinge a filosofia, tecnologia, scienza e capitalismo digitale per creare opere instabili e in continua evoluzione, incentrate sull'intelligenza collettiva e sul futuro del lavoro e della creatività. L'artista costruisce sistemi complessi, reti e ambienti composti da molteplici agenti (molecole, animali, batteri, algoritmi di intelligenza artificiale o folle di persone) che interagiscono producendo forme ibride in costante metamorfosi. Oscillando tra biologico, digitale e geologico, naturale e artificiale, vita e non-vita, passato profondo e futuro remoto, le sue opere esplorano la soggettività plurale, l'evoluzione dei sistemi viventi, della cultura e della tecnologia, le trasformazioni dell'umano, l'automazione e la cibernetica. Ha presentato mostre personali al Mudam, Lussemburgo (2024), al Castello di Rivoli, Torino (2021) e allo Sculpture Center (2013), tra gli altri.

Il suo lavoro è stato esposto al Jeu de Paume, Parigi (2025), alla Biennale di Gwangju (2024), alla Biennale di Sydney (2024), al Centre Pompidou, Parigi (2024), alla Pinault Collection - Bourse de Commerce, Parigi (2024), al Gropius Bau, Berlino (2024), al Louisiana Museum, Danimarca (2023), al Museum of Modern Art, New York (2021) e alla Biennale di Istanbul (2019). Nel 2021-22 Kurant ha realizzato una commissione permanente per il MIT List Visual Arts Center di Cambridge e, nel 2015, una commissione per la facciata del Solomon R. Guggenheim Museum di New York. (Comunicato stampa)

Immagine:
Agnieszka Kurant, Nonorganic Life 11, 2025, photo credit: Krzysztof Smaga, photo courtesy of the artist

---

Giorgione
Da Budapest a Roma

29 novembre 2025 - 08 marzo 2026
Palazzo Barberini - Roma

Le Gallerie Nazionali di Arte Antica proseguono la politica di scambio con le più importanti istituzioni italiane e internazionali, offrendo un'altra straordinaria opportunità di studio e confronto del patrimonio europeo, con un eccezionale prestito dall'Ungheria. Con la curatela di Michele Di Monte, Palazzo Barberini accoglie il celebre Ritratto di Giovane - noto anche come Ritratto di Antonio Brocardo e attribuito a Giorgione - proveniente dallo Szépmüvészeti Múzeum / Museo di Belle Arti di Budapest. L'opera, databile intorno al 1503, rappresenta una rara occasione per vedere in Italia un dipinto di grande rilievo nella produzione del maestro veneto, il cui corpus di opere certe o ragionevolmente attribuite è notoriamente molto ristretto.

Anche questo ritratto - donato al Museo di Belle Arti dall'arcivescovo János László Pyrker nel 1836, ma proveniente da Venezia - mantiene quell'alone di mistero tipico di Giorgione: permangono dubbi sulla collocazione cronologica, sull'identità del soggetto ritratto e sui significati più intimi dell'immagine. Ciò nonostante, la figura di Giorgione ha avuto un ruolo cruciale nello sviluppo della pittura italiana agli inizi del XVI secolo, segnando un momento di svolta soprattutto nell'ambito del ritratto.

La decisione di esporre il Ritratto di Giovane a Palazzo Barberini in dialogo con il celebre Doppio ritratto del medesimo autore - oggi conservato a Palazzo Venezia a Roma ed eccezionalmente concesso in prestito dal VIVE - Vittoriano e Palazzo Venezia nell'ambito di un accordo di collaborazione tra i due istituti del Ministero della Cultura - offre l'occasione per mettere a fuoco i tratti distintivi dell'innovazione giorgionesca, che emergono con evidenza nella visione ravvicinata dei due dipinti.

Una volta attivata questa sintonia, il rapporto con altre opere della collezione permanente permetterà al pubblico di confrontarsi con i principali temi legati alla ritrattistica del tempo: dalla predominanza del ritratto virile di ruolo (Bronzino, Bartolomeo Veneto, Metsys), al "ritratto di Stato" (Holbein), sino all'esplorazione del filone sentimentale-erotico inaugurato proprio da Giorgione e rappresentato magistralmente dalla Fornarina di Raffaello. Il confronto inedito tra i dipinti consente dunque al pubblico e agli studiosi di tornare a riflettere su alcune questioni formali, estetiche e iconografiche ancora elusive riguardanti la figura di Giorgione, sulle quali Palazzo Barberini offre nuove chiavi interpretative, che verranno sviluppate nell'ambito di una giornata di studi dedicata. (Comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

---

Philippe Halsman
"Lampo di genio"

06 dicembre 2025 - 19 aprile 2026
Palazzo Pinato Valeri - Piove di Sacco (Padova)

Tra i più grandi ritrattisti della storia della fotografia, Philippe Halsman (Riga 1906 - New York 1979) ha saputo lavorare sempre tra sguardo e introspezione, intuizione immediata, surrealismo, lampi di genio e tecnica raffinata. Nella sua carriera Halsman ha firmato oltre 101 copertine di Life, più di qualunque altro fotografo; ha creato ritratti straordinari per forza e indagine psicologica. "Lampo di genio" - curata da Alessandra Mauro e Suleima Autore in collaborazione con l'Archivio Halsman di New York - raccoglie tutto questo e presenta al pubblico un autore straordinario e un testimone della nostra storia recente. In esposizione 100 immagini di diversi formati, tra colore e bianco e nero, volumi originali e documenti che ripercorrono l'intera carriera del grande autore. Accompagna la mostra il catalogo edito da Contrasto.

Halsman diventa fotografo nella Parigi degli anni Trenta, a stretto contatto con l'ambiente surrealista da cui impara a guardare la realtà con sguardo straniato, innovativo, pieno di inventiva e creatività. Il talento come ritrattista è da subito evidente, sorretto da una tecnica accurata e dalla possibilità di dare a ogni volto, per ogni occasione, una freschezza e una intensità particolare, ottenuti anche sperimentando tecniche e macchinari.

Quando nel 1940 arriva a New York, porta la sua sensibilità europea, l'attenzione piscologica, il gioco dei caratteri e la voglia di inventare nelle pagine delle grandi riviste come Life rivoluzionando, in questo modo, il ritratto. Tutti sono passati di fronte al suo obiettivo: politici come Churchill e Kennedy, divi del cinema come Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, Yves Montand, Barbra Streisand, scienziati come Einstein e Oppenheimer, artisti come Pablo Picasso e Marc Chagall e soprattutto Salvador Dalí con cui, in anni di collaborazione crea una galleria unica di immagini straordinarie, oniriche e surreali in cui l'artista e il fotografo si fondono magicamente.

Per ogni soggetto, Halsman riesce a cercare un set particolare, una piccola performance. Le sue immagini sono uniche, a metà tra documento e invenzione, come è proprio nella tradizione dei grandi ritrattisti cui è chiesto di interpretare il soggetto facendolo emergere, o nascondere, dietro il suo personaggio anche a costo di inventare una forma particolare, personalissima, di documento fotografico.

In mostra anche la celebre serie di "jumpology " con divi e personalità che accettano letteralmente di saltare di fronte al suo obiettivo creando un carosello di immagini giocose e dinamiche, originali nella loro realizzazione grafica e nella forza rappresentativa. "Quando chiedi ad una persona di saltare tutta l'attenzione è concentrata sull'atto di saltare, e così la maschera cade ed ecco che si mostra la persona dietro di essa" (Philippe Halsman). (Estratto da comunicato ufficio stampa Studio ESSECI di Sergio Campagnolo)

---

Antonio Scordia
"La realtà che diventa visione"

26 novembre 2025 - 29 marzo 2026
Casino dei Principi - Musei di Villa Torlonia - Roma

Mostra antologica a cura di Giovanna Caterina de Feo. Sono esposte circa 80 opere di Antonio Scordia (1918-1988), artista ben noto alla storiografia e alla critica d'arte, ma oggi poco raccontato al grande pubblico. Bisogna risalire al 1977 per trovare nella Capitale un'esposizione in spazi pubblici dedicata al pittore che, nato a Santa Fè da genitori italiani, scelse Roma, città nella quale crebbe, come luogo dove vivere e lavorare, nonostante le opportunità in Argentina e i soggiorni a Parigi, New York e Londra.

Il percorso espositivo, articolato sui due piani del museo, offre una panoramica completa dell'opera dell'artista. Comprende dipinti provenienti dalla Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, riuniti per l'occasione con opere appartenenti a collezioni private e agli eredi di Scordia, oltre a una selezione di documenti d'archivio - cataloghi e fotografie - provenienti dagli archivi di famiglia.

La mostra si apre con le opere dei difficili anni degli esordi, all'indomani del 1942, nel clima figurativo della cosiddetta Scuola romana. Tra i primi dipinti esposti figurano alcuni oli su tela, tra cui un Autoritratto, diversi ritratti della moglie Valentina, il Ritratto del Poeta Sinisgalli e La seggiola e il gatto, opera acquisita nel 1952 da Palma Bucarelli per la Galleria nazionale d'arte moderna di Roma. Questa prima parte si conclude con opere di poco successive, di impianto post-cubista, come Innaffiatoio in giardino e il disegno Donna in poltrona, anch'esso dalle collezioni della Gnamc, realizzate entro il 1956.

La mostra prosegue con le tele della seconda metà degli anni Cinquanta, incentrate sul percorso che porterà Scordia verso l'astrattismo. Si va da Ruderi nel parco a Siesta in campagna, fino a opere come Annuncio e Figura bianca, ambedue del 1959, grandi tele in cui la forma sembra progressivamente dissolversi. Sono gli anni delle mostre alla Galleria La Tartaruga di Plinio de Martiis (1955 e 1957), periodo in cui Scordia avanza con decisione verso l'astrazione, elaborando una pittura poetica, colorata e incantata della realtà quotidiana. Una pittura che Maurizio Calvesi descrive come "assediata dalla realtà, la realtà dell'esistente, intorno, e soprattutto la realtà dell'esistenza, dentro".

Il percorso prosegue con un approfondimento dedicato alle grandi tele degli anni Sessanta, tra cui Gorgone, Grande frammento e il Grande interno del 1968, e culmina in una ricca selezione di opere liriche e mature degli anni Settanta e Ottanta, come Specchio Blu del 1978, Specchio rosa del 1982 e Pietra Lavica del 1986. Sono opere nelle quali emerge la verve creativa di Scordia che, come agli esordi, continua a muovere la propria ricerca partendo dal confronto con la realtà.

La mostra si conclude con un approfondimento dedicato alla poco nota attività dell'artista nel campo delle arti decorative, documentata da alcune ceramiche degli anni Quaranta, dipinte nello Studio Galassi, e soprattutto dall'arazzo realizzato, su suo cartone, nel 1962 per la Turbonave Raffaello. Quest'opera segna un momento di particolare rilievo nella sua produzione e costituisce il prodromo del monumentale arazzo eseguito pochi anni più tardi per il Ministero degli Affari Esteri, oggi conservato nella Sala dei Trattati Europei "David Sassoli" alla Farnesina.

L'intero percorso espositivo è corredato da disegni inediti provenienti dall'Archivio Antonio Scordia. In un'intervista concessa a Luigi Lambertini nel 1979, nel catalogo della sua mostra "I segni dell'esistere", l'artista afferma: "Per me il privato può diventare sociale. E dal privato mi muovo. La mia immaginazione parte dalla vita che mi circonda, non mi fa sentire distaccato o assente. L'importante è conoscere tutto, ma bisogna essere determinati e fare la propria scelta sentendola necessaria. In quell'ambito è possibile poi muoversi con assoluta libertà. Ho fiducia nella mia immaginazione, ma è la forma che conta, alla fine, e la chiarezza del linguaggio."

Selezionato nel 1958 da Lionello Venturi tra gli undici Pittori italiani d'oggi (Afro Basaldella, Renato Birolli, Bruno Cassinari, Antonio Corpora, Mario Mafai, Fausto Pirandello, Giuseppe Santomaso, Toti Scialoja, Antonio Scordia, Giulio Turcato, ed Emilio Vedova), il lavoro del pittore fu seguito con attenzione da poeti, critici e storici dell'arte.

Tra i primi, l'amico Toti Scialoja sin dal 1945 e il poeta Leonardo Sinisgalli, successivamente Maurizio Calvesi che lo presenta in catalogo alla VII Quadriennale di Roma (1955), alla XXVIII Biennale di Venezia (1956), alla personale romana all'Attico di Bruno Sargentini nel 1959 e in numerose esposizioni successive, fino all'ultima, postuma, nel 1988 alla Galleria dei Banchi Nuovi, quando descriveva la pittura di Scordia come una "visione dai contorni nitidi ma non rigidi, appena sbavati, pittoricamente respiranti, irregolarmente curvilinei o talvolta segmentati, mentre i fondi coprenti, bianchi o azzurri, rossi o rosati, ocra o neri, diventavano il piano d'appoggio di una profondità indeterminata e avvolgente, come uno spazio tutto filtrato nel colore".

Tra i critici che ne seguirono l'evoluzione figurano anche Enrico Crispolti, Nello Ponente e Lorenza Trucchi, che recensì costantemente le mostre di Scordia, in particolare sulle pagine della Fiera Letteraria. Infine Giulio Carlo Argan sottolineò la coerenza dell'artista scrivendo nel 1974: "Da trent'anni [Scordia] vive i contrastanti eventi dell'arte nel mondo con un fer­vore moderato soltanto dalla civile determinazione di capire tutto e non subire nulla. Non ha mai fatto il passo più lungo della gamba, ma neppure un passo all'indietro".

Così lo descrive Giuseppe Appella in catalogo: "Un pittore di livello internazionale, sulla cui arte hanno scritto i più significativi critici del suo tempo, a partire da un convinto giovane Calvesi. Eppure un velo d'oblio sembra averlo coperto dopo la sua morte. La storia della pittura italiana, si sa, è piena di macerie: ma, come dice Kiefer, l'arte sopravvive alle sue rovine. E così fa quella di Scordia".

La mostra è accompagnata da un catalogo monografico, edito da Silvana Editoriale, con un'introduzione di Giuseppe Appella, un saggio della curatrice Giovanna Caterina de Feo, testi di Gregorio Botta, Carlo Alberto Bucci e Giulia Silvia Ghia, la riproduzione di tutte le opere in mostra e una ricca selezione di apparati e testi critici. (Comunicato Ufficio stampa Maria Bonmassar)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Antonio Scordia, Gorgone n°1, 1962, olio su tela cm. 162x130, foto Paolo Scordia, courtesy Archivio Antonio Scordia
2. Ritratto di Antonio Scordia realizzato nel 1954 nello studio di via Picardi

---

Donazione Lokar
Lo splendore della porcellana europea

Dal 14 dicembre 2025
Museo Civico Sartorio - Trieste
www.museosartoriotrieste.it

La passione di una vita che diventa patrimonio di una intera città e di chi la visita. Accade a Trieste dove la raffinata Collezione di porcellane delle più prestigiose manifatture europee, frutto di 60 anni di acquisti di Giovanni Lokar insieme alla moglie Sonja Polojaz entra del patrimonio del Museo Sartorio, esempio di casa museo altoborghese dell'Ottocento. Dal 14 dicembre la Collezione Lokar nella sua quasi totalità potrà essere ammirata dal pubblico in due sale del Museo (inaugurazione su invito il 13 dicembre), appositamente riallestite per ricreare un'atmosfera al contempo moderna e rievocativa dell'epoca d'oro della Porcellana.

L'esposizione della collezione di porcellane della famiglia Lokar, donata al Comune di Trieste, è promossa dall'Assessorato alle Politiche della Cultura e del Turismo, e realizzata con il contributo della Regione Friuli Venezia Giulia. L'ampia collezione di Giovanni Lokar (composta in totale oltre 550 pezzi di ben 80 manifatture diverse) consente di ripercorrere l'intera storia della porcellana europea, a partire dal suo avvio nel 1709 in Germania, e di approfondirne la produzione in particolare lungo tutto il XVIII secolo, spingendosi anche nella prima metà del secolo seguente.

Sono oltre 80 le manifatture documentate almeno da un oggetto, dall'ambito tedesco all'Italia e all'Europa intera, dalla Spagna alla Repubblica Ceca, dalla Francia alla Danimarca, dall'Inghilterra alla Russia. Si tratta dunque della collezione più completa in termini di varietà di manifatture nell'ambito europeo del Settecento. Nel caso delle principali manifatture, il collezionista predilige gli esemplari dei primi anni di attività, a prima vista forse meno appariscenti ma di assoluta rarità. Sebbene non manchino servizi, piatti, caffettiere, teiere e sculture, prevalgono le tazze con piattino che, nonostante le dimensioni ridotte, per la loro forma presentano le superfici più adatte a dare risalto al decoro pittorico e agli eleganti fregi in oro.

I manufatti sono magnifici esempi della porcellana barocca del primo Settecento, in perfetto stato di conservazione e dotati di marchio, quando la fabbrica lo utilizzava. Le scelte con cui sono stati selezionati recano un'impronta del tutto personale, che appare originata dalla storia e dalla cultura della città in cui il collezionista abita: Trieste, da secoli all'incrocio politico tra Venezia e Vienna, tra l'influsso italiano e quello germanico. Giovanni Lokar si concentra infatti fin dall'inizio sulla manifattura Du Paquier di Vienna, con il suo perfetto equilibrio tra la grandiosa magniloquenza del decoro e la sciolta eleganza delle linee.

Contestualmente, nell'addentrarsi nel campo della porcellana italiana, di cui egli apprezza l'indipendenza stilistica e la mancanza di ripetitività nei decori, dedica una particolare attenzione alle fabbriche veneziane: il primo acquisto di porcellana italiana è infatti un piattino dell'armoniosa manifattura Vezzi di Venezia, che lo interessa per l'originale e tipicamente veneziana interpretazione degli stilemi della porcellana di Meissen e Vienna. Non mancano numerosi e significativi esemplari delle altre manifatture lagunari - la rarissima Hewelcke e l'elegante e variegata Cozzi - e di tutte le manifatture venete, anche meno note, e italiane: uno degli aspetti più rilevanti della raccolta è costituito dal corpus delle porcellane Ginori, con alcuni pezzi somiglianti proprio alla porcellana di Du Paquier.

Emerge anche un ricco nucleo di porcellane araldiche, decorate con stemmi nobiliari, con un focus particolare sia su quelle realizzate a Venezia e nel Veneto, sia su quelle commissionate alla manifattura di Meissen dalle nobili famiglie veneziane fra il 1730 e il 1750: fragili oggetti rappresentativi, destinati essenzialmente all'esibizione di uno status sociale. Un altro filo conduttore che rende unica questa collezione è l'attenzione prestata alle manifatture, anche le più rare, degli stati del Sacro Romano Impero: ne sono documentate più di 30, ciascuna con un carattere proprio.

Di eccezionale interesse il nucleo di porcellane riconducibili all'attività degli Hausmaler, pittori a domicilio (in prevalenza tedeschi di Bayreuth e Augsburg, ma anche boemi, olandesi e inglesi) che, nei primi anni successivi alla scoperta della formula della porcellana, passarono dalla decorazione su vetro e maiolica a quella sulla porcellana sassone, viennese e cinese. Altrettanto interessanti sono le figure degli artisti girovaghi o itineranti, che furono interpreti e diffusori di gusti e mode attraverso l'intera Europa. Tra loro, Jacob Helchis "primo fra i virtuosi di pitturare le porcellane", nato a Trieste, virtuoso nel trasferire su porcellana soggetti e tecniche desunti dalle incisioni. (Comunicato stampa ufficio stampa Studio ESSECI)

---

Plasmare l'Idea. Sculture e scultori oltre il XX secolo
29 novembre 2025 (inaugurazione) - 28 febbraio 2026
Galleria Open Art - Prato
www.openart.it

Mostra collettiva dedicata all'evoluzione della scultura moderna e contemporanea, accompagnata da un testo critico di Beatrice Buscaroli. La mostra approfondisce la trasformazione del linguaggio plastico oltre il Novecento, mettendo in dialogo poetiche, materiali e forme che testimoniano la continuità e, al tempo stesso, la rottura con la tradizione. Dalla riflessione formalista di Greenberg alla dialettica tra corpo, impronta, traccia e spazio teorizzata da Krauss e Didi-Huberman, Plasmare l'Idea indaga come la scultura contemporanea affronti oggi il rapporto tra visione, materia e significato.

Il percorso espositivo evidenzia le molteplici declinazioni di un medium che, attraverso bronzo, ceramica, legno, alluminio, cemento e materiali non tradizionali, continua a ridefinire il proprio statuto. Le opere in mostra testimoniano sperimentazioni tecniche, costruttive e concettuali che dalla metà del XX secolo hanno reso la scultura un linguaggio vivo, capace di coniugare memoria e innovazione, monumentalità e fragilità, gesto e struttura.

Tra gli artisti presenti: Mirko Basaldella, Sandro Chia, Yasuo Fuke, Nino Franchina, Walter Fusi, Franco Garelli, Quinto Ghermandi, Emilio Greco, Bruno Innocenti, Paul Jenkins, Jiri Kolár, Luigi Mainolfi, Paolo Maione, Giuseppe Maraniello, Marino Marini, Beverly Pepper, Guido Pinzani, Francesco Somaini, Giuseppe Spagnulo, Mauro Staccioli e Giuseppe Uncini.

Un insieme eterogeneo di autori che, attraverso approccimateriali e visivi differenti, contribuisce a delineare un ampio ventaglio di possibilità per la scultura contemporanea: dall'intervento nello spazio pubblico alle torsioni del mito, dalla sperimentazione industriale all'intimità del modellato, dall'evocazione narrativa alla pura struttura formale. Plasmare l'Idea propone così una riflessione attuale sulla vitalità del linguaggio plastico, sulla sua capacità di essere "lingua viva", luogo di traduzioni complesse, di tensioni tra peso e leggerezza, tra permanenza e trasformazione. Una mostra che restituisce la ricchezza di un processo artistico in continua evoluzione, dove la materia diviene strumento per dare corpo - e forma - all'idea.

«Esperienze, spesso contrapposte, che definiscono il ventaglio di posizioni su cui la pratica della scultura sembra inverarsi. Una terracotta, un ferro saldato e dipinto, una resina modellata, un marmo o un legno pazientemente scolpiti, sono altrettante variabili materiali di un "saper fare" che cerca di ritrovare la potenza di una lingua che il campo d'azione delle arti visive ha complicato, ma non compromesso. In fondo si tratta di individuare lo strumento opportuno per plasmare l'idea», scrive Beatrice Buscaroli. La mostra è accompagnata da un catalogo (Masso delle Fate, 2025), curato da Mauro Stefanini con un testo critico di Beatrice Buscaroli. (Comunicato ufficio stampa CSArt di Chiara Serri)

---

Gian Antonio Cibotto (1925-2017)
"Il gusto del racconto"

05 dicembre 2025 - 29 giugno 2026
Palazzo Roncale - Rovigo

Francesco Jori anticipa il taglio che ha inteso dare alla sua ricognizione su Gian Antonio Cibotto che verrà proposta nella mostra (di cui è curatore) dedicata all'intellettuale polesano. Da un'idea di Sergio Campagnolo, l'esposizione è promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo - in collaborazione con il Comune di Rovigo e l'Accademia dei Concordi - e prodotta da Arcadia Arte, in occasione del Centenario dalla nascita dello scrittore. Il catalogo accoglie, accanto agli interventi istituzionali e al saggio introduttivo di Francesco Jori, un suo secondo intervento dedicato ai "Diari Veneti" e testimonianze di Giancarlo Marinelli, Elisabetta Sgarbi, Romolo Bugaro, Ivan Malfatto.

Cibotto "straniero a sé stesso". È la tesi del curatore della mostra, Francesco Jori. La visione del curatore è sintetizzata dal titolo del suo saggio introduttivo al catalogo che accompagna l'esposizione: "Un uomo straniero a sé stesso: dai primi giorni di vita ai suoi estremi momenti". È stata un'inesausta, logorante, tormentata vicenda umana, quella di Toni Cibotto; un'esistenza errante, consumata in un'urticante combustione di amore e di odio, nell'inquietante sensazione di non appartenere ad alcun tempo e ad alcun luogo. Neppure alla sua terra, che pure ha portato nel cuore fino all'ultimo", scrive il curatore.

"Sono uno del Delta padano, niente in comune con il Veneto". Ed è proprio lì, in quella patria senza confini amministrativi, che nei momenti più estremi Cibotto si reca in cerca di sollievo, di calma interiore, di serenità: "Quando la malinconia bussa con tocchi insistenti alla porta della mia mente, per sfogare l'irrequietudine che diventa un tormento, salgo in automobile e punto su Santa Giulia, a contemplare il frassino imperatore che si staglia enorme all'orizzonte. Lo circondano campi verdi di spugna, e le farfalle gli fanno festa". E ancora: "Seduto a riva, nella Sacca di Scardovari, contemplo da una parte il mare d'erba e dall'altra l'immensa distesa d'acqua sulla quale respira il cielo. Contemplo l'infinito, come non accade mai da nessuna parte". (Estratto da comunicato ufficio stampa Studio ESSECI, Sergio Campagnolo)

---

Giorgio de Chirico
"L'ultima metafisica"

29 novembre 2025 (inaugurazione) - 12 aprile 2026
Palazzo dei Musei - Modena
www.studioesseci.net

L'esposizione - a cura di Elena Pontiggia, riunisce cinquanta capolavori del Maestro, offrendo al pubblico un percorso affascinante attraverso l'ultima stagione creativa del fondatore della pittura metafisica. Promossa dal Comune di Modena, in collaborazione con la Fondazione Giorgio e Isa de Chirico - da cui provengono tutte le opere esposte - e prodotta da Silvana Editoriale, la mostra rappresenta un importante appuntamento per approfondire il pensiero e la poetica di uno dei protagonisti assoluti dell'arte del Novecento. La mostra intende ripercorrere proprio questo decennio straordinario (1968-1978), in cui de Chirico torna a dipingere manichini, Piazze d'Italia e altri enigmi del suo universo poetico, reinterpretandoli con rinnovata libertà creativa e immaginazione fertile, tra memoria e reinvenzione.

Diceva Picasso che ci vuole molto tempo per riuscire a diventare giovani. Giorgio de Chirico vi riesce in modo singolare a ottant'anni, quando nel 1968 inaugura la sua stagione neometafisica. È in questo periodo che l'artista torna ai temi, alle figure e ai motivi che avevano animato la sua pittura dagli anni Dieci ai primi anni Trenta, infondendo loro un nuovo significato, più giocoso, pervaso da una giovinezza dello sguardo ormai libera dal senso tragico che, celato dietro un'apparente serenità, permeava le sue opere di oltre mezzo secolo prima.

La neometafisica si distingue dalle copie che de Chirico realizzò per gran parte della sua vita per un profondo mutamento di linguaggio e di significato. Con un'accentuata ironia e una tavolozza più vivace, l'artista si allontana dalla visione nichilista e inquieta degli anni Dieci per reinterpretare, in chiave più serena - sebbene ancora venata di malinconia -, i temi che avevano segnato la sua prima stagione metafisica. "La metafisica di de Chirico degli anni Dieci" - afferma la curatrice Elena Pontiggia - "voleva esprimere l'enigma, l'incomprensibilità e l'assurdità dell'esistenza. In quella degli anni Settanta il sentimento dell'insensatezza dell'universo si attenua, ed è osservato con ironico distacco".

Alla pittura densa e corposa del periodo "barocco", de Chirico sostituisce una pittura limpida, fondata sul disegno e sulla costruzione nitida delle forme. La mostra documenta questa fase conclusiva, ma tutt'altro che secondaria, del suo percorso creativo, attraverso alcuni capolavori come Ettore e Andromaca davanti a Troia (1968), L'astrologo (1970) e Sole sul cavalletto (1973). In queste e in altre opere dello stesso periodo - come Il segreto del castello, Interno metafisico con pere e Il segreto della sposa - de Chirico non si limita a ripetere sé stesso: rielabora liberamente le proprie invenzioni, trasformandole in una riflessione matura e ironica sulla vita e sull'arte.

L'angoscia esistenziale degli anni giovanili, nutrita di Nietzsche e Schopenhauer, lascia il posto a una saggezza pacata, a una visione dell'esistenza come commedia. È il tempo in cui la filosofia di Herbert Marcuse celebra il gioco come espressione di libertà, e la Pop Art esalta la vitalità dei colori: un contesto che, pur non influenzando direttamente de Chirico, dialoga idealmente con la sua rinnovata leggerezza. La pennellata torna nitida, i colori si fanno smaltati, le forme si semplificano. Ne emerge un linguaggio nuovo, in cui la memoria e il presente si fondono in una poesia dell'eterno ritorno, illuminata da ironia e consapevolezza.

La svolta viene riconosciuta per la prima volta nel 1968 da Buzzati, che recensisce la mostra milanese ospitata nella galleria di Alexander Jolas. Dopo aver criticato poco prima le repliche "meccaniche" dell'artista, Buzzati riconosce nella nuova produzione una sincerità e una freschezza autentiche, scrivendo con ammirazione che "a ottant'anni un artista abbia l'animo di mettersi in un'impresa simile è cosa meravigliosa". È l'inizio della riscoperta del "nuovo" de Chirico.

La denominazione "neometafisica" nasce ufficialmente nello stesso 1970, quando il curatore Wieland Schmied, presentando la mostra tedesca di Hannover, parla di un "periodo neometafisico" contrassegnato dal ritorno ai temi metafisici con spirito rinnovato. È però Renato Barilli, in Presenza assenza del 1974, ad approfondire il valore della pittura ultima di de Chirico, vedendola come una coerente meditazione sul museo e una "ripetizione differente". Nel 1982 Maurizio Calvesi scriverà un libro fondamentale dal titolo La metafisica schiarita.

Nell'ultimo decennio della vita, de Chirico mostra dunque una vitalità sorprendente e una libertà intellettuale che sfidano la vecchiaia. La neometafisica diventa la sua risposta serena al tempo, un gioco di memoria e invenzione, una meditazione leggera sul destino umano. Nelle sue parole finali, l'artista riafferma la fusione sacra tra Poesia e Pittura, rifugio ultimo della sua arte e della sua filosofia di vita. La mostra è accompagnata da un catalogo (Silvana Editoriale) con testi della curatrice, di Ara Merjian e di Francesco Poli. (Comunicato ufficio stampa Studio ESSECI - Sergio Campagnolo)

---

Giorgio de Chirico - Mistero e poesia
termina il 29 settembre 2013
Castello Aragonese - Otranto (Lecce)

Partito dall'Italia con la sua Metafisica, Giorgio de Chirico (Volos, 10 luglio 1888 - Roma, 20 novembre 1978) ha conquistato la scena internazionale fin dalla prima metà del secolo scorso, travalicando i confini dell'arte per influenzare con il suo universo artistico non solo la generazione successiva di pittori, ma anche letterati, filosofi, architetti e la psicanalisi.

Presentazione mostra nella pagina "Grecia Moderna e Mondo Ellenico"

---

"carlaaccardi oroargento | dipinti 1964-1965"
13 dicembre 2025 (inaugurazione) - 28 marzo 2026
Galleria dello Scudo - Verona
galleriadelloscudo.com

Mostra dedicata a una selezione di opere di Carla Accardi eseguite tra il 1964 e il 1965. I dipinti, ora riuniti per la prima volta a documentare un nucleo ben definito, sono caratterizzati dall'uso di pigmenti oro e argento, una scelta con cui l'artista declina in termini del tutto inediti una personale riflessione sul rapporto fra segno, luce e spazio pittorico.

La rassegna, in collaborazione con l'Archivio Accardi Sanfilippo, riunisce tele di grandi dimensioni provenienti dalla collezione dell'artista, alcune già esposte in Italia e all'estero negli anni '60, che testimoniano di una fase creativa tra le più intense del suo percorso. Del 1964, infatti, è l'invito alla XXXII Biennale di Venezia con una sala personale. Nel testo in catalogo, Carla Lonzi sottolinea come Accardi sia passata "attraverso l'informale senza possibilità di identificarvisi, ma avvertendone la presenza come dato ovvio e preesistente".

L'artista sceglie per la prima volta di ricorrere a questi pigmenti per spostare con decisione la sua pittura verso una nuova dimensione di luminosità, che coinvolge lo spazio oltre i confini della tela, in un dialogo che, negli stessi anni, la porta a concepire le prime radicali sperimentazioni ambientali con il sicofoil. La serie di quadri del 1964-1965 ora riuniti a Verona rappresenta una delle tappe più enigmatiche e sofisticate di una particolare sperimentazione: l'oro e l'argento diventano veicoli di luce, materiali che dialogano con lo spazio circostante; l'immagine non è confinata all'interno del telaio ma agisce per inversione, apertura, riverbero. I dipinti di questo periodo riconfermano la tensione dell'artista verso una nuova "densità luminosa": il segno si fa essenziale, ridotto ma, al tempo stesso, potente nella sua capacità di modulare la percezione in rapporto all'osservatore e alle condizioni di visione.

Sarà Accardi stessa, in un'intervista su "Flash Art" di ottobre-novembre 1989, a offrire la chiave utile per comprendere la genesi di questi quadri. "Ricordo che nell'estate del '64, dopo la mia partecipazione alla Biennale, ho cominciato a usare il colore fluorescente su tela. Il colore fluorescente esprimeva la mia ricerca di una luce sempre maggiore, perché la fluorescenza di questo colore sembra illuminata da un raggio di sole, mentre il colore normale, anche se è un rosso cadmio, sembra sempre un po' ombrato. Il materiale trasparente, che poi ho usato, ho avuto occasione di utilizzarlo per una cosa che mi avevano chiesto. Così, la trasparenza e il colore fluorescente vengono tutti e due da quella mia scelta di radicalizzazione verso un cammino di "antipittura"; è sempre stato il mio motivo ispiratore... Ero passata da Ravenna e avevo visitato il Mausoleo di Galla Placidia".

L'esposizione veronese è corredata da una ricca serie di opere su carta. Un nucleo, anch'esso, del tutto coeso e unico, realizzato utilizzando i pigmenti oro e argento su carte colorate e mai presentato in pubblico nel suo insieme. In uno spazio ancora una volta risolto in bicromia, Accardi disegna una serie di "matasse", come lei stessa le chiama, in cui il segno si agita libero e si avviluppa in sequenze continue dall'andamento circolare, mosse verso il centro del foglio di carta o dilatate fino ai suoi limiti estremi. Opere in cui ritorna quella che Germano Celant nel 1999 definisce "la danza dei riflessi", che "spinge i colori quanto le superfici a fluttuare, a riverberare una luce e una mobilità che sono continue intercomunicazioni tra le polarità dell'arte e dell'ambiente". La Galleria dello Scudo pubblica un catalogo in italiano e inglese con testi di Bruno Corà, Paola Bonani, Daniela Lancioni, con un ricco apparato iconografico. (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

Immagine:
Carla Accardi, Oroblu (Oriente n.2), 1965, Roma, collezione dell'artista

---

Gastone Novelli (1925-1968)
15 novembre 2025 - 01 marzo 2026
Ca' Pesaro - Galleria Internazionale d'Arte Moderna - Venezia

Gastone Novelli (Vienna 1925 - Milano 1968) è stato uno dei maggiori protagonisti della pittura italiana del secondo dopoguerra. Oggi, nel centenario della sua nascita, la Galleria Internazionale d'Arte Moderna di Venezia gli dedica una nuova, fondamentale mostra monografica. a cura di Elisabetta Barisoni e Paola Bonani, con la collaborazione dell'Archivio Gastone Novelli, Roma: un'occasione per riscoprirne la qualità artistica e la carica rivoluzionaria della sua ricerca. Il progetto si inserisce nel solco delle grandi esposizioni di approfondimento che Ca' Pesaro ha dedicato negli anni ai Maestri del secondo dopoguerra, da Cy Twombly ad Arshile Gorky, da Afro a Roberto Matta, tra gli altri.

Una ragione in più per celebrare Novelli a Venezia, geografia fondamentale nella sua vicenda artistica, è l'ingresso nelle collezioni civiche di due opere donate dagli eredi. Due capolavori che segnano gli estremi della sua produzione matura: Era glaciale, 1958 e Allunga il passo amico mio, 1967. Il percorso espositivo, che si dipana nelle otto sale al secondo piano del museo con circa sessanta opere, pone l'accento sul periodo più intenso della produzione di Novelli, dal 1957 al 1968.

La mostra si apre con le opere informali della seconda metà degli anni Cinquanta per arrivare fino ai lavori della fine del decennio in cui la parola e l'azione di Novelli tornano a essere investiti di un più esplicito significato etico e politico. Esclusi dal percorso sono solo gli esordi degli anni brasiliani, già oggetto quest'anno di un "primo capitolo" di approfondimento specifico nella mostra Gastone Novelli. L'arte deve vivere al sole al MAC USP di San Paolo, curata da Ana Magalhães e Marco Rinaldi.

La scelta dell'ordinamento cronologico evidenzia il susseguirsi delle diverse fasi della ricerca dell'artista, mostrando come questa, seppur svolta in un arco temporale molto breve, poco più di dieci anni, abbia toccato alcuni dei punti nodali del dibattito artistico contemporaneo. Due sale sono dedicate ai lavori che egli scelse per le partecipazioni alla Biennale di Venezia, nel 1964 e nel 1968. Due momenti fondamentali che, come dichiarò lui stesso, possono dare una precisa e completa indicazione di quelle che sono le possibilità del mio linguaggio.

Gli anni Cinquanta sono quelli del passaggio dall'informale materico e gestuale delle prime opere in cui introduce la scrittura come segno visivo e narrativo, alle suggestioni neo-dada del lavori in cui sperimenta anche l'uso del collage. Era glaciale (1958), l'opera che entra oggi nelle collezioni veneziane, appartiene a questo frangente: un quadro è l'apparizione di una apparenza - dichiara l'artista ed Era Glaciale è così l'apparizione di un linguaggio magico, la vera cifra stilistica di Novelli. Un'arte vicina alla poesia in cui si ritrova l'eco degli autori più lirici del Novecento, fra tutti Paul Klee e Osvaldo Licini.

Nei primi anni Sessanta, Novelli supera l'Informale ideando una nuova forma di figurazione: la tela diventa spazio di raccolta e inventario di segni, parole e simboli ancestrali. I dipinti si riempiono allora di scritture volutamente difficili da decifrare, in sintonia con le ricerche delle neoavanguardie letterarie, come quelle che compaiono in Una delle sale del museo (1960), lunghi brani o frammenti di frasi, sequenze numeriche o alfabetiche, singoli simboli o isolate lettere, racchiusi dentro riquadri e caselle, come in Dizzy (1960) e Thelonious (1960), e talvolta in vere e proprie griglie, come quelle visibili in Il re del sole (1961) e Il re delle parole (1961).

Spazi nuovi che accolgono tutto ciò che lo interessa, dalla poesia al jazz, dall'alchimia alla linguistica, dalla scienza alla psicologia del profondo. Indispensabile ricordare i suoi viaggi: dopo i soggiorni in Grecia la montagna diventerà un soggetto ricorrente nei suoi dipinti e sarà ispirazione principale per il suo lavoro scultoreo, come è possibile vedere nel nucleo di opere esposte oggi in mostra a Ca' Pesaro, tra cui Sonnenberg e Schönberg, entrambe del 1964.

Nel 1964 Novelli viene invitato con una sala personale alla XXXII Biennale di Venezia. È la sua prima partecipazione alla rassegna veneziana e sceglie dieci tra gli ultimi lavori: Il grande linguaggio, Il gioco dell'oca, Barcelona (omaggio a Germano Lombardi), Mare buono per la pesca, Il vocabolario, Un orto per Marina, Sole che dirige il viaggio, Il fare della luna, Pianeta che conduce il giorno, Spazio logico. Paesaggi visionari, "pagine bianche", un gruppo piuttosto coeso di opere, opposte per contenuto, materia e colore al clamore della Pop Art americana. A queste opere è dedicata una delle sale della mostra.

La metà degli anni Sessanta vede il ritorno felice delle cromie nell'esplorazione di paesaggi (Il campo dei giochi, 1965), simboli (L'aquilone del mago, 1965) e alfabeti (La grande "A", 1965), che combinano i frammenti linguistici collezionati dall'artista negli anni. Forme archetipiche, continuamente "ri-dette", "ri-formate", in maniera unica e irripetibile, che si intrecciano alla storia e a riferimenti contemporanei, affidati alla parola scritta, con riferimenti diretti alla politica, Per una rivoluzione permanente (per Lev Trotzky) del 1965, e al costume, Attenti al sergente Bond, sempre del 1965, dedicato all'uscita del film Thunderball di Ian Fleming.

Il 1968 è l'anno della sua morte ma anche di una consacrazione all'eternità, grazie a un gesto di contestazione, simbolico e potente: rivolta verso il muro i quadri della sua sala personale all'Esposizione Internazionale d'Arte di Venezia e appone sul retro di uno di essi la scritta "La Biennale è fascista", rimanendo nella memoria collettiva del mondo dell'arte tra i protagonisti indiscussi di un'eccezionale stagione di responsabilità e di protesta.

Prima di questo, Venezia è già nel destino di Novelli: vi si trasferisce nel 1967, rimanendovi fino all'ottobre del 1968. Prende uno studio nella Casa dei Tre Oci alla Giudecca e in città stringe amicizie importanti, come quella con Vittorio Carrain, proprietario del ristorante All'Angelo, per cui realizza l'opera Allunga il passo amico mio (1967), che ora entra a far parte delle collezioni civiche di Ca' Pesaro.

Oltre a rappresentare una tappa fondamentale per raccontare l'indagine su Gastone Novelli, la mostra è anche un'occasione per raccogliere i frutti dei più importanti studi dedicati all'artista, primo fra tutti il Catalogo Generale delle opere di pittura e scultura, pubblicato nel 2011 dall'Archivio Gastone Novelli in collaborazione con il Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, museo che nel 1999 aveva presentato l'ultima grande antologica dedicata all'artista da un'istituzione pubblica, dopo quella realizzata nel 1988 dalla Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma. (Comunicato ufficio stampa Studio ESSECI, Sergio Campagnolo)

---

Emilio Vedova
"Mehr als Bewegung um ihrer selbst willen" (Più di un movimento fine a se stesso)

20 novembre 2025 (inaugurazione) - 08 marzo 2026
Kunsthaus Dahlem - Berlin
www.kunsthausdahlem.org | www.fondazionevedova.org

La Fondazione Emilio e Annabianca Vedova annuncia la nuova mostra incentrata sugli anni berlinesi di Emilio Vedova, dal 1963 al 1965. La mostra, a cura di Dorothea Schöne, riprende una frase dell'artista: "Il mio lavoro è tutt'altro che un gioco, un movimento fine a se stesso, al contrario...". In questo modo, la mostra sottolinea una preoccupazione specifica di Vedova: comprendere il movimento non come "fine a se stesso" ma come espressione dell'esperienza sociale, politica e umana.

Invitato dallo storico dell'arte Werner Haftmann nell'ambito di un programma artistico gestito dalla Ford Foundation, Emilio Vedova (1919-2006) arrivò a Berlino nel novembre 1963, una città che, più di ogni altra, incarnava molteplici contraddizioni: traumatizzata dal passato nazista, divisa dalla Guerra Fredda, eppure ricca di energia culturale. Berlino, una "città-isola", come la definiva Vedova, divenne il palcoscenico di una riflessione artistica e socio-politica altamente produttiva. (Estratto da comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

___ Articoli di Ninni Radicini su Berlino

Germania 2024: Ripetizione delle elezioni federali 2021 a Berlino
Articolo

Germania: Elezioni di Berlino 2011
Articolo

---

Terry Atkinson
"L'artista è un motore di significati"

15 novembre 2025 - 01 marzo 2026
Ca' Pesaro - Galleria Internazionale d'Arte Moderna - Venezia
www.studioesseci.net

Prima personale che un'istituzione italiana dedica a Terry Atkinson (Thurnscoe, 1939) ripercorre oltre cinquant'anni di attività dell'artista inglese, mettendo in dialogo parola, immagine, storia e politica. L'artista è un motore di significati è il titolo dell'esposizione, a cura di Elisabetta Barisoni e Elena Forin, che presenta un nucleo significativo di opere che attraversano le diverse fasi della ricerca dell'artista, recentemente entrato nelle collezioni della Tate Gallery di Londra. Il percorso nelle Sale Dom Pérignon costruisce una riflessione profonda sul tema centrale della guerra e sul ruolo dell'arte come strumento di conoscenza e presa di posizione.

La mostra veneziana esplora proprio questa tensione tra pensiero e visione, tra concetto e immagine, che caratterizza l'intera opera di Atkinson. Le sue opere affrontano le dinamiche del potere e della rappresentazione, collegando i conflitti della storia - come le guerre e i loro linguaggi politici - alle forme espressive dell'arte. Ogni segno, parola o simbolo diventa per l'artista una lente attraverso cui indagare i meccanismi del sapere e della comunicazione.

Nella prima sala, dominata da una grande pittura su carta dedicata al conflitto del Vietnam, si apre il racconto sull'uso che Atkinson fa della pittura come forma di analisi politica e morale. Le Goya Series e gli Enola Gay riflettono sulla rappresentazione dei conflitti e sul linguaggio modernista della memoria: Goya è per Atkinson un punto di riferimento critico più che stilistico, mentre i cieli colorati degli Enola Gay celano la sagoma del bombardiere di Hiroshima, evocando il fragile equilibrio tra silenzio e tragedia. Il ciclo Russel sposta l'attenzione sulla parola come nucleo concettuale dell'opera: termini come I (io) e This (questo) diventano strumenti per interrogare il rapporto tra soggetto, esperienza e storia.

Completano l'esposizione numerosi disegni dagli anni '60 ai 2020, che documentano l'evoluzione coerente dell'intreccio tra testo e immagine: dai lavori legati ad Art & Language - collettivo di cui è fondatore, nel 1968, insieme a David Bainbridge, Michael Baldwin e Harold Hurrell - fino alle serie più recenti dedicate ai conflitti irlandese e americano. Nel complesso, la mostra conduce lo spettatore al centro del pensiero di Atkinson: un'indagine sulla complessità della storia e sul potere dell'arte di restituire consapevolezza, oltre la superficie delle immagini. Partendo dal lavoro del gruppo Art & Language, Atkinson ha contribuito a ridefinire il ruolo dell'artista come teorico e interprete critico dei sistemi dell'arte e della cultura. Ne esce nel 1974 per l'emergere di posizioni non coerenti col suo pensiero, che lo portano a percorrere nuovamente il proprio percorso in maniera individuale.

Da allora la sua pratica si orienta verso un'indagine più personale e riflessiva, in cui storia, linguaggio e immagine diventano strumenti per interrogare la società contemporanea. Se il lavoro che ho realizzato negli ultimi 40 anni - afferma infatti Atkinson - ha una caratteristica che lo attraversa, è la preoccupazione di fare una critica dell'arte piuttosto che una sua celebrazione. Noto anche come Terry Actor, Terry Mirrors, Terry Dog e Terry Enola Gay, Atkinson ha esposto nei principali musei di tutto il mondo. Tra le occasioni più significative; Documenta 5 nel 1972 con Art&Language, come artista individuale alla Whitechappel Gallery nel 1983 e alla 41^ Biennale di Venezia nel 1984; nel 1985 è finalista del Turner Prize. (Comunicato ufficio stampa Studio ESSECI, Sergio Campagnolo)

---

Mario Nigro
"Spazio totale 1952-1955"

04 dicembre (inaugurazione) - 25 febbraio 2026
Galleria A arte Invernizzi - Milano
www.aarteinvernizzi.it

Mostra personale di Mario Nigro, a cura di Paolo Bolpagni, in cui sarà presentato un focus sulle opere appartenenti al ciclo dello "Spazio totale" realizzate tra il 1952 e il 1955. Figura centrale dell'arte italiana del secondo dopoguerra, Mario Nigro (Pistoia, 1917 - Livorno, 1992) ha elaborato un linguaggio pittorico radicale, capace di coniugare rigore costruttivo e intensità espressiva. La sua formazione scientifica e musicale ha inciso precipuamente sul suo metodo compositivo: la sua pittura si struttura secondo regole ritmico-musicali di ripetizione e variazione, che generano una tensione continua tra ordine e dissonanza, calcolo ed emozione.

Lo "Spazio totale" costituisce per oltre un decennio (1952-1965/66) il punto focale della ricerca artistica di Nigro: egli visualizza il compenetrarsi di diversi gradi di realtà e di dimensioni ottenute attraverso la sapiente combinazione di strutture ritmate con una forte componente espressiva e deformate dalle raffinate gradazioni tonali del fondo e del reticolo in espansione. Sono datate 1952 le prime opere appartenenti a questo ciclo, alle quali l'artista conferisce attenta teorizzazione elaborando vari scritti, pubblicati tra il 1954 ed il 1955.

"[...] ho tratto esperienze dai rapporti che possono realmente intercorrere fra struttura musicale e costruzione astratta, problemi che erano stati accennati più volte, ma che non erano mai stati affrontati razionalmente. Sulla base di queste strutture ho studiato gli elementi plastici nelle loro ripetizioni, variazioni, simultaneità, coincidenze, giungendo così alla concezione di uno spazio totale dove forma e spazio si risolvono a vicenda in un superamento della bidimensionalità fisica, e dove in questo spazio totale vi saranno ancora problemi di rappresentazione e di espressione, di scoperta e di invenzione. [...] Gli elementi plastici che si allineano in armonia aventi ognuno eguali possibilità funzionali nel quadro sono ancora l'indizio di un'aspirazione in un mondo concorde, i contrasti violenti che originano la struttura compositiva sono il segno di una lotta esistente." (Mario Nigro, Primo scritto sullo spazio totale, 1954)

Le opere esposte al piano superiore della galleria consentono di indagare in maniera approfondita e sistematica i motivi generativi sottesi a questo ciclo: superfici, linee, intrecci, sequenze di segni e di colori si sommano e si sottraggono in una energica e musicale armonia di quadretti e strisce colorate, dando vita a vibrazioni luminose e trame cromatiche che rimandano al tessuto, all'architettura e al suono, in una dimensione pittorica espansa. In esse lo spazio non è più uno sfondo o un contenitore, ma una totalità dinamica che ingloba forma e tempo, costruzione e percezione.

Ogni "Spazio totale" è un frammento pittorico, inadatto a definire una totalità, pur avendone coscienza. Con esso Nigro aspira a rendere visibile che non si può costruire un sistema chiuso, ma solo un insieme aperto e confuso, dove ogni componente è libera ed esprime movimento, ma non risoluzione. Per tale motivo le varianti dello "Spazio totale", dal 1952 al 1955, sono innumerevoli, perché rappresentano un metodo d'indagine, non una risposta. L'aspirazione è a immergersi, non a separarsi dal mondo circostante.

Al piano inferiore vengono presentate opere rappresentative in cui si evidenzia l'analisi perseguita dall'artista sulle problematiche e le implicazioni dello spazio, approdando ad una concezione della pittura come atto di conoscenza e concetto di realtà, dove la forma non rappresenta ma coincide con lo spazio stesso. Nigro indaga le dinamiche della percezione analizzando le relazioni tra forma, colore e struttura in una costruzione che tende a farsi ambiente, campo energetico, luogo di simultaneità e di coincidenze visive: gli elementi plastici si ripetono, variano e concorrono a costituire un insieme in cui forma e spazio si risolvono a vicenda, sia in termini strutturali sia cromatici.

Nel corso dei decenni, dopo la scomparsa di Mario Nigro nel 1992, sono state organizzate importanti retrospettive in numerose istituzioni museali. Nel 2009 è stato pubblicato il catalogo ragionato a cura di Germano Celant. In occasione della mostra verrà pubblicato un catalogo bilingue contenente un saggio di Paolo Bolpagni, la riproduzione delle opere in mostra e un aggiornato apparato bio-bibliografico. (Comunicato stampa)

---

"Studio Crise"
Biblioteca statale Stelio Crise di Trieste

Un nuovo spazio dedicato alla figura di Stelio Crise, scrittore, critico, bibliotecario, mediatore di cultura e direttore dell'allora Biblioteca del Popolo dal 1963 al 1974, grande animatore della vita culturale della città di Trieste. La donazione, da parte dei figli, della biblioteca personale di Stelio Crise, del suo archivio e di alcuni arredi, avvenuta lo scorso anno, ha permesso al nostro Istituto di dare vita a "Studio Crise".

Questo nuovo spazio della biblioteca nasce con l'intenzione di essere un luogo della memoria non musealizzato, dove il singolo visitatore, lettore e ricercatore possa immergersi, seduto alla scrivania di Stelio Crise, tra i suoi scritti, i suoi libri e le sue foto pubbliche e private. L'idea di rendere fruibile l'archivio, completamente inventariato e riordinato, in questo spazio dedicato, coincide con la visione di pensare alla biblioteca come a un luogo vivo e vivace, dove si cerca di mettere al centro il binomio patrimonio conservato e utenti.

Esposti alle pareti hanno trovato la giusta collocazione i numerosi ritratti donati allo stesso Crise da vari artisti, mentre sul caminetto troneggia l'opera lignea di Chersicla, da cui deriva il logo della Biblioteca statale. Si segnala che tutti i libri, oggetto della donazione, sono stati catalogati e le loro descrizioni bibliografiche sono presenti all'interno del portale Biblioest del Polo SBN TSA.

Contestualmente nelle sale attigue a "Studio Crise" verranno presentate due nuove teche relative alla mostra Trieste, invenzione della mia anima. Ungaretti e Trieste: cronaca di un incontro, curata da Stefano Crise e promossa da Cizerouno, ampliando ulteriormente il percorso dedicato al rapporto fra il poeta e la città. La sezione "Ungaretti in biblioteca", ospitata nelle sale espositive del primo piano dell'Istituto, invita a ripercorrere la storia editoriale del poeta attraverso i patrimoni librari di Trieste e Gorizia.

Prime edizioni testimoniano una fedeltà critica che il territorio ha coltivato nel corso del Novecento. Accanto ai volumi più celebri, emergono titoli meno frequentati e rare traduzioni, a comporre il ritratto di un autore costantemente al centro dell'attenzione. La teca "Ungaretti uomo di penna" offre uno sguardo ravvicinato sull'epistolario attraverso lettere intime, ironiche, appassionate o polemiche che restituiscono la voce di un uomo consapevole del ruolo che la scrittura privata avrebbe avuto nella sua costruzione pubblica. Tra corrispondenze, saggi e testimonianze, il visitatore scopre all'interno della mostra il lato umano e intellettuale che accompagna la sua poesia. Due nuove stazioni di lettura, dunque, che invitano a entrare nel laboratorio della memoria ungarettiana tra carte, libri e voci che ancora risuonano. Al termine delle presentazioni seguirà visita guidata alla mostra del curatore Stefano Crise. (Comunicato stampa)

---

Quantum Art. Oltre il visibile
08 novembre 2025 (inaugurazione) - 21 marzo 2026
Fondazione Dino Zoli - Forlì
www.fondazionedinozoli.com | www.csart.it

Nell'Anno Internazionale della Scienze e delle Tecnologie Quantistiche, proclamato dalle Nazioni Unite per celebrare i 100 anni dalla nascita della meccanica quantistica, i confini tra scienza e arte si dissolvono nella mostra. Un invito a scoprire le leggi nascoste che governano l'universo attraverso la lente dell'arte contemporanea, capace di trasformare teorie complesse in esperienze visive e sensoriali. Curata da Nadia Stefanel, la mostra porta per la prima volta in Italia i video degli artisti Giacomo Costa, Vincenzo Marsiglia e Leonardo Petrucci, presentati in anteprima a Singapore in occasione del Gran Premio di Formula 1, unitamente ai lavori di Giuliana Cunéaz e degli artisti di base a Singapore Ina Conradi & Mark Chavez.

La mostra Quantum Perspective: The Art of Interference - tenutasi dal 1 al 7 ottobre 2025 presso The Arts House di Singapore e inserita nel calendario ufficiale dell'Unesco dedicato all'Anno Internazionale della Scienze e delle Tecnologie Quantistiche e nel programma Grand Prix Season Singapore - viene proposta a Forlì in una versione arricchita e ampliata, che comprende anche alcune opere tridimensionali di Andrea Cereda e Amanda Chiarucci, nonché i progetti degli artisti Camilo Bojaca, Elena Nemkova e Semiconductor, provenienti da Bienno Borgo Artisti 2.0, progetto di residenza ideato da Cinzia Bontempi.

Interferencia di Camilo Bojaca affronta il tema della meccanica quantistica da una prospettiva estetica, realizzando cubi con mine di grafite o fotografie che rappresentano le intersezioni e la molteplicità di realtà che possono coesistere nello stesso tempo e spazio. CLOUD_States of mind di Andrea Cereda invita l'osservatore ad immergersi nello spazio fluttuante, quasi respirante, dell'installazione e lo stimola ad una riflessione sulla mutevolezza dei pensieri e dei conseguenti stati emotivi, in relazione anche al cloud digitale.

Prima di fiorire di Amanda Chiarucci è un riferimento esplicito agli antichi principi dello Yin e dello Yang, in dialogo con le attuali riflessioni filosofiche della fisica quantistica: forze opposte in realtà complementari ed interdipendenti, in cerca di un equilibrio armonico e dinamico. Quantum Logos di Ina Conradi & Mark Chavez è una proiezione immersiva che richiama la sovrapposizione ondulatoria attraverso luce e movimento, trasformandosi in una meditazione visiva sull'incertezza e sulla creazione.

Circuit n.1 di Giacomo Costa intreccia la velocità della Formula 1 con l'incertezza quantistica, trasformando la città in un circuito di rivelatori di particelle luminose. Quantum Quirks di Giuliana Cunéaz, dove le forme in trasformazione incarnano la bellezza dell'incertezza e traducono i paradossi della meccanica quantistica in immagini giocose e coinvolgenti.

Stroboscopic Star di Vincenzo Marsiglia fonde la fisica quantistica con la concentrazione della Formula 1, trasformando probabilità e movimento in geometrie, colori e luci ritmiche, ispirate alla telemetria e alle oscillazioni quantistiche. My imperfect land -1 di Elena Nemkova unisce nella composizione "terre" e manufatti lontani tra loro - come ambra, alghe, cristalli, pigmenti provenienti da luoghi remoti - che non avrebbero mai potuto incontrarsi se non attraverso l'artista, che diventa quindi il loro punto di contatto e di reciproca trasformazione, richiamando i paradossi dell'entanglement quantistico.

Inside the Box di Leonardo Petrucci fonde il paradosso di Schrödinger con la Night Race, trasformando l'incertezza in una meditazione artistica sulla realtà. 20Hz di Semiconductor, lavorando con i dati raccolti dal sistema radio CARISMA e interpretati come audio, che successivamente producono forme tangibili e scultoree tramite tecniche di programmazione personalizzate, vuole sondare i limiti della nostra percezione e interrogare la nostra esperienza di tali fenomeni invisibili.

«Il progetto - spiega la curatrice Nadia Stefanel - non vuole semplicemente esporre opere d'arte, ma mira a dissolvere i confini tra discipline tradizionalmente separate e incoraggiare una consonanza tra approccio scientifico ed espressione artistica. L'Arte, in questo contesto, non è semplicemente una rappresentazione delle emozioni umane, ma diviene un mezzo potente per tradurre idee scientifiche complesse in forme visive ed esperienziali. Questo approccio non solo rende accessibili complicati temi scientifici, ma promuove anche un dialogo più profondo tra scienza ed esperienza umana, creando una piattaforma per la riflessione e l'ispirazione, invitandoci a riconsiderare il nostro ruolo nell'universo». (Estratto da comunicato stampa CSArt - Comunicazione per l'Arte)

---

MUNCH. La rivoluzione espressionista
30 ottobre 2025 - 01 marzo 2026
Centro Culturale Candiani - Mestre (Venezia)

Edvard Munch, oltre Munch. Una mostra per raccontare l'uomo del suo tempo, che vive e lascia un segno nella società. Introspettivo certo, ma anche partecipativo; solo, nella sua inquietudine, ma non isolato; tanti i suoi legami con autori, artisti, letterati contemporanei - Ibsen fra tutti, di cui illustra le opere teatrali - che concorrono alla formazione del suo pensiero, alla sua rivoluzione grafica e iconografica, la sua vita. Munch è specchio della cultura mitteleuropea e cittadino del mondo; tra i lunghi viaggi e soggiorni a Parigi, in Germania, in Belgio, in Italia, in una Europa esplosiva, raccoglie le tra le influenze del Simbolismo e Postimpressionismo per poi lasciare il suo inconfondibile segno: eredità e contaminazioni raccontate in mostra nelle opere di Franz von Stuck, Odilon Redon, Pierre Bonnard, Félicien Rops, James Ensor, Max Klinger e Arnold Böcklin, Arturo Martini, Adolf Wildt.

E poi, le nuove sonorità pittoriche, lo spirito nordico che entra in Europa e influenza le secessioni di Monaco, Vienna, Berlino, di cui Munch è protagonista, influenzando la seconda generazione di autori: Otto Dix e Max Beckmann. Ne L'urlo contemporaneo riverbera la lezione di Munch e le ricadute nella sensibilità degli autori del Novecento; dal primo dopoguerra con Renato Guttuso, Zoran Musič, Emilio Vedova, fino alle tragedie dell'attualità nelle opere di Brad Kahlhamer e Tony Oursler, Marina Abramović, Shirin Neshat, vive testimonianze dei nostri giorni.

MUNCH. La rivoluzione espressionista - a cura di Elisabetta Barisoni - è l'ultimo capitolo di una rassegna di mostre di MUVE che, partendo da capolavori delle collezioni di Ca' Pesaro dei maestri dell'arte moderna e contemporanea, ne racconta le contaminazioni, le prossimità, il proprio tempo, le vicende artistiche e soprattutto, l'eredità contemporanea attraverso il Novecento. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

---

Leonor Fini e la collezione grafica Bassi Rathgeb
Segni e invenzioni dal Rinascimento al Novecento

22 novembre 2025 - 15 marzo 2026
Museo Villa Bassi Rathgeb - Abano Terme (Padova)
www.museovillabassiabano.it

Esposizione che offre al pubblico un percorso tra 80 opere tra disegni e stampe, realizzati tra il XVI e il XX secolo. La mostra, a cura di Giovanni Bianchi, Raffaele Campion, Barbara Maria Savy e Federica Stevanin porta nelle sale del Museo Villa Bassi Rathgeb un percorso che attraversa circa cinque secoli, dal Rinascimento alla seconda metà del Novecento, di cui fanno parte da un lato 55 opere provenienti dalla raccolta grafica della collezione del Museo, donata al Comune di Abano Terme tra il 1972 e il 1980 da Isabella Hübsch, vedova di Roberto Bassi Rathgeb, e dall'altro un corpus di lavori recentemente donati dall'ambasciatore Ugo Gabriele de Mohr, tra le più importanti donazioni mai fatte al Museo, che comprende, accanto a 24 opere grafiche di Leonor Fini, anche 14 dipinti e disegni di Cesare Tallone e del figlio Guido.

La prima parte del percorso, nei suggestivi ambienti dell'ipogeo, si articola in 7 sezioni tematiche: tra i disegni di maggiore pregio lo Studio per il piccolo Cupido dormiente recentemente restituito alla paternità di Bernardino Campi, maestro di Sofonisba Anguissola, il foglio con Cinque levrieri, firmato da Giandomenico Tiepolo, due "macabri" Capricci di scheletri produzione di Paolo Vincenzo Bonomini, e due progetti del periodo russo di Giacomo Quarenghi rappresentante del disegno di architettura e interprete del neoclassicismo tra Settecento e Ottocento.

Il percorso prosegue con una Scena da "Il Bravo" di Francesco Hayez, massimo esponente del Romanticismo, tratta dal romanzo storico di James Fenimore Cooper, alcuni paesaggi di Giovanni Migliara e artisti contemporanei dell'ambiente lombardo - molto amati da Roberto Bassi Rathgeb -, e una sezione dedicata al ricco nucleo di acqueforti dell'olandese Adriaen van Ostade, autore di vivaci scene di genere. E ancora, acqueforti tratte da disegni e dipinti di Tiziano, Jacopo Bassano, Guercino, Giuseppe Zais, Pietro Longhi; legato al tema dell'acqua, così importante per una realtà come Abano Terme, è Il bagno delle ninfe firmato da Andrea Andreani, derivato dalla xilografia di Ugo da Carpi su disegno originale del Parmigianino. Conclude il percorso una selezione di opere di Cesare Tallone e Rinaldo Agazzi, a sottolineare il ruolo del Museo come custode e promotore della cultura artistica lombarda, in linea con la storia della sua collezione.

La seconda parte del percorso, allestito tra le sale affrescate del piano nobile, è interamente dedicata al corpus di opere grafiche di Leonor Fini, realizzate nel corso del Novecento: 24 opere su carta tra fotolitografie e incisioni. Pur vicina ai Surrealisti, la pittura di Fini trae ispirazione dal Manierismo italiano, dai maestri fiamminghi e dal Romanticismo tedesco, rimanendo sempre autonoma dalle correnti dominanti. Le Composizioni grafiche, presenti in mostra, delineano la poetica dell'artista che, sebbene in dialogo con i principali movimenti e protagonisti della sua epoca, è sempre rimasta libera da influenze e categorie.

Al fine di tracciare la figura di Leonor Fini tra arti visive, musica e teatro in mostra, grazie alla collaborazione con l'Archivio Storico delle Arti Contemporanee della Biennale di Venezia, sarà esposto il bozzetto di scena originale dell'Orfeo, eseguito dall'artista per l'atto unico di Roberto Lupi presentato nel 1951 al Festival Internazionale di Musica Contemporanea della Biennale. Una selezione di fotografie provenienti sempre dai fondi archivistici della Biennale di Venezia documenterà la produzione di Fini quale costumista per il medesimo spettacolo.

La mostra è accompagnata da un catalogo scientifico, edito da Dario Cimorelli, che comprende saggi e schede delle opere curate dai membri del Comitato scientifico composto dal conservatore museale Raffaele Campion, dai docenti del Dipartimento dei Beni culturali Giovanni Bianchi, Mari Pietrogiovanna, Barbara Maria Savy e Federica Stevanin e dalle storiche dell'arte, esperte di cultura figurativa dell'Otto-Novecento, Silvia Capponi ed Elena Lissoni. Il catalogo conta inoltre sui contributi di Silvia Arzuffi, Chiara Bombardini e Claudia Caramanna. (Comunicato staampa Lara Facco P&C)

___ Presentazione di precedenti mostre di Leonor Fini pubblicate nella newletter Kritik

Leonor Fini segreta | Ceramica e Pittura, Note e Profumi
10 aprile (inaugurazione ore 10) - 03 luglio 2022
MIDeC / Museo Internazionale del Design - Laveno-Mombello (Varese)
Presentazione

Leonor Fini. Memorie triestine
06 ottobre (inaugurazione) - 04 novembre 2021
Istituto Italiano di Cultura di Parigi
Presentazione

---

Wolfgang Laib
"Touching the Essential"

03 ottobre 2025 - 04 ottobre 2026
Kunsthaus Zurich
www.kunsthaus.ch | www.liarumma.com

Il Kunsthaus Zürich, in collaborazione con l'artista tedesco Wolfgang Laib (Metzingen, 1950), presenta una mostra di opere di Laib insieme a una selezione di lavori della collezione del Kunsthaus, nell'ambito della serie "ReCollect!". Laib è considerato uno degli artisti più importanti del nostro tempo ed è stato protagonista di numerose esposizioni in prestigiosi musei, gallerie e edifici storici in Europa, negli Stati Uniti e in Asia.

A partire dalla fine degli anni Settanta, Wolfgang Laib ha sviluppato un linguaggio artistico assolutamente personale. Utilizza materiali naturali come polline, cera d'api, latte e pietra per creare opere attraverso le quali, per usare le parole di Harald Szeemann, egli "rivela spazi interiori immensi attraverso i più piccoli gesti scultorei". I contenuti della sua arte si sono sviluppati sullo sfondo di diverse tradizioni letterarie, filosofiche e spirituali, in particolare provenienti dall'Europa e dall'Asia. Dal punto di vista formale, Laib adotta un linguaggio chiaro ed essenziale, strettamente legato all'evoluzione dell'arte moderna, soprattutto in Europa e negli Stati Uniti.

Negli ultimi anni Laib ha talvolta installato le sue opere in importanti spazi ecclesiastici in Italia, dove si sono confrontate con architetture e opere d'arte che vanno dal VI secolo al Rinascimento. Ora, per la prima volta, simili incontri "trans-storici" con le opere di Wolfgang Laib hanno luogo all'interno del museo nell'ambito della serie "ReCollect!", mettendosi in dialogo con straordinari capolavori della Collezione, dal Medioevo al XX secolo. Questi accostamenti aprono una nuova prospettiva sia sull'arte di Laib sia sulle stesse collezioni del Kunsthaus.

La mostra è ospitata al primo piano dell'edificio Müller, uno spazio che nei prossimi anni sarà costantemente dedicato al dialogo tra la Collezione e l'arte contemporanea. Laib conosce la Collezione del Kunsthaus fin dall'infanzia - la sua influenza su di lui si affianca a quella del Museum Rietberg, che ha visitato spesso. In linea con il concetto di "ReCollect!", Wolfgang Laib ha agito sia come artista sia come curatore, sviluppando la mostra in dialogo con Philippe Büttner, Senior Curator Collection, che già nel 2005 aveva curato una grande retrospettiva dedicata a Laib presso la Fondation Beyeler.

Wolfgang Laib (Metzingen, Germania, 1950), vive e lavora tra il sud della Germania, il sud dell'India e New York. Dopo gli studi in medicina presso l'Università di Tübingen si dedica alla pratica artistica creando sculture e installazioni che sembrano collegare passato e presente, l'effimero e l'eterno, utilizzando materiali organici semplici ma altamente simbolici, solitamente associati al sostentamento, come polline, latte, cera d'api e riso. La sua prima grande mostra istituzionale si è tenuta al Musée d'art moderne de la ville de Paris (1986). In seguito è stato protagonista di numerose mostre personali.

La sua più grande opera in polline è stata installata nell'atrio del MoMA di New York nel 2013. Nello stesso anno, la prima installazione permanente dell'artista, una stanza di cera d'api, è stata inaugurata alla Phillips Collection di Washington e nel 2014, ha realizzato una camera permanente sotterranea di cera d'api lunga 40m, nello studio La Ribaute di Anselm Kiefer a Barjac. Nel 2023 il Kunstmuseum Stuttgart gli dedica una personale e presenta il documentario "Wolfgang Laib: Here, Now and Far Beyond". (Estratto da comunicato stampa)

---

Città. Voci e visioni
Immaginari urbani tra memoria e contemporaneità

30 ottobre 2025 - 03 aprile 2026 (ingresso libero con prenotazione; Chiusure: dal 24 dicembre 2025 al 7 gennaio 2026 e festivi)
BFF Gallery - Milano
www.bffgallery.com

Prosegue la programmazione di BFF Gallery - il museo aperto lo scorso aprile e dedicato all'arte moderna e contemporanea all'interno di Casa BFF - con la mostra curata da Renato Miracco e Maria Alicata. L'iniziativa si inserisce nelle attività di promozione dell'arte italiana avviate da BFF Bank, quale gesto di attenzione e di responsabilità verso la collettività e verso il patrimonio culturale italiano, partendo dalla propria collezione d'arte contemporanea costituita oggi da circa 250 opere. In mostra opere di Umberto Boccioni, Marina Caneve, Felice Casorati, Renato D'Agostin, Massimiliano Gatti, Elisabetta Gut, Bice Lazzari, Titina Maselli, Giorgio Morandi, Marina Paris, Mario Sironi, Ardengo Soffici, Franca Sonnino, Paolo Ventura e Yang Yongliang.

Il progetto di mostra prende avvio dall'opera di Emilio Tadini - pittore, scrittore e intellettuale tra i protagonisti del secondo Novecento, che ha raccontato Milano e la città attraverso saggi, articoli, romanzi, testi teatrali, pittura e disegno, restituendone un'immagine stratificata, viva e mutevole - per sviluppare una riflessione sulla città come costruzione culturale, emotiva e simbolica.

Punto di partenza del progetto è Città italiana (1988) di Emilio Tadini, opera della collezione di arte contemporanea di BFF Banking Group. Le sue visioni dialogano con artisti storici come Umberto Boccioni, Felice Casorati, Elisabetta Gut, Bice Lazzari, Titina Maselli, Giorgio Morandi, Mario Sironi, Ardengo Soffici, Franca Sonnino, alcuni dei quali provenienti dall'estero o da collezioni private e raramente accessibili al pubblico e visibili in Italia. Accanto a questi, autori contemporanei italiani e internazionali come Marina Caneve, Renato D'Agostin, Massimiliano Gatti, Marina Paris, Paolo Ventura, e Yang Yongliang, danno vita a un percorso che attraversa epoche, linguaggi e visioni della città, in un intreccio serrato tra passato e presente.

A completare il racconto visivo, una selezione di libri d'artista e testi narrativi realizzati da Emilio Tadini e da alcuni degli artisti contemporanei presenti in esposizione offrono ulteriori prospettive sull'immaginario cittadino. Organizzata in dieci sezioni tematiche - La città si trasforma, Nuovo paesaggio, La memoria del paesaggio, Combinare l'immaginario, Geometrie della metropoli, Tracce e visioni, Confini di identità, Teatri urbani, I nuovi abitanti, Tracce emotive - la mostra invita il visitatore a interpretare il concetto di città come costruzione in divenire: luogo di tensione tra passato e futuro, realtà e visione, presenza e assenza. Il visitatore è guidato in un viaggio emotivo e partecipativo, tra momenti di riflessione e spazi di coinvolgimento attivo. Un dialogo continuo tra ciò che si osserva e ciò che si vive in prima persona, nel quale lasciare un segno della propria idea di città, contribuendo a un'opera collettiva in continua evoluzione. (Estratto da comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

Immagine:
Emilio Tadini, Città italiana, 1988, Courtesy BFF Bank, Foto Paolo Vandrasch

---

Confini da Gauguin a Hopper
Canto con variazioni

11 ottobre 2025 - 12 aprile 2026
Villa Manin, Esedra di Levante - Passariano di Codroipo (Udine)

Ben 136 capolavori di una cinquantina di grandi artisti dell'Ottocento e del Novecento e provenienti da 43 musei europei e americani. Una mostra unica, di respiro internazionale e allestita negli spazi restaurati dell'Esedra di Levante del magnifico complesso dogale di Villa Manin a Passariano di Codroipo, in provincia di Udine. E' uno degli eventi di punta di GO! 2025&Friends, il cartellone di appuntamenti che affianca il programma ufficiale di GO! 2025 Nova Gorica - Gorizia Capitale europea della Cultura, offrendo proposte culturali in tutto il territorio regionale.

Promossa dalla Regione Friuli Venezia Giulia e dall'Ente Regionale per il Patrimonio Culturale - ERPAC FVG, la mostra è stata progettata e curata da Marco Goldin, con l'organizzazione dello stesso ERPAC FVG e di Linea d'ombra. In quello che potrebbe essere definito a pieno titolo il "museo ideale" dell'arte internazionale degli ultimi due secoli, i visitatori vengono accompagnati in un emozionante percorso delle meraviglie e poi coinvolti in un piacere visivo che va di pari passo con il coinvolgimento e la riflessione intorno a un tema di eterna attualità, quello dei "confini": fisici, geografici, culturali, i propri intimi confini, il qui e l'altrove, il qui che si fa altrove, confine come limite e come punto di partenza...

La mostra prende avvio da una sala introduttiva, che già ne delinea i contenuti: alcuni capolavori, anche di grandi dimensioni, come le opere di Anselm Kiefer e Mark Rothko, dove il confine si fa, seppure in modo diverso tra i due, dilagante, a fissare linee che sono orizzonti. E ancora la famosissima "Onda" di Gustave Courbet, movimento verso l'immenso, vicina all'unione di montagne e cielo fissati sulla tela da Ferdinand Hodler. Per poi andare a Monet che, con "La chiesa di Varengeville", va a proporre spazi sul mare di cui non si intravede la fine.

I due successivi percorsi sono riservati al confine interiore, allo sguardo dentro sé stessi, all'autoritratto. La sequenza è mozzafiato: Munch, Gauguin, Van Gogh, Hodler, Kirchner... Poi la galleria di splendidi ritratti: Courbet, Manet, Degas, Renoir, Modigliani, Bacon, Giacometti, nella ricerca nei volti di un confine quotidiano, anche con tutte le "bruciature" novecentesche.

Le successive due sale (la terza, fondamentale area) sono dedicate al rapporto tra l'uomo e la natura, figure e spazio soprattutto nella grande pittura americana tra Ottocento e Novecento. Molte sono le opere che per la prima volta giungono in Italia e in Europa, dai protagonisti della "Hudson River School" per giungere alla figura chiave di Homer a cavallo tra i due secoli, e poi nel Novecento soprattutto Hopper e Diebenkorn, due artisti che hanno reso la pittura americana uno scrigno di meraviglie. Infine, le modulazioni fantastiche di Andrew Wyeth. Per tornare quindi in Europa con l'interpretazione del rapporto figure e natura in grandi maestri come Segantini, Böcklin e Matisse.

"Alla ricerca del Paradiso perduto" potrebbe essere indicato come tema della quarta, ampia sezione. Eden esotici o più prossimi, espressi in opere universali, pietre miliari della storia dell'arte, da Gauguin a Monet, da Van Gogh a Cezanne e Bonnard. Quando la ricerca dei confini non porta gli artisti verso la dimensione del lontano, accade che quei confini si spingano a farsi vicinanza, confidenza d'immagini altrimenti distanti. A questo è dedicata la quinta sezione, dove una quarantina di straordinarie xilografie giapponesi, raccolte in due successive sequenze (per non esporre troppo a lungo alla luce quei fogli preziosi), sono presenti. Provengono da un'unica collezione privata, con i maggiori nomi dell'ukiyo-e, da Utamaro a Eisen, da Hokusai a Hiroshige.

Monet e Van Gogh possedevano molte centinaia di quelle xilografie. L'arte, e quella francese in primis, ne fu ampiamente toccata. Il confine si tendeva al di là degli oceani e raggiungeva chi aveva lo spirito giusto per accogliere quel mondo incantato. Tutto questo, già tantissimo, non è che il preludio per il gran finale di una mostra che resterà nella memoria di chi avrà la fortuna di ammirarla.

Impossibile sintetizzare ciò che attende i visitatori nella sesta sezione, che occupa l'intero piano terra dell'Esedra, con 60 opere che conducono verso i diversi confini compresi negli elementi naturali: montagne, mari, cieli e infine l'Universo. Insieme ad artisti come Caspar David Friedrich, l'immenso romantico tedesco, anticipatore tra l'altro delle atmosfere della pittura americana del primo Ottocento, di Cole, Bierstadt e Gifford. A irrompere, a questo punto, è la montagna Sacra di Cezanne, la Sainte-Victoire, affiancata dalle cime dipinte da Hodler e dalle alpi svizzere di Segantini, a saldare l'immagine di vette con l'eterno della natura.

E il mare, confine da percorrere e attraversare: William Turner e Gustave Courbet, poi Monet. E ancora, Bonnard, Nolde, De Staël, qui in una sequenza mozzafiato nel segno dell'arancio del tramonto. Il cielo, sopra a tutto, quando a interpretarlo sono Friedrich, Turner, Constable, Boudin, per sfociare infine nei cieli impressionisti di Monet, Sisley, Pissarro. Il passaggio tra Ottocento e Novecento è segnato dai cieli dipinti da Munch, e ancora Monet, Piet Mondrian, Edward Hopper, Emil Nolde. Un'intera sala è riservata alle ninfee di Monet, in cui il cielo di Normandia si specchia nello stagno di Giverny. Mentre arriva la transizione verso i cieli piatti di De Staël sopra la Senna a Parigi, per assurgere ai cieli interiori di un pittore immenso come Mark Rothko.

Dichiara il curatore della mostra, Marco Goldin: "Quando, nella primavera del 2023, ho per primo proposto al Presidente Fedriga il progetto, così ampio e articolato, di questa mostra, pensavo anche con un certo timore all'ambizione che vi era compresa. E in effetti, avendo poi dialogato in questi due anni di preparazione con decine di direttori e curatori di musei di tutto il mondo, la cosa che mi sono sentita ripetere un po' da tutti loro è stata proprio questa: l'ambizione del progetto. Adesso che la mostra si apre e scorro dentro di me i tantissimi quadri che raccoglie, da oltre quaranta musei sia americani sia europei, penso che tutto questo lavoro non sia stato fatto invano. Sono orgoglioso di poter consegnare a una terra come il Friuli Venezia Giulia un simile progetto diventato realtà". (Comunicato ufficio stampa Studio ESSECI di Sergio Campagnolo)

---

Enrico David
"Domani torno"

30 ottobre 2025 - 22 marzo 2026
Manica Lunga - Castello di Rivoli
www.castellodirivoli.org

Ampia retrospettiva dedicata a Enrico David (Ancona, 1966), a cura di Marianna Vecellio. La mostra offre una panoramica articolata sulla ricerca dell'artista, che attraversa pittura, opere tessili, disegno, scultura e installazioni ambientali, esplorando la dimensione interiore dell'essere umano contemporaneo. Progettato appositamente per la Manica Lunga, il percorso espositivo alterna figurazione e astrazione, concentrandosi sul corpo come metafora della trasformazione.

In un allestimento che richiama la scenografia teatrale e i display del design, la mostra ripercorre le tappe della produzione di David, includendo anche nuove opere realizzate per l'occasione. Domani torno è un racconto personale e artistico insieme: dalle origini ad Ancona al trasferimento a Londra nel 1986, la mostra segue la nascita di una pratica fondata sulla ricerca di uno spazio linguistico in cui esistere. Attraverso media differenti, David affronta la figura umana come luogo di metamorfosi e riflessione. In questo percorso, il disegno assume un ruolo centrale come linguaggio capace di tenere insieme gli altri, poiché, afferma l'artista, "lo spazio del sogno e lo spazio del disegno sono infiniti".

Molte opere nascono dall'urgenza di elaborare esperienze traumatiche, come la perdita improvvisa del padre. "La creatività è per me un'opportunità di cambiare le circostanze del dolore - afferma David - una redenzione, una destinazione altra rispetto allo stare male. L'arte è ciò che rende la realtà più vivibile". A partire dalla fine degli anni Novanta, le installazioni di David diventano veri e propri mondi interdisciplinari: palcoscenici visionari che intrecciano cronaca, memoria, cultura popolare e retorica teatrale. Ne sono esempio opere come Madreperlage (2003), Absuction Cardigan (2009) e Ultra Paste (2007), in cui l'artista inscena dispositivi scenografici carichi di tensione emotiva e simbolica.

Nel tempo la pratica dell'artista evolve verso una crescente sintesi formale, culminando in una produzione scultorea che approfondisce il tema del volto come luogo di relazione e conoscenza. A partire dalla mostra Life Sentences (2014), David indaga il volto con una resa iper-espressiva e materica, modellandolo in cera per evocare emozioni e intensità. Tra le opere in mostra: Trenches to Reason (2021), due forme sospese che fondono geologia e tecnologia; Tutto il Resto Spegnere, presentata al Padiglione Italia della Biennale di Venezia nel 2019; e studi dell'artista sulla scultura con opere come Sign for Lost Mountaineers Hair Grooming Station (2004), Pebble Lady (2014) e Racket II (2017). Numerosi disegni, una selezione di nuove produzioni tra grandi pitture, arazzi e ricami su tela e la serie dei teatrini, realizzata dal 2005 a oggi, completano l'esposizione.

"In un tempo dominato dall'intelligenza artificiale e dalla smaterializzazione digitale, l'opera di Enrico David rappresenta una dichiarazione di resistenza alla decodificazione e un inno al corpo fisico, all'esperienza sensibile e alla forza dell'immaginazione", come dice la curatrice Marianna Vecellio. La mostra propone una riflessione sull'identità contemporanea, in particolare sul rapporto tra corpo, genere e percezione di sé. "Nel mio lavoro il genere ha una sorta di inconscia irrilevanza - afferma l'artista - le identità si sfiorano, si scambiano, si rimettono in discussione".

Domani torno è, infine, un invito a riappropriarsi del proprio immaginario, un'esplorazione visiva e concettuale dell'essere umano in continua trasformazione. La mostra sarà accompagnata da un catalogo bilingue Inglese -Italiano pubblicato per i tipi di Walther König. La pubblicazione presenta alcuni saggi e interviste inedite, oltre che della curatrice della mostra al Castello di Rivoli, Marianna Vecellio, e del Direttore del Museo, Francesco Manacorda, del filosofo Federico Campagna, delle storiche dell'arte Dawn Ades e Polly Staple.

La mostra sarà anche l'occasione per presentare in Italia l'opera Untitled, 2024-2025, prodotta dal Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea in collaborazione con Kunsthaus Zürich grazie al sostegno della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura nell'ambito del programma Italian Council 2025. L'opera sarà significativa nel percorso di mostra e riflette l'impegno di Enrico David in una pratica scultorea matura, incentrata sulla sperimentazione materica e formale. (Comunicato stampa)

Immagine:
Enrico David, Dinnisblumen, 1999, Raf Simons Collection, Antwerp © Enrico David. Courtesy Michael Werner Gallery

---

Bert Stern
"Original Mad Man"

25 ottobre (inaugurazione) - 27 febbraio 2026 (prorogata fino al 13 marzo 2026)
Galleria Paci contemporary - Brescia
www.pacicontemporary.com

Mostra fotografica dedicata al celebre fotografo di Hollywood, universalmente noto per il suo celebre "The Last Sitting", l'ultimo servizio fotografico dedicato a Marilyn Monroe del 1962, pochi giorni prima della prematura scomparsa dell'attrice. La mostra è realizzata in collaborazione con la Fondazione Bert Stern "The Bert Stern Trust", grazie alla preziosa collaborazione di Shannah Laumeister Stern, moglie del celebre fotografo e Presidente della fondazione.

Bert Stern ha iniziato la sua carriera come addetto stampa presso la rivista Look Magazine. Il lancio della sua carriera coincide con la sua iconica e leggendaria campagna per la Vodka Smirnoff nel 1955. Grazie alla brillantezza di quel lavoro, divenne una star nel mondo della pubblicità. Il lavoro editoriale che ne seguì e la collaborazione con VOGUE portò Bert Stern all'apice della sua carriera negli anni Sessanta. Ricercato da Madison Avenue, Hollywood e dalla scena internazionale della moda per decenni, Stern è diventato il prototipo del fotografo di moda come incarnazione del glamour.

Le fotografie di Stern sono state esposte e/o sono incluse nelle collezioni permanenti del Metropolitan Museum of Art e del Museum of Modern Art di New York, dello Houston Museum of Fine Arts in Texas, del Montreal Museum of Fine Arts in Canada, del J. Paul Getty Museum in California, del Musée Maillol in Francia, del Museo dell'Hermitage in Russia e di molti altri. Tra i suoi scatti più iconici, che sarà possibile ammirare dal vivo alla Paci contemporary, vi sono sicuramente quelli dedicati a Marilyn Monroe.

Il contratto di Bert Stern con VOGUE gli dava libertà creativa per 10 pagine su ogni numero della rivista. Nel Giugno del 1962 scelse di fotografare Marilyn e il servizio ebbe luogo all'Hotel Bel-Air di Los Angeles. Marilyn morì poco dopo, il 4 agosto 1962, all'età di trentasei anni, e queste fotografie, 2571 per l'esattezza, divennero note come The Last Sitting, ovvero l'ultimo servizio fotografico dedicato alla grande diva. Negli anni successivi la fama di questi scatti ha raggiunto proporzioni incredibili, complice la loro pubblicazione in combinazione con i testi di Norman Mailer, curata da Lawrence Schiller e edita da Taschen. La mostra sarà accompagnata da un volume edito da Dario Cimorelli Editore, con un'introduzione di Shannah Laumeister Stern. (Comunicato ufficio stampa Lara Facco P&C)

---

Joseph Kosuth
"Non autem memoria"

14 giugno 2025 (inaugurazione) - 12 aprile 2026
Kunstmuseum Stuttgart - Stoccarda (Germania)
www.liarumma.com

Art as Idea as Idea è un principio tanto semplice quanto profondo, che Joseph Kosuth ha elaborato negli anni '60 e che ha guidato il suo percorso artistico da allora in poi. Kosuth è considerato uno dei più importanti esponenti dell'Arte Concettuale americana. In questo movimento artistico, l'idea alla base dell'opera riveste un ruolo centrale. Parole e linguaggio sono i principali strumenti artistici impiegati nella realizzazione dell'opera.

Stoccarda ha rappresentato una piattaforma importante per Joseph Kosuth negli anni '80 e '90. L'artista è stato protagonista in città con numerose mostre ed è stato docente presso l'Accademia Statale di Belle Arti dal 1991 al 1997. Il Kunstmuseum Stuttgart possiede un'eccezionale collezione di opere di Kosuth, la più ampia in Germania. In occasione del suo ottantesimo compleanno, il museo dedica una sala alla presentazione di opere tratte dalla collezione, a cura dell'artista stesso e di Ulrike Groos, direttrice del Kunstmuseum Stuttgart.

Joseph Kosuth (1945, Usa) è uno dei pionieri dell'arte concettuale e dell'arte installativa, iniziando negli anni Sessanta con opere che indagano il linguaggio e le strategie di appropriazione. Il suo lavoro ha esplorato coerentemente la produzione e il ruolo del significato all'interno dell'arte. La sua oltre cinquantennale indagine sul rapporto tra linguaggio e arte si è manifestata attraverso installazioni, mostre in musei, commissioni pubbliche e pubblicazioni in Europa, le Americhe e l'Asia. Kosuth ha partecipato tra l'altro a sette Documenta e quattordici Biennali di Venezia. (Estratto da comunicato stampa)

---

Nasce l'Archivio Regina
www.archivioregina.it

Dopo la prima grande retrospettiva museale italiana presentata alla GAMeC di Bergamo nel 2021, in seguito alla parallela acquisizione da parte del Centre Pompidou di Parigi di un significativo nucleo di opere dell'artista e dopo essere tornata protagonista nel 2022 in occasione della 59. Esposizione Internazionale d'Arte di Venezia, l'eredità intellettuale di Regina Cassolo Bracchi (Mede 1894 - Milano 1974) trova rappresentanza nell'associazione a lei intitolata, denominata "Archivio Regina Cassolo Bracchi", a Milano.

Fondato per iniziativa di Gaetano e Zoe Fermani, con il supporto scientifico di Paolo Campiglio, Chiara Gatti e Lorenzo Giusti, l'Archivio Regina è un'associazione culturale nata per studiare, catalogare e promuovere l'arte di Regina Cassolo Bracchi a livello italiano ed estero, curando la tutela del suo nome, della sua produzione artistica e della documentazione a essa riferita, tramite la certificazione e l'archiviazione della sua opera generale, oltre alla realizzazione di un catalogo ragionato.

Regina Cassolo Bracchi è stata la prima scultrice dell'avanguardia storica italiana. Fu futurista negli anni della formazione e astrattista radicale nella piena maturità. È stata la prima donna del Novecento italiano a utilizzare materiali sperimentali, come latta, alluminio, filo di ferro, stagno, carta vetrata. E anche la prima artista in Italia ad appendere nell'aria geometrie fluttuanti fatte di frammenti plastici, Plexiglass, perspex o rhodoid. Innovativa nei modi e nelle intuizioni, sosteneva che il progetto e l'idea fossero superiori, nella loro originalità larvale, all'opera finita. «Scelgo temi di tale semplicità, costruzioni talmente elementari che potrebbero essere riprodotte da chiunque in base ad una mia esatta descrizione».

Eppure la storia l'aveva dimenticata. Come molte donne dell'arte di inizio secolo, Regina era rimasta ai margini dei manuali. Un caso femminile all'ombra dei maestri, seppure il suo nome comparisse in calce ai manifesti del Futurismo (firmò nel 1934 il Manifesto tecnico dell'aeroplastica futurista) e sebbene sia stata notata da André Breton e da Léonce Rosenberg che, dopo un incontro parigino nel 1937, le propose un contratto con la sua galleria, cui lei rinunciò per tornare in Italia. La critica ha spesso distrattamente omesso la sua presenza dalle cronache, nonostante Regina avesse avuto un ruolo di punta quale unica donna del MAC italiano, il Movimento Arte Concreta (fondato nel 1948), sempre attiva nei contatti con la direzione del gruppo francese "Espace" (nato nel 1951). La sua mente teorica animò, infatti, la vivacità culturale del secondo dopoguerra, coinvolta nel dibattito artistico dall'amico Bruno Munari che la conobbe al tempo dell'avventura futurista e la volle poi al suo fianco nel mondo dell'arte concreta.

Impegnato nel regesto del corpus completo delle opere di Regina Cassolo Bracchi, fra sculture, disegni, maquette, taccuini, l'Archivio Regina lancia un appello per censire esemplari a oggi non conosciuti o non catalogati, al fine di costituire un database offerto in consultazione a studiosi e studenti, in vista di una sempre maggiore e approfondita conoscenza e divulgazione della ricerca dell'artista. L'Archivio Regina è costituito dal lascito dell'artista a Gaetano e Zoe Fermani, membri del comitato scientifico accanto a Paolo Campiglio, docente di Storia dell'Arte Contemporanea presso l'Università degli Studi di Pavia, Lorenzo Giusti, direttore della GAMeC di Bergamo, e Chiara Gatti, direttrice del MAN di Nuoro.

Fra i prossimi appuntamenti internazionali che vedranno la presenza di Regina, si segnalano sin da ora: il nuovo allestimento del Centre Pompidou di Parigi che riserverà una sala del percorso alla vicenda del gruppo MAC e del suo gemellaggio con il gruppo francese "Espace", partendo proprio dalle opere di Regina giunte recentemente in collezione e la pubblicazione, a cura di Alessandro Giammei e Ara Merjian, del volume monografico dedicato alla scultura moderna in Italia, Fragments of Totality, edito da Yale University Press. (Comunicato stampa)

---

Nasce in Italia l'archivio online dell'artista pre-pop americano Ray Johnson

Aperto permanentemente alla consultazione dal 13 gennaio 2023
Sandro Bongiani Arte Contemporanea - Salerno
www.sandrobongianivrspace.it

Dopo l'Archivio "Ray Johnson Estate" di New York, nasce in Italia "Ray Johnson Archivio Coco Gordon", archivio online del grande artista pre-pop Ray Johnson, uno dei più influenti artisti americani contemporanei accessibile ora nella startup Sandro Bongiani Arte Contemporanea con una raccolta ragionata di materiali inediti per tutti gli studiosi e per chi intende conoscerlo meglio. In questa piattaforma web é possibile consultare una parte considerevole di opere, foto dell'artista, performances, e testi scritti di Ray Johnson degli anni 1970-1995, che grazie alla collaborazione di Coco Gordon in oltre 25 anni di assidua frequentazione ha raccolto e conservato, ora finalmente pubblicati online.

Oggi, nell'era del Web e del sapere stratificato, la raccolta dell'archivio digitale Ray Johnson di Coco Gordon conserva e diffonde il sapere rispondendo a esigenze specifiche di consultazione dei materiali visivi archiviati assolvendo alla fondamentale funzione di conservazione, selezione e accessibilità dei dati che diventano l'oggetto primario di attenzione e consultazione da parte dello studioso d'arte. Uno strumento necessario e utile che svolge la doppia funzione di rendere accessibile il patrimonio e conservarlo correttamente senza esporlo a imprevedibili rischi. L'Archivio Ray Johnson comprende un ampia raccolta di materiali tra cui, ma non solo, corrispondenza, mail art, collage, fotografie documentarie, oggetti e cimeli. Un ringraziamento speciale va all'artista Coco Gordon e ai diversi collaboratori che hanno contribuito a realizzare la sezione del sito web dedicato a Ray Johnson. (Sandro Bongiani)

La Galleria Sandro Bongiani Arte Contemporanea nata come spazio culturale no-profit, vuole mettere in discussione il proprio ruolo di spazio culturale indipendente sostenendo nuovi modi di interagire con il pubblico e attivando nuove forme di partecipazione e di coinvolgimento con presenze e progetti interattivi che possano essere condivisi in tempo reale con il maggior numero di utenti in qualsiasi parte del mondo. A distanza di 60 anni dalla nascita della Mail Art (1962) e a 50 anni esatti (1972) dalla prima e unica mostra in Italia di Ray Johnson presso la Galleria Schwarz a Milano con una presentazione di Henry Martin, noi della Sandro Bongiani Arte Contemporanea di Salerno abbiamo dedicato quasi un intero anno di lavoro a Ray Johnson con cinque mostre interattive e un progetto internazionale svolte da aprile fino a novembre 2022, in contemporanea con la 59 Biennale Internazionale di Venezia 2022.

Inoltre, a 27 anni esatti dalla scomparsa di Ray Johnson (13 gennaio 1995), è stata realizzata catalogazione e la digitalizzazione online di tutte le opere di Ray presenti nell'Archivio Coco Gordon di Colorado USA, con oltre 780 documenti tra opere e foto inedite dell'artista americano, testi, inviti, lettere, opere e riflessioni con i relativi commenti di Coco Gordon, memorial e collaborazioni, cronologia degli eventi e testi critici di Sandro Bongiani, archiviati, ognuna per codice numerico per essere più facilmente consultata, in una utile e significativa presentazione interattiva destinata ad essere conosciuta e valorizzata da parte degli studiosi per opportuni studi e approfondimenti sul lavoro innovativo svolto da questo importante artista pre-pop americano.

L'Archivio Ray Johnson, a completamento dell'attività in corso, viene presentato ufficialmente e reso visibile permanentemente il 13 gennaio 2023, (giorno e mese della sua scomparsa), nella startup web sandrobongianivrspace.it, che si affianca con orgoglio e per importanza all'Archivio americano "Ray Johnson Estate" di New York. Tutto ciò ci sembra un chiaro esempio di come si può relazionare con l'arte contemporanea in modo creativo e produrre nuova cultura. (Sandro Bongiani)

Ray Johnson (1927-1995) è stato un personaggio chiave nel movimento della Pop Art. Primariamente un collagista, è stato anche un precoce performer e un artista concettuale. Definito nei primi tempi "Il più famoso artista sconosciuto di New York", è considerato uno dei padri fondatori e un pioniere dell'uso della lingua scritta nell'arte visuale. In scena negli anni ' 60, il suo lavoro e il modo in cui che ha deciso di distribuirlo ha influenzato il futuro dell'arte contemporanea. Nato il 16 ottobre 1927 a Detroit, nel Michigan, Johnson ha frequentato il Black Mountain College sperimentale con Robert Rauschenberg e Cy Twombly. Ray Johnson era un artista americano noto per la sua pratica innovativa di Correspondence Art.

Una pratica basata su collage, il suo lavoro combina fotografia, disegno, performance e testo su distanze geografiche, attraverso la spedizione della posta. I progetti di Johnson includevano prestazioni concettualmente elaborate che si occupavano di relazioni interpersonali e disordini psichici. "sono interessato a cose e cose che si disintegrano o si disgregano, cose che crescono o hanno aggiunte, cose che nascono da cose e processi del modo in cui le cose mi accadono realmente", ha detto l'artista. I suoi primi anni di vita comprendevano lezioni sporadiche al Detroit Art Institute e un'estate alla Ox-Bow School di Saugatuck, nel Michigan. Nel 1945, Johnson lasciò Detroit per frequentare il progressivo Black Mountain College in North Carolina.

Durante i suoi tre anni nel programma, ha studiato con un certo numero di artisti, tra cui Josef Albers, Jacob Lawrence, John Cage e Willem de Kooning. nel 1948, trascorse un po' di tempo creando arte astratta e poi approdando al Dada con suoi collage che incorporano frammenti di fumetti, pubblicità e figure di celebrità. Johnson spesso rifiutava di partecipare a mostre in galleria e ha preferito creare una rete di corrispondenti di mailing e un nuovo modo di fare arte. Questo metodo di diffusione dell'arte divenne noto come la corrispondenza School di New York e ampliato per includere eventi improvvisati e cene. Trasferitosi a New York nel 1949, Johnson stringe amicizia tra Robert Rauschenberg e Jasper Johns, sviluppando una forma idiosincratica di Pop Art.

Nei decenni successivi, Johnson divenne sempre più impegnato in performance e filosofia Zen, fondendo insieme la pratica artistica con la vita. Nel 1995 Ray Johnson si suicidò, gettandosi da un ponte a Sag Harbor, New York, poi nuotando in mare e annegando. Le circostanze in cui è morto sono ancora poco chiare. Nel 2002, un documentario sulla vita dell'artista chiamato How to Draw a Bunny, ci fa capire il suo lavoro di ricerca. Oggi, le sue opere si trovano nelle collezioni della National Gallery of Art di Washington, D.C., del Museum of Modern Art di New York, del Walker Art Center di Minneapolis e del Los Angeles County Museum of Art. In questi ultimi anni tutto il suo lavoro sperimentale è stato rivalutato dalla critica come anticipatore della Pop Art e persino dell'arte comportamentale americana.

- Presentazione di 781 documenti in 11 sezioni e 34 box
Dynamic vision of the interactive itinerary Slide Show, durata 54 minutes
www.sandrobongianivrspace.it/ray-johnson-coco-gordon

---

Potrà restare per sempre ad Atene il Fregio del Partenone proveniente dalla Sicilia

Il governo della Regione Siciliana, con delibera di Giunta, ha dato il proprio consenso alla cosiddetta "sdemanializzazione" del bene, cioè l'atto tecnico che si rendeva necessario per la restituzione definitiva del frammento. Dallo scorso 10 gennaio, il frammento si trova già al Museo dell'Acropoli di Atene, dove nel corso di una cerimonia, a cui ha preso parte il Premier greco Kyriakos Mitsotakis, è stato ricongiunto al fregio originale.

In base all'accordo, a febbraio da Atene è arrivata a Palermo un'importante statua acefala della dea Atena, databile alla fine del V secolo a.C., che ha già riscosso notevole successo di visitatori e che resterà esposta al Museo Salinas per quattro anni; al termine di questo periodo, giungerà un'anfora geometrica della prima metà dell'VIII secolo a.C. che potrà essere ammirata per altri quattro anni nelle sale espositive del museo archeologico regionale. (Estratto da comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

Presentazione

---

Archivi tematici del XX secolo
Galleria Allegra Ravizza - Lugano
www.allegraravizza.com

Dal Futurismo al Decadentismo. Le piccole raccolte, frutto di studio approfondito, hanno l'ambizione di far riscoprire le sensazioni dimenticate o incomprese del nostro bagaglio culturale e la gioia che ne deriva. La cultura è come il rumore, per citare John Cage (Los Angeles, 1912- New York, 1992): "Quando lo vogliamo ignorare ci disturba, quando lo ascoltiamo ci rendiamo conto che ci affascina" (J. Cage, "Silenzio", 1960). Il rumore della cultura è imprescindibile e continuo in ogni aspetto della nostra vita. (...) Ma quando lo ascoltiamo, l'eco del rumore della Cultura, sentiamo che rimbalza su ogni parete intorno a noi e si trasforma per essere Conoscenza e Consapevolezza. (...) Chi ama la musica tecno, metallica e disco non può ignorare Luigi Russolo (Portogruaro, 1885 - Laveno-Mombello, 1947), probabilmente, lo dovrebbe venerare, in quanto la sua intuizione ha trasformato per sempre il Rumore. (...)

In questa epoca dove, per naturali dinamiche evolutive del pensiero, la ragione del figlio prevale su quella dei padri, come nel Futurismo o nel '68, il desiderio di annullamento è comprensibile e necessario ma la conoscenza storica di quello che si vuole rinnovare ne è il fondamento. Per questo motivo proponiamo dodici archivi tematici con oggetto di ricerca proprio la comprensione. La troviamo adatta a questo periodo storico che ci racchiude nelle nostre stanze e ci sta cambiando profondamente. La speranza è che ci sarà un nuovo contemporaneo, forse più calmo ma più attento, una nascente maturità verso un nuovo Sincrono. Cassaforti come scatole del Sin-Crono (sincrono dal greco sýnkhronos "contemporaneo", composta di sýn "con, insieme" e khrónos "tempo") per la comprensione dell'arte dei Rumori e del teatro Futurista, della Poesia e della musica che ci hanno traghettato lungo il secolo scorso. (Estratto da comunicato stampa)

[1] J. Cage, "Silence", 1960
[2] J. Cage, "Silence", 1960
[3] For a greater understanding, see L. Russolo, Futurist manifesto "L'Arte dei Rumori", 1913
[4] Synchrony, sinkrono/ adj. [from the Greek sýnkhronos "contemporary", composed of sýn "with, together" and khrónos "time"]. - 1. [that happens in the same moment: oscillation, noun].

---

Forme uniche della continuità nello spazio
Nella Galleria nazionale di Cosenza la versione "gemella" dell'opera bronzea di Umberto Boccioni

Presso la casa d'aste Christie's di New York, è stato venduta l'opera bronzea di Umberto Boccioni (1882-1916) Forme uniche della continuità nello spazio per oltre 16 milioni di dollari (diritti compresi), pari a oltre 14 milioni di euro, dà, di riflesso, enorme lustro alla Galleria nazionale di Cosenza. Nelle sale espositive di Palazzo Arnone, infatti, i visitatori possono ammirare gratuitamente una versione "gemella" della preziosa opera del grande scultore reggino donata alla Galleria nazionale di Cosenza dal mecenate Roberto Bilotti. L'opera è uno dei bronzi numerati, realizzati tra il 1971 e 1972 su commissione del direttore della galleria d'arte "La Medusa" di Roma, Claudio Bruni Sakraischik.

Forme uniche della continuità nello spazio è stata modellata su un calco del 1951 di proprietà del conte Paolo Marinotti, il quale, nel frattempo, aveva ottenuto l'originale dalla vedova di Filippo Tommaso Marinetti, ritenuto il fondatore del movimento futurista. La celebre scultura è stata concepita da Boccioni nel 1913 ed è oggi raffigurata anche sul retro dei venti centesimi di euro, proprio quale icona del Futurismo che più di tutte ha influenzato l'arte e la cultura del XX secolo. Il manufatto originale è in gesso e non è stato mai riprodotto nella versione in bronzo nel corso della vita dell'autore. Quella presente nella Galleria nazionale di Cosenza, dunque, rappresenta un'autentica rarità, insieme ai tanti altri tesori artistici e storici esposti negli spazi di Palazzo Arnone. (Comunicato stampa)

---

La GAM Galleria d'Arte Moderna Empedocle Restivo di Palermo insieme a Google Arts & Culture porta online la sua collezione pittorica

Disponibili su artsandculture.google.com oltre 190 opere e 4 percorsi di mostra: "La nascita della Galleria d'Arte Moderna", "La Sicilia e il paesaggio mediterraneo", "Opere dalle Biennali di Venezia" e "Il Novecento italiano". La GAM - Galleria d'Arte Moderna Empedocle Restivo - di Palermo entra a far parte di Google Arts & Culture, la piattaforma tecnologica sviluppata da Google per promuovere online e preservare la cultura, con una Collezione digitale di 192 opere.

Google Arts & Culture permette agli utenti di esplorare le opere d'arte, i manufatti e molto altro tra oltre 2000 musei, archivi e organizzazioni da 80 paesi che hanno lavorato con il Google Cultural Institute per condividere online le loro collezioni e le loro storie. Disponibile sul Web da laptop e dispositivi mobili, o tramite l'app per iOS e Android, la piattaforma è pensata come un luogo in cui esplorare e assaporare l'arte e la cultura online. Google Arts & Culture è una creazione del Google Cultural Institute.

- La Collezione digitale

Grazie al lavoro di selezione curato dalla Direzione del Museo in collaborazione con lo staff di Civita Sicilia, ad oggi è stato possibile digitalizzare 192 opere, a cui si aggiungeranno, nel corso dei prossimi mesi, le restanti opere della Collezione. Tra le più significative già online: Francesco Lojacono, Veduta di Palermo (1875), Antonino Leto, La raccolta delle olive (1874), Ettore De Maria Bergler, Taormina (1907), Michele Catti, Porta Nuova (1908), Giovanni Boldini, Femme aux gants (1901), Franz Von Stuck, Il peccato (1909), Mario Sironi, Il tram (1920), Felice Casorati, Gli scolari (1928), Renato Guttuso, Autoritratto (1936).

- La Mostra digitale "La nascita della Galleria d'Arte Moderna"

La sezione ripercorre, dal punto di vista storico, sociale e artistico, i momenti fondamentali che portarono all'inaugurazione, nel 1910, della Galleria d'Arte Moderna "Empedocle Restivo". Un'affascinante ricostruzione di quel momento magico, a cavallo tra i due secoli, ricco di entusiasmi e di fermenti culturali che ebbe il suo ammirato punto di arrivo nell'Esposizione Nazionale di Palermo del 1891-92, evento chiave per la fondazione della Galleria e per le sue prime acquisizioni, le cui tematiche costituiscono la storia di un'epoca.

- La Mostra digitale "La Sicilia e il paesaggio Mediterraneo"

Un viaggio straordinario nel secolo della natura, come l'Ottocento è stato definito, attraverso le opere dei suoi più grandi interpreti siciliani che hanno costruito il nostro immaginario collettivo: dal "ladro del sole" Francesco Lojacono ad Antonino Leto, grande amico dei Florio in uno storico sodalizio artistico, per giungere al "pittore gentiluomo" Ettore De Maria Bergler, artista eclettico e protagonista dei più importanti episodi decorativi della Palermo Liberty, e infine Michele Catti, nelle cui tele il paesaggio si fa stato d'animo e una Palermo autunnale fa eco a Parigi.

- La Mostra digitale "Opere dalle Biennali di Venezia"

In anni di fervida attività espositiva, la Biennale di Venezia si contraddistinse subito come eccezionale occasione di confronto internazionale e banco di prova delle recenti tendenze dell'arte europea. Dall'edizione del 1907 presente all'evento con la sua delegazione, la Galleria d'Arte Moderna seppe riportare a Palermo opere che ci restituiscono oggi la complessa temperie della cultura artistica del primo Novecento, dalle atmosfere simboliste del Peccato di Von Stuck, protagonista della Secessione di Monaco, alla raffinata eleganza della Femme aux gants di Boldini.

- La Mostra digitale "Il Novecento italiano"

Un percorso che si snoda lungo il secolo breve e ne analizza le ripercussioni sui movimenti artistici coevi, spesso scissi tra opposte visioni e ricchi di diverse sfumature e declinazioni. Tra il Divisionismo di inizio secolo, figlio delle sperimentazioni Ottocentesche, e l'Astrattismo degli anni Sessanta, si consumano in Italia i conflitti mondiali, il Ventennio fascista, i momenti del dopoguerra. La lettura delle opere d'arte può allora funzionare come veicolo attraverso il quale comprendere le complesse evoluzioni e gli eventi cardine che hanno caratterizzato la prima metà del Novecento italiano. (Comunicato stampa)

---

||| Sicilia ||| Apre al pubblico la Fonte Aretusa a Siracusa
www.fontearetusasiracusa.it

Concluso l'intervento di adeguamento strutturale e funzionale del sito, la Fonte Aretusa ha aperto al pubblico il 6 agosto con un percorso di visita che consente di ammirarne dall'interno la bellezza, accompagnati dalle voci italiane di Isabella Ragonese, Sergio Grasso e Stefano Starna. Il percorso di visita restituisce l'emozione di un "viaggio" accanto allo specchio di acqua dolce popolato dai papiri nilotici e da animali acquatici, donati dai siracusani come devozione a una mitologia lontana dalle moderne religioni, superando le difficoltà di accedervi e permettendo di compiere una specie di percorso devozionale in piena sicurezza. L'audioguida è disponibile anche in lingua inglese, francese, spagnola e cinese.

È il primo risultato del progetto di valorizzazione elaborato da Civita Sicilia come concessionario del Comune di Siracusa con la collaborazione della Fondazione per l'Arte e la Cultura Lauro Chiazzese. Il progetto, elaborato e diretto per la parte architettonica da Francesco Santalucia, Viviana Russello e Domenico Forcellini, ha visto la collaborazione della Struttura Didattica Speciale di Architettura di Siracusa e si è avvalso della consulenza scientifica di Corrado Basile, Presidente dell'Istituto Internazionale del papiro - Museo del Papiro.

Da oltre duemila anni, la Fonte Aretusa è uno dei simboli della città di Siracusa. Le acque che scorrono nel sottosuolo di Ortigia, ragione prima della sua fondazione, ritornano in superficie al suo interno, dove il mito vuole che si uniscano a quelle del fiume Alfeo in un abbraccio senza tempo. È un mito straordinario, cantato nei secoli da poeti, musicisti e drammaturghi. La storia di Aretusa e Alfeo è una storia d'amore, inizialmente non corrisposto, tra una ninfa e un fiume che inizia in Grecia e trova qui il suo epilogo, simbolo del legame che esiste tra Siracusa e la madrepatria dei suoi fondatori. Ma la Fonte Aretusa è anche il luogo nelle cui acque, nel corso dei secoli, filosofi, re, condottieri e imperatori si sono specchiati e genti venute da lontano, molto diverse tra loro, sono rimaste affascinate, anche attraverso le numerose trasformazioni del suo aspetto esteriore.

La Fonte ospita da millenni branchi di pesci un tempo sacri alla dea Artemide e, da tempi più recenti, una fiorente colonia di piante di papiro e alcune simpatiche anatre che le valgono il nomignolo affettuoso con cui i Siracusani di oggi talvolta la chiamano, funtàna de' pàpere. Dalla Fonte si gode un tramonto che Cicerone descrisse "tra i più belli al mondo" e la vista del Porto Grande dove duemila anni fa si svolsero epiche battaglie navali che videro protagonista la flotta siracusana e dove le acque di Alfeo e Aretusa si disperdono nel mare in un abbraccio eterno. (Comunicato Ufficio stampa Civita)

Prima del nuovo numero di Kritik... / Iniziative culturali

cinemAUSTRIA
Das unmögliche bild (L'immagine impossibile)
di Sandra Wollner, 2016, durata: 70'
con Jana McKinnon, Alexander E. Fennon, Andrea Schramek
(versione originale con sottotitoli in italiano)

24 febbraio 2026, ore 19.00
Forum Austria di Cultura - Roma
www.austriacult.roma.it

Ci troviamo nella periferia di Vienna, estate 1953. Johanna è una giovane adolescente costretta a muoversi con l'aiuto di stampelle. La sua è una famiglia felice, composta da sua madre, da suo padre e da sua sorella di sette anni. Tutto cambia, però, nel momento in cui il padre viene improvvisamente a mancare e l'intera famiglia si trasferirà a casa della nonna materna, solita praticare aborti clandestini. Opera straordinariamente matura (con un prezioso tocco di metacinema), Das unmögliche bild, interessante esordio di Sandra Wollner, ci mostra come una complessa storia famigliare possa assumere pian piano un tocco soprannaturale. (Comunicato di presentazione)

---

---

---

Masterclass e Workshop di Michael Christensen con Theatre Degart
Giardini Naxos (Messina) , 07-08 marzo 2026
www.theatredegart.it

L'impresa culturale Theatre Degart ospita a Giardini Naxos una masterclass e un workshop condotti da Michael Christensen, riconosciuto a livello internazionale come il fondatore della clownterapia moderna e una delle figure più influenti nella storia dell'healthcare clowning. L'appuntamento rappresenta un'occasione di formazione e approfondimento con uno dei protagonisti che hanno contribuito in modo determinante a definire l'applicazione dell'arte del clown nei contesti di cura.

Artista, regista e co-fondatore del Big Apple Circus di New York, nel 1986 ha creato la Big Apple Circus Clown Care Unit (Clown Care®): il primo programma strutturato e professionale di clown in ospedale al mondo. Con la nascita del personaggio "Dr. Stubs", Christensen ha trasformato un gesto artistico in un modello replicabile fondato su competenze teatrali, ascolto, improvvisazione e attenzione alla relazione umana, contribuendo a definire il ruolo del clown dottore come figura preparata e responsabile. Oggi è invitato in tutto il mondo per workshop e masterclass dedicati a chi opera in contesti di fragilità, trasmettendo una visione che unisce arte e umanità: "perché anche nei luoghi della sofferenza il sorriso può essere un atto serio e trasformativo".

Ideata e promossa da Theatre Degart, impresa culturale fondata e diretta da Daniele Segalin e Graziana Parisi, in arte Dandy Danno e Diva G, da anni impegnati in un lavoro di ricerca e formazione sul linguaggio del clown e sulle sue applicazioni nei contesti sociali e di cura, l'iniziativa si articola in due momenti distinti e complementari.

Sabato 7 marzo è in programma una masterclass di carattere teorico intitolata "La nascita della clownterapia e gli studi condotti", dedicata alla storia della clownterapia, ai suoi principi fondanti e all'evoluzione delle pratiche di healthcare clowning. Domenica 8 marzo il percorso prosegue con un workshop pratico intitolato "Tecniche ed esperienze per il lavoro in contesti di fragilità", Un'esperienza formativa pratica rivolta a chi desidera approfondire strumenti e tecniche legate alla clownterapia: ascolto, presenza, relazione, improvvisazione.

Entrambe le proposte si rivolgono a tutti, artisti, operatori culturali, volontari, educatori, studenti e a tutte le persone interessate ad approfondire il valore della clownterapia come pratica artistica e relazionale. Le iscrizioni sono aperte e si effettuano esclusivamente tramite il modulo online disponibile (theatredegart.it/workshop-clownterapia-2026) e al termine delle attività è previsto il rilascio di un attestato di partecipazione

L'appuntamento si inserisce in un percorso di lavoro che Theatre Degart porta avanti da tempo sul fronte della clownterapia, ogni anno nel mese di marzo, con un'attenzione particolare alla continuità tra formazione e applicazione pratica. In questo contesto, nel mese di febbraio 2026 il gruppo formatosi durante il percorso dello scorso anno sarà impegnato in interventi in ambito ospedaliero, accompagnato da Clara Lo Turco, clown di corsia e studentessa di medicina, referente dei progetti di clownterapia di Theatre Degart. La masterclass e il workshop con Michael Christensen rientrano inoltre in un quadro progettuale più ampio denominato Clownpedia, attualmente in fase di definizione, che mira a valorizzare l'arte del clown come patrimonio immateriale vivente attraverso formazione, spettacolo dal vivo e documentazione. (Comunicato ufficio stampa Lp Press)

---

---

Pop Corn Festival del Corto
IX Edizione, 24, 25, 26 luglio 2026
Porto Santo Stefano - Monte Argentario (Grosseto)
www.popcornfestivaldelcorto.it

Scadono il 2 giugno 2026 le iscrizioni per partecipare alla nona edizione del Pop Corn Festival del Corto, concorso internazionale di cortometraggi, presentato dall'attore Andrea Dianetti. Il Pop Corn Festival del Corto, diretto da Francesca Castriconi, e organizzato dall'Associazione Argentario Art Day APS, è realizzato con il patrocinio del Comune di Monte Argentario e della Regione Toscana.

Il bando prevede tre categorie: Corti Italiani, Corti Internazionali e Corti d'Animazione. Ogni lavoro dovrà avere una durata non superiore ai 20 minuti, titoli di testa e coda inclusi. Tema: tutti i cortometraggi devono attenersi al tema "Luce e ombra: proiezioni dell'anima", proposto dal festival. Si accettano tutti i tipi di formato, con estensione MOV, AVI, MP4, BLU-RAY compresi i cortometraggi realizzati con cellulari, smart-phone, go-pro e sono ammessi anche cortometraggi già vincitori o partecipanti ad altri festival. Ogni candidato potrà iscrivere, sulla piattaforma Filmfreeway, una o più opere. La scadenza per la presentazione dei lavori è fissata al 2 giugno 2026. L'iscrizione è gratuita se realizzata entro il 28 febbraio, oltre questa data e fino al 2 giugno l'iscrizione in Regular Deadline ha un costo di 10 euro. (Estratto da comunicato stampa Raffaella Spizzichino - NowPress)

---

IX Premio Internazionale "Vittorio Frosini"
Termine di partecipazione: 30 aprile 2026
www.fondazionecalamandrei.it

La Rivista Il diritto dell'informazione e dell'informatica, unitamente con la famiglia Frosini, promuove il nono premio dedicato alla memoria di Vittorio Frosini e destinato a una tesi di dottorato in informatica giuridica e diritto dell'informatica presentata in una istituzione universitaria italiana o dell'Unione Europea in una delle seguenti lingue: italiano, francese, inglese, spagnolo, tedesco. Il Premio intende rendere omaggio alla memoria di Vittorio Frosini, ricordando il Suo contributo di fondatore della informatica giuridica in Italia, attraverso la Sua pionieristica opera Cibernetica, diritto e società, del 1968, e poi in numerosissimi studi nell'arco di oltre trent'anni.

Il Premio offre, inoltre, occasione per ulteriori riflessioni sul pensiero di Vittorio Frosini, quale straordinario divulgatore della materia, attraverso la Sua opera di Maestro, di docente universitario, di conferenziere e anche di coordinatore del primo dottorato di ricerca in informatica giuridica attivato nelle Università italiane. La tesi di dottorato dovrà essere stata, già discussa, oppure presentata in via definitiva, negli anni 2024-2025-2026. Una parte della tesi premiata potrà essere pubblicata sulla Rivista Il diritto dell'informazione e dell'informatica. (Estratto da comunicato stampa)

---

Cineteca
regia di Dima Montanari
youtu.be/eUyMpvnS1WQ?si=PUNwKkyHQGvoI8uN

Il Mediometraggio, ora disponibile su YouTube, è un progetto ha ricevuto inaspettati riconoscimenti, tra cui il Premio "Federico Garcia LORCA" come Miglior Corto Internazionale al Festival del Cinema di Granada in Spagna e tanti altri festival. (Comunicato PoliArt Contemporary)

---

Novecento dimenticato: Le scrittrici italiane degli anni '30 - '40
09 ottobre 2025 - 17 marzo 2026
Biblioteca Comunale Chelliana - Grosseto
www.fondazionebianciardi.it

La rassegna vuole indagare gli esordi letterari di quelle scrittrici che, nella prima metà del secolo scorso, spesso dovevano firmarsi con la sola iniziale del nome, per nascondere il sesso. Anche se l'attività letteraria di ciascuna continuerà, perfezionandosi e maturando nel tempo, tuttavia il nucleo fondante delle singole scritture è legato a quel tempo e ne segna i caratteri. (Comunicato di presentazione)

---

Franco Battiato
Dalla Sicilia all'Iperspazio

Pagina dedicata

---

FEDIC
72 anni di cinema in 70 film di registi

www.youtube.com/watch?v=rcUaIdZelGE&list=PLtVRElSqB9q4Pwu_-LZKjttvjb3-9_PUI

Sul canale Mi Ricordo - L'Archivio di tutti, la playlist FEDIC-72 anni di cinema, composta da 70 cortometraggi di autori FEDIC (Federazione Italiana dei Cineclub), tra cui ricordiamo Giuseppe Ferrara e Franco Piavoli e Bruno Bozzetto, conservati e digitalizzati dal CSC-Archivio Nazionale Cinema Impresa. La rassegna online è composta da opere che fanno parte della storia della FEDIC, un'Associazione Culturale nata nel 1949 a Montecatini Terme, e realizzate da registi il cui contributo rilevante è servito a promuovere il superamento dell'etichetta di cinema amatoriale, per arrivare ad affermare quella di Cinema Indipendente.

La playlist propone titoli di fiction e documentari di impegno civile, di critica sociale, di osservazione della realtà, come quelle di Giampaolo Bernagozzi, Nino Giansiracusa, Renato Dall'Ara, Adriano Asti, Luigi Mochi, Francesco Tarabella e del duo Gabriele Candiolo - Alfredo Moreschi; non mancano opere narrative, spesso poetiche, come quelle di Paolo Capoferri, Piero Livi, Mino Crocè e Nino Rizzotti, ma anche di Massimo Sani, Giuseppe Ferrara e Franco Piavoli, che si sono poi affermati come autori cinematografici e televisivi.

Un impegno che si riscontra anche nella sperimentazione di nuove forme espressive, si pensi a Tito Spini e, per quanto riguarda il cinema d'animazione, a Bruno Bozzetto e Nedo Zanotti. Non mancano opere recenti capaci di offrire uno sguardo acuto sul nuovo millennio, tra queste ricordiamo i film di Enrico Mengotti, Turi Occhipinti - Gaetano Scollo, Rocco Olivieri - Vincenzo Cirillo, e Franco Bigini, Giorgio Ricci, Giorgio Sabbatini e Beppe Rizzo che rende omaggio a Totò. Sono testimonianze, tracce interessanti, da leggere nel loro insieme, per aggiungere un punto di vista nuovo sul Paese. Uno sguardo che completa quello offerto dal cinema d'impresa, di famiglia e religioso conservato, digitalizzato e reso disponibile dall'Archivio Nazionale Cinema Impresa sui propri canali: Youtube CinemaimpresaTv, Documentalia e Mi ricordo-l'archivio di tutti. Il fondo FEDIC, composto da 5442 audiovisivi, è stato depositato nell'Archivio di Ivrea nel 2017. (Estratto da comunicato stampa)

---

Il diario di Angela. Noi due cineasti

Ogni giorno, da sempre, Angela tiene un diario, scritto e disegnato: fatti pubblici, privati, incontri, letture, tutto vi viene registrato. Anche il rapporto di due viaggi in Russia, 1989-1990. Cadeva l'URSS. Diario su librini cinesi, sin da prima di Dal Polo all'Equatore (1986), del nostro ininterrotto lavoro sulla violenza del 900. Dai nostri tour negli Stati Uniti con i "Film Profumati" di fine anni '70, all'Anthology Film Archive di New York, al Berkeley Pacific Film Archive... Rileggo ora questi diari e rivedo il film-diario di tutti questi anni, sono rimasto da solo, dopo molti anni di vita e di lavoro d'arte insieme. L'ho portata sulle Alpi Orientali che amava e dove insieme camminavamo.

Angela rivive per me nelle sue parole scritte a mano, con calligrafia leggera, che accompagnano i suoi disegni, gli acquarelli, i rotoli lunghi decine di metri. Guardo i nostri film privati, dimenticati. Registrazioni che stanno dietro al nostro lavoro di rilettura e risignificazione dell'archivio cinematografico documentario. La vita di ogni giorno, fatta di cose semplici, le persone vicine che ci accompagnano, la ricerca nel mondo dei materiali d'archivio, un viaggio in Armenia sovietica con l'attore Walter Chiari. Testimonianze che nel corso del tempo abbiamo raccolto. E' il mio ricordo di Angela, della nostra vita. Rileggo questi quaderni e ne scopro altri a me sconosciuti. (...)

Rivedere l'insieme dei quaderni del Diario infinito di Angela e lo sguardo all'indietro dei nostri film privati, che accompagnano la nostra ricerca. Il mio disperato tentativo di riportarla al mio fianco, di farla rivivere, la continuazione del nostro lavoro come missione attraverso i suoi quaderni e disegni, una sorta di mappa per l'agire ora, che ne contiene le linee direttrici e ne prevede la continuazione. Angela ed io abbiamo predisposto nuovi importanti progetti da compiere. La promessa, il giuramento, di continuare l'opera. (Yervant Gianikian)

Angela Ricci Lucchi è nata a Ravenna nel 1942. Ha studiato pittura a Salisburgo con Oskar Kokoschka. E' scomparsa lo scorso 28 febbraio a Milano. Yervant Gianikian ha studiato architettura a Venezia, già dalla metà degli anni '70 si dedica al cinema, l'incontro con Angela Ricci Lucchi segnerà il suo percorso artistico e privato. I film di Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi sono stati presentati nei più importanti festival internazionali, da Cannes a Venezia, da Toronto alla Berlinale, da Rotterdam a Torino alle Giornate del Cinema Muto. Retrospettive della loro opera sono state ospitate nelle maggiori cineteche del mondo (dalla Cinémathèque Française alla Filmoteca Española, dalla Cinemateca Portuguesa al Pacific Film Archive di Berkeley) e in musei come il MoMA di New York, la Tate Modern di Londra e il Centre Pompidou di Parigi.

Tra i luoghi che hanno ospitato le loro installazioni, citiamo almeno la Biennale di Venezia, la Fondation Cartier Pour l'Art Contemporain di Parigi, la Fundacio "La Caixa" di Barcellona, il Centro Andaluz de Arte Contemporaneo di Siviglia, il Mart di Rovereto, il Witte de With Museum di Rotterdam, il Fabric Workshop and Museum di Philadelphia, il Palais des Beaux-Arts di Bruxelles, il Museo d'Arte Contemporanea di Chicago, l'Hangar Bicocca di Milano, Documenta 14 a Kassel. (Comunicato stampa Lara Facco)

---

«In bocca al lupo»
Racconto di Sasha Marianna Salzmann ispirato alla città di Palermo

"Hausbesuch - Ospiti a casa", progetto del Goethe-Institut, ha portato la scrittrice, curatrice e drammaturga tedesca Sasha Marianna Salzmann a Palermo, ospite in casa dei palermitani. Da questa esperienza è nato il racconto ispirato al capoluogo siciliano In bocca al lupo.

Sasha Marianna Salzmann (Volgograd - ex Unione Sovietica, 1985) attualmente è autrice in residenza del teatro Maxim Gorki di Berlino, ben noto per le sue messe in scena dedicate alla post-migrazione. La sua pièce teatrale Muttermale Fenster blau ha vinto nel 2012 il Kleist Förderpreis. Nel 2013 il premio del pubblico delle Giornate Teatrali di Mülheim (Mülheimer Theatertage) è stato assegnato all'opera teatrale Muttersprache Mameloschn che affronta tre generazioni di tedeschi ebrei. Sasha Marianna Salzmann è famosa per i suoi ritratti umoristici dedicati a tematiche politiche. Il suo racconto In bocca al lupo è stato scritto durante il suo soggiorno nel capoluogo siciliano nel luglio 2016 per il progetto "Hausbesuch - Ospiti a casa" del Goethe-Institut. Tradotto in cinque lingue, farà parte di un e-book che uscirà in primavera e che il Goethe-Institut presenterà alla Fiera del Libro di Lipsia. (Comunicato Goethe-Institut Palermo)

Racconto scaricabile alla pagina seguente

Pagina dedicata al soggiorno palermitano di Sasha Marianna Salzmann, con videointervista

---

"Giallo Kubrick": Le Ultime Cento Ore

Alla Biblioteca "Luigi Chiarini" del Centro Sperimentale di Cinematografia a Roma è conservata una sceneggiatura dattiloscritta del 1964 intitolata Le Ultime Cento Ore, attribuita a Stanley Kubrick, della quale non esiste traccia in nessuna monografia, filmografia, studio. Si tratta di una copia di deposito legale catalogata nei primi anni '90. Il primo a sollevare dei dubbi sull'autenticità del copione fu Tullio Kezich nel 1999 sollevando un gran polverone sulla stampa nazionale, quello che venne definito il "giallo Kubrick" rimase irrisolto fino ad oggi. Grazie alla passione di uno studioso kubrickiano, Filippo Ulivieri, che non si è accontentato di come la questione fosse stata accantonata. Sono state ricostruite le vicende e individuati gli autori, finalmente Filippo Ulivieri ha reso noto il resoconto e come sono stati risolti i relativi misteri del "giallo Kubrick". (Comunicato Susanna Zirizzotti - Ufficio Comunicazione/stampa e archivio storico Centro Sperimentale di Cinematografia-Scuola Nazionale di Cinema)

---

"Basta muoversi di più in bicicletta per ridurre la CO2"
Nuovo studio dell'European Cyclists' Federation sulle potenzialità della mobilità ciclistica nelle politiche UE di riduzione delle emissioni di gas climalteranti entro il 2050

Le elevate riduzioni delle emissioni dei gas serra previste dalla UE sono sotto esame: quest'anno i progressi e i risultati effettivi sembrano non raggiungere gli obiettivi fissati dalla stessa Unione Europea. Recenti rapporti sulle tendenze nel settore dei trasporti europei mostrano che la UE non riuscirà a ottenere la riduzione delle emissioni dei mezzi di trasporto del 60% tra il 1990 e il 2050 affidandosi alla sola tecnologia. Un interessante approccio all'argomento è messo in luce da un recente studio effettuato dall'European Cyclists' Federation (ECF), che ha quantificato il risparmio di emissioni delle due ruote rispetto ad altri mezzi di trasporto.

Anche tenendo conto della produzione, della manutenzione e del carburante del ciclista, le emissioni prodotte dalle biciclette sono oltre 10 volte inferiori a quelle derivanti dalle autovetture. Confrontando automobili, autobus, biciclette elettriche e biciclette normali, l'ECF ha studiato che l'uso più diffuso della bicicletta può aiutare la UE a raggiungere gli obiettivi di riduzione dei gas serra nel settore trasporti, previsti entro il 2050. Secondo lo studio, se i cittadini della UE dovessero utilizzare la bicicletta tanto quanto i Danesi nel corso del 2000, (una media di 2,6km al giorno), la UE conseguirebbe più di un quarto delle riduzioni delle emissioni previste per il comparto mobilità.

"Basta percorrere in bici 5 km al giorno, invece che con mezzi a motore, per raggiungere il 50% degli obiettivi proposti in materia di riduzione delle emissioni", osserva l'autore Benoit Blondel, dell'Ufficio ECF per l'ambiente e le politiche della salute. Che aggiunge: "Il potenziale di raggiungimento di tali obiettivi per le biciclette è enorme con uno sforzo economico assolutamente esiguo: mettere sui pedali un maggior numero di persone è molto meno costoso che mettere su strada flotte di auto elettriche". Lo studio ha altresì ribadito la recente valutazione da parte dell'Agenzia europea dell'ambiente, secondo la quale i soli miglioramenti tecnologici e l'efficienza dei carburanti non consentiranno alla UE di raggiungere il proprio obiettivo di ridurre del 60% le emissioni provenienti dai trasporti. (Estratto da comunicato stampa FIAB - Federazione Italiana Amici della Bicicletta)

Prima del nuovo numero di Kritik... / Libri

Prefazioni e recensioni di Ninni Radicini

---

Presentazione libri da Comunicato case editrici / autori

---

"Malditerra"
di Roberto Longoni, Arca Edizioni, 2025, pp. 368, euro 19,00, prefazione di Pino Cacucci

Il libro è stato presentato il 20 febbraio 2026 presso Lo Spazio Pistoia 

I nonni partigiani hanno vinto la guerra, i padri la pace. I fratelli maggiori, rivoluzionari pentiti, hanno avuto uno scopo. Ciò che manca ai ventenni degli anni '80 protagonisti di Malditerra. Per Quello della barca il malditerra è sulla riva degli altri: lui vive in mare, sull'Allegranza, uno sloop chiamato come una delle navi con cui partirono per le Indie i fratelli Vivaldi sette secoli prima. Uno scopo lui ce l'ha: scoprire la loro fine. Dal suo incontro nel Golfo con Nicole, bella e votata all'autodistruzione, nascerà un amore intenso e impossibile. Malditerra è uno scorcio della generazione inutile che ballò sulle macerie del Muro. Il malessere d'oggi germinava già in quei giorni felici solo in superficie. (Estratto da comunicato stampa)

---

"C'era una volta a Roma"
di Manuel De Teffé
www.ceraunavoltaaroma.net

Il romanzo è ambientato a Roma, nel 1965, nel pieno della Dolce Vita e delle proteste contro la guerra in Vietnam. "Per un Pugno di Dollari" di Sergio Leone ha un successo planetario e lancia un genere esplosivo: il western all'italiana. Il mondo del cinema è in fibrillazione, la pr manager dell'Hotel Hilton cerca di convincere il suo uomo ad abbracciare il nuovo filone. "C'era una volta a Roma" narra le vicende di un aristocratico attore teatrale shakespeariano, un guru di recitazione russa, un regista ebreo di documentari e un anziano imprenditore di grissini con un grande sogno, quello di trasformare il suo manoscritto segreto nel film: "Niente dollari per Django".

"C'era una volta a Roma" è un romanzo ispirato alla storia familiare e artistica del padre dell'autore, Antonio de Teffé von Hoonholtz, attore romano di origine prussiana che, a cavallo tra gli anni Sessanta e Settanta, fu protagonista di ventisette film western all'italiana con il nome d'arte di Anthony Steffen, detenendo così il record di più prolifico protagonista del settore. Nel settembre del 2007, durante la retrospettiva organizzata da Quentin Tarantino alla Mostra del Cinema di Venezia sul western all'italiana, Manuel de Teffé presentò al pubblico "Una lunga fila di croci" del regista Sergio Garrone, presente in sala, film dove compare per la prima volta proprio Anthony Steffen sul grande schermo.

"Da quel momento -racconta De Teffé - iniziai lentamente a rimettere insieme uno stormo di memorie fantasmagoriche legate alla nascita di questo filone cinematografico. "C'era una volta a Roma" narra di un mondo del quale sono depositario: la Roma del 1965, la rivoluzione dello spaghetti western calata nella Dolce Vita, gli incredibili personaggi orbitanti attorno a quel periodo. Tutto ciò che ho visto, sentito, respirato e intuito sin da bambino, è qui, dentro questo libro. Tutti gli avvenimenti più recenti della mia vita mi indicavano che dovevo iniziare a ricomporre quel mosaico surreale, che dovevo iniziare a svuotare il sacco... E allora, come ammonisce John Ford nel suo inequivocabile 'Print the legend!' sul finale di 'L'uomo che uccise Liberty Valance', ho deciso di sedermi, scrivere la leggenda e darla alle stampe".

Manuel de Teffé, romano, regista e sceneggiatore, studia Scenografia all'Accademia di Belle Arti di Roma e si diploma in Regia cinematografica al M.I.F. di Angelo D'Alessandro. Inizia la carriera al Teatro Eliseo come assistente alla regia di Rossella Falk e Michele Placido, quindi lavora come regista televisivo per Morgan film e Lux Vide. Fonda in seguito Shineout, per la quale scriverà e dirigerà spot, campagne pubblicitarie, documentari e video musicali in tutto il mondo. Negli ultimi anni è stato direttore artistico per il gruppo francese Média-Participations. Attualmente lavora come regista e sceneggiatore a Parigi con SAJE distribution. "C'era una volta a Roma" è il suo primo romanzo. "C'era una volta a Roma" ha già vinto quest'anno il Primo Premio Letterario La Ginestra di Firenze, il Bond Street Award a Londra e il Premio Intenazionale Donne d'amore dell'Associazione Naschira di Venezia. (Estratto da comunicato Ufficio stampa NowPress)

---

La vita dei dettagli
di Antonella Anedda, Electa, Milano 2025

Il libro è stato presentato il 16 dicembre 2025 all'Accademia Nazionale di San Luca (Roma)
www.accademiasanluca.it

Il volume fa parte della collana Pesci d'oro, con cui Electa celebra i suoi ottanta anni. Dedicato alla potenza delle immagini e dei dettagli, è un omaggio all'editore delle 'storie dell'arte'. L'autrice Antonella Anedda, una delle più importanti poetesse italiane contemporanee, disegna una suggestiva geografia dei dettagli di opere d'arte, di attraversamenti di luoghi, di ritratti e di meditazioni sulla pittura e sugli oggetti, a partire da quell'accumulo di immagini che la memoria costruisce nella vita di ognuno di noi. Cosa ci affascina dei dettagli? La loro arbitrarietà? Cosa ci commuove?

Collezionista silenziosa di dettagli, adoratrice silenziosa di quadri, Anedda si interroga sul senso dell'arte e sull'enigma della sua fruizione; procede per schegge, disseminando di indizi, collages e fotografie le pagine di questo insolito libro. Tanti gli incontri del suo percorso: da Rothko a Bill Viola, ma anche luoghi, oggetti rimasti nascosti nel fondo dei cassetti, pezzi di vecchie fotografie, ritagli di giornali. Il risultato è un'autentica avventura del pensiero e del linguaggio, una trasgressione del genere della critica d'arte per un'opera che si inscrive nel solco dei poeti cacciatori di immagini, come Charles Simic per Joseph Cornell, Mark Strand per Edward Hopper e Yves Bonnefoy per la pittura italiana. Edito da Donzelli nel 2009, la nuova edizione è arricchita da una preziosa appendice a firma dell'autrice e da una postfazione di Andrea Cortellessa.

Antonella Anedda-Angioy è fra le maggiori poetesse e saggiste del nostro tempo. Ha conseguito un dottorato di ricerca in Storia dell'arte moderna alla «Sapienza» di Roma, uno in Letterature comparate allo University College London, e un dottorato di ricerca honoris causa all'Université Sorbonne Paris IV; sino a quest'anno ha insegnato all'Università della Svizzera Italiana di Lugano. Fra i premi conseguiti il Montale, il Napoli, il Pascoli, il Viareggio, il Puškin, il Celle Arte e natura, il Saba e quest'anno il Pagliarani alla carriera.

La sua opera poetica, da Residenze invernali del 1992 a Historiae del 2018, è raccolta in Tutte le poesie, Garzanti 2023; le sue traduzioni in Nomi distanti, Aragno 2020; fra le sue prose Geografie, Garzanti 2021 e Le piante di Darwin e i topi di Leopardi, Interlinea 2022. La prima edizione della Vita dei dettagli, ripubblicata in edizione ampliata da Electa nel 2025, è uscita da Donzelli nel 2009. (Estratto da comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

---

Green. Da Celentano a Greta. Storia avventurosa degli ecologisti
di Mauro Suttora, ed. Neri Pozza, 2025, pp. 256, euro 20,00

Il libro è stato presentato il 13 dicembre 2025 presso Lo Spazio Pistoia

Dagli anni Sessanta a oggi, la prima storia "popolare" dell'ambientalismo nel racconto di un giornalista che ha vissuto in prima persona la lunga marcia dei movimenti verdi. Nel gennaio 1966 Adriano Celentano canta a Sanremo la prima canzone ecologista d'Italia: Il ragazzo della via Gluck. Sei mesi dopo, Fulco Pratesi fonda la sezione italiana del WWF. Queste date possono essere considerate l'inizio del movimento verde italiano.

Negli anni Settanta viene pubblicato il rapporto I limiti dello sviluppo del Club di Roma, che denuncia lo sfruttamento delle risorse limitate della Terra. I primi partiti verdi europei approdano nei parlamenti, in Italia nell'87. Il disastro di Černobyl' ha dato vigore alle lotte antinucleari, che sfociano in Italia nel referendum contro l'energia atomica. Da allora gli ecologisti, in politica, ottengono risultati altalenanti. Mentre in Francia e Germania toccano punte del 20% dei voti, in Italia si fermano al 6% nel 1989.

Dopo la conferenza del 1992 a Rio de Janeiro la lotta contro l'inquinamento si amplia: prende di mira tutte le emissioni di CO2, accusate di provocare riscaldamento globale e cambiamento climatico. La keniota Wangari Maathai, prima ministra ambientalista in Africa, nel 2004 vince il Nobel per la Pace. Il Green Deal in Europa e nel mondo gli accordi di Kyoto e Parigi dettano legge: i governi impongono la transizione energetica, causando grossi problemi a settori dell'economia e la defezione di Stati negazionisti.

Mauro Suttora (Milano, 1959) ha lavorato nei settimanali L'Europeo e Oggi, raccontando guerre e movimenti ecologisti dal 1983. Ha partecipato alla nascita delle liste verdi in Italia. Corrispondente dagli Usa, columnist per Newsweek e The New York Observer, oggi scrive su Huffington Post. È autore dei libri Pannella, i segreti di un istrione (1993), No Sex in the City (2006) e Confini (Neri Pozza 2021). (Estratto da comunicato stampa)

---

Il genio che scopre e occulta. Galileo nella cultura austro-tedesca tra Otto e Novecento
di Paolo Bucci, Edizioni Ets, 2025, pp. 140, euro 15.00

Il libro è stato presentato il 2 dicembre 2025 presso Lo Spazio - Pistoia
www.lospaziopistoia.it

«Genio che scopre e insieme occulta» è la celebre espressione con la quale Husserl riassumeva, nella Crisi delle scienze europee, il significato della propria interpretazione di Galileo. Con Galileo nasce la scienza moderna, che è scienza matematica della natura, ma questa stessa scoperta stabilisce una cesura profonda fra il nuovo sapere scientifico e il mondo della esperienza ordinaria. Quella di Husserl è soltanto una delle molte interpretazioni che hanno caratterizzato la ricezione di Galileo nella cultura austrotedesca fra Otto e Novecento, da Mach a esponenti del neokantismo come Natorp e Cassirer, fino a Hannah Arendt. Il volume ricostruisce alcuni momenti di questa complessa vicenda storico-culturale, ponendo in evidenza non soltanto la ricchezza e la specificità delle differenti proposte interpretative, ma anche le implicazioni riguardanti il rapporto fra la filosofia e le scienze e la funzione della filosofia di fronte alla «crisi della cultura europea».

Il confronto con Galileo diventa cruciale per pensatori che, sia pure da punti di vista differenti, avvertono come decisiva la riflessione sulla crisi culturale del proprio tempo e, su questa base, si interrogano sulle origini del razionalismo scientifico contemporaneo.

Paolo Bucci si è occupato della filosofia di lingua tedesca fra Otto e Novecento, con particolare riferimento alla fenomenologia husserliana e al neokantismo marburghese (Cassirer, Natorp). Fra le sue pubblicazioni: Husserl e Bolzano. Alle origini della fenomenologia (2000), La Crisi delle scienze europee di Husserl (2013), Natura, cultura e filosofia dell'uomo. Cassirer e la teoria del simbolo (2025). Ha curato i volumi Filosofia prima (1923-24). Teoria della riduzione fenomenologica (di Husserl, 2008) e Il futuro della mente. Da Leonardo alla società della conoscenza (con M. Galletti, 2021). (Comunicato stampa)

---

Paul Russotto. Opere/Works 1956-2012
a cura di Giuseppe Appella, Silvana Editoriale, 2025

Il libro è stato presentato il 25 novembre 2025 all'Accademia Nazionale di San Luca (Roma)
www.accademiasanluca.it

La vita di Paul Russotto, nato a New York nel 1944 da genitori siciliani e lucani, si riflette interamente nella sua arte. Formatosi alla Walt Whitman High School e all'Art Students League, ha attraversato diverse città americane continuando a studiare con dedizione Cézanne, Picasso e i maestri dell'Espressionismo astratto, mantenendo sempre centrale la figura, come Dubuffet, Bacon e De Kooning. Il disegno è per lui un rifugio e un'autobiografia, un mezzo di salvezza dalla solitudine e di lettura del mondo, affinato attraverso carboncino, matita, inchiostro e collage.

Le sue opere nascono da una disciplina rigorosa, da un gesto pittorico istintivo ma consapevole, alimentato da dialoghi e confronti con artisti e studiosi tra New York, Roma e Todi. La sua pittura fonde memoria familiare, paesaggi americani e luoghi dell'Italia centrale in una forma libera e vibrante, capace di far deflagrare sulla superficie emozioni primordiali. Muore in Florida nel 2014. La monografia è curata da Giuseppe Appella, che ne segue da sempre il percorso e ha scelto le opere oggi conservate nel Museo Russotto di Aliano in provincia di Matera. (Comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

---

"Nel Peloponneso. Viaggiando tra storia e leggenda. Memorie di un Filelleno"
di Rudy Caparrini, prefazione di Peggy Petrakakos, ed. Masso delle Fate
* Novità editorale *

La Grecia è uno dei pochi stati al mondo dove si possono trovare tracce sia di storia sia di leggenda, componente quest'ultima che appartiene solo a quelle culture che sono state capaci di lasciare un'impronta indelebile nell'evoluzione della civiltà umana. La regione più leggendaria della Grecia è senza dubbio quella del Peloponneso, resa immortale dalle opere di Omero e Tucidide. Il Peloponneso è stato decisivo pure per le sorti della Grecia moderna perché proprio lì si sono avute, nel secolo XIX, le più importanti sollevazioni dei greci contro gli oppressori, i turchi ottomani.

Abbiamo oggi consapevolezza di ciò che è stata la grande storia del Peloponneso? L'autore, che ha compiuto più viaggi nella regione per vedere i luoghi dell'antichità (ovvero della gloria) e quelli della lotta per l'indipendenza (quindi della riscossa), cerca di rispondere a questo interrogativo narrando le sensazioni che ha provato camminando in questa terra dal fascino inimitabile.

"Vi invito a intraprendere questo viaggio, a scoprire il Peloponneso visto con gli occhi del suo autore, profondo conoscitore della storia e della cultura ellenica, che si può definire filelleno. Vi invito a camminare tra le rovine antiche, a respirare l'aria che un tempo ispirò i più grandi pensatori e artisti della storia" (Arch. Peggy Petrakakos - Console On. di Grecia a Firenze)

Rudy Caparrini, giornalista pubblicista e scrittore, è un filelleno convinto ed entusiasta. È stato curatore e coautore del volume La Grecia contemporanea (1974-2006). Un modello di sviluppo politico, economico e sociale (2007). Ha pubblicato numerosi articoli riguardo alla nazione ellenica su testate cartacee e online tra cui: "Nuova Antologia", "Il Mulino", "Foro Ellenico", "Mondo Greco", "Pagine di Difesa", "Equilibri", "Avanti!". Studioso di politica internazionale, ha pubblicato per Masso delle Fate Edizioni la monografia Il Medio Oriente Contemporaneo 1914-2005. Da Lawrence d'Arabia a Osama bin Laden, con prefazione di Franco Cardini (2005). Appassionato di calcio, in particolare della Fiorentina, a tale argomento ha dedicato due libri: Azzurri... no grazie! Perché i fiorentini hanno odiato la nazionale (2009); Odissea Viola. Aspettando Ulisse lo Scudetto (2010).

---

Un viaggio nel Peloponneso
Intervista a Rudy Caparrini (L'Incontro, 23 novembre 2025)

Rudy Caparrini: il Peloponneso cuore della civiltà occidentale
Intervista a Rudy Caparrini (Eurocomunicazione, 01 novembre 2025)

Grecia culla della nostra civiltà. Il Peloponneso è l'Alfa e l'Omega della cultura occidentale
Intervista a Rudy Caparrini (Punto Grecia, 24 ottobre 2025)

---

Odissea Viola. Aspettando Ulisse lo Scudetto
di Rudy Caparrini, ed. NTE, collana "Violacea", 2010
Presentazione

---

La materia del contendere
di Giancarlo Pontiggia, Garzanti, 2025

Il libro è stato presentato il 05 novembre 2025 al Centro Culturale di Milano
www.centroculturaledimilano.it | www.deangelispress.com

Il primo appuntamento del nuovo ciclo di incontri "Io è un altro", dedicato al rapporto tra poesia e senso religioso nell'orizzonte europeo contemporaneo, a cura di Gianfranco Lauretano, vede protagonista Giancarlo Pontiggia, una delle voci più alte e riconosciute della poesia italiana attuale. Intervengono: Giancarlo Pontiggia; Paola Fantolini (Docente di letteratura Istituto Sacro Cuore di Milano), Davide Ferrari (Attore, regista e scrittore). Modera l'incontro Gianfranco Lauretano.

Al centro della presentazione in programma al Centro Culturale di Milano, il suo ultimo libro La materia del contendere, edito da Garzanti e già selezionato nella cinquina del Premio Strega 2025 per la poesia. Un'opera intensa e profondamente meditativa, che già nel titolo affronta il tema della "contesa" originaria tra essere e non essere, tra presenza e assenza di senso: "Tutto è pieno di dèi, di vita che pullula. / Oppure: non c'è un bel niente".

Pontiggia propone una parola poetica calma e profonda, che si oppone con forza ma senza clamore al nichilismo delle filosofie del linguaggio contemporanee e a una poesia ridotta a mero esercizio tecnico. La sua è una voce limpida, che cerca di ricomporre la controversia e riapre alla possibilità di nominare il reale, di restituire al mondo la sua forma e la sua luce: "Poter dire 'questa è una scodella', / affondare / in una litania di nomi veri, sacri". Il suo gesto poetico che dialoga con il silenzio-ascolto nasce da radici profonde: da un lato la tradizione lombarda, fatta di sobrietà e tensione civile; dall'altro l'eco dei classici - i lirici greci, Virgilio - e la loro "misura", capace di accogliere, senza smarrirla, anche la dismisura dell'esperienza umana e del suo bisogno d'infinito. La materia del contendere è, ad oggi, uno dei libri più letti e amati dell'anno, il più compiuto e potente nella produzione di Giancarlo Pontiggia. (Ufficio stampa CMC Centro Culturale di Milano - De Angelis Press, Milano)

Immagini:
1. Copertina del libro La materia del contendere, raccolta di poesie di Giancarlo Pontiggia
2. Giancarlo Pontiggia

---

I nascosti
di Valentina Tamborra, Minimum fax, 2024

Il libro è stato presentato l'11 giugno 2025 presso Nonostante Marras (Milano)
www.antoniomarras.com

Ormai ridotti a poco più di ottantamila anime, i sami sono un popolo in larga parte nomade, dedito all'allevamento delle renne, che si muove da sempre libero negli immensi paesaggi artici oggi suddivisi tra quattro distinti paesi: Norvegia, Svezia, Finlandia e Russia. Valentina Tamborra li ha raggiunti, ritratti, interpellati per quattro anni consecutivi, nel corso di altrettanti viaggi, e ha costruito un reportage fotografico e narrativo senza precedenti. Ne ha raccontato la vita e le tradizioni, la resistenza a un lungo processo di integrazione forzata, i problemi quotidiani legati a un cambiamento climatico che sembra non conoscere sosta.

«Sono arrivata oltre il Circolo Polare Artico, nel Finnmark, per ascoltare la storia di chi per troppo tempo non ha avuto voce. Oggi provo a restituirla attraverso volti, parole, immagini, e non so se riuscirò a farlo nel modo migliore perché parlare delle storie altrui è complesso, ci si sente sempre in qualche modo inadeguati. C'è qualcosa però che mi fa sentire di poterci provare: vengo da un confine io stessa, ho imparato ben presto cosa significa stare ai margini».

Valentina Tamborra è fotografa e giornalista. Si occupa principalmente di reportage e ritratto e nel suo lavoro unisce scrittura e immagine. I suoi progetti sono stati oggetto di mostre a Milano, Venezia, Roma e Napoli. Numerose le pubblicazioni sui principali media nazionali, ha altresì partecipato come ospite a diverse interviste radiofoniche e televisive. Docente di fotografia presso Istituto Italiano di Fotografia, a Milano. Ha realizzato e realizza workshop e speech in alcuni fra i più prestigiosi istituti italiani. Ha sviluppato progetti con enti del turismo e ambasciate. Nell'Aprile 2018, in occasione del Photofestival di Milano, vince il Premio AIF Nuova Fotografia. Nel 2024 ha pubblicato con minimum fax il volume fotografico e narrativo "I Nascosti" in doppia edizione italiana e inglese. (Comunicato ufficio stampa Nonostante Marras)

---

Walter Rosenblum. Master of photography
di Angelo Maggi, Silvana Editoriale, 2025

Il volume è stato presentato il 4 aprile 2025 alla Sala Rossini Caffè Pedrocchi (Padova)

Walter Rosenblum (1919-2006) è stato un esponente di spicco nella storia della fotografia per oltre mezzo secolo. La nuova monografia di Angelo Maggi esplora la vita di Rosenblum, il suo lavoro e gli eventi storici significativi che egli ha documentato, offrendo uno sguardo completo sui suoi contributi nel campo della fotografia. Durante la giovinezza, l'esperienza diretta delle condizioni degli immigrati in America ha plasmato il suo approccio empatico alla fotografia e il suo impegno per la giustizia sociale. Come membro attivo della Photo League, ha documentato molte istanze pressanti del suo tempo, dagli anni turbolenti della Grande Depressione alle realtà sanguinose della Seconda Guerra Mondiale.

L'eredità fotografica di Rosenblum fornisce intensi affondi nelle vite di coloro che ha immortalato e mette in risalto la sua appassionata determinazione nel cogliere l'essenza dei soggetti. L'architettura della fotografia si riferisce al potere del fotografo di comporre l'immagine con magistrale lucidità visiva. Delineare i confini dello sguardo fotografico stabilisce un dialogo tra soggetto e contesto proprio come in un progetto architettonico. La mostra fotografica "Walter Rosenblum. Master of Photography" allestita alla Galleria Civica Cavour è aperta fino al 4 maggio 2025. (Comunicato stampa)

---

Itinerari della rabbia
La rabbia. Malattia del corpo, della mente, dello spirito
a cura di Renato Rizzi, Edizioni NEMS

Il libro è stato presentato il 25 marzo 2025 alla Fondazione Mudima (Milano)
www.mudima.net

La rabbia, altrimenti declinata come ira, collera, bile, sdegno è un sentimento ancestrale. Spesso viene detto che la rabbia è un sentimento positivo, che ci aiuta a non rimuginare sul torto subito e perciò impedisce una sua deriva nell'astio o, peggio, nel rancore. Questo stato emotivo, perciò, è una reazione a ciò che si percepisce come ingiusto o sbagliato e che si tramuta in indignazione, irritazione, contrarietà. A titolo di esempio si può citare l'elaborazione di un lutto o di una prognosi infausta, che passa attraverso cinque fasi.

La rabbia, dopo la negazione/rifiuto occupa il secondo posto, ed è una fase molto delicata e bisognosa di aiuto. Altro esempio banale è la rabbia scatenata da un insulto o presunto tale nei confronti non solo di se stessi, ma di un amico, parente, consorte: Will Smith che dà uno schiaffo al comico Chris Rock che aveva fatto una battuta sulla calvizie della moglie. Ognuno di noi almeno una volta al giorno è rabbioso o arrabbiato. Al primo termine si dà solitamente una valenza caratteriale, al secondo comportamentale. D'altra parte, la rabbia è stata sin dall'inizio sia malattia che metafora, un groviglio di significati dove medicina e politica, sapere e potere sono avviluppati in modo irrimediabile.

L'approccio a tale tema viene svolto in questo volume prendendo in considerazione tutti gli argomenti che girano intorno al termine "rabbia". Per tale ragione verranno commentate non solo le basi psicologiche e sociologiche, comprese le tecniche di "sollievo", ma anche gli ambiti interessati alla rabbia, dalla pittura alla letteratura, dalla etologia alla medicina, dall'anziano al bambino, dalla religione alla storia, dalla economia alla politica. Gli autori provengono sia dal mondo accademico che dal mondo della comunicazione, in modo che il volume sia fruibile da gran parte dei lettori. (Comunicato stampa)

---

Yoko Ono. Brucia questo libro dopo averlo letto
di Francesca Alfano Miglietti e Daniele Miglietti, Shake Edizioni, 2025

Il libro è stato presentato il 18 marzo 2025 alla Nonostante Marras (Milano)
www.antoniomarras.com

Un ritratto intenso e approfondito di Yoko Ono, artista che ha rivoluzionato il sistema dell'arte e le sue regole. Il volume indaga l'impatto che "la donna più odiata del rock" ha avuto sulla musica sperimentale, sul punk, sulla new wave e sulla cultura underground, ridefinendo il concetto stesso di artista e icona, esplorando le opere e le mostre più recenti dedicate a Ono ed intrecciandole con il contesto sociale, artistico e politico che ha reso possibile quella stagione di sperimentazione radicale.

Come dice Francesca Alfano Miglietti: "si colma finalmente un'irrazionale lacuna: l'assenza nel panorama editoriale di un testo organico su Yoko Ono, figura centrale della controcultura artistica del Novecento. Negli anni cinquanta Yoko Ono iniziò a scrivere quelle che definiva "istruzioni", ovvero delle "partiture" per l'arte più e più volte interpretabili dal pubblico, rifiutando così l'aura mistico-borghese dell'artista ma anche il concetto di opera d'arte come oggetto materiale e tangibile e pertanto idoneo al mercato. Anticipando il concettualismo emerso nel decennio successivo, abbatté i confini tra musica, performance, poesia e arte visiva, inaugurando l'utilizzo dei concerti e degli eventi artistici quali luoghi per incoraggiare il pubblico a prendere coscienza delle proprie idee. È stata pioniera dell'arte concettuale e partecipativa, ma anche della musica underground di fine secolo".

Per Yoko Ono arte e attivismo andavano di pari passo e molte delle sue opere sono manifesti contro la guerra. Di questi la più nota è sicuramente la performance Bed-In del 1969, durante la quale Yoko Ono e John Lennon rimasero a letto per tutta una settimana per protestare contro la guerra in Vietnam. "La trasformazione della loro luna di miele in performance, - osservano gli autori - ha cambiato la tradizione pacifista dei sit-in, un'ulteriore forma di condivisione di un momento privato e felice, trasformato in una campagna internazionale per la pace che includeva la diffusione del loro famoso slogan: War is over - if you want it". (Estratto da comunicato stampa)

---

Yoko Ono
"Wish Tree for Sicily" ("L'albero dei desideri per la Sicilia")

Taormina, 27 luglio - 30 settembre 2024

Progetto di arte interattivo e itinerante avviato da Yoko Ono diversi anni fa che questa estate approda in Sicilia, allestito a Isola Bella. Il progetto della celebre artista sceglie Taormina per lanciare a tutto il mondo messaggi universali di pace e solidarietà. Protagonisti i visitatori internazionali che, come in Giappone, esprimono i loro desideri su bigliettini di carta appesi agli alberi dell'isolotto.

Presentazione mostra

---

Martire a domicilio
di Beatrice Beneforti, ed. Castelvecchi, 2025, p. 128, euro 19,50.

Il libro è stato presentato il 20 febbraio 2025 alla Libreria Lo Spazio di Pistoia

"Sogno i morti di tutto il mondo" scriveva Carlo sui fogli che gli davano in ospedale. Ora è un anziano schizofrenico incapace di qualunque interazione. Lei, la protagonista senza nome, lo ha conosciuto nel duemilaventi. In mezzo alla strada che costeggia il vecchio manicomio di Pistoia, aveva trovato la sua cartella clinica, tutta piena di disegnini fatti con la biro. Alberto ha invertito il giorno con la notte, preferisce la luna. Ha un materasso singolo nella struttura di un letto matrimoniale. Pare non soffrire mai. Segue una terapia piuttosto forte. Come sarebbe senza? Violento? Lui che è così innocuo. Lui che, buono buono, segue le indicazioni del medico, al contrario di lei che cerca sempre di fare di testa sua, di negare ogni potere alla malattia.

La malattia mentale come inciampo ma anche come lente d'ingrandimento per cercare una forma di verità non melliflua come quelle persone educate che non sai mai se fanno qualcosa perché devono o perché vogliono. Una storia che si muove in una provincia di gesti semplici e rassicurazioni facili ma che sa essere crudele, che non perdona lo scarto e si accanisce con chi non sa ubbidire. Con chi si porta appresso ombre pesanti, con gli indecisi. Coi pazzi, soprattutto.

Beatrice Beneforti, fotografa e autrice. Ha lavorato come artista di Trash Art per l'azienda Hera Ambiente, in Officina Scart. Insieme ad altri coetanei ha creato il collettivo "BUG! Bollettino Urgenze" che si occupa di salute mentale. Da anni lavora sul tema della malattia mentale, intervistando ex pazienti manicomiali e raccogliendone le testimonianze: da qui nasce questo primo romanzo. (Comunicato stampa)

---

"0 1 2"
di Daniel Wisser

Il libro è stato presentato lo 05 febbraio 2025 al Forum Austriaco di Cultura a Roma www.austriacult.roma.it

Daniel Wisser, «una delle voci più interessanti della letteratura austriaca contemporanea» (Süddeutsche Zeitung), già insignito del Österreichischer Buchpreis nel 2018 per "Königin der Berge", presenta a Roma "0 1 2", il suo ultimo romanzo, uscito in lingua tedesca. L'incontro e le letture sono in lingua tedesca. In cooperazione con l'Österreich Institut Roma e l'Associazione Austriaci in Roma.

__ Sinossi

Morto da trent'anni, al programmatore Erik Montelius viene concessa una seconda vita: è il primo paziente al mondo a uscire dalla conservazione criogenica. Ora vede la propria esistenza non più divisa in vita e morte, ma in prima vita, seconda vita e morte. Ma anche nella seconda vita il mondo non è migliore: sua moglie ha sposato il socio in affari di Erik, che ha anche rubato le sue idee. Le persone indossano mascherine a coprire naso e bocca, scorrono i propri computer portatili e hanno rinunciato alla possibilità di una società giusta e rispettosa dell'ambiente. Erik non ha nulla, né soldi, né casa, né documenti. Ma ha un sospetto sulla persona da ringraziare per la sua prima morte. E ha un contratto per un libro e quindi l'opportunità di portare alla luce la verità... (Comunicato stampa)

---

Trentasei Minuti
di Sandro Cappelli, Nuove Esperienze, 2025

Il libro è stato presentato il 17 gennaio 2025 presso Lo Spazio (Pistoia)

È solo attraverso l'immaginazione più intima, quella che rievoca sensazioni e ricordi che si può pensare di unire il confine che delimita il sogno dalla realtà. Di questo fanno parte anche i dialoghi impossibili instaurati con chi non è più presente, o più semplicemente, si è allontanato da noi. Questo libro descrive, con malinconica ironia, la necessità di ogni uomo di calarsi in una dimensione diversa per ricreare il contatto diretto con qualcuno con cui si è venuto a creare un legame indissolubile. Un viaggio nei ricordi che testimonia come nel profondo dell'anima, presente e futuro, così come sacro e profano, possano fondersi fino a diventare irriconoscibili.

Oltre alla scrittura Sandro Cappelli (Pistoia, 1960) è impegnato in attività di volontariato in ENPA e come attore e adattatore di testi nella compagnia teatrale Teste fra le Nuvole, che opera per scopi benefici. Nel 2023 ha pubblicato il suo primo romanzo "È quasi ora di andare". (Comunicato stampa)

---

"Il carteggio con Heinz Riedt"
di Primo Levi, ed. Einaudi, 2024, p. 420, euro 23,00

Il libro è stato presentazione l'11 gennaio 2025 alla Libreria Lo Spazio (Pistoia)

Martina Mengoni presenterà "Il carteggio con Heinz Riedt" di Primo Levi, da lei curato per Einaudi. Dialogheranno con lei Massimo Bucciantini, Giovanni Capecchi e Donatella Giovannini, mentre Massimiliano Barbini inteverrà con letture dal carteggio.

Heinz Riedt era un tedesco molto diverso da quelli che Primo Levi conobbe ad Auschwitz: fu soldato nella Wehrmacht e poi partigiano nella Resistenza veneta; lavorò con Brecht e tradusse Goldoni, Calvino e Pinocchio; visse a Berlino Est e poi fuggí in Germania Ovest con la famiglia. E fu lui a tradurre in tedesco Se questo è un uomo e Storie naturali. Ai quesiti lessicali che Riedt gli pone, Levi risponde rievocando il gergo e le espressioni del Lager. La ricerca della parola piú adatta costringe Levi a rituffarsi nella sua drammatica esperienza per riportarla nella lingua in cui l'ha vissuta: il tedesco. Ma le loro lettere non riguardano solo il lavoro tecnico della traduzione: a poco a poco diventano un dialogo fra amici che si scambiano opinioni sulla letteratura, sulla politica, sul mondo editoriale, e sulle rispettive vite. Questo con Heinz Riedt è il primo carteggio di Levi pubblicato in volume.

«Non ho mai nutrito odio nei riguardi del popolo tedesco, e se lo avessi nutrito ne sarei guarito ora, dopo aver conosciuto Lei. Non comprendo, non sopporto che si giudichi un uomo non per quello che è, ma per il gruppo a cui gli accade di appartenere. So anzi, da quando ho imparato a conoscere Thomas Mann, da quando ho imparato un po' di tedesco (e l'ho imparato in Lager!), che in Germania c'è qualcosa che vale, che la Germania, oggi dormiente, è gravida, è un vivaio, è insieme un pericolo e una speranza per l'Europa». (Primo Levi a Heinz Riedt 13 maggio 1960)

«E al Suo libro, cosí necessario e giusto, posso solo augurare che venga letto con intelligenza in Germania, che "parli" non a pochi, ma a molti, moltissimi, che abbia la sua "reazione". E cosí sarà anche per me in un certo senso una risposta, una delle risposte che attendo dai tedeschi con chiarezza». (Heinz Riedt a Primo Levi 8 giugno 1960) (Comunicato stampa)

---

Articoli di Ninni Radicini sulla Germania contemporanea

---

Croce e il fascismo
di Mino Franzinelli, Laterza 2024

Il libro è stato presentato il 29 novembre 2024 alla Biblioteca della Fondazione Spadolini (Firenze)
www.fondazionerossisalvemini.eu

Per vent'anni Benedetto Croce fu l'unica voce libera del nostro Paese. L'unico intellettuale a cui il regime fascista, per il suo prestigio e il suo carisma, concedeva una certa libertà di espressione. Da solo, attraverso i suoi libri, la sua rivista e le sue relazioni, riuscì a tenere accesa la fiamma della speranza in tanti giovani. Un racconto che ripropone l'eterna battaglia tra libertà e asservimento della cultura. Benedetto Croce non è stato soltanto uno dei più grandi intellettuali italiani del Novecento ma ha svolto una funzione fondamentale durante il Ventennio fascista, impedendo al regime di ottenere una egemonia assoluta sulla cultura del nostro Paese.

Con un taglio originale, questo libro, oltre a seguire l'atteggiamento di Croce dinanzi al fascismo - accolto con simpatia, poi combattuto con tenacia e inventiva -, ricostruisce non soltanto la biografia del filosofo nel ventennio più tormentato del Novecento, ma ricollega lo studioso liberale ai protagonisti della cultura italiana ed europea, da Thomas Mann a Stefan Zweig.

Con una ricca documentazione inedita, Franzinelli illustra l'offensiva degli squadristi e la 'macchina del fango' scatenata contro il filosofo dissidente. Emerge il ruolo di Croce nella formazione di giovani che - da Giorgio Amendola a Vittorio Foa, da Leone Ginzburg a Piero Gobetti - lo presero quale riferimento in momenti decisivi della loro esistenza. Una particolare attenzione è dedicata alla battaglia di Croce contro il razzismo: era nota la sua contrarietà alla persecuzione degli ebrei, ma ora emergono la continuità e la profondità del suo impegno, che non trova pari in nessun altro intellettuale italiano. (Comunicato stampa Fondazione Ernesto Rossi e Gaetano Salvemini)

---

Articoli di Ninni Radicini

---

Le parole risuonavano con incoraggiante semplicità
di Roberto Vidali, postfazione: Gabriele Perretta, pagg 206, Juliet Editrice, settembre 2024, extra issue Juliet n 219 / ottobre, pubblicazione con apparati iconografici, progetto grafico di Piero Scheriani
www.juliet-artmagazine.com

Questo fascicolo firmato da Roberto Vidali è l'ennesima testimonianza della scrittura proteiforme che l'autore ha iniziato a praticare fin dal 1975, alla ricerca di una terra dove ancorarsi, il che non va letto come motivo di immaturità o di evoluzione, ma di ricerca e di attenzione alla diversità e all'esondazione immaginifica. Questo fascicolo si basa su collage di testi pubblicati nell'arco di tempo che va dal 1985 al 2023, tutti rielaborati e rivisitati, in modo da poter dare una veste organica e una cornice di riferimento ad argomenti e spunti che altrimenti sarebbero stati visti come dei frammenti privi di alcun fondamento di attualità. L'aspetto più curioso di questa pubblicazione è che raccoglie un insieme di cento testi dedicati ad altrettanti artisti e che all'epoca sono stati (in parte) pubblicati con i più diversi pseudonimi.

A ben vedere il risultato non è per nulla filologico, dal momento che asseconda quella modalità di approccio che vede la forza della parola in gara con la potenzialità espressiva di qualsiasi immagine e la sua perenne possibilità di essere rielaborata. La stessa scelta di ricomporre i singoli testi senza la separazione in capoversi e privandoli delle originarie note a piè di pagina rende la scrittura compressa e soffocata. Questa scelta non è stata dettata da un vuoto manierismo, quanto dalla semplice volontà di rappresentare la concatenazione delle frasi come una valanga irrefrenabile.

L'insieme di questa narrazione trae origine, in massima parte, da una selezione di articoli stampati, a partire dal 1985, sulle pagine della rivista "Juliet". Altri scritti, inseriti in questa silloge, sono stati divulgati sul sito juliet-artmagazine.com. Solo uno di questi è stato recuperato da un catalogo, un altro è stato pubblicato sul sito olimpiainscena.it e l'ultimo della sequenza, peraltro, è inedito. Infine, per continuare questo gioco di ombre, in questo cumulo di parole addensate ne sono state inserite alcune che non furono camuffate da uno pseudonimo, giusto per aprirsi all'idea che, forse, finanche la firma di Roberto Vidali, messa ad architrave di tutto questo progetto la si possa far apparire come un puro gioco della fantasia. A ben vedere la questione trova una porta aperta. Il resto, quello che rimane in disparte, è il silenzio.

Roberto Vidali (Capodistria, 1953), sotto il segno del Sagittario; dal 1955 risiede, più o meno, a Trieste. Dopo aver compiuto gli studi presso l'Accademia di BB.AA. di Napoli si è dedicato alla promozione dell'arte contemporanea. Dal 1975 al 1987 è stato direttore esecutivo per la sezione arti figurative del Centro La Cappella di Trieste, dove ha curato quarantaquattro mostre, tra le quali ricordiamo quelle di Riccardo Dalisi, Giuseppe Desiato, Stefano Di Stasio, Živko Marušic. Dal 1979 al 1985 ha collaborato alla pagina culturale del quotidiano "Il Piccolo" e dal 1980 è direttore editoriale della rivista Juliet.

Ha inoltre firmato svariate pubblicazioni; tra le altre: "L'uva di Giuseppe" (1986), "Uhei, uistitì" (1988), "Sul Filomarino slittando" (1990), "Bestio!" (1993), "Merlino, pinturas" (1993), "Massini, énkaustos" (1994), "Sofianopulo, quadros" (1994), "Oreste Zevola, rosso tango" (1994), "Mondino, tauromania" (1995), "Barzagli, impressos" (1995), "Libellule" (1995), "Perini, photos" (1996), "Notturno, setas" (1996), "Ascoltatemi!" (1997), "Kastelic, cadutas" (1997), "Damioli, Venezia New York" (1998), "Onde di formiche a far filari" (1998), "Carlo Fontana" (1999), "Topin meschin" (1999), "Giungla" (1999), "No, non è lei" (2003), "Mamma, vogghiu fa' l'artista" (2007), "Otto fratto tre" (2010).

A seguire "I pensieri di Giacomino Pixi", pubblicato nel 2012, "Tutto intorno a noi" del 2021 e "Tre bacche di rovo", datato 2022. Nel 2024 ha dedicato la cura di un catalogo al lavoro di Aldo Damioli. Dal 1991 è coordinatore per l'attività espositiva dell'Associazione Juliet nella cui sede ha presentato innumerevoli artisti; tra gli altri si segnalano: Piero Gilardi, Marco Mazzucconi, Maurizio Cattelan, Ernesto Jannini, Paola Pezzi, Luigi Ontani, Enrico T. De Paris, Alberto Garutti, Mark Kostabi, Massimo Giacon, Cuoghi Corsello, Aldo Mondino, Aldo Damioli, Botto & Bruno, Bonomo Faita. Nel 1994 ha partecipato alla realizzazione della pagina culturale del quotidiano "La Cronaca" e nel 1997 ha pubblicato alcune interviste sulla pagina culturale de "Il Meridiano". Dal 1998 al 2010 è stato direttore incaricato della PARCO Foundation di Casier. Dal novembre del 2000 e fino alla sua chiusura ha collaborato al mensile "Network Caffé", dal 2005 e fino al 2009 ha collaborato con il mensile "Zeno". (Comunicato di presentazione)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Copertina dell'extra issue firmato da Roberto Vidali, progetto grafico di Piero Scheriani, Juliet Editrice, ott 2024
2. Lubiana, Cukrarna, maggio 2023, Roberto Vidali in una foto di Elisabetta Bacci

___ Altre pubblicazioni Juliet editrice presentate nella newsletter Kritik

Aldo Damioli | "Venezia New York"
testo di Roberto Vidali, gennaio 2024
Presentazione

Gentilissima signora Aurelia
a cura di Lucia Budini e Giuliana Carbi Jesurun
Presentazione

Poligoni platonici
di Carlo Fontana, gennaio 2023
Presentazione

"Tre bacche di rovo"
di Roberto Vidali, dicembre 2022
Presentazione

---

Valeria D'Obici
Dizionario di un'attrice "sui generis"
di Francesco Foschini con Stefano Careddu, Falsopiano 2023

Il volume è stato presentato il 9 maggio 2024 a Nonostante Marras (Milano)
www.antoniomarras.com

A presentare il libro dialogano con Francesco Foschini, autore del volume, Rocco Moccagatta, docente IULM e critico, e la protagonista Valeria D'Obici.

Scheda libro: "Se quel giorno del 1966 fossi andata all'appuntamento con Lucio Battisti, che voleva formare un gruppo musicale tutto al femminile, alle ore 17.30 all'ex Trianon di Milano, forse avrei fatto la cantante e non l'attrice... ma questo non lo saprò mai, perché gli diedi buca". "A un certo punto della mia vita ho deciso di diventare attrice, non che prima di quel momento non ci avessi mai pensato: da bambina mi piaceva prendere parte alle recite scolastiche, poi scrivevo e interpretavo delle scenette umoristiche, inventavo spettacolini con le mie compagne di classe... Ma la cosa fondamentale era poter esprimere le emozioni che avevo dentro. Quindi, se avessi suonato bene uno strumento musicale, tipo il pianoforte, non so se avrei fatto l'attrice, perché mi sarei sfogata suonando".

Con una prefazione di Rocco Moccagatta. Francesco Foschini è critico cinematografico e programmatore. Ha preso parte a progetti redazionali promossi da Milano Film Network e da La Biennale di Venezia. Collabora, e ha collaborato, con "Alias/il manifesto", "duels.it", "Film Tv", "Taxidrivers", "Sentieri selvaggi", Festival MIX Milano. Stefano Careddu è videomaker, montatore e organizzatore di eventi. Collabora con alcune riviste online di informazione cinematografica e, dal 2017, dirige l'Alessandria Film Festival e altre rassegne cinematografiche nel Monferrato. (Comunicato stampa ufficio stampa Maria Bonmassar)

---

Aldo Damioli
"Venezia New York"

testo di Roberto Vidali, progetto grafico di Piero Scheriani, Juliet Editrice, gen 2024, 72 pp, 150 x 210 mm
www.juliet-artmagazine.com

Juliet Editrice ha concluso la realizzazione di una pubblicazione dedicata al lavoro di Aldo Damioli, l'autore conosciuto a livello internazionale per il ciclo pittorico "Venezia New York" e che a Trieste, ancora più di vent'anni fa, era stato proposto dallo Studio Arte 3, in primo luogo da Mariagrazia Avidano Bonzano e in seguito dal figlio Paolo Bonzano. Il testo che accompagna la pubblicazione è firmato da Roberto Vidali, direttore editoriale della rivista Juliet. Il progetto grafico è di Piero Scheriani.

Il testo di Roberto Vidali, intitolato "Paesaggi elettivi", è incentrato sul ruolo che questo autore ha avuto nella pittura del nuovo millennio e sui rapporti che il suo processo ha con la storia dell'arte. In particolare il testo si sofferma sulle possibili (e insolite) connessioni con la pittura di Botticelli, Canaletto e Guardi. Un lavoro di meticolosa esecuzione, giocato sul dettaglio e sulla forma, sulla prospettiva e sul capriccio, da intendersi come spunti capaci di fornire il pretesto all'invenzione e all'evasione. Il ciò vale a dire che queste opere non parlano di puro realismo, ma di fantasia, di invenzione, di pretesti per dimostrare come la pittura possa essere falsificazione, narrazione fantasiosa, montaggio di parti incongrue e che per essere moderna deve essere anche concettuale.

E la pittura di Damioli è concettuale proprio perché nel titolo evoca (o indica) qualcosa che non c'è o che non viene rappresentato: per esempio nelle sue tele la città di Venezia (pur indicata nel titolo) è solo evocata per confronto con la città di New York o con altra città (sia questa Parigi o Pechino) giusto per dare l'impressione che se di tanto si può parlare, tutto non può (o non deve) essere mostrato. Questa poetica pittorica va contro la durezza ideologica e materica propugnata da Joseph Beuys o in avversione a quei postulati delle neoavanguardie che hanno condotto alla disseminazione del linguaggio oltre che alla sottrazione della centralità dell'esperienza estetica. E questo perché se Damioli, riguardo alla sua pittura cerca un confronto o deve pensare a un autore dei nostri giorni non pensa a Cattelan, ma a Sean Landers, non pensa a Damien Hirst, ma a John Currin.

Damioli, che ha esordito ancora negli anni Novanta con la Galleria di Guido Carbone a Torino, ha poi intessuto per anni rapporti di collaborazione con la mitica Galleria del Milione di Milano e con Santo Ficara di Firenze, il tutto giocando di sponda e in rapporto di collaborazione con critici come Edoardo Di Mauro, Elena Pontiggia e Luca Beatrice. Ricordiamo, infine, che il lavoro di Aldo Damioli, incentrato sul ciclo "Venezia New York", fu presentato anche in una mostra che si tenne nel foyer del Teatro Verdi di Trieste, ancora nel 2012. (Comunicato di presentazione)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Aldo Damioli, Venezia New York, 2022, acrilico su tela cm. 80x100
2. Copertina della pubblicazione dedicata al lavoro di Aldo Damioli, Juliet Editrice, gen 2024
3. Aldo Damioli, Venezia New York, 2022, acrilico su tela cm. 60x60

---

Cannoli Siciliani
Mare, amore e altre cose buone
di Roberta Corradin, Giunti editore, p. 320, euro 18,00

Il libro è stato presentato il 10 novembre 2023 presso Lo Spazio Pistoia - Libreria Bacaro

Mare, sole, amore: la Sicilia d'estate ha molte promesse, ma non per Arianna, che lavora senza sosta alla redazione di due libri in due lingue diverse. Si consola con le tante delizie che l'isola offre anche agli stacanovisti come lei: granite, gelati, cannoli e menu di pesce. Nel frattempo, seduta a cena col laptop aperto, guarda distrattamente Nisso, diminutivo di Dionisso, chef belloccio e un po' arrogante che le ricorda un giovane Antonio Banderas e manda avanti due ristoranti. Lui ha vissuto sempre in Sicilia, lei è cittadina del mondo. Lui ha poco più di trent'anni, lei poco più di cinquanta. Nessuno dei due ha tempo e voglia di innamorarsi. Ognuno dei due ha un sogno. Diverso. Ma non così tanto.

Il destino se ne frega della iniziale riluttanza dei due e tesse trame al posto loro, finendo per intrecciarli stretti in una storia che, anno dopo anno, li porta a confrontarsi e a costruire insieme case, menu, ristoranti, progetti reali e immaginari. Respireranno modi di pensare, stili di vita, cibi e spezie prima sconosciuti. E realizzeranno tante cose buone, da mangiare e non solo, per chi siede ai tavoli del loro ristorante sulla piazzetta di una borgata di mare e per tutta la comunità locale, a partire dalle molte donne a cui Arianna mostrerà che nella vita si può sempre scegliere, e cambiare vita è sempre un'opzione valida. Sullo sfondo, la bellezza mozzafiato della Sicilia barocca, il mare splendente e le colline degli Iblei. Una storia d'amore scritta con uno stile ironico e sagace e con un finale a sorpresa che vi farà ridere, pensare, piangere e sognare. E chissà, anche cambiare.

Classe 1964, Roberta Corradin ha scritto Ho fatto un pan pepato... Ricette di cucina emotiva (Zelig 1995), Un attimo, sono nuda (Piemme 1999), Le cuoche che volevo diventare (Einaudi 2008), La repubblica del maiale (Chiarelettere 2013), Piovono mandorle (Piemme 2019). Traduce dal francese e dall'inglese le fortunate serie di Katherine Pancol e Richard Osman. Ha avuto il privilegio di vivere in luoghi affascinanti, tra cui Parigi, New York, Cambridge, la Sicilia sudorientale, dove ambienta i suoi libri. Su Instagram @rocorradin per conoscere i suoi nuovi progetti in Sicilia e per visitare e soggiornare con lei nelle location del libro. (Comunicato stampa)

---

Gaetano Rapisardi. Architetto 1893-1988
a cura di Clementina Barucci e Marco Falsetti, Campisano Editore, Roma 2022

* Il libro è stato presentato il 16 ottobre 2023 all'Accademia Nazionale di San Luca - Roma
www.accademiasanluca.it

Il volume si propone di far luce sull'opera del progettista siciliano ricostruendone un profilo quanto più possibile esaustivo, al fine di colmare una pagina rimasta troppo a lungo incompleta. Noto soprattutto per gli edifici della Sapienza - le Facoltà di Lettere e di Giurisprudenza - e per il grande complesso della piazza e della basilica del Don Bosco al Tuscolano degli anni Cinquanta, Gaetano Rapisardi è ricordato nella storiografia perlopiù come fidato collaboratore di Marcello Piacentini.

Tale inquadramento, a nostro avviso riduttivo, dimentica (e talvolta omette) la complessità dell'opera rapisardiana nonché l'interessante sfida tipologica che ha visto l'architetto confrontarsi con una eccezionale varietà di temi, specialmente nel periodo del dopoguerra quando Rapisardi, insieme al fratello Ernesto (spesso coautore delle opere), interrompe la collaborazione con il Maestro (mantenendo comunque rapporti molto cordiali). Si è cercato di restituire, attraverso questo studio, tutto il complesso del suo lavoro, che annovera oltre 150 opere conosciute ad oggi, alcune delle quali solo mediante riferimenti contenuti in carteggi o documenti d'archivio.

I progetti e le realizzazioni di Rapisardi interessano un arco temporale molto ampio, che va dall'inizio degli anni Venti fino ai primi anni Settanta, e che copre dunque oltre un cinquantennio di attività professionale. A fronte di una instancabile opera di disegno, di progettazione e di cantiere non si registra, sfortunatamente, un'altrettanta intensa produzione teorica (se si eccettua qualche relazione di progetto) alla qual cosa si deve l'equivoca interpretazione della sua opera.

Rapisardi fu infatti, per quanto ci è dato di sapere dalle rare testimonianze dirette raccolte, dedito soprattutto all'attività progettuale e di disegno, assorbito al punto dal non trovare il tempo di sistematizzare questa sua opera all'interno di un corpus teorico, il che non implica naturalmente che tali realizzazioni mancassero di "spessore critico", come è stato talvolta ingiustamente sotteso. Il volume è pubblicato con il supporto del Dipartimento di Storia disegno e restauro dell'architettura dell'Università di Roma "Sapienza". (Comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

---

L'autobiografia della nazione
di Piero Gobetti, a cura di Cesare Panizza, Aras Edizioni 2023

Il libro è stato presentato il 29 maggio 2023 alla Biblioteca della Fondazione Spadolini Nuova Antologia a Firenze
Introduce e presiede Cosimo Ceccuti; intervengono, con il curatore, Marino Biondi e Paolo Bagnoli
www.fondazionerossisalvemini.eu

Fra i più risoluti oppositori di Mussolini, Gobetti compendiò la sua lettura del fascismo nella famosa formula dell'"autobiografia della nazione". Nei suoi scritti, sullo sfondo di una riflessione storica e politica che sottolineava l'arretratezza culturale del paese e l'inadeguatezza delle sue classi dirigenti, il successo del fascismo era letto a riprova dell'immaturità politica degli italiani. Si trattava di una tendenza alla "servitù volontaria" sedimentatasi nelle fibre della nazione in assenza di quei processi di modernizzazione della società e della politica avviatisi in Occidente con la riforma protestante e la nascita del capitalismo. Paradossalmente, però, proprio per il suo carattere di "rivelazione", la lotta contro il fascismo poteva offrire l'occasione per una rigenerazione della nazione. La dittatura aperta che rappresentava l'aspirazione di Mussolini e del fascismo avrebbe infatti permesso la selezione di nuove élites politiche destinate a rigenerare il costume politico degli italiani in senso liberale e democratico. (Comunicato di presentazione Fondazione Ernesto Rossi e Gaetano Salvemini)

---

Gentilissima signora Aurelia
a cura di Lucia Budini e Giuliana Carbi Jesurun, ed. Juliet editrice

Il libro è stato presentato il 28 gennaio 2023 allo Studio Tommaseo di Trieste
www.triestecontemporanea.it

Trieste Contemporanea presenta la seconda pubblicazione della collana libraryline dedicata a Miela Reina (Trieste 1935 -Udine 1972). Il libro pubblica per la prima volta una selezione delle lettere che Miela Reina scrisse alla madre Aurelia Cesari Reina, in fittissima sequenza, negli anni di formazione all'Accademia di Venezia, quindi, dall'autunno del 1955 all'autunno del 1959, data della laurea.

L'interessantissimo epistolario vede la luce, grazie alla trascrizione e all'ordinamento dei manoscritti conservati nell'archivio privato delle famiglie Budini Reina. Sono carte molto speciali poiché contengono molti disegni e bozzetti che si è deciso di riprodurre nel testo delle lettere, aggiungendo una parte di immagini e fotografie provenienti dall'archivio familiare e di riferimenti (grazie alle immagini gentilmente concesse dall'Archivio fotografico ERPAC - Servizio catalogazione, promozione, valorizzazione e sviluppo del territorio, dalla Fondazione CRTrieste e dall'Archivio fotografico del Museo Revoltella - Galleria d'arte moderna di Trieste) ai dipinti citati nel testo, dei quali nel racconto epistolare alla mamma si seguono giorno per giorno le fasi di realizzazione.

Il libro è occasione per conoscere una inedita Miela Reina, giovanissima, versatile e gioiosa nell'apprendere a tutto campo, non solo la pittura al corso di Bruno Saetti (lo spaccato della vita degli studenti fuori sede del tempo è vivacissimo), ma anche dalle molte letture e frequentazioni della vita culturale veneziana (dal cinema al teatro ai concerti) e dai viaggi (in Francia a conoscere Chagall e in Spagna per lavorare alla tesi di laurea sulla pittura castigliana). Questa studentessa diventerà da lì a poco una dei più originali e attenti artisti italiani in dialogo avvincente e autorevole con le tendenze internazionali dell'arte degli anni Sessanta e Settanta - e proprio leggendo queste lettere e le modalità della sua partenza verso l'arte dei grandi c'è ancora il rimpianto che la sua breve vita non le abbia permesso di donarci più a lungo la sua immaginifica creatività: poiché fu "autrice di una vivacissima stupefatta visione del mondo, di una attonita e apocalittica kermesse non eroica" come ebbe a scrivere l'amico e grande estimatore Gillo Dorfles.

Gentilissima Signora Aurelia vuole contribuire a far meglio conoscere una delle figure artistiche più alte della nostra regione e a renderle omaggio. Alla presentazione di sabato, che verrà proposta anche in streaming, in dialogo con le curatrici saranno Paola Bonifacio, storica dell'arte autrice di Miela Reina, la prima monografia sull'artista edita da Mazzotta nel 1999, e (in videoconferenza) Marina Beer, scrittrice e saggista che hanno contribuito all'interpretazione della creatività e degli affetti di Miela Reina a Venezia con due testi pubblicati nel libro in forma di postfazione.

Gentilissima Signora Aurelia è il secondo volume di libraryline, una nuova collana editoriale della Biblioteca di Trieste Contemporanea che raccoglie testi inediti e prime traduzioni di artisti o di autori che hanno contribuito all'arte visiva contemporanea europea o alla sua comprensione. Con la collana, coordinata dalla direttrice della Biblioteca di Trieste Contemporanea Elettra Maria Spolverini (che introdurrà l'incontro di presentazione) e firmata dalla grafica triestina Giulia Lantier, si concretizza una idea di divulgazione della storia dell'arte contemporanea molto cara al comitato triestino, e anche si intercetta e continua un'altra delle missioni prioritarie di Trieste Contemporanea, prevalentemente conosciuta per lo sguardo che da più di un quarto di secolo rivolge alla produzione di arte visiva contemporanea dei paesi dell'Europa dell'Est.

Un mandato, per così dire di reciprocità rispetto all'importazione della conoscenza della cultura artistica ad Est di Trieste: offrire l'opportunità di approfondire all'esterno le espressioni internazionali della produzione di pensiero e di cultura del nostro territorio. Tra le attività svolte in questo segmento merita ricordare le pubblicazioni su e di Sergio Miniussi, la monografia di Marco Pozzetto sugli architetti Berlam, i film documentari su Leo Castelli e su Leonor Fini e si può già anticipare l'ultima iniziativa che verrà resa pubblica in febbraio: la partecipazione alla pubblicazione dell'inedita e importantissima Storia dell'arte in Europa del grande storico dell'arte triestino Decio Gioseffi. (Comunicato stampa)

---

Poligoni platonici
di Carlo Fontana, Juliet Editrice, gennaio 2023, testo critico di Gabriele Perretta, progetto grafico di Piero Scheriani, pagg 40 + cover con alette
www.juliet-artmagazine.com

* Presentazione e diffusione in anteprima in occasione della 46° edizione di Arte Fiera, a Bologna, nello stand Juliet, nelle giornate del 2, 3, 4, 5 febbraio 2023.

Poligoni platonici è la quinta pubblicazione che Juliet Editrice dedica al lavoro di Carlo Fontana, con immagini commentate e testo critico di Gabriele Perretta. Carlo Fontana (Napoli, 1951), vive a Casier (Treviso). Si è diplomato all'Accademia di BB.AA. di Napoli, nel corso di pittura con il maestro Domenico Spinosa. Dopo aver esordito con happening dalla fissità teatralizzata e con attività estetica nel territorio, in concomitanza alle teorie formulate negli anni Settanta da Enrico Crispolti, nel decennio successivo inizia un percorso pittorico che vede il colore e la ricerca della luce al centro della sua opera. Sue opere sono presenti, a Trieste, presso la sede della Soprintendenza, nel palazzo storico dell'ITIS e al Museo Diocesano (ex Seminario), a Bologna presso la Collezione Zavettini e nel circuito nazionale sloveno presso la Galerija Murska Sobota.

Tra i critici che si sono occupati del suo lavoro si ricordano: Francesca Agostinelli, Giulia Bortoluzzi, Boris Brollo, Antonio Cattaruzza, Enrico Crispolti, Edoardo Di Mauro, Pasquale Fameli, Robert Inhof, Emilia Marasco, Gabriele Perretta, Alice Rubbini, Maria Luisa Trevisan, Roberto Vidali.

La prima testimonianza, prodotta da Juliet Editrice, ancora nel lontano 1999, fu un libro d'artista di formato quadrato, con copertina rossa e con testo introduttivo firmato da Roberto Vidali. Lì si parlava della natura figurativa dell'opera di Carlo Fontana, dell'uso quasi matissiano del colore, della scomposizione dell'immagine che era in debito con la poetica cubista della prima ora, ma ci soffermava anche a dare una giustificazione storica di un lavoro che di primo acchito poteva sembrare povero d'intenti e di idee, mentre dietro c'era tutto un percorso storico, una linea continua che procedeva dalle prime esperienze operate nel sociale e sul territorio, assieme al gruppo degli Ambulanti, nel corso degli anni Settanta.

In questo caso, invece, il catalogo, a parte un excursus storico di immagini (tutte spiegate ed analizzate con testi lapidari) propone solo un insieme di opere che dobbiamo prosaicamente definire astratto-geometriche e che fanno parte della più recente produzione dell'autore. Gabriele Perretta, nel ricostruire il percorso di questo autore, parte dalla prima performance/azione conosciuta di Carlo Fontana: siamo nel 1974, "Fate l'amore non la guerra", dove solo la sottrazione di una virgola distingue questo titolo dallo slogan in voga negli anni Settanta e che si rifaceva alle guerre di liberazione del Terzo Mondo in secundis e alla guerra del Vietnam in primis, una guerra rovinosa che si concluderà appena l'anno successivo.

L'aggancio, sottolineato da Perretta, va poi, al 1975, con le prime azioni sul territorio di Napoli, progettate assieme al gruppo degli Ambulanti, dove le tessere di mosaico che l'autore distribuiva alle persone che lo avvicinavano, sono già anticipazione di quelle macchie di colore che oggi ritroviamo nei suoi quadri. Ora che la figura che Carlo Fontana interpreta (nelle sfilate del Quartiere Bagnoli di Napoli o di Piazza San Marco a Venezia) fosse quella dell'acquaiolo (di napoletana memoria) o fosse quella afro-napulitana di un povero portatore d'acqua, quello che conta è che il colore era testimonianza già presente e fondante fin da quei lontani anni Settanta, quando nell'arte internazionale il dominio maggiore era quello del bianco e nero (si pensi alle foto di Gilbert & George, di Bernd & Hilla Becher, di Urs Lüthi, di Joseph Beuys e così via).

In questo modo Gabriele Perretta ci fa toccare con mano le ragioni storiche del lavoro di Carlo Fontana, mentre allo stesso tempo sottolinea come il nome di Enrico Crispolti, a cornice di quella situazione culturale (si pensi alla X Quadriennale del 1975, alla Biennale di Venezia del 1976, alla Biennale di Gubbio, nel 1979) non sia stato dei più appropriati perché in realtà non ha saputo valorizzare il lavoro dei singoli autori, preferendo fotografare un fenomeno dalla portata collettiva, spesso però confondendone il valore dei singoli apporti individuali. (Estratto da comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Atelier di Carlo Fontana con opere in lavoro, ph courtesy Juliet
2. Carlo Fontana, Solidi a base rettangolare, 2020, olio su tela, cm 50x50, ph courtesy Juliet

---

"Tre bacche di rovo"
di Roberto Vidali, Juliet Editrice, dicembre 2022, pagg 92, extra issue Juliet n 210 / dicembre, pubblicazione con apparati iconografici, copertina di Antonio Sofianopulo, progetto grafico di Piero Scheriani

Questo fascicolo firmato da Roberto Vidali è l'ennesima testimonianza della "proteo-scrittura" che l'autore pratica fin dal 1980, alla ricerca di una terra dove ancorarsi, il che non va letto come motivo di immaturità o di evoluzione, ma di ricerca e di attenzione alla diversità. Questo testo mette insieme più modalità: una presunta tipologia da manuale di storia dell'arte (scorrevole e con analisi precise e puntuali dei fatti) con istanze da mente critica che conduce a paragoni tra situazioni simili e ad affioramenti nella contemporaneità, dove si trovano idee personalissime e riscontri soggettivi.

Gli intrecci e i rimandi sono molteplici ed è sì questa una pratica diffusa all'interno della critica contemporanea, ma forse non praticata con una modalità così variegata, nel senso che il magma che affiora da questa narrazione indica dei pensieri ossessivi, sebbene non sempre gli esempi offerti o i punti di meditazione siano messi sulla carta per dare la certezza della risposta. Uno dei temi ricorrenti dell'intero sviluppo narrativo, è quello della "classicità" ovvero di una possibile istanza classica presente nel mondo contemporaneo, un mondo che è stato costruito sui palazzi abbattuti dalle avanguardie storiche e di cui noi viviamo l'eredità. E quali sono le radici di queste avanguardie? Quali le radici della poetica di Duchamp e del successivo lavoro concettuale di Kosuth?

Ecco, l'autore ci dà quattro nomi: Seurat, van Gogh, Gauguin, Cézanne. E approfondisce la loro importanza con la lettura di una singola opera. L'aspetto insolito di questo testo sono le note, una specie di racconto parallelo e di lunghezza pari a un quinto dei tredici capitoli in cui è suddiviso il libro. Le note non sono stilate in maniera accademica (con gli op.cit. e gli ibidem e il rinvio alle pagine specifiche), perché bisogna domandarsi: quanti sono quelli che nel leggere un saggio sentono veramente il bisogno di andare a cercare il confronto col testo a cui rinvia la nota? Meglio, allora, una nota che aiuta ad approfondire o rinvia a un ulteriore collegamento invece di trovarsi alla sterile informazione di un titolo, di una pagina, di un anno di pubblicazione. Perciò, molte sono le domande che vengono poste e poche sono le risposte che vengono date, proprio per lasciare la possibilità a ogni lettore di cercare di proseguire con i propri piedi un percorso di approfondimento.

Tutto ciò può essere utile, senza pretendere che il metodo sia democratico o partecipativo, perché ogni testo è, innanzitutto, una testimonianza del proprio pensiero, e questo testo firmato da Roberto Vidali non è da meno. Questa pubblicazione, con solo sette immagini che ne illustrano il percorso narrativo, dedica la copertina al lavoro di Antonio Sofianopulo, come modello ed esempio di una pittura che si fa punto interrogativo della contemporaneità. "Tre bacche di rovo" verrà diffuso e distribuito al BAF (Bergamo, 13, 14, 15 gennaio 2023) e ad Arte Fiera (Bologna, 3, 4, 5 febbraio 2023)

Roberto Vidali (Capodistria, 1953) dal 1955 risiede, più o meno, a Trieste. Dopo aver compiuto gli studi presso l'Accademia di BB.AA. di Napoli si è dedicato alla promozione dell'arte contemporanea. Dal 1975 al 1987 è stato direttore esecutivo per la sezione arti figurative del Centro La Cappella di Trieste, dove ha curato quarantaquattro mostre, tra le quali ricordiamo quelle di Riccardo Dalisi, Giuseppe Desiato, Stefano Di Stasio, Živko Marušic. Dal 1979 al 1985 ha collaborato alla pagina culturale del quotidiano "Il Piccolo" e dal 1980 è direttore editoriale della rivista Juliet.

Ha inoltre firmato svariate pubblicazioni; tra le altre: "L'uva di Giuseppe" (1986), "Uhei, uistitì" (1988), "Sul Filomarino slittando" (1990), "Bestio!" (1993), "Merlino, pinturas" (1993), "Massini, énkaustos" (1994), "Sofianopulo, quadros" (1994), "Oreste Zevola, rosso tango" (1994), "Mondino, tauromania" (1995), "Barzagli, impressos" (1995), "Libellule" (1995), "Perini, photos" (1996), "Notturno, setas" (1996), "Ascoltatemi!" (1997), "Kastelic, cadutas" (1997), "Damioli, Venezia New York" (1998), "Onde di formiche a far filari" (1998), "Carlo Fontana" (1999), "Topin meschin" (1999), "Giungla" (1999), "No, non è lei" (2003), "Mamma, vogghiu fa' l'artista" (2007), "Otto fratto tre" (2010).

A seguire "I pensieri di Giacomino Pixi", pubblicato nel 2012. Dal 1991 è coordinatore per l'attività espositiva dell'Associazione Juliet nella cui sede ha presentato innumerevoli artisti; tra gli altri si segnalano: Piero Gilardi, Marco Mazzucconi, Maurizio Cattelan, Ernesto Jannini, Paola Pezzi, Luigi Ontani, Enrico T. De Paris, Alberto Garutti, Mark Kostabi, Massimo Giacon, Cuoghi Corsello, Aldo Mondino, Aldo Damioli, Botto & Bruno, Bonomo Faita. Nel 1994 ha partecipato alla realizzazione della pagina culturale del quotidiano "La Cronaca" e nel 1997 ha pubblicato alcune interviste sulla pagina culturale de "Il Meridiano". Dal 1998 al 2010 è stato direttore incaricato della PARCO Foundation di Casier. Dal novembre del 2000 e fino alla sua chiusura ha collaborato al mensile "Network Caffé", dal 2005 e fino al 2009 ha collaborato con il mensile "Zeno". (Comunicato stampa)

Immagini (da sinistra a destra):
1. Antonio Sofianopulo, Guardando a Est e Ovest, 2002, olio su tela cm 40x60, Ph courtesy Victor Saavedra, Barcelona 2. Copertina di "Tre bacche di rovo"
3. Roberto Vidali, davanti a una tela di Živko Marušic, in una foto di Eugenio Vanfiori

---

Dopo Terra Matta
Incontro con Giovanni Rabito

Il romanzo della vita passata
di Vincenzo Rabito, testo rivisto e adattato da Giovanni Rabito, ed. Einaudi

Presentazione libro il 29 settembre 2022 alla Sala Giuseppe Di Martino a Catania

A cura dei Centri Culturali Gruppo Iarba, Fabbricateatro e Le stelle in tasca, si svolgerà un incontro con Giovanni Rabito, figlio di Vincenzo, autore di Terra Matta. Nell'occasione, sarà presentato Il romanzo della vita passata, secondo dattiloscritto autobiografico di Vincenzo Rabito, una nuova riscrittura della sua vita a tutt'oggi interamente inedita e successiva alla prima stesura pubblicata sempre da Einaudi nel 2007. Discuteranno, insieme al curatore di Il romanzo della vita passata, delle peculiarità che attribuiscono un'importanza particolare alla seconda stesura autobiografica, Nino Romeo, Daniele Scalia e Orazio Maria Valastro. Graziana Maniscalco leggerà una selezione di brani dell'opera.

Scrive Giovanni Rabito nella prefazione: «Come ben sanno i lettori di Terra matta, mio padre non è mai andato a scuola. Ha imparato a leggere e a scrivere da solo, come da solo ha imparato il mestiere di vivere e l'arte di lavorare duro per vivere meglio. Allo stesso modo, da solo, ha imparato a usare la macchina da scrivere, uno strumento tecnologicamente avanzato almeno per i suoi tempi, e infine a diventare scrittore: scrittore della sua vita, del suo paese natale, della sua gente e forse addirittura del suo secolo».

Vincenzo Rabito (Chiaramonte Gulfi, 1899-1981), «Ragazzo del '99», è stato bracciante da bambino, è partito diciottenne per il Piave, ha fatto la guerra d'Africa e la Seconda guerra mondiale. È stato minatore in Germania, poi è tornato in Sicilia, dove si è sposato e ha allevato tre figli. Il suo Terra Matta ha vinto il «Premio Pieve» nel 2000, ed è conservato presso la Fondazione Archivio Diaristico Nazionale di Pieve Santo Stefano.

Giovanni Rabito, figlio di Vincenzo, nasce nel 1949 a Chiaramonte Gulfi in Sicilia, e risiede attualmente a Sydney in Australia. Nel 1967 inizia i suoi studi universitari di Giurisprudenza a Messina, trasferendosi in seguito a Bologna nel 1968. In quegli anni prende parte al movimento letterario italiano della Neoavanguardia, il Gruppo 63 costituitosi a Palermo nel 1963. Scrive poesie pubblicate in riviste letterarie come Tèchne, fondata nel 1969 da Eugenio Miccini come laboratorio dello sperimentalismo verbo-visivo legato all'esperienza del Gruppo 70, e Marcatré, rivista di arte contemporanea, letteratura, architettura e musica, fondata e diretta da Eugenio Battisti nel 1963. Condivide con il padre la passione per la scrittura. Grazie a Giovanni Rabito, il dattiloscritto del padre intitolato Fontanazza, la storia di vita di un uomo che ha attraversato il novecento italiano, è presentato nel 1999 all'Archivio Diaristico Nazionale di Pieve Santo Stefano. Fontanazza è stato premiato nel 2000, e pubblicato con il titolo Terra Matta nel 2007. (Comunicato stampa)

---

Uno Stato senza nazione
L'elaborazione del passato nella Germania comunista (1945-1953)
di Edoardo Lombardi, ed. Unicopli, 2022, p. 138, euro 18.00

Il libro è stato presentato il 29 settembre 2022 presso Lo Spazio (Pistoia)
www.lospaziopistoia.it

Lo Spazio Pistoia, in collaborazione con l'Istituto Storico della Resistenza e dell'Età Contemporanea di Pistoia presenta il saggio. Ne discuterà con l'autore Stefano Bottoni (Università di Studi di Firenze). Provata dall'esperienza del secondo conflitto mondiale e con un passato difficile da elaborare, la Germania entrava nel 1945 in uno dei periodi più complessi della sua storia, divisa e occupata dalle potenze alleate vincitrici. In questo nuovo contesto, i comunisti tedesco-orientali riconobbero immediatamente nella storia uno strumento per legittimare il proprio ruolo di guida delle masse. Una consapevolezza che, con la nascita della Repubblica Democratica Tedesca nel 1949, portò la SED (ovvero il Partito socialista unificato di Germania, che per quarant'anni fu la compagine politica dominante nella Germania Est) a trasformare la storia in uno strumento istituzionale.

Essa divenne infatti la base fondante per legittimare l'esistenza del «primo Stato socialista sul suolo tedesco», riplasmando e in certi casi reinventando il passato. Erano i primi passi di uno Stato senza Nazione, il cui tentativo di appropriazione della storia andò realizzandosi in modo molto graduale e non senza difficoltà, come questo libro racconta, seguendone dettagliatamente gli sviluppi.

Edoardo Lombardi è dottore magistrale in Scienze storiche presso l'Università degli Studi di Firenze. Dal 2018 collabora con l'Istituto storico della Resistenza e dell'Età contemporanea di Pistoia (Isrpt), per il quale svolge attività di ricerca e di didattica sul territorio. Nel 2020 entra a far parte della redazione del periodico dell'istituto, «Farestoria. Società e storia pubblica». I suoi interessi di studio riguardano soprattutto la storia culturale della Germania e dell'Italia in Età contemporanea, con particolare attenzione alle politiche culturali della Repubblica democratica tedesca. (Comunicato stampa)

---

Matthias Schaller - Horst Bredekamp
Ad omnia: Sull'opera del veronauta Matthias Schaller
ed. Petrus Books, 862 fotografie, 156 pagine, hardcover, 32.5x21.5 cm, 2022, edizione tedesca-italiana

Anche se non appaiono quasi mai gli esseri umani sono onnipresenti nelle fotografie di Matthias Schaller (Dillingen an der Donau, 1965). Con grande precisione e sensibilità, l'artista ha creato in oltre vent'anni di attività, un universo fotografico senza precedenti: ritratti "ambientali", ensemble di oggetti e spazi che raccontano le persone. Che si tratti di studi d'artista, di interni domestici, di teatri, di tavolozze e strumenti o di abiti, le sue serie fotografiche trasmettono l'idea che i segni che lasciamo sulla realtà dicano tanto su una persona quanto la sua presenza fisica.

Accanto alle attuali mostre Porträt al Kunstpalast di Düsseldorf e Antonio Canova a cura di Xavier F. Salomon ai Musei Civici di Bassano del Grappa, Matthias Schaller ha presentato il libro edito da Petrus Books, casa editrice di Schaller, con un saggio di Horst Bredekamp (Kiel, 1947), Professore di Storia dell'arte alla Humboldt-Universität di Berlino. Un libro che attraverso 862 fotografie racconta gli ultimi vent'anni della sua attività di fotografo ed editore, e che idealmente si ricollega alla pubblicazione del 2015 (Steidl Publisher) con un testo/intervista di Germano Celant dal titolo Matthias Schaller, in cui venivano raccontati i suoi primi dieci anni di attività dal 2000 al 2010. Tra gli autori che hanno collaborato collaborato per le pubblicazioni di Matthias Schaller sono Julian Barnes (London), Andreas Beyer (Basel), Gottfried Boehm (Basel), Germano Celant (Milano), Mario Codognato (Venezia), Xavier F. Salomon (New York City), Thomas Weski (Berlin).

Matthias Schaller ha studiato antropologia visiva presso le Università di Hamburg, Göttingen e Siena. Si laurea con una tesi sul lavoro di Giorgio Sommer (Frankfurt, 1834 - 1914 Napoli), uno dei fotografi di maggior successo dell'Ottocento. Il lavoro di Schaller è stato esposto, tra gli altri, al Museo d'Arte Moderna di Rio de Janeiro, al Wallraf-Richartz Museum di Köln, al Museum Serralves di Porto e al SITE di Santa Fe. Nel 2022 oltre alle mostre inaugurate Porträt e Antonio Canova, sono di prossima apertura Das Meisterstück presso Le Gallerie d'Italia a Milano (30 giugno), Matthias Schaller alla Kunstverein Schwäbisch Hall (28 ottobre). (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

---

Communism(s): A Cold War Album
di Arthur Grace, introduzione di Richard Hornik, 192 pagine, 121 immagini b&n, cartonato in tela, aprile 2022
www.damianieditore.com

Grazie ad un raro e prezioso visto da giornalista, il fotografo americano Arthur Grace ha potuto valicare ripetutamente la Cortina di Ferro durante gli anni '70 e '80 e documentare un mondo che a lungo è stato celato all'occidente. Communism(s): A Cold War Album è una raccolta di oltre 120 fotografie in bianco e nero realizzate da Grace in quel periodo e per la maggior parte fino ad oggi inedite. Questi scatti, realizzati in Unione Sovietica, Polonia, Romania, Jugoslavia e Repubblica Democratica Tedesca, restituiscono il costante e a tratti crudele rapporto tra la claustrofobica irregimentazione di stato e la (soffocata) voglia di contatti con il mondo esterno della popolazione.

Nelle fotografie di Grace emerge forte il contrasto tra la propaganda di regime fatta di simboli e architetture che rimandano ad un'idea di grandezza ed efficienza e le difficoltà della vita quotidiana fatta di lunghe file per l'approvvigionamento del cibo. Il libro è arricchito da un'introduzione scritta da Richard Hornik, ex capo dell'ufficio di Varsavia della rivista Time.

Arthur Grace ha realizzato servizi fotografici in tutto il mondo per i magazine Time e Newsweek. Suoi lavori sono apparsi anche in molte altre riviste, tra cui Life, The New York Times Magazine, Paris Match e Stern. Prima di Communism(s): A Cold War Album, Grace ha pubblicato altri cinque libri fotografici; ha esposto in numerosi musei e gallerie negli Stati Uniti e all'estero; sue opere fotografiche sono incluse nelle collezioni permanenti di importanti istituti tra cui il J. Paul Getty Museum, la National Portrait Gallery e lo Smithsonian. (Comunicato ufficio stampa Damiani Editore)

---

Guttuso e il realismo in Italia, 1944-1954
di Chiara Perin, Silvana Editoriale, Collana Studi della Bibliotheca Hertziana, 2020

Il libro è stato presentato il 13 aprile 2022 alla Accademia Nazionale di San Luca (Roma)

Alla caduta del fascismo anche gli artisti dovettero affrontare nuovi e dilemmi. Quale linguaggio per manifestare il proprio impegno civile? Come interpretare la lezione dei maestri italiani, di Picasso e delle avanguardie? Avventurarsi nel terreno dell'astrazione o ripiegare sulle forme rassicuranti del realismo? Il volume indaga questi e analoghi interrogativi alla luce delle esperienze figurative maturate in Italia tra 1944 e 1954.

L'ambiente romano trova particolare risalto: lì, infatti, si concentravano i dibattiti più vitali grazie alla presenza del capofila realista, Renato Guttuso. Limitando la ridondanza delle coeve pagine critiche a vantaggio dell'analisi di opere e contesto, acquistano evidenza gli aspetti meno noti del movimento: i modelli visivi, i generi ricorrenti, le controversie tra i tanti esponenti. In appendice, una fitta cronologia consente al lettore di seguire da vicino eventi e polemiche del decennio. (Estratto da comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

---

Eolie enoiche
Racconti di vini, di sole, di vignaioli sensibili alla terra
ed. DeriveApprodi, 2022, p. 192, euro 16,00

Il libro è stato presentato il 26 febbraio 2022 alla libreria Lo Spazio (Pistoia)

Isole Eolie, un arcipelago da sogno. Nino Caravaglio, 57 anni, vignaiolo di Salina, sincero, appassionato, testardo, sensibile. Protagonista della viticultura eoliana, da oltre trent'anni lavora al recupero di vigne e vitigni, contribuendo a ridare forma a un paesaggio agricolo fatto di vecchie tecniche e nuove pratiche, relazioni umane solidali e sensibilità ambientale. Nino è un vignaiolo tout-court, di quelli che non si siedono mai e il loro vino deve sempre mirare all'eccellenza senza mai essere modaiolo perché rispecchia l'unicità di queste terre.

Dodici ettari di vigna divisi in quasi 40 appezzamenti: 40 campi da seguire, 40 potature, 40 vendemmie seguendo le stagioni (si parte in agosto dal mare e si sale poi sugli altipiani). Corinto nero e Malvasia i vitigni principali, da soli o mescolati con cataratto, nerello mescalese, calabrese, perricone. Alcuni dei nomi che Nino ha dato alle varie vinificazioni sono da soli poesia: Occhio di terra, Nero du munti, Infatata, Scampato, Inzemi, Abissale, Chiano cruci...

Le vigne di mare delle Eolie - quelle di Caravaglio e di altri coraggiosi precursori, le cui storie si intrecciano nel libro di Simonetta Lorigliola - hanno le radici nei crateri dei vulcani o negli appezzamenti a strapiombo sul mare, ma i loro occhi sono puntati sulla terra. Perché nelle storie di chi torna ad abitare con vitalità aree impervie dell'Italia e del pianeta stanno le premesse non solo di nuove agricolture, ma anche di nuove ecologie e forme di vita.

Libro presentato da Simonetta Lorigliola e Nino Caravaglio. Modera l'incontro Cesare Sartori. A seguire degustazione dei vini Infatata e Occhio di Terra (Malvasia), Nero du Munti (Corinto Nero).

Simonetta Lorigliola, giornalista e autrice, si occupa di cultura materiale. È nata e cresciuta in Friuli. Ha frequentato l'Università degli studi di Trieste, laureandosi in Filosofia. È stata Responsabile Comunicazione di Altromercato, la principale organizzazione di Commercio equo e solidale in Italia. Ha collaborato con Luigi Veronelli, nella sua rivista "EV Vini, cibi, intelligenze" e nel progetto di contadinità planetaria t/Terra e libertà/critical wine. Ha vissuto in Messico, ad Acapulco, insegnando Lingua e cultura italiana.

Ha diretto "Konrad. Mensile di informazione critica del Friuli Venezia Giulia". Da molti anni collabora con il Seminario Veronelli per il quale è oggi Caporedattrice e Responsabile delle Attività culturali. Con DeriveApprodi ha pubblicato "È un vino paesaggio.Teorie e pratiche di un vignaiolo planetario in Friuli" (2018) ed "Eolie enoiche. Racconti di vini, di sole, di vignaioli sensibili alla terra" (2020). Scrive di vino come intercessore culturale di storie, utopie e progetti sensibili. (Estratto da comunicato stampa)

---

The Rough Guide - Sicilia
Guida turistica di Robert Andrews, Jules Brown, Kate Hughes
Recensione

---

1989 Muro di Berlino, Europa
www.iger.org

Quaderno della Fondazione Gramsci Emilia-Romagna, a cura di Roberto Ventresca e Teresa Malice, pubblicato per Luca Sossella Editore. Un racconto corale che raccoglie i contributi, gli spunti, le riflessioni delle voci di tutti coloro che hanno reso possibile la realizzazione del progetto internazionale Breaching the Walls. We do need education! Un progetto internazionale dedicato alla rielaborazione critica, attraverso un coinvolgimento plurale di istituzioni e cittadini, della storia e della memoria della caduta del Muro di Berlino e degli eventi da questa scatenati.

Risultato tra i progetti vincitori, nel programma Europa per i cittadini 2014-2020, del bando Memoria europea 2019, è stato promosso dalla Fondazione Gramsci Emilia-Romagna, in qualità di capofila, unitamente a 5 partner europei: l'Università di Bielefeld, l'Institute of Contemporary History di Praga, il Comune di Tirana, l'Associazione Past/Not Past di Parigi e l'History Meeting House di Varsavia. (Comunicato stampa)

---

Dario Argento
Due o tre cose che sappiamo di lui

a cura di Steve Della Casa, ed. Electa e Cinecittà, pagg. 160, cm 24x30, ita/ing, 80 illustrazioni a colori, 28 euro
In libreria dal 12 ottobre 2021

Regista, sceneggiatore e produttore cinematografico capace di dedicarsi a generi come il giallo, il thriller e l'horror creando un proprio universo visivo ed espressivo, Dario Argento si configura tra i registi italiani più noti al mondo. Il volume monografico a lui dedicato è pubblicato da Electa e Cinecittà, in occasione della rassegna cinematografica organizzata da Cinecittà in collaborazione con il Lincoln Center che verrà inaugurata il prossimo anno a New York e durante la quale saranno proposti 17 film originali integralmente restaurati.

Curato da Steve Della Casa, noto critico cinematografico, il volume vuole rendere omaggio ai tratti distintivi del cinema di Dario Argento attraverso una raccolta di interventi di autori di rilievo internazionale -da Franco e Verdiano Bixio a John Carpenter, da Steve Della Casa a Jean-François Rauger, a George A. Romero e Banana Yoshimoto-. Il risultato è una polifonia di voci dal carattere eterogeneo, tra cui due interviste inedite e conversazioni con il regista, che offrono al lettore la possibilità di confrontarsi con le testimonianze di chi ha vissuto il "fenomeno Dario Argento" in prima persona e di coglierne gli elementi più originali che hanno rivoluzionato il panorama cinematografico mondiale.

Argento si colloca infatti fra le figure più interessanti del cinema contemporaneo, su scala internazionale. Ne sono testimonianza la capacità di sviluppare una sintesi personalissima dell'estetica e delle novità emergenti durante gli anni Sessanta, che vedono un progressivo ridursi della centralità del grande schermo a vantaggio di nuove soluzioni tecnologiche. Nelle sue pellicole emerge un uso sorprendente della cinepresa a mano mescolato con virtuosismi da cinema tradizionale, così come un'attenzione quasi maniacale per la colonna sonora, vera protagonista dei suoi film che spesso raggiunge livelli di notorietà altissimi.

Rintracciamo nel suo modo di girare un linguaggio che si evolve in continuazione, fino a contaminarsi esplicitamente con quello delle clip musicali e scelte di produzione di avanguardia, come lavorare sempre con un casting di artisti internazionali, peculiarità che ricorre raramente nel panorama del cinema italiano. Tema centrale è poi il trionfo della visionarietà a scapito della sceneggiatura, tratto che contraddistingue la libertà creativa del cinema di Dario Argento, capace di generare nel pubblico un'attenzione quasi ipnotica ed un forte impatto visivo. Il volume si conclude con una filmografia completa e l'elenco delle sceneggiature scritte per altri film, insieme ad un ricco apparato fotografico del dietro le quinte delle produzioni più memorabili, tra cui Suspiria (1977), Il gatto a nove code (1971), Profondo rosso (1975), Phenomena (1985). (Comunicato ufficio stampa Electa)

---

David Hemmings nel film Profondo Rosso diretto da Dario Argento

---

Un calcio alla guerra, Milan-Juve del '44 e altre storie
di Davide Grassi e Mauro Raimondi

Il libro è stato presentato il 9 ottobre 2021 presso l'Associazione Culturale Renzo Cortina a Milano

A settantasei anni dalla fine della Seconda Guerra Mondiale, Davide Grassi e Mauro Raimondi, da sempre interessati agli intrecci tra storia e sport, hanno unito le loro passioni per creare un libro di impegno civile. "Un calcio alla guerra" narra di storie individuali e collettive che esaltano il coraggio e l'abnegazione dei molti sportivi coinvolti nell'assurdità della guerra. Vicende di persone che sono passate dal campo di calcio alla lotta per la Liberazione, in qualche caso pagando con la vita.

Storie vissute in bilico tra pallone e Resistenza al nazifascismo come quelle di Bruno Neri, Giacomo Losi, Raf Vallone, Carlo Castellani, Michele Moretti, Antonio Bacchetti, Dino Ballacci, Cestmir Vycpalek, "Cartavelina" Sindelar, Erno Erbstein, Arpad Weisz, Géza Kertész, Gino Callegari, Vittorio Staccione, Edoardo Mandich, Guido Tieghi, e Alceo Lipizer, solo per citare i più celebri. Le incredibili partite giocate tra partigiani e nazisti, come quella che si disputò a Sarnano nel maceratese nel 1944, o quelle fra reclusi nei lager e i loro aguzzini, vere e proprie partite della morte, a cui si ispirò il film di John Houston, "Fuga per la vittoria", passando per un episodio che pochi conoscono: il rastrellamento avvenuto dopo la partita fra Milan e Juventus del 2 luglio 1944, correlata da una accurata ricerca d'archivio.

Senza trascurare i protagonisti di altri sport. Tra i tanti Alfredo Martini, partigiano che diventò commissario tecnico della Nazionale italiana di ciclismo, il pallanuotista e rugbista, Ivo Bitetti, fra coloro che catturarono Benito Mussolini in fuga, il ciclista tedesco Albert Richter, che aiutò gli ebrei a scappare e venne impiccato, i tanti pugili costretti a combattere per la vita sul ring di Auschwitz per il divertimento dei loro kapò o che si ribellarono lottando alla guerra nazifascista, come Leone Jacovacci, Lazzaro Anticoli, Pacifico di Consiglio e Settimio Terracina.

Interverranno gli autori e Marco Steiner, figlio di Mino Steiner, il nipote di Giacomo Matteotti protagonista di uno dei racconti del libro, che per la sua attività nella Resistenza venne deportato e assassinato in campo di concentramento. Questo libro è dedicato a tutte le persone che hanno sognato un pallone, dei guantoni, una sciabola, un paio di sci, un'auto da corsa, una piscina o una pista d'atletica insieme alla libertà. Con l'obiettivo di ricordare, per dare un calcio alla guerra.

Davide Grassi, giornalista pubblicista, ha collaborato con diversi quotidiani nazionali, tra cui il Corriere della Sera, e con magazine di calcio e radio. Ha scritto e curato diversi libri soprattutto di letteratura sportiva, ma anche di storia della Seconda guerra mondiale e musica. Con il suo primo libro nel 2002 ha vinto il premio "Giornalista pubblicista dell'anno" e nel 2003 è stato premiato come "L'addetto stampa dell'anno". Il suo sito è www.davideg.it

Mauro Raimondi, per molti anni insegnante di Storia di Milano, sulla sua città ha pubblicato Il cinema racconta Milano (Edizioni Unicopli, 2018), Milano Films (Frilli, 2009), Dal tetto del Duomo (Touring Club, 2007), CentoMilano (Frilli, 2006). Nel 2010 ha inoltre curato la biografia del poeta Franco Loi in Da bambino il cielo (Garzanti). Nella letteratura sportiva ha esordito nel 2003 con Invasione di campo. Una vita in rossonero (Limina).

Davide Grassi e Mauro Raimondi insieme hanno pubblicato Milano è rossonera. Passeggiata tra i luoghi che hanno fatto la storia del Milan (Bradipolibri, 2012) e Milan 1899. Una storia da ricordare (El nost Milan, 2017). Insieme ad Alberto Figliolia, hanno pubblicato Centonovantesimi. Le 100 partite indimenticabili del calcio italiano (Sep, 2005), Eravamo in centomila (Frilli, 2008), Portieri d'Italia (A.car Edizioni, 2013, con 13 tavole di Giovanni Cerri) e Il derby della Madonnina (Book Time, 2014). Nel 2019 hanno partecipato alla raccolta di racconti Milanesi per sempre (Edizioni della Sera). (Comunicato stampa)

---

Sparta e Atene. Autoritarismo e Democrazia
di Eva Cantarella

Un bel libro, di facile lettura e di carattere divulgativo, destinato non sono a specialisti e addetti i lavori, bensì a tutti coloro che siano anche dei semplici appassionati della grande Storia della Grecia Classica. Pur se dedicato a un argomento ampiamente trattato da autorevoli studiosi, il testo offre l'occasione di approfondire tematiche non troppo note inerenti Sparta e Atene, le due città simbolo di uno dei periodi storici che più accendono la fantasia di una moltitudine di lettori. (Estratto da recensione di Rudy Caparrini)

Recensione nel Blog di Rudy Caparrini

---

"Un regalo dal XX Secolo"
Piccole raccolte di cultura - Binomio di musica e poesia - Dal Futurismo al Decadentismo di Gabriele D'Annunzio
www.allegraravizza.com

La Galleria Allegra Ravizza propone una selezione di Edizioni Sincrone nell'ampio progetto Archivi Telematici del XX Secolo. Con i loro preziosi contenuti, ogni Edizione tratta e approfondisce un preciso argomento del secolo scorso. Dal Futurismo al Decadentismo. Le piccole raccolte, frutto di studio approfondito, hanno l'ambizioso scopo di far riscoprire le sensazioni dimenticate o incomprese del nostro bagaglio culturale e la gioia che ne deriva.

Le Edizioni Sincrone qui presentate, si incentrano su due temi principali: la Musica Futurista e i capolavori letterari del poeta Gabriele D'Annunzio. Dalla raccolta dannunziana "Canto Novo" alla tragedia teatrale "Sogno di un tramonto d'autunno", dal Manifesto futurista di Francesco Balilla Pratella a "L'Arte dei Rumori" di Luigi Russolo, ogni Edizione contiene una vera e propria collezione di musiche, accompagnate da un libro prezioso, una raccolta di poesie o una fotografia: un Racconto dell'Arte per la comprensione dell'argomento.

Canto Novo
di Gabriele D'Annunzio
A diciannove anni, nel 1882, Gabriele D'Annunzio pubblica la raccolta di poesie "Canto Novo", dedicata all'amante Elda Zucconi. I sentimenti, la passione, l'abbattimento e il sensualismo che trapelano dalle parole del poeta divengono note e melodie grazie al talento musicale di grandi compositori del Novecento tra cui Franco Casavola, Francesco Paolo Tosti e Ottorino Respighi. L'Edizione Sincrona contiene il volume "Canto Novo" insieme alle musiche dei grandi compositori che a questo si ispirarono. (Euro 150,00 + Iva)

Poema Paradisiaco
di Gabriele D'Annunzio

"La sera", tratta da "Poema Paradisiaco" (1893) di Gabriele D'Annunzio, fu sicuramente una delle poesie maggiormente musicate dai compositori del Novecento. Nella Edizione Sincrona sono contenute le liriche di compositori come Franco Casavola, Francesco Paolo Tosti, Ottorino Respighi e Pier Adolfo Tirindelli, che si ispirarono ai versi del Vate creando varie interpretazioni melodiche e attuando diverse scelte musicali, insieme al volume "Poema Paradisiaco" di D'Annunzio. (Euro 150,00 + Iva)

Sogno di un tramonto d'autunno
di Gabriele D'Annunzio

Concepito nel 1897, "Sogno di un Tramonto d'Autunno" è composto dal Vate per il suo grande amore: Eleonora Duse, che interpretò infatti il ruolo della protagonista durante la prima rappresentazione del 1899. All'interno dell'Edizione Sincrona è presente il volume "Sogno di un tramonto d'autunno" del 1899 accompagnato dalla musica del noto compositore Gian Francesco Malipiero composta nel 1913, le cui note sono racchiuse in un audio oggi quasi introvabile. Oltre a questo prezioso materiale, l'Edizione racchiude ad una fotografia della bellissima Eleonora Duse e due versioni del film omonimo "Sogno di un Tramonto d'Autunno" diretto da Luigi Maggi nel 1911. (Euro 200,00 + Iva)

Raccolta di 100 liriche su testi
di Gabriele D'Annunzio

La sensibilità, lo spirito e la forte emotività presente nei versi di Gabriele D'Annunzio non poterono che richiamare l'attenzione di grandi artisti e compositori del Novecento come Franco Casavola, Francesco Paolo Tosti, Ildebrando Pizzetti e Domenico Alaleona che, affascinati dalle parole del Vate, tradussero in musica le sue poesie. L'Edizione Sincrona contiene 100 liriche musicate dai grandi compositori insieme ai rispettivi testi e volumi di Gabriele D'Annunzio da cui sono tratte: "Canto Novo", "Poema Paradisiaco", "Elettra" e "Alcione" (rispettivamente Libro II e III delle "Laudi"), "La Chimera e l'Isotteo" e infine la copia anastatica di "In memoriam". (Euro 500,00 + Iva)

La Musica Futurista

La Musica futurista, grazie a compositori come Francesco Balilla Pratella, Luigi Russolo, Franco Casavola e Silvio Mix, stravolse completamente il concetto di rumore e suono, rinnegando con forza la tradizione musicale Ottocentesca. Le musiche futuriste presenti all'interno di questa Edizione Sincrona svelano nuove note, nuovi timbri, nuovi rumori mai sentiti prima, dimostrando come le ricerche e le invenzioni futuriste riuscirono a cambiare per sempre il futuro della musica. Insieme a questa corposa raccolta musicale, l'Edizione contiene un video introduttivo e due testi fondamentali per poter contestualizzare e comprendere appieno il panorama storico in cui la Musica Futurista sorse: "La musica futurista" di Stefano Bianchi e gli esilaranti racconti di Francesco Cangiullo contenuti in "Le serate Futuriste". (Euro 200,00 + Iva)

Il Manifesto di Francesco Balilla Pratella | Musica Futurista

Fondato nel 1909, il Futurismo si manifestò in ogni campo artistico. Nel 1910, su richiesta di Filippo Tommaso Marinetti, il giovane compositore Francesco Balilla Pratella scrisse il "Manifesto dei Musicisti Futuristi", un'energica ribellione alla cultura borghese dell'Ottocento in nome del coraggio, dell'audacia e della rivolta. L'Edizione Sincrona presenta, insieme al manifesto originale del 1910, la musica futurista di uno dei maggiori compositori del Primo Futurismo: Francesco Balilla Pratella. Ad accompagnare il prezioso manifesto e le musiche, sono presenti inoltre due manuali fondamentali per la comprensione del lavoro e della figura di Francesco Balilla Pratella dal titolo "Testamento" e "Caro Pratella". (Euro 500,00 + Iva)

Il Manifesto di Luigi Russolo | Musica Futurista

"La vita antica fu tutta silenzio. Nel XIX secolo, con l'invenzione delle macchine, nacque il Rumore": con questa dichiarazione esposta nel manifesto "L'Arte dei Rumori" del 1913 il futurista Luigi Russolo rinnova e amplifica il concetto di suono/rumore stravolgendo per sempre la storia della musica. In questa Edizione Sincrona sono contenuti le musiche e i suoni degli Intonarumori di Russolo, insieme al manifesto del 1913 "L'Arte dei Rumori" che teorizzò questa strabiliante invenzione! Per poter comprendere e approfondire la figura del grande inventore futurista, l'Edizione contiene anche un libro "Luigi Russolo. La musica, la pittura, il pensiero". (Euro 500,00 + Iva)

Video su Musica Futurista
youtu.be/T04jDobaB-Q

---

Ultima frontiera
Diario, incontri, testimonianze
di Giovanni Cerri, Casa editrice Le Lettere, Collana "Atelier" a cura di Stefano Crespi, Firenze 2020
www.lelettere.it

Nell'orizzonte contemporaneo appare significativa la testimonianza di questi scritti di Giovanni Cerri. In un connotato diaristico, divenuto sempre più raro, vive la "voce" dei ricordi, dei volti, dei momenti esistenziali, delle figure dell'esistere: richiami all'adolescenza, le prime immagini dell'arte nello studio del padre, conoscenze di personaggi testimoniali, incontri con artisti. In una scrittura aperta, esplorativa, emergono due tematiche in una singolare originalità: la periferia come corrispettivo della solitudine dell'anima; lo sguardo senza tempo nell'inconscio, in ciò che abbiamo amato, in ciò che non è accaduto.

Giovanni Cerri (Milano, 1969), figlio del pittore Giancarlo Cerri, ha iniziato la sua attività nel 1987 e da allora ha esposto in Italia e all'estero in importanti città come Berlino, Francoforte, Colonia, Copenaghen, Parigi, Varsavia, Toronto, Shanghai. Nel continuo richiamo al territorio urbano di periferia, la sua ricerca si è sviluppata nell'indagine tematica dell'archeologia industriale con il ciclo dedicato alle Città fantasma. Nel 2011, invitato dal curatore Vittorio Sgarbi, espone al Padiglione Italia Regione Lombardia della Biennale di Venezia. Nel 2014 presenta la mostra Milano ieri e oggi nelle prestigiose sale dell'Unione del Commercio a Palazzo Bovara a Milano. Nel 2019 alla Frankfurter Westend Galerie di Francoforte è ospitata la mostra Memoria e Futuro. A Milano, nell'anno di Leonardo, in occasione del quinto centenario leonardesco.

- Dalla postfazione di Stefano Crespi

«Nel percorso di questa collana «Atelier», sono usciti in una specularità scritti di artisti e scritti di letterati: gli scritti degli artisti nelle cadenze dell'orizzonte interiore (ricordiamo: Confessioni di Filippo de Pisis, Cieli immensi di Nicolas de Staël); gli scritti dei letterati nel tradurre, nel prolungare in nuova vita il fascino, l'enigma dei quadri (ricordiamo Giovanni Testori, Yves Bonnefoy). Nelle istanze oggi di comunicazione mediatica, di caduta dell'evento, il libro di Giovanni Cerri, Ultima frontiera, si apre a uno spazio senza fine di sensi, luce, eros, avventura dell'immagine, della parola. Accanto allo svolgimento della pittura, vivono, rivivono, nelle sue pagine, anche dagli angoli remoti della memoria, i tratti del vissuto, i momenti dell'esistere: richiami all'adolescenza, le prime immagini dell'arte nello studio del padre, figure di artisti, personaggi testimoniali, i luoghi, il luogo ultimativo della periferia, occasioni di accostamento a quadri del passato, museali. [...]

Soffermandoci ora in alcuni richiami, ritroviamo il senso di un percorso, i contenuti emozionali, quella condizione originaria che è l'identità della propria espressione. In una sorta di esordio, viene ricordato lo studio del padre, artista riconosciuto, Giancarlo Cerri. Uno studio in una soffitta di un antico edificio. Ma anche «luogo magico», dove si avvia la frase destinale, il viaggio di Giovanni Cerri che percepisce la differenza (o forse anche una imprevedibile relazione) tra figurazione come rappresentazione e astrazione come evocazione. David Maria Turoldo è stato una figura testimoniale in una tensione partecipe alle ragioni dell'esistere e al senso di una vita corale. Lo scritto di Giovanni Cerri ha la singolarità di un ricordo indelebile nella conoscenza, con la madre, all'abbazia di S. Egidio a Fontanella e poi nella frequentazione, dove Turoldo appare come presenza, come voce, come forza di umanità. Scrive Cerri: «un uomo fatto di pietra antica, come la sua chiesa».

Michail Gorbaciov, negli anni dopo la presidenza dell'Unione Sovietica, in un viaggio in Italia, con la moglie Raissa ha una sosta a Sesto San Giovanni, dove visita anche l'occasione di una mostra di tre giovani artisti. Giovanni Cerri, uno dei tre artisti, conserva quel momento imprevedibile di sorpresa con gli auguri di Gorbaciov. Un'emozione suscita la visita al cimitero Monumentale: una camminata, un viaggio inconfondibile nelle testimonianze che via via si succedono. In particolare, toccante la tomba di una figura femminile mancata a ventiquattro anni. Rivive, in Cerri, davanti alla scultura dedicata a questa figura femminile, una bellezza seducente, il mistero di un eros oltre il tempo. Nelle pagine di diario appaiono, come tratti improvvisi, occasioni, emozioni.

Così il ricordo di Floriano Bodini nella figura, nel personaggio, nelle parole, nel fascino delle sue sculture in una visita allo studio. Giovanni Cerri partecipa all'inaugurazione della mostra di Ennio Morlotti sul ciclo delle bagnanti. In quella sera dell'inaugurazione erano presenti Morlotti e Giovanni Testori sui quali scrive Cerri: «cercatori inesausti delle verità nascoste, tra le pieghe infinite dello scrivere e del dipingere». Un intenso richiamo alla scoperta della Bovisa: «un paesaggio spettrale» nella corrosione, nella vita segreta del tempo. Accanto al percorso diaristico, Giovanni Cerri riporta in una sezione alcuni testi di sue presentazioni in cataloghi o nello stimolo di un'esposizione. In un ordine cronologico della stesura dei testi figurano Alessandro Savelli, Giancarlo Cazzaniga, Franco Francese, Alberto Venditti, Marina Falco, Fabio Sironi.

Si tratta di artisti con una singolarità, un connotato originario. Si riconferma la scrittura di Cerri, fuori da aspetti categoriali, didascalici. Una scrittura esplorativa nelle intuizioni, nei riferimenti creativi, in un movimento dialettico: esistenza e natura, interno ed esterno, presenza e indicibile, immagini e simboli, «una luce interiore» e «l'ombra, il mistero, l'enigma della vita». In conclusione al libro si presentano due interviste con Giovanni Cerri curate da Luca Pietro Nicoletti nel 2008, da Francesca Bellola nel 2016. Appaiono, limpidamente motivati, momenti tematici, espressivi, con intensa suggestione di rimandi. Inevitabile, infine, una considerazione sul rapporto del pensiero, della scrittura con la pittura.

Più che a richiami in relazioni specifiche, dirette, il percorso di Cerri nella sua eventicità destinale può essere ricondotto a due tematiche: la visione interiore della periferia e lo sguardo senza tempo nel volto. Tematiche che hanno una connessione anche psicologica nell'alfabeto oscuro dell'esistenza, del silenzio. La periferia è l'addio ancestrale nelle sue voci disadorne, stridenti, perdute, nella solitudine in esilio dalle cifre celesti. Nell'intervista di Francesca Bellola c'è un'espressione emblematica di Giovanni Cerri sulla periferia: «non sono più solo le zone periferiche delle città industriali con le strade, i viali e le tangenziali ad essere desolate, ma è anche la nostra anima, il nostro terreno interiore, a evidenziare i segni di abbandono». Il titolo che segna in modo così sintomatico l'opera di Cerri è Lo sguardo senza tempo. In un'osservazione generale, il «vedere» è la scena dei linguaggi, lo sguardo è inconscio, memoria, ciò che abbiamo amato, ciò che non è accaduto [...]» (Comunicato ufficio stampa De Angelis Press)

---

Il calzolaio dei sogni
di Salvatore Ferragamo, ed. Electa, pag. 240, oltre 60 illustrazioni in b/n, in edizione in italiano, inglese e francese, 24 euro, settembre 2020

Esce per Electa una nuova edizione, con una veste grafica ricercata, dell'autobiografia di Salvatore Ferragamo (1898-1960), pubblicata per la prima volta in inglese nel 1957 da George G. Harrap & Co., Londra. Salvatore Ferragamo si racconta in prima persona - la narrazione è quasi fiabesca - ripercorrendo l'avventura della sua vita, ricca di genio e di intuito: da apprendista ciabattino a Bonito, un vero "cul-de-sac" in provincia di Avellino, a calzolaio delle stelle di Hollywood (le sue calzature vestirono, tra le altre celebrità, Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, Sofia Loren e Greta Garbo), dalla lavorazione artigianale fino all'inarrestabile ascesa imprenditoriale.

Il volume - corredato da un ricco apparato fotografico e disponibile anche in versione e-book e, a seguire, audiolibro - ha ispirato il film di Luca Guadagnino "Salvatore - Shoemaker of Dreams", Fuori Concorso alla 77esima Mostra del Cinema di Venezia: la narrazione autobiografica diventa un lungometraggio documentario che delinea non solo l'itinerario artistico di Ferragamo, ma anche il suo percorso umano, attraverso l'Italia e l'America, due mondi che s'intrecciano fortemente. (Comunicato stampa)

---

Federico Patellani, Stromboli 1949
ed. Humboldt Books

Il libro è stato presentato il 30 giugno 2020
www.mufoco.org

Il Museo del Cinema di Stromboli e il Museo di Fotografia Contemporanea presentano il libro in una diretta (canali YouTube e Facebook del Mufoco) che vedrà intervenire Alberto Bougleux, Giovanna Calvenzi, Emiliano Morreale, Aldo Patellani e Alberto Saibene. La pubblicazione è introdotta dalle parole della lettera con cui Ingrid Bergman si presenta a Roberto Rossellini: "Caro Signor Rossellini, ho visto i suoi film Roma città aperta e Paisà e li ho apprezzati moltissimo.

Se ha bisogno di un'attrice svedese che parla inglese molto bene, che non ha dimenticato il suo tedesco, non si fa quasi capire in francese, e in italiano sa dire solo 'ti amo', sono pronta a venire in Italia per lavorare con lei". Rossellini, dopo aver ricevuto questa lettera da Ingrid Bergman, allora una delle massime stelle hollywoodiane, la coinvolge nel progetto che diventerà il film Stromboli, terra di Dio (1950), ma ancor prima del film è la storia d'amore tra il regista romano e l'attrice svedese a riempire le cronache di giornali e rotocalchi.

Federico Patellani, uno dei migliori fotografi dell'epoca, si reca sull'isola eoliana: le sue fotografie fanno il giro del mondo, perché non documentano solo la realizzazione del film, ma anche le condizioni di vita degli abitanti e la forza degli elementi. Dall'archivio Patellani, presso il Museo di Fotografia Contemporanea, sono emerse le fotografie che aiutano a ricostruire nella sua integrità quella celebre storia. (Comunicato stampa)

---

La Dama col ventaglio
di Giovanna Pierini, Mondadori Electa, 2018
Il libro è stato presentato il 20 novembre 2019 a Roma al Palazzo Barberini

Il romanzo mette in scena Sofonisba Anguissola ultranovantenne a Palermo - è il 1625 - nel suo tentativo di riacciuffare i fili della memoria e ricordare l'origine di un dipinto. La pittrice in piedi davanti alla tela cerca di ricordare: aveva dipinto lei quel ritratto? È passato tanto tempo. Nonostante l'abbacinante luce di mezzogiorno la sua vista è annebbiata, gli occhi stanchi non riconoscono più i dettagli di quella Dama con il ventaglio raffigurata nel quadro. È questo il pretesto narrativo che introduce la vicenda biografica di una delle prime e più significative artiste italiane. Sofonisba si presenta al lettore come una donna forte, emancipata e non convenzionale, che ha vissuto tra

Cremona, Genova, Palermo e Madrid alla corte spagnola. Tra i molti personaggi realmente esistiti - Orazio Lomellini, il giovane marito; il pittore Van Dyck; Isabella di Valois, regina di Spagna - e altri di pura finzione, spicca il giovane valletto Diego, di cui Sofonisba protegge le scorribande e l'amore clandestino, ma che non potrà salvare. La ricostruzione minuziosa di un'Italia al centro delle corti d'Europa, tra palazzi nobiliari, botteghe artigiane e viaggi per mare, e di una città, Palermo, fa rivivere le atmosfere di un'epoca in cui una pittrice donna non poteva accedere alla formazione accademica e doveva superare numerosi pregiudizi sociali. Tra le prime professioniste che seppero farsi largo nella ristretta società degli artisti ci fu proprio Sofonisba, e questo racconto, a cavallo tra realtà e finzione, ne delinea le ragioni: l'educazione lungimirante del padre, un grande talento e una forte personalità.

Giovanna Pierini, giornalista pubblicista, per anni ha scritto di marketing e management. Nel 2006 ha pubblicato Informazioni riservate con Alessandro Tosi. Da sempre è appassionata d'arte, grazie alla madre pittrice, Luciana Bora, di cui cura l'archivio dal 2008. Questo è il suo primo romanzo. (Comunicato stampa Maria Bonmassar)

---

Elogio della finta
di Olivier Guez, di Neri Pozza Editore, 2019

«Manoel Francisco dos Santos, detto Garrincha (lo scricciolo), era alto un metro e sessantanove, la stessa altezza di Messi. Grazie a lui il Brasile divenne campione del mondo nel 1958 e nel 1962, e il Botafogo, il suo club, regnò a lungo sul campionato carioca. Con la sua faccia da galeotto, le spalle da lottatore e le gambe sbilenche come due virgole storte, è passato alla storia come il dribblatore pazzo, il più geniale e il più improbabile che abbia calcato i campi di calcio. «Come un compositore toccato da una melodia piovuta dal cielo» (Paulo Mendes Campos), Garrincha elevò l'arte della finta a essenza stessa del gioco del calcio.

Il futebol divenne con lui un gioco ispirato e magico, fatto di astuzia e simulazione, un gioco di prestigio senza fatica e sofferenza, creato soltanto per l'Alegria do Povo, la gioia del popolo. Dio primitivo, divise la scena del grande Brasile con Pelé, il suo alter-ego, il re disciplinato, ascetico e professionale. Garrincha resta, tuttavia, il vero padre putativo dei grandi artisti del calcio brasiliano: Julinho, Botelho, Rivelino, Jairzinho, Zico, Ronaldo, Ronaldinho, Denílson, Robinho, Neymar, i portatori di un'estetica irripetibile: il dribbling carioca. Cultore da sempre del football brasiliano, Olivier Guez celebra in queste pagine i suoi interpreti, quegli «uomini elastici che vezzeggiano la palla come se danzassero con la donna più bella del mondo» e non rinunciano mai a un «calcio di poesia» (Pier Paolo Pasolini).

Olivier Guez (Strasburgo, 1974), collabora con i quotidiani Le Monde e New York Times e con il settimanale Le Point. Dopo gli studi all'Istituto di studi politici di Strasburgo, alla London School of Economics and Political Science e al Collegio d'Europa di Bruges, è stato corrispondente indipendente presso molti media internazionali. Autore di saggi storico-politici, ha esordito nella narrativa nel 2014. (Comunicato stampa Flash Art)

---

Nosferatu
di Paolo D'Onofrio, ed. Edizioni NPE, formato21x30cm, 80 pag., cartonato b/n con pagine color seppia, 2019
edizioninpe.it/product/nosferatu

Il primo adattamento a fumetti del film muto di Murnau del 1922 che ha fatto la storia del cinema horror. Nosferatu il vampiro (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens), diretto da Friedrich Wilhelm Murnau e proiettato per la prima volta il 5 marzo 1922, è considerato il capolavoro del regista tedesco e uno dei capisaldi del cinema horror ed espressionista. Ispirato liberamente al romanzo Dracula (1897) di Bram Stoker, Murnau ne modificò il titolo, i nomi dei personaggi (il Conte Dracula diventò il Conte Orlok, interpretato da Max Schreck) e i luoghi (da Londra a Wisborg) per problemi legati ai diritti legali dell'opera.

Il regista perse la causa per violazione del diritto d'autore, avviata dagli eredi di Stoker, e venne condannato a distruggere tutte le copie della pellicola. Una copia fu però salvata dallo stesso Murnau, e il film è potuto sopravvivere ed arrivare ai giorni nostri. L'uso delle ombre in questo film classico ha avuto una eco infinita nel cinema successivo, di genere e non. Edizioni NPE presenta il primo adattamento a fumetti di questa pellicola: un albo estremamente particolare, che riprende il film fotogramma per fotogramma, imprimendolo in color seppia su una carta ingiallita ed invecchiata, utilizzando per il lettering lo stesso stile delle pellicole mute e pubblicato in un grande cartonato da collezione. (Comunicato stampa)

---

Errantia
Poesia in forma di ritratto
di Gonzalo Alvarez Garcia

Il libro è stato presentato il 7 agosto 2018 alla Galleria d'arte Studio 71, a Palermo
www.studio71.it

Scrive l'autore in una sua nota nel libro "... Se avessi potuto comprendere il segreto del geranio nel giardino di casa o della libellula rossa che saltellava nell'aria sopra i papiri in riva al fiume Ciane, a Siracusa, avrei capito anche me steso. Ma non capivo. Ad ogni filo d'erba che solleticava la mia pelle entravo nella delizia delle germinazioni infinite e sprofondavo nel mistero. Sentivo confusamente di appartenere all'Universo, come il canto del grillo. Ma tutto il mio sapere si fermava li. Ascoltavo le parole, studiavo i gesti delle persone intorno a me come il cacciatore segue le tracce della preda, convinto che le parole e i gesti degli uomini sono una sorta di etimologia.

Un giorno o l'altro, mi avrebbero portato a catturare la verità.... Mi rivolsi agli Dei e gli Dei rimasero muti. Mi rivolsi ai saggi e i saggi aggiunsero alle mie altre domande ancora più ardue. Seguitai a camminare. Incontrai la donna, che non pose domande. Mi accolse con la sua grazia ospitale. Da Lei ho imparato ad amare l'aurora e il tramonto...". Un libro che ripercorre a tappe e per versi, la sua esistenza di ragazzo e di uomo, di studioso e di poeta, di marito e padre. Errantia, Poesia in forma di ritratto, con una premessa di Aldo Gerbino è edito da Plumelia edizioni. (Comunicato stampa)

---

L'ultima diva dice addio
di Vito di Battista, ed. SEM Società Editrice Milanese, pp. 224, cartonato con sovracoperta, cm.14x21,5 €15,00
www.otago.it

E' la notte di capodanno del 1977 quando Molly Buck, stella del cinema di origine americana, muore in una clinica privata alle porte di Firenze. Davanti al cancello d'ingresso è seduto un giovane che l'attrice ha scelto come suo biografo ufficiale. E' lui ad avere il compito di rendere immortale la storia che gli è stata data in dono. E forse molto di più. Inizia così il racconto degli eventi che hanno portato Molly Buck prima al successo e poi al ritiro dalle scene, lontana da tutto e da tutti nella casa al terzo piano di una palazzina liberty d'Oltrarno, dove lei e il giovane hanno condiviso le loro notti insonni.

Attraverso la maestosa biografia di un'attrice decaduta per sua stessa volontà, L'ultima diva dice addio mette in scena una riflessione sulla memoria e sulla menzogna, sul potere della parola e sulla riduzione ai minimi termini a cui ogni esistenza è sottoposta quando deve essere rievocata. Un romanzo dove i capitoli ricominciano ciclicamente con le stesse parole e canzoni dell'epoca scandiscono lo scorrere del tempo, mentre la biografia di chi ricorda si infiltra sempre più nella biografia di chi viene ricordato. Vito di Battista (San Vito Chietino, 1986) ha vissuto e studiato a Firenze e Bologna. Questo è il suo primo romanzo. (Comunicato Otago Literary Agency)

---

Zenobia l'ultima regina d'Oriente
L'assedio di Palmira e lo scontro con Roma
di Lorenzo Braccesi, Salerno editrice, 2017, p.200, euro 13,00

Il sogno dell'ultima regina d'Oriente era di veder rinascere un grande regno ellenistico dal Nilo al Bosforo, piú esteso di quello di Cleopatra, ma la sua aspirazione si infranse per un errore di valutazione politica: aver considerato l'impero di Roma prossimo alla disgregazione. L'ultimo atto delle campagne orientali di Aureliano si svolse proprio sotto le mura di Palmira, l'esito fu la sconfitta della regina Zenobia e la sua deportazione a Roma, dove l'imperatore la costrinse a sfilare come simbolo del suo trionfo. Le rovine monumentali di Palmira - oggi oggetto di disumana offesa - ci parlano della grandezza del regno di Zenobia e della sua resistenza eroica. Ancora attuale è la tragedia di questa città: rimasta intatta nei secoli, protetta dalle sabbie del deserto, è crollata sotto la furia della barbarie islamista.

Lorenzo Braccesi ha insegnato nelle università di Torino, Venezia e Padova. Si è interessato a tre aspetti della ricerca storica: colonizzazione greca, società augustea, eredità della cultura classica nelle letterature moderne. I suoi saggi piú recenti sono dedicati a storie di donne: Giulia, la figlia di Augusto (Roma-Bari 2014), Agrippina, la sposa di un mito (Roma-Bari 2015), Livia (Roma 2016). (Comunicato stampa)

---

Napoleone Colajanni tra partito municipale e nazionalizzazione della politica
Lotte politiche e amministrative in provincia di Caltanissetta (1901-1921)

di Marco Sagrestani, Polistampa, 2017, collana Quaderni della Nuova Antologia, pag. 408
www.leonardolibri.com

Napoleone Colajanni (1847-1921) fu una figura di rilievo nel panorama politico italiano del secondo Ottocento. Docente e saggista, personalità di notevole levatura intellettuale, si rese protagonista di importanti battaglie politiche, dall'inchiesta parlamentare sulla campagna in Eritrea alla denuncia dello scandalo della Banca Romana. Il saggio ricostruisce il ruolo da lui svolto nella provincia di Caltanissetta, in particolare nella sua città natale Castrogiovanni e nell'omonimo collegio elettorale. In un'area dove la lotta politica era caratterizzata da una pluralità di soggetti collettivi - democratici, repubblicani, costituzionali, socialisti e cattolici - si pose come centro naturale di aggregazione delle sparse forze democratiche, con un progetto di larghe convergenze finalizzato alla rinascita politica, economica e morale della sua terra. (Comunicato stampa)

---

Stappiamolarte
www.al-cantara.it/news/stappiamo-larte

La pubblicazione realizzata con le opere di 68 artisti provenienti dalle diverse parti d'Italia è costituita da immagini di istallazioni e/o dipinti realizzati servendosi dei tappi dell'azienda. All'artista, infatti, è stata data ampia libertà di esecuzione e, ove lo avesse ritenuto utile, ha utilizzato, assieme ai tappi, altro materiale quale legno, vetro, stoffe o pietre ma anche materiali di riciclo. Nel sito di Al-Cantara, si può sfogliare il catalogo con i diversi autori e le relative opere. Nel corso della giornata sarà possibile visitare i vigneti, la cantina dell'azienda Al-Cantàra ed il " piccolo museo" che accoglie le opere realizzate.

Scrive nel suo testo in catalogo Vinny Scorsone: "...L'approccio è stato ora gioioso ora riflessivo e malinconico; sensuale o enigmatico; elaborato o semplice. Su esso gli artisti hanno riversato sensazioni e pensieri. A volte esso è rimasto tale anche nel suo ruolo mentre altre la crisalide è divenuta farfalla varcando la soglia della meraviglia. Non c'è un filo comune che leghi i lavori, se non il fatto che contengano dei tappi ed è proprio questa eterogeneità a rendere le opere realizzate interessanti. Da mano a semplice cornice, da corona a bottiglia, da schiuma a poemetto esso è stato la fonte, molto spesso, di intuizioni artistiche singolari ed intriganti. Il rosso del vino è stato sostituito col colore dell'acrilico, dell'olio. Il tappo inerte, destinato a perdersi, in questo modo, è stato elevato ad oggetto perenne, soggetto d'arte in grado di valicare i confini della sua natura deperibile...". (Comunicato stampa)

---

Stelle in silenzio
di Annapaola Prestia, Europa Edizioni, 2016, euro 15,90

Millecinquecento chilometri da percorrere in automobile in tre giorni, dove ritornano alcuni luoghi cari all'autrice, già presenti in altri suoi lavori. La Sicilia e l'Istria fanno così da sfondo ad alcune tematiche forti che il romanzo solleva. Quante è importante l'influenza di familiari che non si hanno mai visto? Che valore può avere un amore di breve durata, se è capace di cambiare un destino? Che peso hanno gli affetti che nel quotidiano diventano tenui, o magari odiosi? In generale l'amore è ciò che lega i personaggi anche quando sembra non esserci, in un percorso che è una ricerca di verità tenute a lungo nascoste.

Prestia torna quindi alla narrativa dopo il suo Caro agli dei" (edito da "Il Filo", giugno 2008), che ha meritato il terzo premio al "Concorso nazionale di narrativa e poesia F. Bargagna" e una medaglia al premio letterario nazionale "L'iride" di Cava de'Tirreni, sempre nel 2009. Il romanzo è stato presentato dal giornalista Nino Casamento a Catania, dallo scrittore Paolo Maurensig a Udine, dallo psicologo Marco Rossi di Loveline a Milano. Anche il suo Ewas romanzo edito in ebook dalla casa editrice Abel Books nel febbraio 2016, è arrivato semifinalista al concorso nazionale premio Rai eri "La Giara" edizione 2016 (finalista per la regione Friuli Venezia Giulia) mentre Stelle in silenzio, come inedito, è arrivato semifinalista all'edizione del 2015 del medesimo concorso.

Annapaola Prestia (Gorizia, 1979), Siculo-Istriana di origine e Monfalconese di adozione, lavora dividendosi tra la sede della cooperativa per cui collabora a Pordenone e Trieste, città in cui gestisce il proprio studio psicologico. Ama scrivere. Dal primo racconto ai romanzi a puntate e alle novelle pubblicati su riviste a tiratura nazionale, passando per oltre venti pubblicazioni in lingua inglese su altrettante riviste scientifiche specializzate in neurologia e psicologia fino al suo primo romanzo edito Caro agli dei... la strada è ancora tutta in salita ma piena di promesse.

Oltre a diverse fan-fiction pubblicate su vari siti internet, ha partecipato alla prima edizione del premio letterario "Star Trek" organizzato dallo STIC - Star Trek Italian Club, ottenendo il massimo riconoscimento. Con suo fratello Andrea ha fondato la U.S.S. Julia, un fan club dedicato a Star Trek e alla fantascienza. Con suo marito Michele e il suo migliore amico Stefano, ha aperto una gelateria a Gradisca d'Isonzo, interamente dedicata alla fantascienza e al fantasy, nella quale tenere vive le tradizioni gastronomiche della Sicilia sposandole amabilmente con quelle del Nord Est d'Italia. (Comunicato Ufficio stampa Emanuela Masseria)

---

I quaranta giorni del Mussa Dagh
di Franz Werfel, ed. Corbaccio, pagg.918, €22,00
www.corbaccio.it

«Quest'opera fu abbozzata nel marzo dell'anno 1929 durante un soggiorno a Damasco, in Siria. La visione pietosa di fanciulli profughi, mutilati e affamati, che lavoravano in una fabbrica di tappeti, diede la spinta decisiva a strappare dalla tomba del passato l'inconcepibile destino del popolo armeno.» Grande e travolgente romanzo, narra epicamente il tragico destino del popolo armeno, minoranza etnica odiata e perseguitata per la sua antichissima civiltà cristiana, in eterno contrasto con i turchi, con il grande Impero ottomano detentore del potere. Verso la fine del luglio 1915 circa cinquemila armeni perseguitati dai turchi si rifugiarono sul massiccio del Mussa Dagh, a Nord della baia di Antiochia.

Fino ai primi di settembre riuscirono a tenere testa agli aggressori ma poi, cominciando a scarseggiare gli approvvigionamenti e le munizioni, sarebbero sicuramente stati sconfitti se non fossero riusciti a segnalare le loro terribili condizioni a un incrociatore francese. Su quel massiccio dove per quaranta giorni vive la popolazione di sette villaggi, in un'improvvisata comunità, si ripete in miniatura la storia dell'umanità, con i suoi eroismi e le sue miserie, con le sue vittorie e le sue sconfitte, ma soprattutto con quell'affiato religioso che permea la vita dell'universo e dà a ogni fenomeno terreno un significato divino che giustifica il male con una lungimirante, suprema ragione di bene.

Dentro il poema corale si ritrovano tutti i drammi individuali: ogni personaggio ha la sua storia, ogni racconto genera un racconto. Fra scene di deportazioni, battaglie, incendi e morti, ora di una grandiosità impressionante, ora di una tragica sobrietà scultorea, ma sempre di straordinaria potenza rappresentativa, si compone quest'opera fondamentale dell'epica moderna. Pubblicata nel 1933 I quaranta giorni del Mussa Dagh è stata giustamente considerata la più matura creazione di Werfel nel campo della narrativa. Franz Werfel (Praga, 1890 - Los Angeles, 1945) dopo la Prima guerra mondiale si stabilì a Vienna, dove si impose come uno dei protagonisti della vita letteraria mitteleuropea. All'avvento del nazismo emigrò in Francia e poi negli Stati Uniti. Oltre a I quaranta giorni del Mussa Dagh, Verdi. Il romanzo dell'opera, che rievoca in modo appassionato e realistico la vita del grande musicista italiano. (Comunicato Ufficio Stampa Corbaccio)

---

- 56esima Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia
Padiglione nazionale della Repubblica di Armenia
Presentazione rassegna

---

Cuori nel pozzo
Belgio 1956. Uomini in cambio di carbone.
di Roberta Sorgato
www.danteisola.org

Il libro rievoca le condizioni di vita precedenti alla grande trasformazione degli anni Sessanta del Novecento, e la durissima realtà vissuta dagli emigrati italiani nelle miniere di carbone del Belgio, è un omaggio rivolto ai tanti che consumarono le loro vite fino al sacrificio estremo, per amore di quanti erano rimasti a casa, ad aspettarli. Pagine spesso commosse, dedicate a chi lasciò il paese cercando la propria strada per le vie del mondo. L'Italia li ha tenuti a lungo in conto di figliastri, dimenticandoli. La difficoltà di comunicare, le enormi lontananze, hanno talvolta smorzato gli affetti, spento la memoria dei volti e delle voci. Mentre in giro per l'Europa e oltre gli oceani questi coraggiosi costruivano la loro nuova vita. Ciascuno con la nostalgia, dove si cela anche un po' di rancore verso la patria che li ha costretti a partire.

Qualcuno fa i soldi, si afferma, diventa una personalità. Questi ce l'hanno fatta, tanti altri consumano dignitosamente la loro vita nell'anonimato. Altri ancora muoiono in fondo a un pozzo, cadendo da un'impalcatura, vittime dei mille mestieri pesanti e pericolosi che solo gli emigranti accettano di fare. Ora che cinquant'anni ci separano dalla nostra esperienza migratoria, vissuta dai predecessori per un buon secolo, la memorialistica si fa più abbondante. Esce dalla pudica oralità dei protagonisti, e grazie ai successori, più istruiti ed emancipati si offre alla storia comune attraverso le testimonianze raccolte in famiglia. Con la semplicità e l'emozione che rendono più immediata e commossa la conoscenza. (Estratto da comunicato stampa di Ulderico Bernardi)

La poetessa veneta Roberta Sorgato, insegnante, nata a Boussu, in Belgio, da genitori italiani, come autrice ha esordito nel 2002 con il romanzo per ragazzi "Una storia tutta... Pepe" seguito nel 2004 da "All'ombra del castello", entrambi editi da Tredieci (Oderzo - TV). Il suo ultimo lavoro, "La casa del padre" inizialmente pubblicato da Canova (Treviso) ed ora riproposto nella nuova edizione della ca-sa editrice Tracce (Pescara).

«L'Italia non brilla per memoria. Tante pagine amare della nostra storia sono cancellate o tenute nell'oblio. Roberta Sorgato ha avuto il merito di pescare, dal pozzo dei ricordi "dimenticati", le vicende dei nostri minatori in Belgio e di scrivere "Cuori nel pozzo" edizioni Marsilio, sottotitolo: "Belgio 1956. Uomini in cambio di carbone". Leggendo questo romanzo - verità, scritto in maniera incisiva e con grande e tragico realismo, si ha l'impressione di essere calati dentro i pozzi minerari, tanto da poter avere una vi-sione intima e "rovesciata" del titolo ("Pozzi nel cuore" potrebbe essere il titolo "ad honorem" per un lettore ideale, così tanto sensibile a questi temi).

Un lettore che ha quest'ardire intimista di seguire la scrittrice dentro queste storie commoventi, intense, drammatiche - e che non tengono conto dell'intrattenimento letterario come lo intendiamo comunemente - è un lettore che attinge dal proprio cuore ed è sospinto a rivelarsi più umano e vulnerabile di quanto avesse mai osato pensare. In questo libro vige lo spettacolo eterno dei sentimenti umani; e vige in rela-zione alla storia dell'epoca, integrandosi con essa e dandoci un ritratto di grande effetto. Qui troviamo l'Italia degli anni cinquanta che esce dalla guerra, semplice e disperata, umile e afflitta dai ricordi bellici. Troviamo storie di toccanti povertà; così, insieme a quell'altruismo che è proprio dell'indigenza, e al cameratismo che si fa forte e si forgia percorrendo le vie drammatiche della guerra, si giunge ai percorsi umani che strappavano tanti italiani in cerca di fortuna alle loro famiglie.

L'emigrazione verso i pozzi minerari belgi rappresentava quella speranza di "uscire dalla miseria". Pochi ce l'hanno fatta, molti hanno pagato con una morte atroce. Tutti hanno subito privazioni e vessazioni, oggi inimmaginabili. Leggere di Tano, Nannj, Caio, Tonio, Angelina e tanti altri, vuol dire anche erigere nella nostra memoria un piccolo trono per ciascuno di loro, formando una cornice regale per rivisitare quegli anni che, nella loro drammaticità, ci consentono di riflettere sull'"eroismo" di quelle vite tormentate, umili e dignitose.» (Estratto da articolo di Danilo Stefani, 4 gennaio 2011)

«"Uomini in cambio di carbone" deriva dal trattato economico italo-belga del giugno 1946: l'accordo prevedeva che per l'acquisto di carbone a un prezzo di favore l'Italia avrebbe mandato 50 mila uomini per il lavoro in miniera. Furono 140 mila gli italiani che arrivarono in Belgio tra il 1946 e il 1957. Fatti i conti, ogni uomo valeva 2-3 quintali di carbone al mese.» (In fondo al pozzo - di Danilo Stefani)

---

La passione secondo Eva
di Abel Posse, ed. Vallecchi - collana Romanzo, pagg.316, 18,00 euro
www.vallecchi.it

Eva Duarte Perón (1919-1952), paladina dei diritti civili ed emblema della Sinistra peronista argentina, fu la moglie del presidente Juan Domingo Perón negli anni di maggior fermento politico della storia argentina; ottenne, dopo una lunga battaglia politica, il suffragio universale ed è considerata la fondatrice dell'Argentina moderna. Questo romanzo, costruito con abilità da Abel Posse attraverso testimonianze autentiche di ammiratori e detrattori di Evita, lascia il segno per la sua capacità di riportare a una dimensione reale il mito di colei che è non soltanto il simbolo dell'Argentina, ma uno dei personaggi più noti e amati della storia mondiale.

Abel Posse (Córdoba - Argentina, 1934), diplomatico di carriera, giornalista e scrittore di fama internazionale. Studioso di politica e storia fra i più rappresentativi del suo paese. Fra i suoi romanzi più famosi ricordiamo Los perros del paraíso (1983), che ha ottenuto il Premio Ròmulo Gallegos maggior riconoscimento letterario per l'America Latina. La traduttrice Ilaria Magnani è ricercatrice di Letteratura ispano-americana presso l'Università degli Studi di Cassino. Si occupa di letteratura argentina contemporanea, emigrazione e apporto della presenza italiana. Ha tradotto testi di narrativa e di saggistica dallo spagnolo, dal francese e dal catalano.

---

Odissea Viola. Aspettando Ulisse lo Scudetto
di Rudy Caparrini, ed. NTE, collana "Violacea", 2010
www.rudycaparrini.it

Dopo Azzurri... no grazie!, Rudy Caparrini ci regala un nuovo libro dedicato alla Fiorentina. Come spiega l'autore, l'idea è nata leggendo il capitolo INTERpretazioni del Manuale del Perfetto Interista di Beppe Severgnini, nel quale il grande scrittore e giornalista abbina certe opere letterarie ad alcune squadre di Serie A. Accorgendosi che manca il riferimento alla Fiorentina, il tifoso e scrittore Caparrini colma la lacuna identificando ne L'Odissea l'opera idonea per descrivere la storia recente dei viola.

Perché Odissea significa agonia, sofferenza, desiderio di tornare a casa, ma anche voglia di complicarsi la vita sempre e comunque. Ampliando il ragionamento, Caparrini sostiene che nell'Odissea la squadra viola può essere tre diversi personaggi: Penelope che aspetta il ritorno di Ulisse lo scudetto; Ulisse, sempre pronto a compiere un "folle volo" e a complicarsi la vita; infine riferendosi ai tifosi nati dopo il 1969, la Fiorentina può essere Telemaco, figlio del padre Ulisse (ancora nei panni dello scudetto) di cui ha solo sentito raccontare le gesta ma che mai ha conosciuto.

Caparrini sceglie una serie di episodi "omerici", associabili alla storia recente dei viola, da cui scaturiscono similitudini affascinanti: i Della Valle sono i Feaci (il popolo del Re Alcinoo e della figlia Nausicaa), poiché soccorrono la Fiorentina vittima di un naufragio; il fallimento di Cecchi Gori è il classico esempio di chi si fa attrarre dal Canto delle Sirene; Edmundo che fugge per andare al Carnevale di Rio è Paride, che per soddisfare il suo piacere mette in difficoltà l'intera squadra; Tendi che segna il gol alla Juve nel 1980 è un "Nessuno" che sconfigge Polifemo; Di Livio che resta coi viola in C2 è il fedele Eumeo, colui che nell'Odissea per primo riconosce Ulisse tornato ad Itaca e lo aiuta a riconquistare la reggia.

Un'Odissea al momento incompiuta, poiché la Fiorentina ancora non ha vinto (ufficialmente) il terzo scudetto, che corrisponde all'atto di Ulisse di riprendersi la sovranità della sua reggia a Itaca. Ma anche in caso di arrivasse lo scudetto, conclude Caparrini, la Fiorentina riuscirebbe a complicarsi la vita anche quando tutto potrebbe andare bene. Come Ulisse sarebbe pronta sempre a "riprendere il mare" in cerca di nuove avventure. Il libro è stato presentato il 22 dicembre 2010 a Firenze, nella Sala Incontri di Palazzo Vecchio.

---

Leni Riefenstahl. Un mito del XX secolo
di Michele Sakkara, ed. Edizioni Solfanelli, pagg.112, €8,00
www.edizionisolfanelli.it

«Il Cinema mondiale in occasione della scomparsa di Leni Riefenstahl, si inchina riverente davanti alla Salma di colei che deve doverosamente essere ricordata per i suoi geniali film, divenuti fondamentali nella storia del cinema.» Questo l'epitaffio per colei che con immagini di soggiogante bellezza ha raggiunto magistralmente effetti spettacolari. Per esempio in: Der Sieg des Glaubens (Vittoria della fede, 1933), e nei famosissimi e insuperati Fest der Völker (Olympia, 1938) e Fest der Schönheit (Apoteosi di Olympia, 1938).

Michele Sakkara, nato a Ferrara da padre russo e madre veneziana, ha dedicato tutta la sua esistenza allo studio, alla ricerca, alla regia, alla stesura e alla realizzazione di soggetti, sceneggiature, libri (e perfino un'enciclopedia), ed è stato anche attore. Assistente e aiuto regista di Blasetti, Germi, De Sica, Franciolini; sceneggiatore e produttore (Spagna, Ecumenismo, La storia del fumetto, Martin Lutero), autore di una quarantina di documentari per la Rai.

Fra le sue opere letterarie spicca l'Enciclopedia storica del cinema italiano. 1930-1945 (3 voll., Giardini, Pisa 1984), un'opera che ha richiesto anni di ricerche storiche; straordinari consensi ebbe in Germania per Die Grosse Zeit Des Deutschen Films 1933-1945 (Druffel Verlag, Leoni am Starnberg See 1980, 5 edizioni); mentre la sua ultima opera Il cinema al servizio della politica, della propaganda e della guerra (F.lli Spada, Ciampino 2005) ha avuto una versione in tedesco, Das Kino in den Dienst der Politik, Propaganda und Krieg (DSZ-Verlag, München 2008) ed è stato ora tradotta in inglese.

---

L'Immacolata nei rapporti tra l'Italia e la Spagna
a cura di Alessandra Anselmi

Il volume ripercorre la storia dell'iconografia immacolistica a partire dalla seconda metà del Quattrocento quando, a seguito dell'impulso impresso al culto della Vergine con il pontificato di Sisto IV (1471-1484), i sovrani spagnoli si impegnano in un'intensa campagna volta alla promulgazione del dogma. Di grande rilevanza le ripercussioni nelle arti visive: soprattutto in Spagna, ma anche nei territori italiani più sensibili, per vari motivi, all'influenza politica, culturale e devozionale spagnola. Il percorso iconografico è lungo e complesso, con notevoli varianti sia stilistiche che di significato teologico: il punto d'arrivo è esemplato sulla Donna dell'Apocalisse, i cui caratteri essenziali sono tratti da un versetto del testo giovanneo.

Il libro esplora ambiti culturali e geografici finora ignorati o comunque non sistemati: la Calabria, Napoli, Roma, la Repubblica di Genova, lo Stato di Milano e il Principato Vescovile di Trento in un arco cronologico compreso tra la seconda metà del Quattrocento e il Settecento e, limitatamente a Roma e alla Calabria, sino all'Ottocento, recuperando all'attenzione degli studi una produzione artistica di grande pregio, una sorta di 'quadreria "ariana" ricca di capolavori già noti, ma incrementata dall'acquisizione di testimonianze figurative in massima parte ancora inedite.

Accanto allo studio più prettamente iconografico - che si pregia di interessanti novità, quali l'analisi della Vergine di Guadalupe, in veste di Immacolata India - il volume è sul tema dell'Immacolata secondo un'ottica che può definirsi plurale affrontando i molteplici contesti - devozionali, cultuali, antropologici, politici, economici, sociali - che interagiscono in un affascinante gioco di intrecci. (Estratto da comunicato stampa Ufficio stampa Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici della Calabria)

---

Mario Del Monaco: Dietro le quinte - Le luci e le ombre di Otello
(Behind the scenes - Othello in and out of the spotlight)
di Paola Caterina Del Monaco, prefazione di Enrico Stinchelli, Aerial Editrice, 2007
Presentazione

---

Le stelle danzanti. Il romanzo dell'impresa fiumana
di Gabriele Marconi, ed. Vallecchi, pagg.324, Euro 15,00
www.vallecchi.it

L'Impresa fiumana fu un sogno condiviso e realizzato. Uno slancio d'amore che non ha eguali nella storia. D'Annunzio, fu l'interprete ispiratore di quello slancio, il Comandante, il Vate che guidò quella straordinaria avventura, ma protagonisti assoluti furono i tantissimi giovani che si riversarono nella città irredenta e là rimasero per oltre un anno. L'età media dei soldati che, da soli o a battaglioni interi, parteciparono all'impresa era di ventitré anni. Il simbolo di quell'esperienza straordinaria furono le stelle dell'Orsa Maggiore, che nel nostro cielo indicano la Stella Polare. Il romanzo narra le vicende di Giulio Jentile e Marco Paganoni, due giovani arditi che hanno stretto una salda amicizia al fronte. Dopo la vittoria, nel novembre del 1918 si recano a Trieste per far visita a Daria, crocerossina ferita in battaglia di cui sono ambedue innamorati.

Dopo alcuni giorni i due amici faranno ritorno alle rispettive famiglie ma l'inquietudine dei reduci impedisce un ritorno alla normalità. Nel febbraio del 1920 li ritroviamo a Fiume, ricongiungersi con Daria, uniti da un unico desiderio. Fiume è un calderone in ebollizione: patrioti, artisti, rivoluzionari e avventurieri di ogni parte d'Europa affollano la città in un clima rivoluzionario-libertino. Marco è tra coloro che sono a stretto contatto con il Comandante mentre Giulio preferisce allontanarsi dalla città e si unisce agli uscocchi, i legionari che avevano il compito di approvvigionare con i beni di prima necessità anche con azioni di pirateria. (...) Gabriele Marconi (1961) è direttore responsabile del mensile "Area", è tra i fondatori della Società Tolkieniana Italiana e il suo esordio narrativo è con un racconto del 1988 finalista al Premio Tolkien.

---

Mappa del sito www.ninniradicini.it

Home page

La newsletter Kritik non ha periodicità stabilita. Le immagini allegate ai testi di presentazione delle mostre, dei libri e delle iniziative culturali, sono inviate dalle rispettive redazioni e uffici stampa con l'autorizzazione alla pubblicazione.