Kritik Newsletter Indipendente di Ninni Radicini Mostre d'arte, Iniziative culturali, Recensione Libri, Attualità   Per ricevere la newsletter Kritik, inviare una e-mail (senza testo)

Prima del nuovo numero di Kritik... Mostre    Iniziative culturali    Libri    E-mail Link Arte    Numeri precedenti    Cataloghi da mostre La Grecia contemporanea (1974-2006) di Rudy Caparrini, Vincenzo Greco, Ninni Radicini prefazione di Antonio Ferrari, giornalista, corrispondente da Atene per il Corriere della Sera ed. Polistampa, 2007 Presentazione | Articoli sulla Grecia

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Nosferatu: dal cinema al fumetto

Le Icone tra Sicilia e Grecia

Il cinema nella Repubblica di Weimar

Vivian Maier Mostre in Italia

«Pirandello» Poesia di Nidia Robba

1968-2018 Il Pianeta delle Scimmie Planet of the Apes - Review

Locandine rassegne

13 agosto 1978 Primo podio di Gilles Villeneuve First podium for G. Villeneuve

Mostre su Tazio Nuvolari

Maria Callas Articolo

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Mostre e iniziative a cura di Marianna Accerboni: 2019-18 | 2017 | 2016 | 2015 | 2014 | 2013 | 2012 | 2011 | 2010 | 2009 | 2007-08 | Lista mostre e conferenze 2007-2019

Grecia Moderna e Mondo Ellenico (Iniziative culturali): 2019-18 | 2017 | 2016 | 2015 | 2014 | 2013 | 2012 | 2011 | 2010-2009 | 2007-2008

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___ Nuovo numero della newsletter Kritik - 15 giugno 2019 (Argomenti)

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Eve Arnold
termina lo 08 dicembre 2019
Casa Museo Villa Bassi - Abano Terme (Padova)

L'intensità e la potenza espressiva degli scatti di Eve Arnold raggiungono sempre livelli di straordinarietà. La fotografa americana ha sempre messo la sua sensibilità femminile al servizio di un mestiere troppo a lungo precluso alle donne e al quale ha saputo dare un valore aggiunto del tutto personale. A questa intensa interprete dell'arte della fotografia, la Casa-Museo Villa Bassi dedica un'ampia retrospettiva, a cura di Marco Minuz, interamente centrata sui suoi celebri ed originali ritratti femminili. Eve Arnold, nata Cohen, figlia di un rabbino emigrato dalla Russia in America, contende ad Inge Morath il primato di prima fotografa donna ad essere entrata a far parte della Magnum. Furono infatti loro due le prime fotografe ad essere ammesse a pieno titolo nell'agenzia parigina fondata da Robert Capa nel 1947.

Un'agenzia prima di loro, riservata a solo grandi fotografi uomini come Henri Cartier Bresson o Werner Bischof. Ed è un caso fortunato che le due prime donne di Magnum siano protagoniste di altrettante retrospettive parallele in Italia. A chiamare Eve Arnold in Magnum fu, nel 1951, Henri Cartier-Bresson, colpito dagli scatti newyorkesi della fotografa. Erano le immagini di sfilate nel quartiere afroamericano di Harlem, a New York. Quelle stesse immagini rifiutate in America per essere troppo "scandalose", vennero pubblicate dalla rivista inglese Picture Post. Chiamata a sostituire il fotografo Ernst Haas per un reportage su Marlene Dietrich, inizia la frequentazione con le "celebreties" di Hollywood e con lo star system americano. Nel 1950 l'incontro con Marylin Monroe, inizio di un profondo sodalizio che fu interrotto solo dalla morte dell'attrice. Per il suo obiettivo Joan Crawford svela i segreti della sua magica bellezza.

Nel 1960 documenta le riprese del celebre film The Misfits, Gli spostati, con Marylin Monroe e Clark Gable, alla regia John Houston e alla sceneggiatura il marito dell'epoca di Marylin Arthur Miller. Trasferitasi a Londra nel 1962, Eve Arnold continua a lavorare con e per le stelle del cinema, ma si dedica anche ai reportage di viaggio in molti Paesi del Medio ed Estremo Oriente. «Paradossalmente penso che il fotografo debba essere un dilettante nel cuore, qualcuno che ama il mestiere. Deve avere una costituzione sana, uno stomaco forte, una volontà distinta, riflessi pronti e un senso di avventura.» Così Eve Arnold definisce la figura del fotografo. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

___ Presentazione di altre rassegne di fotografia in questa pagina della newsletter Kritik

Landscape and Structures | Un inventario personale di Jürg Conzett fotografato da Martin Linsi
termina lo 07 luglio 2019
Teatro dell'architettura dell'Università della Svizzera italiana - Mendrisio (Svizzera)
Presentazione

Fotografia a Torino dal dopoguerra al boom economico
termina il 29 giugno 2019
Biblioteca Civica Villa Amoretti - Torino
Presentazione

Francesco Jodice | Il Corsaro Nero e la vendetta del Gavi
termina lo 07 settembre 2019
Forte di Gavi - Gavi (Alessandria)
Presentazione

Federico Patellani: "Da Monza verso il mondo"
termina il 28 luglio 2019
Arengario - Monza
Presentazione

AA.VV. Dal dagherrotipo al digitale | La fotografia e le sue tecniche
01-30 giugno 2019
MTE Museo della Tecnica Elettrica - Pavia
Presentazione

Intramontabili eleganze | Dior a Venezia nell'archivio Cameraphoto
termina lo 03 novembre 2019
Villa Nazionale Pisani - Stra (Riviera del Brenta)
Presentazione

Nicoletta Giordano | Forme riassunte di sogni
09 maggio (inaugurazione) - 10 giugno 2019
Galleria SpazioFarini6 - Milano
Presentazione

Ugo Galassi | Allegro, non troppo
09 maggio (inaugurazione) - 10 giugno 2019
Galleria SpazioFarini6 - Milano
Presentazione

Photology Air 2019/2020 | Il nuovo parco per l'arte contemporanea in Sicilia
22 giugno - 03 novembre 2019
09 aprile - 27 settembre 2020
Tenuta Busulmone - Busulmone, Noto (Siracusa)
Presentazione

Ketty La Rocca | Appendice per una supplica
termina lo 06 ottobre 2019
Sala 1 GAM - Torino
Presentazione

Kenro Izu: "Seduction"
termina il 31 luglio 2019
Spazio Damiani - Bologna
Presentazione

Obiettivi su Burri | Fotografie e fotoritratti di Alberto Burri dal 1954 al 1993
termina il 12 settembre 2019
Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri (Ex Seccatoi del Tabacco) - Città di Castello (Perugia)
Presentazione

Franco Grignani (1908-1999) | Polisensorialità fra arte, grafica e fotografia
termina il 15 settembre 2019
m.a.x museo - Chiasso (Svizzera)
Presentazione

Ferdinando Scianna: Viaggio Racconto Memoria
termina il 28 luglio 2019
Galleria d'arte Moderna - Palermo
Presentazione

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Un grande balzo lungo 50 anni
28 giugno (inaugurazione) - 29 luglio 2019
Museo Postale e Telegrafico della Mitteleuropa - Trieste

L'esposizione, caratterizzata da una ricca e suggestiva esposizione di modelli aerospaziali in scala incorniciata da una collezione filatelico tematica, è il frutto della collaborazione tra Poste Italiane, il Circolo Culturale Astrofili Trieste, il Centro Regionale Studi di Storia Militare antica e moderna di Trieste, il Centro Italiano di Filatelia Tematica e l'Unione Stampa Filatelica Italiana. Giovanni Chelleri, curatore dell'evento, astrofilo triestino e appassionato di modellismo aereospaziale, attraverso la riproduzione fedele di sonde, missili, satelliti racconterà al visitatore la straordinaria avventura dello sbarco sulla Luna di 50 anni facendo rivivere i momenti salienti dell'avventura vissuta il 20 luglio del 1969 dall'astronauta Neil Armstrong e dagli eroi dell'Apollo 11, primi uomini a mettere piede sul suolo Lunare.

Chelleri, appassionato anche di modellismo e affascinato dall'episodio della conquista della Luna, inizia da subito a stabilire contatti con la Nasa chiedendo le immagini relative alla giornata nello spazio, e a partire da queste inizia a costruirsi i primi modelli con materiali di scarto. Il successo riscosso dalla collezione e la sua passione per lo spazio lo portano nel 1983 a fondare l'Associazione Culturale Astrofili di Trieste, di cui attualmente è vicepresidente, e successivamente ad essere referente per la sezione astronautica del Centro Regionale Studi di Storia Antica e Moderna di Trieste. I suoi modelli sono stati esposti in numerose mostre a livello regionale e nazionale. L'esposizione modellistica spaziale sarà inoltre affiancata da 14 pannelli filatelici tematici realizzati dal Cift, Associazione nazionale che favorisce la diffusione della Filatelia Tematica e dall'Usfi che si occupa dello sviluppo dell'informazione filatelica italiana. Attraverso i francobolli riprodotti su grandi poster, la Luna verrà inserita in contesti che vanno dall'arte alla religione, alla scienza. (Comunicato stampa)

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Mario Alimede: Tracce per la vetta
06 luglio (inaugurazione ore 18.00) - 31 agosto 2019
Centro Visite del Parco Naturale Dolomiti Friulane - Claut (Pordenone)

«(...) La montagna è poesia che sta lì, che da sempre è poesia. La poesia è leggerezza che si fa montagna. Semplicemente speculari.(...) La montagna è di cime e precipizi, è il regno della vertigine, in cui ogni gesto non può per definizione restare allo stesso livello. Le parole della poesia non stanno allo stesso livello, affondano o si verticalizzano.» (Estratto da Le scalate della poesia, di Paolo Venti)

Presentazione mostra

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Landscape and Structures
Un inventario personale di Jürg Conzett fotografato da Martin Linsi con 22 modelli di Lydia Conzett-Gehring

termina lo 07 luglio 2019
Teatro dell'architettura dell'Università della Svizzera italiana - Mendrisio (Svizzera)
www.arc.usi.ch

Le numerose sezioni tematiche presentano un ricco repertorio di infrastrutture del territorio Svizzero, selezionate negli anni dal noto ingegnere progettista Jürg Conzett e documentate assieme al fotografo Martin Linsi. Sono tutte opere contraddistinte dal fatto di aver instaurato un forte legame col proprio paesaggio di riferimento: ponti, passerelle, gallerie, muri di sostegno e passaggi, manufatti dunque che fungono da comunicazione e collegamento, progettate e realizzate dalla fine del '700 fino ad oggi dai nomi di spicco della grande tradizione ingegneristico/costruttiva svizzera, da Karl Etzel a Robert Maillart, da Alexandre Sarrasin a Rino Tami e allo stesso studio Conzett Bronzini Partner AG di Coira.

L'interesse si rivolge principalmente a opere di ingegneria che rivelano ambizioni architettoniche, e che suscitano riflessioni di ordine estetico-architettoniche in chi le osserva. Pensata originariamente per il Padiglione Svizzero della 12. Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia, dal 2010 ad oggi la mostra è stata via via integrata da nuovi soggetti, come nel caso della sezione dedicata al progetto del "Trutg dil Flem": un nuovo sentiero escursionistico che si snoda lungo il torrente Flembach a Flims, per il quale Jürg Conzett ha contribuito a definire il tracciato ed ha concepito e realizzato una serie di ponti pedonali. La mostra è inoltre arricchita da filmati e da una serie di 22 modelli lignei dei ponti realizzati da Jürg Conzett assieme a Gianfranco Bronzini durante la loro carriera di ingegneri progettisti.

Le 160 fotografie in bianco e nero di grande formato presenti in mostra sono il risultato di una serie di escursioni attraverso la Svizzera portate a termine da Jürg Conzett e Martin Linsi nel corso del 2010. L'esposizione è ordinata secondo l'ordine cronologico delle campagne fotografiche: dal paesaggio invernale del Sittertobel tra San Gallo e Herisau alle immagini scattate all'inizio dell'estate successiva al Sustenpass. (...) L'esposizione racconta dei manufatti che hanno costituito un particolare significato nella formazione professionale di Jürg Conzett. In tal senso la selezione delle opere esposte è soggettiva e senza alcuna pretesa di ordine compilativo o esaustivo del panorama delle infrastrutture svizzere. Completa la mostra un ricco portfolio consultabile che racchiude documenti tecnici, bollettini e articoli descrittivi e scientifici dedicati agli oggetti in mostra, raccolti sistematicamente da Jürg Conzett. (Comunicato stampa)

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De Pictura
Adelisa Selimbasic - Stefano Invernizzi

termina il 27 luglio 2019
Galleria Gare82 - Brescia
www.gare82.net

Il titolo della mostra rimanda immediatamente al celebre trattato di Leon Battista Alberti, datato 1435, in cui l'umanista fissava le regole stilistiche e matematiche alle quali la pittura avrebbe dovuto attenersi per poter essere definita pura. Il salto temporale per arrivare sino ad oggi sembra enorme ma si restringe non appena ci si accorge che quelle stesse regole sono state un punto di riferimento per oltre quattrocento anni. Macchiaioli e impressionisti di fine '800 davano i primi segnali di un voler andare oltre queste regole ma è, ovviamente, nel '900 che tutto viene stravolto: la figura è reinterpretata, distorta e poi abbandonata a favore del concetto, dell'intenzione, dell'astrattismo. Ciò che si rincorre durante il secolo scorso è il nuovo, il futuro e si cerca di relegare in un angolo la pittura figurativa, tacciata di anacronismo.

È pensiero diffuso - per ragioni che non si intende discutere qui - che avesse smesso di essere innovativa e vitale, fino a quello che negli anni '80 è definito "ritorno alla pittura": ma non c'è nessun ritorno, la pittura non se n'è mai andata. La differenza è che oggi l'artista non vive più nell'angoscia di dover raggiungere il futuro, oggi vive l'oggi, hic et nunc. È libero di creare senza dover dimostrare di essere d'avanguardia. Ne sono una testimonianza le opere di Adelisa Selimbasic e Stefano Invernizzi ai quali è dedicata la mostra: entrambi giovani artisti, praticano il figurativo in modo diametralmente opposto. Adelisa Selimbasic attualmente frequenta l'Accademia di Belle Arti di Venezia e ha modo di sperimentare, confrontarsi con altri artisti. La sua è un'essenza creativa in continuo divenire, fluida come i tratti che caratterizzano le sue tele: le figure sono riconoscibili ma non definite, i colori sembrano voler porre l'accento sulle ombre piuttosto che sulle luci, creando atmosfere silenziose e sospese che emergono da sfondi cupi.

Lo sguardo si muove lento come in una penombra, si abitua e scorge pian piano nuovi particolari. Dall'altra parte troviamo Stefano Invernizzi. Artista autodidatta, ritrae oggetti d'uso comune, immediatamente riconoscibili, con cui interagiscono figure umane lillipuziane, creando scenari inaspettati e non negando la sua ammirazione per quel che è stato il surrealismo. Lui lo sfondo lo sceglie bianco, senza orizzonte, vuoto. L'immagine è così slegata e libera di muoversi nel subconscio di chi la osserva. Un oggetto anonimo si trasforma in un paesaggio, un luogo in cui qualcosa è accaduto e Invernizzi ci riporta lì. Al contrario dell'essere superata, la pittura figurativa riesce a dimostrare quanto sia centrale il suo ruolo nel panorama artistico attuale nonché quanto sia innovativa proprio per le sue insite innumerevoli potenzialità espressive che non smettono di esaurirsi e di meravigliare. Qui è la sua bellezza. (Federica Picco)

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Cinema in Bikini
Italiani al mare: manifesti 1949-1999

termina il 17 luglio 2019
Terrazza a Mare - Lignano Sabbiadoro (Udine)

La città di Lignano Sabbiadoro festeggia il 60° anniversario dell'istituzione del Comune e inaugura l'apertura della stagione estiva con l'inedita e divertente mostra, a cura di Andrea Tomasetig ed Enrico Minisini. L'esposizione, grazie alla nutrita e prestigiosa Collezione Minisini, di cui vengono proposti un centinaio tra manifesti, locandine e fotobuste, offre uno spaccato dell'Italia e degli italiani dalla metà del Novecento alle soglie del nuovo millennio attraverso il filone tutto made in Italy del cosiddetto "cinema balneare". Osservando i materiali pubblicitari dei film dal 1949 al 1999, è possibile scoprire vere e proprie opere d'arte della "scuola italiana del manifesto cinematografico", come la definisce Stefano Salis, tra le più importanti e riconoscibili a livello internazionale, a firma di grandi "pittori del cinema" come Enrico De Seta, Sandro Symeoni, Nano (Silvano Campeggi), Anselmo Ballester, Angelo Cesselon, Alfredo Capitani, Giorgio Olivetti, Renato Casaro per citare alcuni nomi presenti in mostra, nonché stimolare una riflessione sul ruolo del manifesto cinematografico, richiamo primario per l'occhio e la curiosità del potenziale spettatore.

Il linguaggio pittorico, da un lato semplice e immediato per essere recepito dall'ampio pubblico, sa anche raggiungere punte di alta raffinatezza, sia nelle allusioni che nella mano felice del proprio autore, venendo così a costituire una parte importantissima dell'immaginario visivo italiano. "L'originale mostra - dichiara Andrea Tomasetig - è l'occasione per riscoprire, oltre a un filone di successo del cinema popolare con attori e attrici famosi come protagonisti, grafici di valore e un capitolo della storia sociale e del costume in Italia, dal secondo dopoguerra alla fine del '900". Al centro della rassegna la sezione dedicata agli anni Cinquanta e Sessanta, età di un più diffuso benessere, del "boom economico", fervida per la commedia all'italiana: sono gli anni della Tv, dei grandi elettrodomestici, della Fiat 500 e delle località balneari, dalla Riviera adriatica a Ischia, Capri e Taormina.

Tutti gli attori famosi e i divi più popolari, da Alberto Sordi - che prenderà una casa proprio a Lignano in località Pineta - a Ugo Tognazzi, Walter Chiari, Aldo Fabrizi, Totò, Franco e Ciccio, Raimondo Vianello, Vittorio Gassman e molti cantanti in voga, come Mina, Ornella Vanoni, Jimmy Fontana, Miranda Martino, Gianni Meccia, Enrico Polito chiamati a interpretare i "tormentoni" dell'estate - uno su tutti Pinne fucile ed occhiali di Edoardo Vianello nel film Canzoni in bikini di Giuseppe Vari del 1963 - sono presenze importanti in queste pellicole, che via via definiscono i personaggi tipici del bagnino, del commendatore donnaiolo, della ragazza in cerca di marito, delle mogli al mare e dei mariti in città, all'insegna di umorismo e comicità.

Con gli anni Settanta il filone balneare si evolve. Poi nei cinepanettoni, tipici dei fratelli Vanzina, anni Ottanta e Novanta, e nella comunicazione si passa dal manifesto disegnato a quello fotografico, così come dal bikini si arriva al topless. Il percorso espositivo termina quindi con la locandina di un film simbolo della società italiana in vacanza al mare a metà anni Novanta: Ferie d'agosto del 1996 di Paolo Virzì. La mostra "è uno specchio dell'Italia che cambia visto dalla spiaggia", sostiene Enrico Minisini, ma anche un invito "a gettare uno sguardo curioso e indagatore su un fenomeno di massa, che contribuisce a costruire la storia collettiva dell'Italia". Un'Italia che ha voglia di leggerezza, di divertimento, di ridere.

La mostra è organizzata dalla Città di Lignano Sabbiadoro, Assessorato alla Cultura, Biblioteca Comunale e realizzata dall'Associazione Culturale "Noi... dell'Arte" in collaborazione con Creval; l'allestimento è a cura di Leo Guerra e Cristina Quadrio Curzio. Approfondisce l'esposizione un catalogo con testi di Stefano Salis e dei curatori Andrea Tomasetig e Enrico Minisini, che illustra l'importante e significativa Collezione Minisini in relazione alla tematica del cinema balneare. (Comunicato ufficio stampa IBC Irma Bianchi Communication)

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* Mariti in città (1957), Brevi Amori a Palma di Maiorca (1959), Tipi da spiaggia (1960)
Locandine dei film

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Guido Morelli: "Forse un'isola"
06 luglio (inaugurazione ore 18) - 04 agosto 2019
Museo della Marineria 'Alberto Gianni' - Viareggio (Lucca)

In esposizione un ciclo di recenti oli su tela. Si tratta di raffinati lavori dall'impronta materica, nei quali sono raffigurati sintetici paesaggi marini: questi ultimi non sono però evocazioni di luoghi reali, bensì composizioni in cui ciò che conta è la ricerca di una forma fondata su un gioco di rispondenze e su un equilibrio di spazi. Quella di Morelli è una pittura 'mentale', in cui è accentuata la dimensione della memoria: l'artista si concentra su un linguaggio psicologico del dipinto, allontanandosi dagli aspetti descrittivi e mirando a una pura fusione di cromatismi e luminosità. Guido Morelli (La Spezia, 1967) ha all'attivo un nutrito curriculum espositivo, con numerose personali e collettive in tutta Italia e all'estero.

Tra i più significativi riconoscimenti alla sua pittura si segnala l'acquisizione di opere di grandi dimensioni da parte della Scuola Normale Superiore di Pisa nel 1998 e del MIM Museum in Motion di Castello di San Pietro in Cerro (Piacenza) nel 2008. La mostra, patrocinata dal Comune di Viareggio, è inserita nel ciclo di eventi "Il mare in bottiglia", curato dall'Associazione Amici del Museo della Marineria di Viareggio. E' organizzata in collaborazione con la galleria Mercurio Arte Contemporanea di Viareggio ed è corredata di catalogo con testo critico di Rosella Tiadina. (Comunicato stampa)

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Alberto Boatto
New York 1964 New York

19 giugno - 24 luglio 2019
Galleria Edieuropa - Roma
www.galleriaedieuropa.it

.. 18 giugno 2019
Presentazione del volume postumo di Alberto Boatto New York 1964 New York, a cura di Carlotta Sylos Calò, edito da Alberto Gaffi per la Casa Editrice Italo Svevo, Trieste.

Alberto Boatto, recentemente scomparso, è uno dei personaggi più originali della critica d'arte in Italia dell'ultimo mezzo secolo, sin dai primi anni Sessanta si è dedicato a importanti studi sulle Avanguardie del primo Novecento - Dadaismo, New Dada e Pop Art -, sui caratteri estetici e culturali del mondo moderno, dalle sue origini ottocentesche in avanti, oltre ai saggi sulle tendenze più recenti delle arti visive.

Il libro New York 1964 New York è il racconto di un viaggio che ci trasporta nella New York degli anni Sessanta. Nel magico momento del fenomeno della Pop Art, Boatto si reca nella "Grande Mela" per incontrare gli artisti che in quegli anni stavano radicalmente cambiando l'arte e le sue creazioni. Visita gli studi di Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, ha modo di studiare le opere di Andy Warhol, George Segal e Jim Dine, frequenta l'ambiente artistico delle gallerie di Leo Catelli e Sidney Janis. La somma di queste esperienze portano Boatto a scrivere il suo libro più noto, Pop art in U.S.A. (1967). Come sottolineato dalla curatrice Carlotta Sylos Calò, si tratta di "Un viaggio seminale; è soprattutto il diario di un'esperienza estetica e umana all'indomani della quale Boatto preciserà le sue intuizioni comprendendo il realismo da grande narrazione epica dell'arte americana, grazie agli incontri fatti, alle opere viste negli studi e, più di tutto, alla vita della città".

In mostra una selezione di opere degli artisti con cui Boatto ha lavorato nel corso della sua lunga attività di critico: Franco Angeli, Mario Schifano, Tano Festa, Mario Ceroli, Pino Pascali, Claudio Cintoli, Luca Maria Patella, Concetto Pozzati, Gastone Novelli, Jim Dine, Roy Lichtenstein e Jannis Kounellis. Artisti con cui la galleria ha da sempre collaborato e di cui Boatto ha scritto anche nei vari numeri della storica rivista "QUI arte contemporanea", edita dall'allora Editalia - oggi Galleria Edieuropa. (Comunicato stampa)

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Creature reali e fantastiche evocatrici di simbologie e leggende
Rotazione di dipinti giapponesi su rotolo verticale

dal 18 giugno 2019
Museo d'Arte Orientale - Torino
www.maotorino.it

Esposizione dei kakemono, classici dipinti giapponesi su rotolo verticale. La necessità di mettere a riposo periodicamente le opere più delicate - come quelle in carta o seta - offre l'occasione per rendere visibile al pubblico, a rotazione, tutta la collezione di opere del Museo. Già dal XII secolo gli artisti giapponesi hanno dato prova di una straordinaria abilità nel rendere l'aspetto, le espressioni e i comportamenti degli animali, reali e fantastici, che fin dai tempi antichi popolano l'arcipelago e i suoi racconti tradizionali. La nuova rotazione di kakemono, i dipinti su rotolo verticale, trae spunto da questa ricca produzione presentando una selezione di creature della terra, dell'acqua e dell'aria in grado di evocare precisi significati, simboli e leggende.

Nel dittico di scuola Kano esposto, il drago, protettore dell'Est e della primavera, dialoga con la tigre, emblema dell'Ovest e dell'autunno: l'abile gioco di pennellate a inchiostro concretizza l'abbinamento propizio di tali forze complementari, dominatrici di cielo e terra. A volgere lo sguardo al cielo è la coppia di conigli protagonista del dipinto di Maruyama Oshin (1791-1839): sono i conigli lunari, associati alla festa di metà autunno, quando, secondo la leggenda, è possibile scorgere sulla faccia della Luna la forma di un coniglio intento a preparare il dolce tradizionale mochi. L'associazione del coniglio con la Luna rinvia anche alla figura della principessa lunare, da cui la trasposizione moderna Sailor Moon, protagonista di un cartone animato popolare in Italia.

La coppia di carpe del celebre Maruyama Okyo (1733-1795) pare prendere vita, tanto è dettagliata la resa delle squame. Non è solo una questione di stile: la carpa, in giapponese koi, rinvia alla parola omofona che significa "amore", e l'associazione simbolica è rafforzata dalla scelta di presentare l'animale in coppia. Altrettanto fine è il dettaglio delle zampe della coppia di gru di Kawamura Bunpo (1779-1821), artista della scuola naturalista Shijo, nelle cui opere la tradizione tematica giapponese si coniuga con la ricerca di effetti realistici ispirati all'Occidente. L'augurio di longevità convogliato tradizionalmente da questa creatura si unisce all'auspicio di pace e speranza, di cui la gru è divenuta simbolo dopo la seconda guerra mondiale. Nel corridoio che ospita le stampe policrome sarà presentata una selezione di ukiyo-e, il cui nucleo centrale è costituito da ritratti di famosi attori di teatro kabuki ad opera di Utagawa Kunisada (Toyokuni III, 1786-1864). (Comunicato stampa)

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Nella Marchesini
La vita nella pittura. Opere dal 1920 al 1953

27 giugno - 29 settembre 2019
Wunderkammer GAM Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea - Torino
www.gamtorino.it

Il percorso di Nella Marchesini (Marina di Massa, 1901 - Torino, 1953) attraversa l'arte della prima metà del Novecento: arricchisce con la sua cifra e voce peculiare il dialogo di questa intensa stagione della pittura italiana, alimentando il versante di ricerca delle donne artiste attive in quegli anni. Vita e pittura: l'arte, scrive Nella Marchesini, è la "stella polare", una dedizione costante, difesa dalle "incombenze" della quotidianità e armonizzata con "la vita di affetti". Nella Marchesini si trasferisce a Torino durante la Grande guerra. Con le sorelle Maria e Ada Marchesini, appartiene alla cerchia intellettuale dei giovani raccolti intorno a Piero Gobetti e alle sue riviste. È legata ad Ada Prospero, moglie e poi vedova di Gobetti, partigiana, sposata con Ettore, uno dei fratelli Marchesini. È amica di Carlo Levi, non ancora pittore, e dei futuri letterati e storici Natalino Sapegno, Edmondo Rho e Federico Chabod. È la prima allieva di Felice Casorati, la capostipite della sua Scuola libera di pittura, dove lavorerà fianco a fianco a molte compagne e compagni, fra i quali Lalla Romano, Paola Levi Montalcini, Daphne Maugham, Albino Galvano, Marisa Mori.

La scuola di Casorati è un "chiostro", come lo definirà l'artista stessa, lo spazio di un apprendistato severo e disciplinato e, allo stesso tempo, un luogo aperto, frequentato da amici e personalità come Mario Soldati, Giulio Carlo Argan e Italo Cremona. Il matrimonio, nel 1930, con Ugo Malvano, pittore di formazione parigina, estenderà il raggio delle sue referenze, aprendo il consueto lavoro in atelier, basato sulla lezione degli antichi maestri e concentrato sulla figura e sulla natura morta, a quello dell'arte e dei paesaggi della modernità internazionale. La mostra presenta un gruppo di trenta opere, fra dipinti e disegni, scelti per ricostruire le stagioni dell'arte di Nella Marchesini e le tappe di una carriera espositiva scandita dalla partecipazione alla Biennale di Venezia e alla Quadriennale di Roma e dalle presenze nelle gallerie private di Torino, Milano, Genova e Firenze

Dal Ritratto del padre del 1923 a Tre donne del 1952, le opere accompagnano il visitatore lungo un tragitto che mette in luce, attraverso il mutare della materia pittorica, le evoluzioni e le ricorrenze dei temi iconografici, dei soggetti e delle fonti. La predominanza dell'autoritratto, nelle diverse fasi dell'esistenza, offre il senso e la chiave di una pittura esercitata nella forma della narrazione e dell'autobiografia. Le lettere, le cartoline, le fotografie d'epoca, i volumi e alcune pagine degli scritti dell'artista, conservati nell'Archivio Malvano-Marchesini, completano la mostra, fornendo una mappa di documenti personali che racconta, in parallelo, la Torino fra gli anni venti e cinquanta del Novecento.

La mostra riunisce dipinti provenienti da collezioni private a quelli del significativo nucleo della GAM di Torino, entrati nel museo con un'acquisizione del 1954 e grazie alla generosa donazione degli eredi Malvano-Marchesini, accolta da Rosanna Maggio Serra nel 1978. La mostra personale è dunque concepita anche come occasione per valorizzare il ricco patrimonio della GAM. Curata da Giorgina Bertolino e Alessandro Botta, autori nel 2014 del Catalogo generale dedicato all'artista, la mostra è accompagnata dal catalogo espositivo con i testi dei curatori, le opere in mostra e un ricco apparato biografico e documentario. Il volume è edito da Silvana Editoriale (Cinisello Balsamo, Milano, 2019). (Comunicato stampa)

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Carlo Fornara
Alle radici del Divisionismo (1890-1910)

termina il 20 ottobre 2019
Casa De Rodis - Domodossola

La retrospettiva, curata da Annie-Paule Quinsac, si focalizza in modo diretto sui due decenni che intercorrono tra il 1890 ed il 1910, gli anni di maggiore creatività e capacità innovativa del maestro di cui ricorre il cinquantenario della scomparsa. In mostra, una importantissima selezione di tele (alcune delle quali oggetto di interventi di restauro realizzati proprio in funzione della loro esposizione in questa mostra), affiancate da una sezione riservata ai disegni del maestro. Gli anni Novanta dell'Ottocento furono per lui stagione formativa sotto la guida del maestro Carlo Cavalli, erede spirituale del marsigliese Adolphe Monticelli. "Anni anche di personale affermazione, quando, fatti propri gli impasti monticelliani, Fornara elabora un linguaggio luminista di pittura materica a spatola e pennellate a effetto smalto", annota la curatrice Annie-Paule Quinsac.

"Questa 'prima maniera' sarà destinata a mutare per lo sconvolgente incontro/confronto con il Simbolismo di Giovanni Segantini, cui va a fare da assistente nell'agosto 1898 a Maloja in Engadina e la cui imprevedibile scomparsa all'apice della gloria, l'anno dopo, nel settembre 1899 sullo Schafberg, lo scuote nel profondo, segnando l'animo e il procedere di giovane adepto". Nel primo decennio del nuovo secolo, il Novecento, Fornara mostra una pittura dagli esiti europei e internazionali. Con opere, molte delle quali proposte in mostra (Chiara pace, L'aquilone, Fontanalba, Ombre e luci, per citare solo le più note), caratterizzate dalla sperimentazione divisionista, che, superando via via l'influenza dei temi e della visione segantiniana, giunge ad un modo assolutamente originale per trasporre nelle tele l'amena bellezza della Valle Vigezzo "restituita nella duplice natura di poesia e forza insieme", sottolinea la curatrice.

Carlo Fornara (Prestinone, 1871), da una umile famiglia contadina, grazie al precoce talento, ebbe accesso ai corsi di pittura, disegno e ornato presso la locale scuola d'arte Rossetti Valentini di Santa Maria Maggiore. Qui strinse rapporti di amicizia con altri futuri pittori come Giovanni Battista Ciolina, Gian Maria Rastellini e Lorenzo Peretti Junior, tutti allievi di Enrico Cavalli, grande conoscitore dell'arte francese di quell'epoca. Nella primavera del 1891 espose alla Prima Triennale di Brera, occasione per entrare in contatto con le nuove istanze divisioniste. Tra il 1894 ed il 1895, a Lione Fornara si avvicina alla corrente pittorica del Neoimpressionismo, che si manifesta nell'opera En plein air, rifiutata nel 1897 dalla terza Biennale di Brera, ma apprezzata da Giuseppe Pellizza da Volpedo e Giovanni Segantini, due dei maggiori esponenti della corrente divisionista.

E' del 1899 la sua partecipazione alla terza Esposizione internazionale d'arte di Venezia. Entrato in contatto con Alberto Grubicy de Dragon, titolare della Galleria Grubicy e fratello del promotore del Divisionismo a livello europeo, il mercante d'arte e pittore lui stesso Vittore Grubicy de Dragon, fu molto apprezzato da entrambi e messo in contatto con Segantini, che volle il giovane artista come suo assistente, per l'Esposizione di Parigi del 1900. Grazie al patrocinio dei Grubicy, Fornara fu presente alle maggiori esposizioni pittoriche nazionali ed internazionali di quegli anni. Gradualmente, l'adesione alla scuola divisionista iniziò ad indebolirsi intorno agli anni Venti, quando l'artista iniziò una sua ricerca pittorica con uno stile del tutto personale. A partire dal 1922, scelse la sua amata Val Vigezzo, dove continuò a dipingere sino alla morte avvenuta nel 1968. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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"Infinito Leopardi"
29 giugno - 03 novembre 2019
Villa Colloredo Mels - Recanati
www.infinitorecanati.it

Proseguono le celebrazioni per il bicentenario dalla stesura de L'Infinito di Giacomo Leopardi. A Recanati, il 29 giugno, nel giorno del compleanno del poeta recanatese, inaugura il secondo ciclo di mostre del progetto "Infinito Leopardi" che animeranno la programmazione culturale della stagione estiva. A Villa Colloredo Mels fino al 3 novembre due mostre che ruotano intorno all'espressione dell'infinito nell'arte in un percorso sensazionale dall'epoca romantica ad oggi: "La fuggevole bellezza. Da Giuseppe De Nittis a Pellizza da Volpedo" a cura di Emanuela Angiuli e "Interminati spazi e sovrumani silenzi. Giovanni Anselmo e Michelangelo Pistoletto" a cura di Marcello Smarrelli. Dopo la fotografia di Mario Giacomelli e la poesia, con l'esposizione straordinaria del manoscritto del 1819 de L'Infinito, l'arte torna ad essere protagonista a Villa Colloredo Mels, aprendo una porta dopo l'altra verso un mondo visibile e infinito. In mostra grandi artisti, come Giuseppe De Nittis, Emile René Ménard, Plinio Nomellini, Gaetano Previati, Amedeo Bocchi, Ettore Tito, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giovanni Anselmo e Michelangelo Pistoletto.

L'indagine sull'infinito comincia in età romantica con la pittura del paesaggio che riflette lo stato emotivo dell'artista osservatore e torna di relativa attualità nell'arte contemporanea, seguendo la necessità di staccarsi dalla quotidianità alla ricerca della propria spiritualità. A duecento anni dalla stesura de L'infinito di Leopardi la mostra vuole essere una riflessione sull'infinitezza nell'arte, un viaggio attraverso opere straordinarie con lo sguardo "al di là della siepe"."Infinito Leopardi" è un progetto promosso dal Comitato Nazionale per le celebrazioni del bicentenario de L'Infinito di Giacomo Leopardi, istituito dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, con la partecipazione di Regione Marche, Comune di Recanati, Centro Nazionale Studi Leopardiani, Casa Leopardi, Centro Mondiale della Poesia e della Cultura, Università degli Studi di Macerata e Sistema Museo. (Comunicato stampa Ufficio stampa Recanati Sistema Museo)

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"Ego Marcus Paulo volo et ordino"
Il testamento di Marco Polo

termina il 15 settembre 2019
Mao Museo d'Arte Orientale - Torino

Scritto su una pergamena di pecora nel 1324, il testamento racchiude l'anima del viaggiatore veneziano. Aveva beni di ogni natura, comprese alcune merci esotiche, portate dai suoi viaggi nelle lontane terre d'Oriente. E in punto di morte, reso fragile dalla malattia, Marco Polo ha voluto continuare a stupire anche con le proprie disposizioni testamentarie. Donazioni alla chiesa per salvarsi l'anima, la liberazione dello schiavo, l'eredità per la moglie e alle figlie in un momento storico nel quale si lasciava tutto al ramo maschile. Un elenco fatto di proprietà ma anche di oggetti favolosi: bottoni di ambra, stoffe traforate in oro, drappi di seta, redini di foggia singolare, persino il pelo di yak e una "zoia" in oro con pietre e perle del valore di "14 lire di danari grossi". Documento che, forse meglio di ogni altro, racconta l'umanità di Marco Polo, epico viaggiatore veneziano che ora svela anche la sua parte più intima.

A pubblicare la preziosa reliquia storica, dopo un lunghissimo lavoro, è Scrinium, organizzazione veneziana che ha fatto della conservazione del patrimonio culturale mondiale una missione. La ricerca del documento è iniziata alla Biblioteca Nazionale Marciana di Venezia, dove si conserva fin dalla prima metà dell'Ottocento la pergamena su cui Marco Polo (1254-1324), dal suo letto di morte, dettò le sue volontà. Il testamento fu redatto dal prete-notaio Giovanni Giustinian il 9 gennaio 1323, secondo il calendario romano all'epoca ancora vigente nella Repubblica Serenissima che faceva coincidere l'inizio dell'anno con il primo di marzo, e quindi corrispondente al 1324.

La pergamena è stata ritrovata nel codice marciano Lat. V, 58-59, che raccoglie anche i testamenti del padre Niccolò e dello zio Matteo, compagni di Marco nel lungo viaggio alla corte di Kublai Khan del 1271. Un documento, questo, che il mondo accademico si è conteso per anni: studiarlo era un onore. Ma i rischi di danni per l'usura erano gravi. Così nel 2016, il Ministero dei Beni e delle Attività Culturali, la Biblioteca Nazionale Marciana e Scrinium hanno avviato un progetto congiunto per realizzare un clone perfettamente corrispondente all'originale. "La prima fase è stata quelle delle indagini bio-chimico-fisiche sulla pergamena nel laboratorio di conservazione e restauro della biblioteca veneziana", spiega Ferdinando Santoro, presidente di Scrinium. "Sono state realizzate le analisi delle caratteristiche chimico-fisiche da parte di un'équipe di specialisti in microbiologia, un approfondito studio paleografico e rilievi ad alto contenuto tecnologico.

Contestualmente, il professor Attilio Bartoli Langeli, paleografo di fama internazionale, ha realizzato la prima edizione diplomatica corretta e completa del testo. Il testamento è stato quindi consegnato per il restauro all'Icrcpal, l'Istituto centrale per il restauro e la conservazione del patrimonio archivistico e librario di Roma. Quindi è intervenuta Scrinium per le fasi di rilievo e le successive riprese ad altissima definizione sui documenti". L'inedita edizione del testamento contiene un'accuratissima riproduzione del documento, certificato con firma autografa del direttore della Biblioteca Nazionale Marciana, insieme alle preziose edizioni diplomatica e interpretativa, curate dal professor Bartoli Langeli, e ad un volume di approfondimento storico-scientifico a cura di Tiziana Plebani con contributi di illustri storici e specialisti della materia. (Comunicato stampa)

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Odile Chalmin | Bernard Merces
termina il 27 giugno 2019
Galleria d'Arte Contemporanea Wikiarte - Bologna
www.wikiarte.com

L'arte poggia le sue fondamenta sul saper osservare e il saper ascoltare, attività diverse ma complementari. Dare ascolto comporta per traslato la possibilità di essere ascoltati, di entrare in relazione con l'altro, come se ci si trovasse davanti a uno specchio capace di rispondere alle nostre più intime domande. Tra chi opera e chi guarda, mettendosi in ascolto delle proprie emozioni più profonde, si instaura un dialogo complesso e articolato che, coinvolgendo anche l'opera prodotta, può favorire le condizioni ideali per la nascita di nuove realizzazioni, possibili solo alla luce di una continua ricerca di scambio che sia anche emozionale. L'incontro tra Bernard Merces e Odile Chalmin è un incontro costante: i due artisti, che vivono e lavorano insieme, se pur in spazi diversi, condividono una dimensione di confronto che rivela un desiderio espressivo comune.

Quotidianamente, l'arte sgorgata dall'inconscio di Odile, intensa e emozionale, si affianca alla sintesi visiva di Bernard, carica di suggestioni derivanti dall'equilibrio delle forme. Similitudini e differenze si alternano sul piano personale e artistico, valorizzandosi e arricchendosi a vicenda ma rimanendo indipendenti, fino al giorno in cui una fotografia di Bernard, in un'occasione casuale, si affianca alla pittura di Odile, che solo apparentemente gli si discosta (...) Da quel momento, durante il quale gli artisti si rendono conto della possibilità per le opere pittoriche e fotografiche di convivere con armonia, ha inizio un progetto di dialogo analogico sviluppato dalla coppia di artisti su tre piani: estetico, cromatico, tematico.

È l'incontro singolare tra due personalità, due forme di espressione differenti, due modi diversi di recepire il mondo. Il discorso artistico viene pazientemente articolato intorno a un soggetto comune: la relazione. Il risultato proposto al pubblico favorisce una riflessione sui linguaggi artistici e sulle infinite possibilità emozionali che questi possono originare. Odile e Bernard sanno guardare oltre la realtà per addentrarsi nel sentimento e le sue infinite sfaccettature, invogliandoci a fare altrettanto: un invito che ognuno di noi è caldamente invitato a raccogliere. (Francesca Bogliolo)

___ Presentazione di altre mostre a Bologna in questa pagina della newsletter Kritik

Jean François Migno | La forza del colore
termina lo 08 settembre 2019
Museo Civico Medievale - Bologna
Presentazione

Kenro Izu: "Seduction"
termina il 31 luglio 2019
Spazio Damiani - Bologna
Presentazione

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Il Kouros ritrovato
08 giugno - 03 novembre 2019
Museo Civico di Castello Ursino - Catania

Il Kouros, statua greca con funzione funeraria o votiva, raffigurante un giovane, era molto diffusa nel periodo arcaico e classico, tra il VII e il V secolo a.C. Una nuova opera si aggiunge così alla statuaria della Sicilia greca: il Kouros di Leontinoi. Il torso del Kouros di Lentini e la Testa Biscari, assemblati, saranno in mostra a Catania, seconda tappa dell'esposizione dopo l'inaugurazione palermitana. La "Testa apollinea" rinvenuta nel Settecento da Ignazio Paternò Castello principe di Biscari e conservata oggi nel Museo di Castello Ursino, si ricongiunge con il torso di efebo acefalo acquisito nel 1904 da Paolo Orsi e conservato nel Museo Archeologico Regionale di Siracusa che porta il suo nome.

L'idea lanciata dal critico d'arte Vittorio Sgarbi e dal Sindaco di Catania, si è concretizzata grazie all'impegno dell'ex Assessore ai Beni Culturali della Regione Sebastiano Tusa che, con la Fondazione Sicilia, ne ha promosso l'intervento di restauro eseguito dalla ditta Siqilliya, presentandolo per la prima volta a Palermo nella Sala della Cavallerizza di Palazzo Branciforte. La seconda tappa espositiva del progetto, appositamente ideata da Civita Sicilia per la sede di Castello Ursino, prevede un arricchimento e una rilettura del Kouros attraverso un allestimento dalle forti suggestioni e soluzioni illuminotecniche originali.

Il progetto di valorizzazione del Kouros, è stato curato da Sebastiano Tusa prima della prematura scomparsa, per restituirne l'integrità, risolvendo la querelle che da anni impegna la comunità scientifica in supposizioni e ipotesi sull'effettiva pertinenza dei due reperti a unica statua di età arcaica. Imprescindibile presupposto per l'iniziativa di ricongiungimento sono state le indagini petrografiche e geochimiche promosse dall'associazione LapiS (Lapidei Siciliani) già nel 2011, grazie alle quali si può affermare che entrambi gli elementi sono stati ricavati da uno stesso blocco di marmo, prelevato nell'isola greca di Paros. La Sicilia non dispone di materiali lapidei paragonabili a un così pregevole marmo bianco a grana media, i blocchi di marmo pario venivano pertanto imbarcati nell'isola delle Cicladi per raggiungere i porti delle città siceliote dove li attendevano le botteghe di scultori dalle comuni radici culturali. Per il ricongiungimento dei due reperti con sistemi reversibili si è utilizzato il foro già esistente alla base della testa, troncata nettamente nel Settecento, colmando "la brevissima lacuna" con una protesi in materiale plastico ad alta resistenza appositamente progettata e prototipata.

Un intervento di pulitura ha inoltre permesso la rimozione dei depositi e delle incrostazioni che occultavano la tonalità della superficie marmorea della parte posteriore e dei fianchi del torso, per un riequilibrio delle variazioni tonali che ne permette di apprezzarne pienamente i valori materici. Dopo l'esposizione di Palermo e Catania, l'opera, seguendo il filo della ricerca di Sebastiano Tusa che considerava il ricongiungimento un vero e proprio nuovo ritrovamento archeologico, continuerà a essere concepita come una realtà unitaria, non più come due distinti reperti conservati in musei diversi. Il Kouros ritrovato sarà successivamente trasferito al Museo archeologico Paolo Orsi di Siracusa, dove un convegno internazionale concluderà l'evento. L'iniziativa è promossa dalla Regione Siciliana, dal Comune di Catania - Assessorato alle Attività e beni culturali, dalla Fondazione Sicilia, in collaborazione con, Associazione Lapis, Siqilliya srl. L'organizzazione e la promozione sono state affidate a Civita Sicilia. (Comunicato stampa Opera Laboratori Fiorentini/Civita)

La Trinacria | Storia e Mitologia Sicilia e Grecia

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Carlo Sciff: "Repetita iuvant"
27 luglio (inaugurazione ore 18.30) - 03 agosto 2019 (Opere in permanenza fino al 15 settembre 2019)
Il Forte Arte - Forte dei Marmi (Lucca)
www.ilfortearte.it

Cultura e società, antropologia, storia, moda e religione, letteratura e aneddotica: la ricerca pittorica di Carlo Sciff affonda le proprie radici in un panorama vario e diversificato, che l'artista ligure osserva con costante curiosità, facendo uso di costruttiva ironia per definire il carattere culturale del nostro tempo. Il titolo della mostra curata da Francesco Mutti - "Repetita iuvant" - allude alla necessità di "leggere" accuratamente l'opera d'arte per evitare fraintendimenti e superficialità. I lavori di Carlo Sciff presuppongono, infatti, diversi livelli di interpretazione: una prima lettura epidermica e votata alla semplicità; una seconda lettura legata alla comparazione letteraria/culturale tra impianto visivo e titolo; una terza lettura basata proprio sull'inossidabile motto latino, in grado di chiarire con sferzante verità quale sia il reale punto di vista dell'autore.

«Assimilabile alla corrente Neo Pop nella sua frangia più minimale e culturalmente rilevante - scrive il curatore - il lavoro di Carlo Sciff propone una buona dose di (auto)critica costruttiva e consapevole, leggera e raffinata, con la quale interpretare, comprendere e assimilare la visione di un Paese, il nostro, per molti versi ora sul gradino più alto del podio, ora sull'orlo del precipizio». Il percorso espositivo comprende una decina di opere ad acrilico e smalto su compensato multistrato, tutte realizzate dal 2015 al 2018. L'esposizione presenta, inoltre, due lavori inediti - "Moda mare prossima estate / Mutatis mutandis" e "Sceicco, buongiorno! / O sancta simplicitas" - entrambi completati nei primi mesi del 2019. (Comunicato stampa)

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Domenico Fatigati
L'arte come effusione del ritmo patico interiore

termina il 27 giugno 2019
Galleria "Arianna Sartori" - Mantova
info@ariannasartori.191.it

«Mimmo Fatigati è affascinato dalle geometrie e dal colore. Le sue composizioni artistiche rispondono a un bisogno totalmente diverso da quello che sollecita qualsiasi pittore in dialogo con il mondo. Pur esprimibile in un linguaggio concreto, fatto di forme o astratto, costituito da pura materia cromatica priva di qualsiasi forma oggettiva o immaginaria, la pittura in dialogo con il mondo naturale o umano risponde sempre a una precisa domanda. (...) Il prodotto finale è sempre una lettura, una reinterpretazione di una parte di mondo o una risposta alle sollecitazioni provenienti da esso. Nel fare artistico di Mimmo Fatigati questa interlocuzione sembra non trovare posto. L'impegno nel produrre arte si presenta completamente sganciato dalla natura e dal modo di sentirla e reinterpretarla. (...) Oltre che dalla natura, l'operazione creativa di Fatigati sembra sganciata anche da ogni retaggio e da ogni prospettiva di tipo storico-culturale. (...) Arte e storia nell'operosità produttiva di Fatigati sembrano ambiti non in stretto dialogo.

I fatti della vita civile, le tensioni interne al mondo della storia non sembrano avere alcun riverbero nell'azione creativa dell'artista. A guidare Fatigati nel proprio lavoro sembra essere soltanto la "voce" della sua interiorità, le osservazioni e le sperimentazioni nel campo della sensibilità personale. A indirizzarne il percorso e a guidarne la mano con sapienza compositiva è soltanto un sapere interiore, intimo, impermeabile, o quasi, a ogni sollecitazione esterna. La "radice" vera e profonda di questa forma d'arte pare debba essere individuata esclusivamente nella "conoscenza di sé", nella profonda tensione spirituale che spinge l'artista a operare. È nella interiorità originaria, non filtrata né vagliata attraverso la riflessione intellettuale, che va cercata e trovata la sorgente del fare artistico di Fatigati. A spingerlo all'opera è una sorta di "necessità" patica, una delicata sensibilità prettamente soggettiva.

Ed è qui, in questa insondabile vena interiore, che va individuata la "fonte" primaria della sua originalità compositiva. Mimmo Fatigati "costruisce" le sue opere con la pazienza frenata e con la meticolosità attenta e caparbia dell'artigiano ispirato, del costruttore di manufatti tutto intento all'ascolto della "voce" interiore, che gli detta le mosse. (...) A indirizzare Fatigati nella scelta dei materiali, cilindretti o stecchini di legno, rondelle di metallo, striscioline di laminato plastico e altro, è una sapienza tattilo-visiva al servizio della "voce" interiore, del piano compositivo che, pur articolandosi e perfezionandosi nel corso del procedere del lavoro, risponde a un costrutto immaginario. L'accento, allora, va posto sulla purezza, sul risultato dell'opera totalmente depurato da ogni forma di culturalismo intellettualizzato, di costruttivismo di tipo ingegneristico ragionato e programmato. (...)» (Aniello Montano)

Domenico Fatigati (Acerra - Napoli) ha frequentato l'Istituto Statale d'Arte "F. Palizzi" e l'Accademia delle Belle Arti di Napoli. La sua attività artistica inizia nel 1969 con la partecipazione al Premio Nazionale d'Arte Visiva "La Feluca d'Oro" di Bari, riscuotendo un ampio successo di critica. Si è sempre interessato dell'Optical Art e dell'Astrattismo geometrico. Ha esposto a mostre collettive locali, regionali e nazionali. Presente in diverse fiere d'Arte. Mostre Personali in diverse città. Una parte della sua produzione artistica appartiene a collezioni private. Le sue Opere sono in permanenza presso gallerie d'Arte. Più volte è stato membro di commissioni giudicatrici di concorsi artistici. Dal 1981 ad oggi dirige lo spazio espositivo denominato "Il Ritrovo dell'Arte", ad Acerra. Ha insegnato Geometria descrittiva negli Istituti d'Arte e nei Licei Artistici. Nel 1989 è stato l'artefice della nascita dell'Istituto d'Arte di Acerra, ricoprendo l'incarico di Responsabile. È stato un aderente al gruppo "Astractura" dal 2011 al Marzo 2015 e da Aprile 2015 è un cofondatore del gruppo nazionale "Linearismo Cromatico", il cui manifesto è stato presentato ufficialmente, con la firma degli artisti, presso la Pinacoteca di Gaeta il 12 dicembre 2015. (Comunicato stampa)

Catalogo Sartori d'arte moderna e contemporanea 2019
219 artisti recensiti, ed. Archivio Sartori Editore
Presentazione

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Isola Bella Gioielli
Il Mediterraneo Made in Sicily
www.isolabellagioielli.com | www.industria01.it

L'agenda primavera-estate di Isola Bella Gioielli si apre con il lancio della nuova collezione "Giardino Segreto" ed è un susseguirsi di appuntamenti e di novità, frutto di uno sguardo al territorio, al sociale e alla creazione di una rete di collaborazioni con altre realtà siciliane, con cui condividere e portare avanti un Made in Sicily dinamico, autentico e originale. Isola Bella Gioielli è un brand Made in Sicily nato nel 2013 dalla sinergia tra Alessio Strano - Ceo e direttore commerciale - e Giuseppe Argurio - designer e project manager - che hanno deciso di raccontare i simboli e i colori del Mediterraneo, attraverso la realizzazione di collezioni di gioielli unici e preziosi, divenuti dei veri must have. In ogni pezzo, infatti, sono sempre presenti: un sapiente uso di antiche tecniche di lavorazione dei metalli, un tocco d'innovazione dato dai modelli, dai colori e dalle scelte stilistiche e un riferimento culturale e/o storico alla Sicilia.

«L'idea di creare una collezione di gioielli ispirata alla tradizione siciliana - racconta Alessio Strano - è nata come una scommessa: realizzare pezzi esclusivi e pregiati che fossero una dichiarazione d'amore al Mediterraneo e alla Sicilia. Una dichiarazione d'amore intesa, non solo come esaltazione e valorizzazione dell'Isola, ma come un progetto più ampio rivolto al territorio e alle generazioni future - a livello locale - e alla diffusione di un'immagine contemporanea della Sicilia e del Made in Sicily - a livello nazionale e internazionale - cui ci rivolgiamo grazie al nostro e-shop e ad alcuni punti vendita presenti in Italia»

Isola Bella è cultura, design e il lavoro di un artigiano. Nel corso di questi anni, il brand ha lanciato nuove idee e nuovi soggetti per bracciali, charms, gemelli, orecchini e pendenti dedicati al mare, al food, agli animali, al glamour divenuti veri oggetti di culto per fashion addicted di tutto il mondo. «I gioielli Isola Bella - spiega Giuseppe Argurio - nascono mettendo insieme un'approfondita conoscenza dell'arte di lavorazione artigianale alle nuove tecnologie. Ciascun monile - realizzato in argento 925 e smaltato rigorosamente a mano - è unico, quindi, simile ma non identico agli altri perché prende forma a partire dal disegno su carta e, attraverso il modello realizzato con la tecnica della microfusione a cera persa»

Isola Bella Gioielli propone anche una collezione di esclusivi accessori disegnati dal designer palermitano Sergio Daricello che interpreta in chiave contemporanea le tradizione e le sfumature del Mediterraneo. Foulard e pochette, esclusive t-shirt e teli mare dedicati a chi ama la bellezza e l'estro della nostra Isola. La T-Shirt tamburello (realizzata con strass e borchie) dedicata alle tradizioni e ai suoni antichi come quelli del tipico tamburello siciliano; i Foulard Ruota, decorato con i motivi che ornavano i carretti siciliani e le sue ruote, e Acqua Marina con un fondo azzurro acqua e tutte le creature più affascinanti del mondo marino (ippocampi e ricci, polpi e pesci, tartarughe e stelle marine), ripresi dal design dei gioielli Isola Bella: sono un tributo ai colori e alle storie della Sicilia e del Mediterraneo. E ancora i due Teli mare: Stelle Marine, su un fondo blu si posano decine di stelle marine, insieme ad altre splendide creature che popolano le acque del Mediterraneo e Sole, un telo allegro e colorato che riprende i motivi dei carretti siciliani e omaggia la Trinacria, dedicato a chi ama la Sicilia e la sua energia.

Da marzo a luglio 2019, l'azienda è impegnata in vari progetti e attività legati al glam, alla formazione e al sociale. Dal lancio della nuova collezione - Giardino Segreto - dedicata ai fiori tipici del Mediterraneo - alla Capsule Collection, limited edition, realizzata per il Garden Festival. E ancora, dal supporto a progetti come WonderLad, al contest creativo in collaborazione con Ruiz Rappresentanze, Industria01 e Harim Accademia Euromediterranea. Al centro di questi appuntamenti troviamo i fiori, la Sicilia e le nuove generazioni. Nello specifico, il tema floreale è dominante nella nuova collezione che vuole essere un'esaltazione e una valorizzazione delle specialità botaniche dell'Isola. Giardino Segreto è un viaggio nella natura romantica e prorompente, tra profumi inebrianti e giochi di luci e colori che s'insinuano tra le foglie. Un segreto sussurrato nella brezza di un giardino, un desiderio che sboccia tra passione e innocenza, un cammino interiore alla ricerca di se stessi. Una collezione di gioielli in cui fiori smaltati a mano si posano su anelli, collane, ciondoli e bracciali da indossare con personalità, dedicati a chi ama ritrovarsi mescolando stili e suggestioni. Per rinascere ogni giorno celebrando la bellezza dell'essere sempre diversi, con stupore e fantasia.

Il Mediterraneo e la vegetazione tipica dei giardini siciliani, ritornano anche nella capsule collection limited edition realizzata per la seconda edizione del Radice Garden Festival. Traendo spunto dal tema - giardini produttivi - della seconda edizione della kermesse internazionale dedicata al garden design, all'architettura del paesaggio, all'arte, alla cultura e alla tutela ambientale, Isola Bella ha ideato una coppia di orecchini (una piccola foglia di monstera e una palma rigogliosa) e un paio di gemelli (due foglie di monstera)in argento 925 placcato oro 24 kt che riprendono le linee delle palme e delle foglie tipiche dei giardini mediterranei, simbolo della biennale che sarà visitabile fino al prossimo 27 ottobre. I gioielli, che hanno già suscitato l'interesse della stampa e dei visitatori nei primi giorni della kermesse, saranno presto in vendita online, in alcuni punti vendita selezionati e nel temporary shop del Festival. Un progetto che è un piccolo germoglio, pronto a fiorire nei prossimi mesi.

La Sicilia è valorizzata, oltre che nelle collezioni di Isola Bella che raccontano sempre scorci di storia, cultura, tradizione di questa Isola, anche nelle collaborazioni con altre aziende, fondazioni, associazioni. Si pensi, alla campagna "l'Albero dei Desideri" lanciata da qualche anno per sostenere la costruzione di Wonderland, una casa speciale pensata per ospitare, a Catania, bambini affetti da gravi patologie e le loro famiglie. L'Albero dei desideri è il charm in argento Sterling 925, placcato rodio e smalti realizzato a sostegno di Lad onlus, associazione nata per garantire il Cure&Care ai bambini affetti da gravi malattie e alle loro famiglie. Parte dei proventi della vendita è devoluta a favore dei progetti della onlus come la costruzione di WonderLad, una casa speciale che sta nascendo a Catania. Utilizzando come strumenti arte e creatività, l'obiettivo è accompagnare e sostenere i piccoli dando loro l'opportunità di vivere in un ambiente stimolante e familiare, affinché la malattia non ostacoli il processo naturale di crescita.

Isola Bella crede molto anche nell'importanza della formazione professionale delle nuove generazioni e del contatto tra scuola e impresa. Proprio per questo ha indetto, - in collaborazione con Ruiz Rappresentanze, Industria01 e Harim Accademia Euromediterranea - la prima edizione del contest creativo "La Sicilia e i 4 elementi", concorso interno dedicato agli studenti di Harim che inaugurerà una nuova linea di abbigliamento firmata Isola Bella, con una collezione originale di t-shirt e borse che rispecchino con le loro linee e colori l'identità del brand. Ciascun concorrente, ispirandosi all'isola vulcanica attraverso i suoi elementi - aria, acqua, terra e fuoco - potrà presentare fino a sei proposte creative per t-shirt e borse che saranno valutate dalla giuria, composta da rappresentanti delle realtà organizzatrici. Al termine del contest saranno scelti tre vincitori che potranno realizzare il sogno di firmare un capo o un accessorio della collezione e aggiudicarsi un gioiello Isola Bella e uno stage in azienda. Isola Bella Gioielli è ambasciatrice d'eccellenza del Made in Sicily e di un modo di fare impresa, dinamico, creativo e innovativo. (Comunicato ufficio stampa Industria01)

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Pierpaolo Curti
Lirica del vuoto

termina lo 08 settembre 2019
ARCA Arte Contemporanea per una Comunità Attiva - Trieste
www.arcacontemporanea.it

Per la prima volta vengono presentati a Trieste disegni e opere, alcune prodotte per l'occasione, di Pierpaolo Curti (Lodi, 1972) che, permettono di entrare a contatto con una ricerca particolarissima, incentrata sul tema del paesaggio. Si tratta di un paesaggio estremo, rappresentato in modo oggettivo, con un distacco e una precisione da approccio fotografico, anche se si tratta solo ed esclusivamente di dipinti. Rocce, precipizi, il cielo vuoto che contorna il tutto. In questo paesaggio immobile, fra pareti scoscese e abissi, compaiono delle strutture costruite, quasi a suggerire che quei luoghi non sono del tutto disabitati, quantomeno perché vi sono stati eretti dei muri, si sono costruiti dei passaggi vertiginosi, si sono ancorati, alle pareti e agli orli degli abissi, scalini, piattaforme ed esili strutture per dispositivi ascensionali. Sono paesaggi ritratti con algida esattezza, dove dominano ampie campiture monocromatiche, che restituiscono un'atmosfera rarefatta e, dal punto di vista delle soluzioni formali, ai limiti dell'astrazione. Con la collaborazione della Galleria Michela Rizzo (Venezia). (Comunicato stampa)

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Alpini: uno stile di vita
termina lo 06 luglio 2019
Museo Postale e Telegrafico della Mitteleuropa / Spazio Filatelia - Trieste

Mostra realizzata in collaborazione con il Museo stesso, lo Spazio Filatelia e l'Ana di Trieste, in occasione dell'emissione del francobollo celebrativo dedicato all'Associazione Nazionale Alpini nel centenario della sua costituzione. Il visitatore, attraverso una ricca esposizione di francobolli, reperti, fotografie e documenti originali, viene guidato alla scoperta degli Alpini che si sono resi protagonisti di numerosi interventi di solidarietà in Italia e all'estero. Tra i pezzi più interessanti figurano le divise utilizzate durante la prima Guerra Mondiale, i cappelli che identificano queste particolari truppe di montagna e tante cartoline, considerate da sempre le fonti storiche per eccellenza. All'inaugurazione sarà presente il coro "Nino Baldi" dell'ANA Trieste diretto dal maestro Bruno de Caro. (Comunicato stampa)

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Mostre su Trieste

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Mario Radice: il pittore e gli architetti
La collaborazione con Cesare Cattaneo, Giuseppe Terragni, Ico Parisi

termina il 24 novembre 2019
Pinacoteca Civica di Como

Percorso espositivo, a cura di Roberta Lietti e Paolo Brambilla, suddiviso in tre sezioni, sull'ampio lavoro pittorico e plastico di Mario Radice (Como, 1898-1987), tra le figure più complesse nel panorama del primo astrattismo italiano e progettista, teorico, critico d'arte, curatore di mostre e saggista, mirando soprattutto a ricostruire ciò che della sua arte è andato perso. La sua prolifica attività non si limita infatti alla produzione pittorica, ma si arricchisce di nuove esperienze progettuali, soprattutto attraverso la collaborazione con gli amici architetti, tra cui Giuseppe Terragni, Cesare Cattaneo e Ico Parisi.

La mostra, ideata da Roberta Lietti, mette quindi in luce per la prima volta il lavoro sinergico tra Radice e i tre architetti comaschi, espressione delle tre arti scultura, architettura e pittura, anche grazie all'allestimento progettato da Paolo Brambilla, nel quale le opere trovano un chiaro riferimento in immagini fotografiche d'epoca, plastici, scritti, disegni preparatori e studi su carta - tra cui molti inediti - conservati presso gli archivi della Pinacoteca di Como - in gran parte provenienti dal Fondo Mario Radice donato al Comune dagli eredi - che approfondiscono il rapporto ideativo, progettuale e di collaborazione dei protagonisti.

La prima sezione dell'esposizione evidenzia il rapporto tra Mario Radice e Cesare Cattaneo, concentrandosi principalmente su uno dei lavori più significativi di tale sinergia artistica e progettuale: la Fontana di Camerlata. Concepita tra il 1934 e il 1935 per il piazzale di Camerlata di Como, da cui prende il nome, viene realizzata l'anno successivo in occasione della VI Triennale di Milano, trovando collocazione al centro di Parco Sempione, sull'asse fra il Castello Sforzesco e l'Arco della Pace; demolita al termine dell'esposizione nel 1937, verrà ricostruita a Como soltanto nel 1960. Intorno a quest'opera, nella prima sala della Pinacoteca dedicata alla mostra è possibile ammirare il modello originale della Fontana, proveniente dall'Archivio Cesare Cattaneo di Cernobbio, unitamente a disegni, studi di progetto, foto-cartoline e alla relazione originale firmata dai suoi progettisti, oltre ad altri documenti e riviste dell'epoca inerenti la monumentale scultura.

Quindi nella seconda sezione viene affrontato il rapporto tra Radice e Giuseppe Terragni, in particolare attraverso due grandi lavori corali. Il primo è la Casa sul lago per artista presentata alla V Triennale di Milano del 1933, di cui viene proposta una gigantografia dell'interno dello studio atta a fondale per la ricostruzione dell'ambiente, in merito al quale viene esposto lo sgabello originale Columbus in legno e tubolare di ferro cromato, a cui è accostato il bozzetto a grandezza naturale dell'affresco Nudo di Donna, uno dei due grandi affreschi realizzati da Radice per tale spazio. Il secondo lavoro è la Casa del Fascio di Como, per la quale Radice aveva realizzato tra il 1932 e il 1936 due grandi bassorilievi per la Sala del Direttorio al primo piano e otto affreschi nel Salone delle Adunate al piano terra, di cui è visibile in mostra un accurato modello appositamente realizzato dal curatore Brambilla, con gli interventi pittorici di Radice restituiti in scala, così centrali per la nascita del primo astrattismo italiano ed ammirati anche da Lucio Fontana.

Sono inoltre presenti due studi su carta, un olio su tela e altre opere su carta riconducibili ai motivi dei pannelli della Casa; a questi lavori si aggiunge il grande disegno progettuale del lampadario realizzato da Radice. Completano la sezione espositiva numerose immagini fotografiche d'epoca. La terza sezione è quindi dedicata al rapporto tra Radice e Ico Parisi, con i bozzetti a colori degli affreschi di Casa Carcano a Maslianico e di Casa Notari a Fino Mornasco, lavori realizzati tra il 1946 e il 1950 entrambi andati distrutti, oltre a una gigantografia di Radice al lavoro e fotografie originali. Fulcro particolarmente suggestivo dell'ultima sezione della mostra la proiezione in scala 1:1, a cura dei giovani videomaker di OLO Creative Farm, di uno dei mosaici realizzati da Radice per la facciata di Casa Bini a Monteolimpino, villa progettata da Parisi ed edificata tra il 1952 e il '53. Accompagna l'esposizione un approfondito catalogo bilingue, in italiano e inglese, edito da Silvana Editoriale, con contributi critici di Roberta Lietti, Roberto Dulio e Stefano Andrea Poli.

Mario Radice, soprattutto pittore, è anche scultore e progettista, nonché saggista e critico d'arte. Caposcuola dello storico Gruppo astrattista di Como, negli anni Trenta è tra i fondatori della rivista Quadrante. Partecipa alla V, VI e IX Triennale di Milano, di cui entra nella giunta tecnica esecutiva per la X edizione e nel 1955 è invitato a far parte del Centro Studi e nominato nel Consiglio d'Amministrazione della XI edizione. Prende parte inoltre alla III, IV, VII, VIII, X e XI Quadriennale di Roma e continuativamente dalla XXII alla XXIX Biennale d'Arte di Venezia, dove torna nel 1966 per la XXXIII edizione e nel 1968 è invitato a far parte della sottocommissione per le arti figurative della XXXIV edizione.

Nel 1964 riceve la medaglia d'oro per meriti artistici dal Consiglio Provinciale di Como. Espone con mostre personali e collettive presso importanti gallerie e spazi pubblici e privati in Italia e all'estero, tra cui Como, Milano, Monza, Roma, Ginevra, Münster e Amburgo. Centrali nella sua carriera le collaborazioni con architetti e progettisti per ville, case, esposizioni e monumenti pubblici e privati. Nel 1973 Guido Ballo pubblica la prima monografia a lui intitolata e riceve dal Comune di Milano l'onorificenza "Ambrogino d'oro" per gli importanti meriti artistici. (Comunicato ufficio stampa IBC Irma Bianchi Communication)

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"Tempo e Sospensione"

_ Opere _
Pietro Di Girolamo: Fotografia d'Architettura
Francesca Giraudi: Fotografia Artistico Sperimentale
Francesca Meloni: Fotografia del Subconscio
Luisa Pineri: Pittura Informale
Elena Santoro: Fotografia Astratto Sperimentale
Donata Zanotti: Fotografia Narrativa

12 giugno - 15 ottobre 2019
Annunciata Galleria d'Arte - Milano
www.galleriannunciata.com

Ciò che caratterizza la migliore arte del XX secolo è essenzialmente la necessità di riflettere su sé stessa e di fondare l'elaborazione dell'oggetto artistico su basi intellegibili: l'oggetto richiede allo spettatore di partecipare con la sua sensibilità, con il suo personale pensiero al gioco dell'arte e per ottenere questo risultato deve mostrare agli altri com'è fatto. Sei artisti emergenti che con la loro personale visione e cifra linguistica raccontano del loro intimo sguardo sul nostro tempo, il XXI secolo. Ciascuno esprime un interesse sincero verso quegli aspetti della condizione umana che possiedono validità universale, contribuendo a stabilire in certa misura un continuum con ciò che è stato nella storia dell'arte ed ognuno dando al linguaggio un proprio peso ed incidenza.

La mostra - a cura di Carlo Grossetti da un progetto di Francesca Giraudi - vede sei artisti presentare una decina circa di lavori ciascuno tra pittura e fotografia in un serrato dialogo e confronto tra loro e lo spazio che li ospita. Tra loro c'è chi si sofferma maggiormente sulla ricerca di un linguaggio inedito e fortemente personale (Elena Santoro; Luisa Pineri), raccontando quindi più di sé, del proprio mondo interiore, altri che, mettendo meno in risalto la questione del linguaggio, si orientano a rivelare dimensioni della realtà che riguardano tutti (Pietro di Girolamo; Donata Zanotti); altri, infine, che mescolano queste due componenti, linguaggio audacemente personale e realtà (Francesca Giraudi; Francesca Meloni).

Il percorso così proposto si apre all'ascolto. Sulla superficie, nelle forme, è impressa la traccia di un gesto ispirato e capace di un'istantaneità che pesca nel profondo senza l'obbligo di "dare a vedere". Alla memoria si guarda non come forma nostalgica rivolta a un passato da mitizzare, ma come esperienza e vissuto, come formula, a volte ossessiva, di scoperta di un sé molteplice. Nessuna forma esclude l'altra, anche quando, in apparenza, risulta oppositiva. L'unica fedeltà è qui legata a una dimensione di ricerca mai completamente esaustiva perché mai definitiva". (G. Pelloso: dal testo critico "Fratture surmoderne").

La fotografia, declinata in sperimentale, d'architettura, narrativa, la pittura informale e la performance, sono legate da un unico filo rosso: la traccia dell'Assente. Assenza di una presenza in una corrente artistica predominante e omologante; assenza di un desiderio di frapporsi fra l'opera ed il pubblico, assenza di frastuono, quanto, invece, desiderio di vivere e donare Sospensione, di un Tempo che ha a che fare con la profondità. La Performance di Mimo -Vertigini - diretta e interpretata da Tony Lopresti, Cecilia Morato e il violinista Francesco Senese definisce ulteriormente lo spirito del progetto "Tempo e Sospensione" e ad esso pare quasi cucito addosso. La mimica, che è il linguaggio del silenzio, si fonde con la musica, che nascendo anch'essa dal silenzio, si espande con i gesti e le azioni per riempire lo spazio, abitato dalle opere d'arte dei sei protagonisti la mostra. Le forme d'arte del violino e del mimo sono un'espressione delle essenze degli artisti versatili ed affermati Francesco Senese e Tony Lopresti e la loro connessione ha dato origine nel 2009 alla creazione di MuMo - Musica + Movimento. (Comunicato stampa)

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Leonardo lungo le rotte della Serenissima
Veneziani, Imperiali Asburgici e Ottomani: dal Doge Barbarigo all'assedio di Vienna

termina lo 07 luglio 2019
Galleria Comunale d'Arte Contemporanea di Monfalcone

L'esposizione costituisce parte centrale del progetto su Leonardo Da Vinci, messo a punto dal Comune di Monfalcone, al fine di ripercorrere la storia del nostro territorio in un periodo cruciale e sinora trascurato: il 1400 con l'arrivo della Repubblica Veneziana e il 1500, con la morte dell'ultimo conte di Gorizia e la ridefinizione dei confini con l'Impero Asburgico. La mostra esporrà oltre cento opere, fra incisioni, quadri e documenti del tutto inediti provenienti da collezioni private. Tantissime le opere di pregio fra le quali la famosa acquaforte Cavalcata di Carlo V e di Clemente VII in occasione dell'incoronazione imperiale, 34 ritratti dei Dogi del periodo, da Marco Barbarigo (1485) a Marcantonio Giustinian (1683), ed una sezione dedicata agli Asburgo. La rassegna è realizzata con il contributo della Regione Friuli Venezia Giulia, il patrocinio della Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio del Friuli Venezia Giulia e del Polo museale regionale. (Comunicato stampa)

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Emilio Tadini 1967-1972
Davanti agli occhi, dietro lo sguardo

termina il 28 giugno 2019 (prorogata fino al 19 luglio 2019)
Fondazione Marconi - Milano
www.fondazionemarconi.org

Terza mostra dedicata all'artista e intellettuale milanese Emilio Tadini. Dopo "Emilio Tadini 1960-1985. L'occhio della pittura" del 2007 e "Emilio Tadini 1985-1997. I profughi, i filosofi, la città, la notte" del 2012, questo nuovo progetto espositivo pone l'attenzione sugli esordi della produzione artistica di Tadini, dal 1967 al 1972, ovvero dal primo ciclo "Vita di Voltaire", che segna la nascita del suo linguaggio pittorico, fino ad Archeologia. Considerato uno tra i personaggi più originali del dibattito culturale del Secondo dopoguerra italiano, fin dagli anni Sessanta Emilio Tadini sviluppa la propria pittura per grandi cicli, popolati da un clima surreale in cui confluiscono elementi letterari, onirici, personaggi e oggetti quotidiani, spesso frammentari, dove le leggi di spazio e tempo e quelle della gravità sono totalmente annullate.

Le opere di Tadini nascono da un clima emotivo, da un flusso mentale "in qualche zona semibuia della coscienza" dove le immagini emergono in un procedimento freudiano di relazioni e associazioni e dove le situazioni "reali" che il pittore raffigura sono immerse nell'atmosfera allucinata del sogno, in un clima surrealista-metafisico. Questo processo automatico si sviluppa, più che sulla prima immagine del quadro, sulla serie: da un'immagine ne scaturiscono altre, modificandola e alterandola. Ogni volta l'artista produce un racconto, tanto che la sua pittura cresce a cicli, come una serie di romanzi a puntate. La lettura delle sue opere richiede strumenti di natura concettuale, le immagini apparentemente semplici e immediate, nascondono molteplici significati ("tutto accade davanti ai nostri occhi... il pensiero si ripara... dietro lo sguardo"), non mancano i riferimenti al Surrealismo e alla Metafisica di de Chirico, come anche alla psicanalisi di Lacan e Freud.

Tadini domina con singolare capacità due tipi di linguaggi, il visivo e il letterario, lavorare per cicli lega anche la sua pittura alla cultura letteraria e in particolare alla pratica della scrittura, di cui è maestro. Il suo lavoro è dunque luogo di convergenza di linguaggi differenti. Tra il 1967 e il 1972 l'attività pittorica dell'artista è particolarmente prolifica e va delinandosi la sua modalità operativa e stilistica. Punto di partenza è la pop art: le prime due grandi serie di opere per cui Tadini concepisce un linguaggio pop sono la Vita di Voltaire, del 1967, e L'uomo dell'organizzazione, dell'anno successivo. Seguono, nell'ordine, "Color & Co." (1969), "Circuito chiuso" (1970), "Viaggio in Italia" (1971), "Paesaggio di Malevic e Archeologia" (1972).

Non sono tuttavia le aggressive manifestazioni tipiche del pop americano a interessarlo, bensì le varianti più introspettive e personali, a volte intellettuali, politiche e critiche, del pop britannico. Un occhio particolare è rivolto all'arte di Kitaj, Blake, Hockney e Allen Jones ma anche a Francis Bacon e Patrick Caufield, alla Figuration narrative di Adami, Arroyo e Télémaque. Sarà questa una fase di passaggio che l'artista abbandonerà negli anni Ottanta, destinata comunque a lasciare un segno indelebile nei suoi lavori successivi. Accanto ai quadri, la mostra presenta una selezione di disegni e opere grafiche a testimonianza del fatto che Tadini ha sempre affiancato nei suoi "racconti per immagini" tela e carta, pittura e disegno. Obiettivo finale del progetto espositivo Emilio Tadini 1967-1972 è riportare "alla luce" il lavoro grafico e pittorico del maestro milanese per ricostruire la figura di un artista totale (pittore, disegnatore, intellettuale, scrittore e poeta) colto e profondo, anche alla luce del particolare rapporto con Giorgio Marconi, gallerista, collezionista e soprattutto amico di Tadini.

"L'incontro con Marconi è stato importante, mi ha dato una grande fiducia di potere fare questo lavoro di pittore professionalmente", racconta lo stesso Tadini. "E subito dopo, lavorando, viene fuori la prima grande serie che è quella della 'Vita di Voltaire', dove si vede l'influenza della Metafisica, si alleggerisce la materia pittorica, uso fondi chiari monocromi e comincia un po' la storia della mia pittura. A questo punto c'è ormai questa come attività professionale, tanto che io sospendo il lavoro letterario: prendo appunti, per me, come se volessi autorizzare davanti a me stesso una scelta." (A.C. Quintavalle, Emilio Tadini, Fabbri Editori, 1994) (Comunicato Lara Facco P&C)

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Jean-Paul Charles: White Noise
termina il 15 settembre 2019
UnimediaModern Contemporary Art - Genova

Evento "multimediale/multisensoriale" articolato in tre movimenti, come una partitura musicale, ognuno dei quali è un brano autonomo, ma ascoltato assieme agli altri dà luogo ad un concerto.



- I° movimento

Mostra personale di Jean-Paul Charles, artista francese, in Italia da alcuni anni. Ivan Fassio dice del suo lavoro: "Ad avvicinarsi alla pratica estetica di Jean-Paul Charles, si scopre sul supporto la fluidità della comunicazione odierna: lo sguardo dell'autore riversato sulla tela, mise-en-abyme della soggettività, le focalizzazioni dell'altro, l'inserto residuale da miriadi di opinioni e schermi accesi, il calpestio dei passi tracciato confusamente sul terreno dei colori, lo spettro parcellizzato della visione, i materiali di recupero verniciati, reinventati, accostati per contrasto o per similitudine". Sintetica, ma molto intensa, una dichiarazione dell'artista su ciò che lo muove verso l'arte: L'infinito, la magia, l'energia, la cellula, il tempo, l'Avatar, la fluidità nella comunicazione, il presente, l'universo, l'immagine, i mondi, la vita, il mistero, la natura, la verità.

Avatar... Nell'induismo è una delle dieci incarnazioni di Visnu, colui che scende sulla terra nei momenti più oscuri della storia per ristabilire la divina giustizia di cui è garante. Possiamo definire altamente poetica la scelta di "avatar" per indicare la piccola icona che, navigando in rete, usiamo per rappresentarci: figuratamente si discende nella rete incarnando la propria figura nell'avatar. È pregevole che un'immagine così alta penetri nel lessico comune - prestandosi a significati ulteriori. A monte c'era il desiderio di presentare una mostra sulla borderline tra arte e scienza, o meglio fantascienza, la vera magia del nostro tempo.

E poi quest'anno è il cinquantesimo anniversario della discesa dell'Apollo XII sulla Luna, c'è stata una riedizione di Blade Runner, è stata recentemente realizzata la prima fotografia di un buco nero... Quale momento migliore per presentare un "Avatar", conosciuto tra l'altro su facebook, navire des foux in cui, se si ha occhi per vedere, si scoprono infinite costellazioni. La rappresentazione di un mondo altro da sé con tutti i mezzi che la rappresentazione ci fornisce, pittura, fotografia, immagine che si autogenera, il tutto mescolato insieme in una specie di pappina epicontinentale, in un brodo primordiale che osa annunciare "benvenuto nel tuo futuro comune" è stata la tentazione irresistibile, assieme al piacere della pittura che ritorna con un nuovo alfabeto, che lentamente si fa assimilare.

- II° movimento

Jade Dellinger, direttore della Bob Rauschenberg Gallery a Fort Myers (Florida), amico e collega anche lui appartenente alla Costellazione Fluxus, sarà con noi e presenterà una performance eccezionale The Moon Museum in my Pocket, nella quale il mondo parallelo rappresentato dalla Luna è il protagonista e della quale non sveleremo il contenuto, lieti di prepararvi una sorpresa.

- III° movimento

Philip Corner e Phoebe (la Luna!) Neville, da noi tutti conosciuti e molto amati, ci regaleranno la loro grazia in una performance dal titolo Here and there on the moon, da me tradotto futuristicamente in Lunavagando. (Caterina Gualco - 15 maggio 2019)

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It is our pleasure to announce the "multimedia/multisensorial" event to be presented at UnimediaModern Contemporary Art on Monday, June 10, from 6:30 PM to 9:30. The event comprises three movements, as in a musical score, where each one is autonomous yet forms a whole when listened-to in concert.

- 1st movement

White Noise will inaugurate the personal show of Jean-Paul Charles, a French artist who moved to Italy a few years ago. As Ivan Fassio says of his work: "Coming close to the æsthetic practice of Jean-Paul Charles one finds a well-structured fluidity of timely communication: the authorial regard reversed on the canvas, suggestions deep in the abyss with others in focuss; inserted are residues of a myriad of opinions and open schemes, well-trod steps confusedly traced on coloured landscapes, fragmented visionar mirrors. recuperated materials varnished and reinvented, put-together by contrast or by similarity". Synthetic yet very intense, the artist's declaration tells what draws him to art: the infinite, magic, energies, the cellular, time, an avatar, fluid communication, the present, the universe, images, the world, life, mystery, nature, truth.

Avatar... in Hindu thought this is one of the ten incarnations of Vishnu, he who comes down to earth in the darkest times to re-establish that divine justice which he guarantees. We may well call it highly poetic that we call "avatar" the small icon which we use to represent ourselves while navigating the internet: this is a figurative descent into the web using the image of the avatar. That such an exalted image can enter into the common speech and thus lending it an additional meaning, is a precious thing.

Chiefly it was the desire of offering an exposition on the borderline between art and science, or rather science-fiction---the truly magical expression for our times. In addition, this year is the fiftieth anniversary of the Apollo XII moon-landing, in which "Blade Runner" has had a sequel, and the first photo taken of a black hole. What better time to present an "Avatar", known among the others on Facebook, that ship of fools in which, for those with eyes to see, can be discovered infinite constellations. There has been an irresistible temptation to use all the means furnished by visualization, like painting, photography, self-generating images, to represent a world beyond oneself, the whole mixed together in a sort of transcontinental mush, a primordial broth which dares to announce "Welcome to your common future"... along with the pictorial pleasure of a returning with a new alphabet that will gradually be assimilated.

- 2nd movement

Jade Dellinger is the director of the Bob Rauschenberg Gallery in Fort Myers, Florida. A friend and colleague, he also belongs in the Fluxus Constellation. His presence with us will bring an exceptional performance, "The Moon Museum in my Pocket", in which that parallel universe represented by the moon is the leading actor and of which we will not reveal the contents. Be surprised!

- 3rd movement

Philip Corner and Phoebe (the moon-goddess) Neville (well-known and loved by us) will grace us by their performance eintitled "Here and There on the Moon", which I have translated a bit futuristically as "Lunavagando". In the interval, most necessary, between the inauguration of the show and the performance necessary for a breath of fresh air to both vision and thought, we will drink together to the beginning of the summer; and also to the end of the fortyninth season of the gallery and to the beginning of that which we will celebrate as the fiftieth. (Caterina Gualco - May 15, 2019)

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Dall'Argilla all'Algoritmo. Arte e tecnologia
termina lo 08 settembre 2019
Gallerie d'Italia - Milano
www.gallerieditalia.com | www.castellodirivoli.org

La mostra è stata realizzata in collaborazione con il Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea e curata da Carolyn Christov-Bakargiev e Marcella Beccaria con il coordinamento di Gianfranco Brunelli. Con 71 importanti opere, la mostra indaga i modi in cui artisti di epoche diverse si sono relazionati con la tecnologia, con il suo fascino, con le sue utopie oppure con i suoi demoni, anticipando o riflettendo radicali cambiamenti sociali e culturali. La relazione tra soggettività umana, arte e tecnologia affonda le radici nei concetti arcaici definiti dai termini greci téchne, ovvero arte nel senso di saper fare, abilità, mestiere, e logos, parola, discorso, ragione.

La tecnologia viene creata dall'essere umano come protesi sin dagli albori dei tempi per creare strumenti utili alla società, quali utensili, macchine, apparecchi per trasportare, comunicare o di uso bellico: dalla prima pietra utilizzata dagli umani all'uso del fuoco, del ferro, alla scoperta della terracotta, alla ruota, allo specchio, alla carta e alla stampa, all'elettricità, al telefono, a internet, fino all'applicazione congiunta di genetica, nanotecnologie, digitale, robotica e intelligenza artificiale. Il percorso espositivo prende ideale avvio dalla ceramica greca, dove è evidente la collaborazione tra il sapere del vasaio e quello del pittore: l'Hydria attica a figure rosse (470-460 a.C.) del Pittore di Leningrado, grande capolavoro dalla raccolta di ceramiche attiche e magnogreche, descrive mirabilmente pittori ceramici al lavoro nell'atto di essere incoronati da Atena, dea della techné, e da due Vittorie alate.

Nell'ambito della pittura europea, a partire dalla metà del XV secolo, numerosi sono gli esempi di rappresentazioni legate alle tecnologie via via sviluppate nella produzione di oggetti d'uso comune, quali utensili, stoviglie, specchi, includendo anche le conoscenze applicate in ambito architettonico. Alcuni esempi in mostra si trovano nelle opere Cena di Emmaus (c. 1590) di Leandro Bassano dove una grande parte della rappresentazione è dedicata a una descrizione minuziosa della cucina, e nella Costruzione del tempio di Gerusalemme da parte del re Salomone (c.1754) di Francesco De Mura in cui emerge l'attenzione per le tecniche edilizie diffuse all'epoca del pittore.

Proseguendo sul sentiero della Storia, se gli inizi del Novecento sono caratterizzati da un diffuso entusiasmo per la macchina, come ad esempio in Giacomo Balla e Umberto Boccioni - presenti in mostra con i dipinti Ricerca astratta e Officine a Porta Romana - i decenni successivi vedono delinearsi personalità artistiche che riflettono amaramente sul senso di annichilimento dell'umano trasformato in macchina-manichino, come nel caso della pittura metafisica di Giorgio de Chirico. L'ottimismo postbellico per la conquista di nuove dimensioni in ambito fisico e immaginario - come testimonia l'Ambiente Spaziale, 1967 (ricostruzione 1981) di Lucio Fontana - per la scienza e le sue applicazioni, si evince dallo spazialismo e dall'arte cinetica e programmata in cui l'elettricità e il movimento generano l'opera d'arte, come evidenziano le opere di esponenti del Gruppo T, dell'Arte Programmata e dell'Arte Cinetica tra i quali Gianni Colombo, Enzo Mari e Bruno Munari.

D'altro canto, gli artisti dell'Arte povera propongono l'annullamento della distinzione tra energia naturale e artificiale come visibile nella sequenza di Fibonacci al neon presente nell'opera Senza titolo (Una somma reale è una somma di gente) (1972) di Mario Merz e nel motore e nella struttura ghiacciante in Senza titolo (Omaggio a Fontana) (1989) di Pierpaolo Calzolari. Dalla fine degli anni Settanta la diffusione di tecnologie elettroniche a basso costo permette agli artisti di impiegare video e film; l'intento è quello di immergere i visitatori in opere che riflettono su un mondo sempre più determinato dall'immagine, in cui la relazione che si sviluppa tra l'occhio elettronico e l'occhio umano diviene imprescindibile.

Nei decenni seguenti, la rivoluzione digitale, lo sviluppo della realtà aumentata e dell'intelligenza artificiale, portano alla comparsa di ulteriori linguaggi artistici, attraverso i quali gli artisti veicolano molteplici interpretazioni del mondo. Dalla consapevolezza critica, al pessimismo, alla profetica anticipazione di scenari futuri utili alla società, gli artisti delle ultime generazioni riflettono sulle implicazioni relative a un possibile soggetto transumano, frutto di un'evoluzione autodiretta guidata dall'intelligenza umana e non solo dalla selezione naturale. Con opere di artisti quali Dan Graham e Janet Cardiff, il percorso arriva alle voci che appartengono alle ultime generazioni artistiche.

Intenzionalmente creata con la sperimentazione di tecniche digitali al tempo stesso povere ed estremamente avanzate, la video installazione Hisser (2015) di Ed Atkins pone gli spettatori di fronte a un malinconico soggetto, inquietante esempio della solitudine esistenziale che l'interconnessione digitale può causare. In What the Heart Wants (2016) l'artista Cécile B. Evans si chiede cosa potrebbe significare essere umani in un mondo futuro, completamente digitalizzato e nel quale reale e virtuale coincidono. Opere di altri artisti quali Grazia Toderi, Hito Steyerl, Roberto Cuoghi, Cally Spooner, articolano ulteriormente il percorso espositivo, mostrando i molteplici punti di vista degli artisti contemporanei rispetto alle nuove tecnologie e ai loro impatti sull'essere umano. La mostra sarà accompagnata da un catalogo scientifico pubblicato da Skira editore. (Comunicato stampa)

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Il Rinascimento visto da Sud
Matera, l'Italia meridionale e il Mediterraneo tra '400 e '500

termina il 19 agosto 2019
Palazzo Lanfranchi di Matera
www.matera-basilicata2019.it

Esposizione cardine del programma culturale di Matera Capitale Europea della Cultura 2019, che offre otto sezioni e 215 opere: dipinti innanzitutto, ma anche sculture, incunaboli, cinquecentine, manoscritti, codici miniati, tessuti, bronzi, ceramiche, astrolabi e oreficerie. Pezzi unici, concessi dai maggiori musei e dalle grandi istituzioni culturali di tutto il Mezzogiorno, delle Isole ma anche dal resto del Paese e dai grandi musei di Spagna, Francia, Germania e Portogallo. Capolavori celeberrimi accanto a opere di incredibile bellezza e fascino, molte mai uscite dalle istituzioni di appartenenza e, una parte di esse (più di una trentina), interessata da una apposita campagna di interventi conservativi che hanno restituito loro perfetta leggibilità. Opere, talune mai prima esposte, altre - come alcuni grandi polittici - riavvicinate o ricomposte per l'occasione. Tutte riunite a documentare l'originalità della declinazione meridionale del Rinascimento. Un nuovo linguaggio proveniente dalle Fiandre qui infatti si è intessuto con influenze molteplici arrivate sia da Oriente che da Occidente, attraverso le rotte dei commerci marittimi che solcavano il Mediterraneo. Creando così un Rinascimento diverso, per molti versi più ricco e certamente originale: il "Rinascimento visto da Sud".

La mostra, co-prodotta da Polo museale della Basilicata e Fondazione Matera Basilicata 2019, è curata da Marta Ragozzino, Pierluigi Leone de Castris, Matteo Ceriana e Dora Catalano. Marta Ragozzino, direttrice del Polo Museale della Basilicata, non nasconde la soddisfazione di poter offrire al pubblico una esposizione come non si è mai vista, ricca di suggestioni e di veri capolavori. A cominciare dalle opere di tre maestri assoluti: Antonello da Messina, Donatello e Raffaello. Tra le tante i curatori segnalano anche la raffinata Madonna del Maestro di Ladislao di Durazzo, proveniente dal Museo del Santuario di Montevergine, nell'Avellinese, le opere di Colantonio, il San Felice in cattedra di Lorenzo Lotto dalla Chiesa di San Domenico a Giovinazzo e le opere di Andrea Sabatini da Salerno, il "Raffaello del Sud".

Grande pittura ma anche documenti preziosissimi, valga l'esempio del Codice di Santa Marta, manoscritto proveniente dall'Archivio di Stato di Napoli, e il Libro d'Ore di Alfonso d'Aragona della Biblioteca Nazionale di Napoli. E tante altre ancora: un elenco delle meraviglie in mostra sarebbe troppo lungo. Non possiamo tuttavia non citare gli esempi dei grandi maestri veneti presenti nel territorio. Dalla Santa Eufemia di Mantegna alle pale, tavole e tele di Giovanni Bellini, Bartolomeo e Alvise Vivarini, Paris Bordon, Francesco Vecellio, Pordenone, tra i tanti. O dei maestri provenienti dall'Italia centrale, quali il Pinturicchio, Antoniazzo Romano o Pietro di Domenico da Montepulciano.

Ma anche dai paesi nordici come il fiammingo Jan van Eyck o dalla Spagna come Jacomart o Guillermo Sagrera. A giungere invece da Lisbona è la Madonna con Bambino e San Giovannino di Cesare da Sesto, opera oggi tra le più ammirate del Museu Nacional de Arte Antigua e che torna a casa, almeno per lo spazio della mostra. Notevolissima la presenza di opere di Polidoro da Caravaggio, le tavole della Pala della Pescheria dal Museo di Capodimonte e il maestoso Sant'Alberto della Galleria Sabauda di Torino. Ma non meno importanti sono le meravigliose pergamene raffiguranti la Cosmographia di Tolomeo, grande codice dalla Nazionale di Napoli e il Portolano genovese della Nazionale di Firenze, ad indicare quelle rotte che univano il Mediterraneo e le terre da esso lambite e che avevano nel nostro Mezzogiorno il loro attivissimo fulcro. Ai tesori così eccezionalmente riuniti si unisce la spettacolarità dell'allestimento, in una sede, Palazzo Lanfranchi, che di per se stessa merita un viaggio.

Tre ulteriori capolavori arrivano ad arricchire la mostra Sono destinati ad approfondire ulteriormente la sezione riservata agli scambi artistici tra Venezia, la Puglia e l'Oriente della mostra. Le opere, inserite in un elegante allestimento, provengono tutte dal territorio di Andria. Si tratta di due eccezionali tavole raffiguranti le figure di Cristo e della Vergine, affrontate. Ciascuna è inscritta entro una mandorla in oro a guazzo a raggi ondulati incisi, il cui effetto luminoso si riverbera naturalisticamente sulle teste di cherubini e serafini. L'autore delle due tempere, sicuramente artista di assoluta maestria, non è documentato. Gli storici dell'arte lo indicano, proprio in relazione a queste due affascinanti opere, come "Maestro d'Andria", pittore educatosi nell'ambito del Maestro di San Severino e attivo in Terra di Bari nella seconda metà del Quattrocento.

In origine sovrastavano l'altare di San Riccardo, nella Cattedrale di Andria. Al tergo erano rivestite da capselle d'argento che custodivano ben 1008 reliquie di santi e martiri. In mostra, a sinistra delle due tavole è stato posizionato un altro capolavoro, stavolta di scultura. Si tratta del busto marmoreo di Francesco II del Balzo, terzo duca d'Andria, fedelissimo della casa d'Aragona. Un'opera di grande raffinatezza, originariamente collocata nella chiesa di San Domenico ad Andria, a ricordare il generoso sostegno che il nobiluomo aveva assicurato al complesso conventuale domenicano andriese. Nel tempio domenicano, il busto sovrastava il corpo mummificato del Duca. La collocazione in mostra accanto alle due tavole non è affatto casuale. Pare, infatti, che sia stato proprio Francesco II del Balzo a commissionarle. Tutte e tre le opere appartengono oggi al Museo Diocesano di Andria, riaperto lo scorso 23 aprile dopo importanti lavori di ristrutturazione. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

___ Presentazione di altre mostre sul periodo Rinascimentale in questa pagina della newsletter Kritik

L'Italia del Rinascimento. Lo splendore della maiolica
13 giugno - 14 ottobre 2019
Palazzo Madama - Torino
Presentazione

Il Rinascimento parla ebraico
termina il 15 settembre 2019
MEIS Museo Nazionale dell'Ebraismo Italiano e della Shoah - Ferrara
Presentazione

Albrecht Dürer. La collezione completa dei Remondini
termina il 30 settembre 2019
Palazzo Sturm - Bassano del Grappa (Vicenza)
Presentazione

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Ugo La Pietra: Le case parlanti
termina il 19 luglio 2019
MAAB Gallery - Milano

Mostra personale di Ugo La Pietra (Bussi sul Tirino, 1938), architetto, designer e artista, tra i fondatori del Gruppo del Cenobio nel 1962, sin dagli esordi della sua attività La Pietra è uno scrutatore della realtà urbana e sociale che ha ampiamente affrontato nei propri lavori evidenziandone spesso incongruenze e ombre. Il visitatore sarà accolto da dieci sculture in ceramica (Interno/esterno, 1982 - ed.1/4 - Ceranima, Sesto Fiorentino) e da una selezione di disegni, realizzati a tecnica mista e ad acquarello, che ben identificano quella corrente sperimentale definita "architettura radicale", sviluppatasi negli anni Settanta, volta a riproporre un'architettura che fosse in grado di comunicare.

Dopo l'installazione del 1979, Un pezzo di strada nella stanza e un pezzo di stanza della strada, presentata alla Triennale di Milano, con queste opere La Pietra affronta nuovamente il tema del superamento della barriera tra sfera privata e pubblica, creando conflittualità benefiche tra i due ambiti e giungendo al superamento dell'anonimato caratteristico dello stile internazionale. Nelle opere di La Pietra gli elementi che generalmente qualificano l'interno, quali tazze, bottiglie, vasi e tende, si riversano sulle facciate delle case connotandole con oggetti della quotidianità che vengono ripetuti e ingranditi generando un "catalogo inesauribile di manipolazione". La mostra sarà accompagnata da un catalogo bilingue (italiano e inglese) con testi critici di Marco Meneguzzo e Gianluca Ranzi. (Comunicato stampa)

"L'interno verso l'esterno diventa così, oltre che uno slogan a cui rimandare sinteticamente tutte le mie ricerche tese al superamento della barriera, che ancora esiste, tra spazio privato e spazio pubblico, anche un metodo progettuale per la buona salute di un'architettura che sembra cercare con scarsi risultati nuovi modelli a cui fare riferimento." (Ugo La Pietra, in "Promemoria", ed. Katà, Milano 1979/80)

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Note contemporanee
Motivi artistici a confronto dagli anni '60 ad oggi

termina il 30 settembre 2019
Galleria d'Arte 2000 & Novecento - Reggio Emilia

Mostra collettiva con opere di Piero Gilardi, Giorgio Griffa, Mario Schifano, Jorrit Tornquist ed altri autori selezionati. Il lavoro degli artisti scelti per questa collettiva illustra al pubblico la contemporaneità dell'arte attraverso suggestioni cromatiche e formali, ma anche la sovrapposizione di linee e geometrie, segnando un percorso di continuità tra i maestri del secolo scorso e quelli del presente. La mostra comprende quattordici opere selezionate riunite per offrire un panorama di firme dalle riconoscibili affinità elettive che offrono un significativo contributo alla contemporaneità espressiva ed artistica, testimonianze di segni diversi, che ripercorrono la ricerca e la storia della produzione artistica nazionale.

In esposizione due opere dell'artista torinese Piero Gilardi (1942) che profeticamente ha anticipato temi diventati centralissimi nel dibattito artistico del nostro presente - e non solo - come il rispetto nei confronti della natura ormai impoverita ed imbruttita dalla presenza dell'uomo. Quello che si evince, osservando criticamente i suoi "tappeti natura", è un continuo dialogo tra artificiale, rappresentato dal poliuretano espanso, e naturale, rappresentato dalla finzione di un paesaggio selvaggio e incontaminato. Come ben delineato dai lavori in mostra, si possono vedere rappresentati "selciati incolti", "piccole foreste" o "oceani con gabbiani".

Di Giorgio Griffa (1936) un'opera della seconda metà degli anni '70 riferibile al ciclo dei Segni primari, in cui l'idea o il concetto eliminano l'arbitrio, il casuale, il caotico, l'emotivo e il soggettivo, esaltando il controllo, la chiarezza e la sobrietà. Ci accorgiamo che il segno policromo bidimensionale con la sua studiata piattezza si sviluppa secondo una struttura concettuale che risulta lo zoccolo duro, obiettivo del lavoro. È qui evidente la volontà di Griffa di operare un tentativo sistematico di eliminare ogni componente empirica, per cui l'adozione di un metodo e di un ordine diventa fondamentale.

Infine Mario Schifano (1934-1998), - unanimemente considerato uno dei più importanti, trasgressivi ed originali artisti italiani e nume tutelare della Pop Art italiana - è presente con una grande tela del 1973/1978 caratterizzata dalla sua tipica pittura gestuale, carica di sentimento vitale, di tocchi veloci e di forti accensioni cromatiche, mentre il lavoro in esposizione dell'austriaco Jorrit Tornquist (1938), il cui approccio alla pittura è sempre di tipo scientifico, nasce da uno studio innovativo dei meccanismi della visione, dei fenomeni ottici e luminosi, in linea con i progressi scientifici dal dopoguerra in poi. In esposizione anche opere di Enrico Della Torre, Gianfranco Ferroni, Omar Galliani, Marco Gastini, Mimmo Iacopino, Walter Valentini, Renzo Vespignani, Gianfranco Zappettini. (Comunicato stampa)

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Onorio Bravi
Ravenna fantastica!

termina il 05 luglio 2019
Istituto Italiano di Cultura di Atene

Nell'ambito dell'iniziativa "Tempo Forte Italia-Grecia 2019", la mostra di Onorio Bravi (Portico di Romagna - Forlì-Cesena, 1955) curata dall'architetto Marisa Zattini. Si tratta di un ciclo di lavori realizzato nel 2015, dedicato alla città di Ravenna, e di altri selezionati pezzi per un corpus complessivo di oltre 100 opere. Le xilografie sono state ispirate dalle poesie di Nevio Spadoni, scritte in lingua vernacolare romagnola, dedicate ai luoghi e ai personaggi più importanti della città. Si tratta di una "Ravenna dello spirito" quella che ci offre l'artista, una Ravenna di rara intensità e armonia che incontra oggi Atene, città sorella per memoria e storia.

In queste opere si avverte il sentimento del passato, di un tempo eroico che agisce ancora sul presente per nuclei invisibili, in nome della classicità dell'eccellenza. Onorio Bravi sapientemente controlla ogni mezzo espressivo: dalla xilografia al graffito, dalla pittura al disegno. La nostalgia innerva ogni suo dipinto che si fa luogo denso di seduzioni. Egli ripercorre e ci disvela bellezze nascoste richiamando a sé antiche reminescenze. È il ritorno della memoria di un passato inteso come sublimazione e contemplazione. La figura di Dante, ad esempio è reliquia, fantasma proiettivo, ombra d'affezione per nuovi viaggi immaginari. Una esposizione, questa, che ci permette di conoscere più a fondo una delle espressioni dell'arte contemporanea italiana. "Tempo Forte Italia-Grecia 2019" è una iniziativa culturale per portare "sempre più Italia in Grecia e sempre più Grecia in Italia". Catalogo edito da Il Vicolo Editore. (Estratto da comunicato stampa)

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William Berni: "#Concrete Series"
termina il 29 giugno 2019
Galleria d'arte Ghiggini 1822 - Varese
www.ghiggini.it

L'artista presenta in galleria una nuova ricerca: una serie di lavori che si allontanano dall'esperienza iperrealista che ha caratterizzato il suo percorso iniziale perché realizzati con la tecnica del collage materico utile a ricreare nel dettaglio l'effetto di superfici murarie degradate. Una scelta coraggiosa che si pone l'obiettivo di omaggiare in galleria una specificità del tessuto urbano ed è espressione del percorso che il vincitore del Premio GhigginiArte 2013 ha scelto di intraprendere. Un progetto che segue la prima mostra personale di William Berni dal titolo "Skyline" del 2013 e la sua partecipazione all'esposizione collettiva "Vicende & Vincitori" nel 2016. Il catalogo della mostra (Ghiggini Edizioni) è arricchito dalle testimonianze di: Cope 2, Writer; Mr. Plustik, Writer; Cristina Pinho Teixeira, Redattrice "Ticino 7" e di Ivo Silvestro, Caporedattore Cultura "La Regione Ticino".

"Scegliere di divenire se stessi. Da un po' di tempo William ha intrapreso una nuova via, astratta e concettuale, ma al contempo macro-iperrealista: fabbrica pezzi di muro di cemento, li incornicia e li mette alla parete illuminati da un neon. Nel suo percorso per sottrazione è arrivato all'essenziale, al materico. Con queste opere sulla soglia dell'installazione attua una decostruzione dei codici partendo da un materiale da costruzione. Ed è un po' quello che l'arte contemporanea persegue: rompere il muro delle convenzioni, spostare i punti di vista, rimettersi in questione, non aderire alle aspettative". (Cristina Pinho Teixeira)

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Fotografia a Torino dal dopoguerra al boom economico
termina il 29 giugno 2019
Biblioteca Civica Villa Amoretti - Torino
www.associazionefotografiastorica.it

Una mostra ed un catalogo che intendono valorizzare la fotografia del Novecento evidenziando il ruolo che Torino e il Piemonte ebbero dal dopoguerra al boom economico in quanto luoghi chiave per la storia della fotografia italiana e laboratorio di talenti, in parte ancora poco noti. Una selezione di oltre quaranta fotografi, rappresentati da una settantina di immagini vintage (ad esclusione di due stampe recenti provenienti da diapositive a colori dell'epoca), scattate indicativamente dal 1945 al 1970, di autori, professionisti e non, attivi in quegli anni a Torino e in Piemonte. Varie le tipologie di soggetti rappresentati: ritratti, vedute, foto di reportage giornalistico e industriale, fotografie sperimentali, intensi scatti di gusto neorealista e alcune immagini a colori per ricordare che a Torino, nel 1950, con grande lungimiranza, fu organizzato dalla Società Fotografica Subalpina il Primo Festival Internazionale del fotocolore.

Fra gli autori ricordiamo: Aldo Agnelli, Luigi Bertazzini, Giovanni Calleri, Augusto Cantamessa, Oreste Cavallo, Rosario Dorico, Michele Ghigo, Osvaldo Giachetti, Riccardo Gilardi, Elirio Invernizzi, Studio Enea Mangini, Lino Mantelli, Luigi Martinengo, Aldo Moisio, Riccardo Moncalvo, Renzo Muratori, Rinaldo Prieri, Gianni Ranati, Giuseppe Tarsini. Le immagini provengono dagli archivi dell'Associazione per la Fotografia Storica e da altri archivi pubblici e privati, fra i quali lo storico archivio della FIAF (Federazione Italiana Associazioni Fotografiche), l'Archivio Cantamessa, l'Archivio Riccardo Moncalvo e l'Archivio Stefano Robino. La mostra è un'occasione per ripercorrere, attraverso le immagini, il gusto, la cultura e la società di quel particolare periodo storico e per fissare alcuni protagonisti della fotografia di quegli anni, fornendo lo spunto per nuove ricerche future; ma anche per ribadire che, oltre a "conservare" la memoria materiale e immateriale, è altrettanto importante "restituirla", cercando di renderla accessibile a tutti, anche grazie ad un approccio storico-didattico. (Comunicato stampa)

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Taisuke Koyama: Waves and Particles
termina il 27 luglio 2019
Metronom - Modena
www.metronom.it

La mostra dell'artista giapponese riunisce, in un allestimento site-specific, una selezione di opere recenti dell'artista che consente di leggere in maniera coerente lo sviluppo della ricerca di Koyama sul comportamento della luce e del colore nell'interazione tra fenomeni naturali e ambienti digitali. Le due parole che compongono il titolo, "waves" (onde) e "particles" (particelle), riferiscono infatti alla composizione della luce e al legame con la pratica fotografica. In mostra opere della serie Photons, Lightfiled e Pico che sono l'esito di oltre dieci anni di studi sul colore, generato in modo matematico o registrato, al limite tra traduzione di dati e rilfessione critica sulla costruzione dell'immagine. Interessato alla generazione ma anche alla fruizione delle immagini, Koyama progetta allestimenti e formalizzazioni che spingono i limiti della fotografia oltre la bidimensionalità della stampa fotografica. (Comunicato stampa)

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Francesco Jodice
Il Corsaro Nero e la vendetta del Gavi

termina lo 07 settembre 2019
Forte di Gavi - Gavi (Alessandria)
www.fondazionelaraia.it | www.galleriamichelarizzo.net

Nuovo progetto artistico di Francesco Jodice a cura di Ilaria Bonacossa, direttrice di Fondazione La Raia, e Annamaria Aimone, direttore del Forte di Gavi. Si articola in una mostra, una performance e un'installazione permanente, conferma la volontà di Fondazione La Raia di identificare nuove letture critiche sul tema del paesaggio e della sua valorizzazione, concentrandosi in questo caso sulle specificità del paesaggio del Gavi e la sua storia. Francesco Jodice nella sua ricerca artistica indaga i mutamenti del paesaggio sociale contemporaneo, con particolare attenzione ai fenomeni di antropologia urbana e alla produzione di nuovi processi di partecipazione. I suoi progetti mirano alla costruzione di un terreno comune tra arte e geopolitica. Artista e fotografo, le cui opere sono presenti in importanti collezioni museali internazionali e il cui lavoro è stato presentato in numerose Biennali, spinge la sua ricerca fotografica a uscire dalla pura rappresentazione e documentazione. Le immagini e le storie evocate si articolano in forma dialogica, raccontando i luoghi, il loro passato e i loro elementi distintivi.

Per questa mostra Jodice ha fotografato le architetture, i paesaggi, i monumenti, le colline e le cantine, indagando gli aneddoti vernacolari e i personaggi che hanno segnato la storia del Gavi e di Novi Ligure. Nelle sue ricerche l'artista si è imbattuto nel lavoro di Angelo Francesco Lavagnino (Genova 1909 - Gavi 1987), un importante compositore classico, tra i padri della colonna sonora del cinema italiano, che ha scelto Gavi come sua terra d'elezione. Lavagnino lavorò tra la fine degli anni Cinquanta e gli anni Settanta a centinaia di colonne sonore originali, tra cui l'Otello di Orson Welles, oltre a moltissimi B-movies del cinema popolare italiano, quali Ercole contro i tiranni di Babilonia, Maciste contro il vampiro, Gungala, la vergine della giungla, e molti altri, senza mai lasciare Gavi: un Salgari del mondo della musica.

Il titolo del progetto apre ironicamente alle immagini fantastiche protagoniste del cinema italiano del dopoguerra al cui successo contribuì grandemente il lavoro di Lavagnino. La mostra fotografica è stata creata per e con il Forte di Gavi Polo Museale del Piemonte; la performance musicale è nata dall'interesse di Jodice per le musiche di Lavagnino, che lo hanno portato ad attivare una collaborazione con il Conservatorio Niccolò Paganini di Genova e il Corpo musicale "Romualdo Marenco" di Novi Ligure composto da 45 elementi; l'installazione è presso l'azienda agricola La Raia, sede di Fondazione La Raia. La performance musicale, il giorno dell'inaugurazione a La Raia, riporta le musiche de Gli specialisti (1969, regia di Sergio Corbucci) e La morte viene dal pianeta Aytin (1967, regia di Antonio Margheriti) nel paesaggio del Gavi. La trascrizione delle partiture è stata curata dal Maestro Pietro Leveratto sotto la direzione del Conservatorio Niccolò Paganini di Genova.

"Francesco Jodice mi ha stupito con la sua capacità di trasformare un'indagine sul paesaggio del Gavi e di Novi Ligure in una straordinaria avventura nella storia del cinema italiano sulle orme di Lavagnino," afferma Ilaria Bonacossa direttrice artistica di Fondazione La Raia. Le opere di Francesco Jodice - bassorilievi nati dall'inaspettata fusione tra le fotografie di paesaggio scattate dall'artista per questo progetto e i protagonisti delle locandine dei film musicati da Lavagnino - sono il risultato della sovrapposizione di due mondi: uno reale, l'altro fantastico. Nel loro insieme sembrano trasformare il Gavi nel set immaginario di un film popolato da cowboy, vampiri, pirati, figure mitologiche e donne seducenti. Jodice, attraverso un'operazione di collage pop e low-fi, trasfigura i castelli, le valli, le montagne e le cascate del Gavi in luoghi onirici e indimenticabili.

Giocando con il kitsch mette in scena questi personaggi cult in luoghi "altri", alterandone il contesto, per trasformare la fotografia in uno strumento contemporaneo di narrazione multidisciplinare. Il risultato sono nove fotografie-sculture di grande formato, collages tridimensionali nati dall'unione concettuale tra il paesaggio e figure di fantasia, ma sono anche una tappa del lungo processo di riflessione che Jodice conduce da anni sulla natura e il senso della storia delle immagini, delle influenze e delle osmosi tra l'oggetto-fotografia e la società in cui viene prodotta come dispositivo e apparato culturale. La mostra si arricchirà di una nuova opera site specific di Francesco Jodice che sarà visibile in modo permanente al pubblico presso Fondazione La Raia. L'intero progetto sarà documentato in un libro d'artista dedicato a Il Corsaro Nero e la vendetta del Gavi, curato da Ilaria Bonacossa insieme a Ginevra D'Oria, in cui verranno riunite le fotografie di Francesco Jodice e le immagini della performance, oltre a testi critici che raccontano il progetto. (Comunicato stampa)

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Cinema Italiano: Nell'arte di Gianni Di Nucci - Nella musica di Giuppi Paone
Cd + pubblicazione d'arte

Cinema, musica, pittura: un trinomio, nella sua armonia, in grado di regalare sensazioni esclusive allo spettatore-lettore-appassionato d'arte. E' l'origine e la finalità di questa iniziativa editoriale formata da un cd con quattordici celebri brani tratti da film molti noti, interpretati da Giuppi Paone (voce) e Carlo Cittadini (pianoforte) e da una pubblicazione con le immagini dei dipinti realizzati da Gianni Di Nucci per rappresentare in forma pittorica i temi musicali selezionati.

Recensione

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Fernando Cucci: Luceforma
termina il 23 maggio 2019 (prorogata fino al 4 giugno)
Galleria Immaginaria - Firenze
www.galleriaimmaginaria.com

Fernando Cucci lavora su un supporto di legno prima crea una base che può essere di malta, iuta, sabbia, calce spenta. La lavora con strati che si sovrappongono e altri che vengono raschiati. Poi interviene con pigmenti naturali e con segni che si rifanno agli antichi alfabeti, alle iscrizioni sacre, alle formule matematiche agli schizzi di architettura. Si possono leggere e decrittare. Sono stratigrafie portate alla luce, totemici atlanti di pietra. Hanno titoli che evocano il viaggio. Fernando Cucci (Ugento - Lecce) ha studiato presso l'Istituto d'Arte di Firenze, l'Accademia di Belle Arti e la Kunstgewerbeschule di Basilea. Ha svolto l'attività di docente, titolare della cattedra di Discipline Pittoriche negli Istituti Superiori d'Arte e nei Licei Artistici Statali. E' presente nelle maggiori fiere internazionali d'Arte, rassegne e premi in Italia e all'estero. Alcune sue opere fanno parte di collezioni pubbliche e private. (Comunicato stampa)

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La Forma dell'Ideologia
Praga: 1948-1989

termina il 28 luglio 2019
Palazzo del Governatore - Parma

La più grande mostra italiana dedicata all'arte cecoslovacca, a cura di Gloria Bianchino, FrancescoAugusto Razetto, Ottaviano Maria Razetto. Oltre 200 opere tra dipinti, disegni, acquerelli, lavori di grafica e di stampa, fotografie, oggetti di design e proiezioni cinematografiche. Promossa da Fondazione Eleutheria, Collezione Ferrarini-Nicoli e Comune di Parma, in collaborazione con il Museo di Arte Decorative di Praga, la mostra è curata da Gloria Bianchino, FrancescoAugusto e Ottaviano Maria Razetto. Dalla pittura alla scultura, dalla fotografia al cinema fino al design, l'arte di quel periodo è declinata nelle sue variegate sfaccettature sottolineando, in particolare, l'impatto che ebbe lo "stato di regime", dal '48 in poi, sulla cultura della città e dell'intera nazione.

L'esposizione, allestita su entrambi i piani del Palazzo, proporrà al pubblico un percorso temporale, a partire dagli anni '20 del Novecento fino agli anni '80, in cui verrà approfondita l'atmosfera culturale di Praga e dell'intera nazione cecoslovacca, altamente influenzata dalle vicende storico-politiche, che portò a una particolarissima produzione artistica, parte della quale trovò espressione nella pittura realista di artisti di primo piano come Josef Štolovský (1879-1936), Josef Brož (1904-1980), Adolf Žábranský (1909-1981), Jaromír Schor (1912-1987), Sauro Ballardini (1925-2010) ed Alena Cermáková (1926-2009). (Comunicato CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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Federico Patellani: "Da Monza verso il mondo"
termina il 28 luglio 2019
Arengario - Monza
www.mufoco.org

Una ragazza sorridente che «sbuca» dalla prima pagina del Corriere della Sera il giorno della proclamazione della Repubblica, nel giugno 1946. Una foto-icona che racconta la speranza di un Paese che guarda avanti dopo il fascismo e la guerra. L'autore è monzese, Federico Patellani, classe 1911, maestro del fotogiornalismo italiano. Il «giornalista nuova formula». Federico Patellani, uno dei più importanti fotografi italiani del XX secolo, è stato il primo fotogiornalista italiano. Già nel 1943 aveva indicato come doveva essere il «giornalista nuova formula»: un giornalista che, oltre a scrivere i testi, sapesse anche realizzare immagini «viventi, attuali, palpitanti». Patellani si avvicina alla fotografia dopo la laurea in Legge, in Africa nel 1935. Dal 1939 collabora con il settimanale "Tempo" di Alberto Mondadori che si rifaceva all'esperienza dell'americano «Life» adattato alla realtà italiana.

Sensibile e colto narratore, testimone puntuale della società italiana, Patellani (scomparso a Milano nel 1977) racconta senza retorica l'Italia nel dopoguerra, che cerca di dimenticare il passato recente e di ritrovare le proprie radici, ma narra anche la ripresa economica di un Paese che sta cambiando pelle, passando da contadino a industriale, la moda, il costume e la vita culturale. L'Italia in cento scatti. Le curatrici - Giovanna Calvenzi e Kitti Bolognesi - hanno selezionato dal Fondo conservato presso il Museo di Fotografia Contemporanea di Milano-Cinisello Balsamo, costituito da quasi 700 mila immagini tra stampe originali, negativi, diapositive e provini a contatto, un centinaio di fotografie in bianco e nero che meglio rappresentano le tappe fondamentali della carriera di Patellani dalla fine della Seconda guerra mondiale alla metà degli anni Sessanta, quando il fotografo si dedicò soprattutto alla fotografia di viaggio.

Il percorso espositivo è suddiviso in sezioni che rappresentano i temi più importanti della sua produzione: la distruzione delle città italiane alla fine della Seconda guerra mondiale, la ricostruzione e la ripresa economica, il Sud Italia e la Sardegna, la nascita dei concorsi di bellezza e la ripresa del cinema italiano, i ritratti dei più importanti intellettuali del Novecento come Benedetto Croce, Thomas Mann, Eugenio Montale, Giuseppe Ungaretti, Elio Vittorini, Bruno Munari. E grazie all'amicizia con registi e produttori come Carlo Ponti, Mario Soldati, Dino De Laurentiis e Alberto Lattuada, realizza servizi fotografici sui set di importanti film italiani e internazionali e ritrae alcuni tra i volti più noti del cinema: da Totò ad Anna Magnani, da Gina Lollobrigida a Silvana Mangano, da Vittorio De Sica a Luchino Visconti e da Sophia Loren a Roberto Rossellini.

La Monza del dopoguerra. Una sezione è dedicata alle fotografie di Monza. Alcune immagini inedite, che raccontano la città, le gite domenicali al Canale Villoresi, il Parco e l'Autodromo negli anni del dopoguerra, eleganti servizi di moda in Villa Reale e l'amico e artista monzese Leonardo Spreafico, ritratto nel suo studio. L'omaggio a «Stromboli». Infine un omaggio al film di Roberto Rossellini «Stromboli. Terra di Dio», a quasi settant'anni dalla sua uscita: a fianco degli straordinari ritratti di Ingrid Bergman e del regista, una bacheca con le pagine del servizio pubblicato da «Tempo» nel 1949, che documentano la realizzazione del film, i luoghi e i protagonisti, insieme ai provini delle immagini che raccontano il metodo di lavoro di Patellani. (Comunicato stampa)

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Jean François Migno
La forza del colore

termina lo 08 settembre 2019
Museo Civico Medievale - Bologna
www.museibologna.it/arteantica

Il Museo Civico Medievale di Bologna si apre al dialogo con la pittura contemporanea presentando la prima mostra personale in Italia dell'artista francese Jean François Migno, a cura di Graziano Campanini e Riccardo Betti. Con questa esposizione il museo prosegue nel percorso di indagine e riflessione, già avviato da alcuni anni, sulle dinamiche di interazione tra antico e nuovo - le opere e i reperti di epoca medievale conservati nel proprio patrimonio e le espressioni della creazione artistica attuale - nel contesto del complesso tessuto monumentale di Palazzo Ghisilardi, una delle testimonianze architettoniche più rilevanti del Rinascimento bolognese. L'intera vicenda dell'artista, contrassegnata da una continua sperimentazione su diversi mezzi e materiali che rifiuta una piena e concreta definizione della sostanza in favore di un'astrazione dall'aspetto figurativo, viene ripercorsa attraverso una selezione di circa 40 lavori, comprensiva dei principali cicli della sua produzione, come Palissade realizzato negli anni Novanta e il più recente Passages degli anni Duemila.

Essi testimoniano una pratica della pittura vissuta come confronto totalizzante con la tela, un corpo a corpo frontale - fisico, emotivo, intellettuale - in cui il gesto esplora nuove possibilità formali ed espressive di materie e incontri coloristici in convulse partiture spaziali cadenzate da spazi bianchi. Sulle superfici delle tele si scontrano forze e segni da cui si generano grovigli di pasta pittorica che attestano un profondo processo di assimilazione e superamento di alcune delle esperienze figurative più intense del Novecento: l'Informale, l'Espressionismo Astratto d'oltreoceano e la poetica di Henri Matisse, sua dichiarata fonte di ispirazione per la sensuale fisicità del colore e la creazione di una "pittura volumetrica", una sorta di scultura sulla tela, secondo la definizione del co-curatore Riccardo Betti.

Ed è attraverso l'elemento cromatico, lavorato fino alla perdita percettiva dei suoi confini e movimenti sulla superficie, che la materia si accumula in aggètti grumosi attuando una vocazione alla terza dimensione e alla occupazione dello spazio reale in un'intensa "danza del colore". Il risultato finale è un'armonia impossibile, imperfetta come la vita stessa che, anche al di là delle contraddizioni, tende verso l'essenziale. Un vibrante inno alla pittura di cui Migno è il gioioso celebrante. L'esposizione è accompagnata da una pubblicazione edita dalla Tipografia Bagnoli di Pieve di Cento, che contiene la riproduzione a colori di tutte le opere in mostre, con testi di Massimo Medica, Graziano Campanini, Riccardo Betti, Gian Luigi Saraceni, Jean François Migno e contributi critici di John J. Bloom e Thomas Michael Gunther.

La formazione artistica di Jean François Migno (Francia, 1955) è eterogenea: dal 1973 al 1975 studia Architettura presso l'École des Beaux Arts di Parigi, per poi passare i due anni successivi alla sezione des Arts plastiques, approfondendo disegno e serigrafia. Conclude il suo percorso di studi alla École du Louvre dal 1978 al 1979. Artista la cui ricerca è continua, Jean François non considera mai nulla già acquisito. Influenzato dall'Espressionismo astratto americano, si approccia alla pittura attraverso metodologie differenti riassunte in quelle che lui definisce Sèries, periodi che tra loro sono legati dalla comune determinazione nel rimettere tutto in discussione, ricominciare, lasciandosi guidare dall'intuito creativo e dalla volontà di risolvere contraddizioni plastiche, pittoriche o intellettuali incontrate sul proprio cammino. Sono i colori primari i principali protagonisti delle sue grandi tele. Quella di Migno è una pittura in continuo movimento, in continuo divenire. (Comunicato stampa)

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Valente Taddei: "ARTinCLUB 7"
termina il 29 settembre 2019
Residenza d'Epoca Hotel Club I Pini - Lido di Camaiore (Lucca)
www.clubipini.com/artinclub7

Mostra di pittura, organizzata in collaborazione con la galleria Mercurio Arte Contemporanea di Viareggio. In esposizione una serie di recenti dipinti dell'artista Valente Taddei. L'iniziativa ARTinCLUB, giunta alla settima edizione, nasce con l'intento di offrire al pubblico una proposta culturale che coniughi l'arte contemporanea con la raffinata atmosfera della villa in stile Liberty, fatta costruire dal pittore e ceramista Galileo Chini agli inizi del '900 per crearvi la propria dimora nei periodi di acanza. Completamente ristrutturata lasciando inalterato il fascino originario, la Residenza d'Epoca Hotel Club I Pini accoglie ancora oggi numerose opere di Chini - dipinti, affreschi e oggetti d'arredamento - perfettamente conservate. Nei dipinti a olio e china su carta di Taddei, un minuscolo individuo si ritrova in situazioni costantemente in bilico tra ironia e paradosso.

L'artista propone una lettura metaforica della condizione umana, sdrammatizzando, con sottile ironia, il senso di vuoto e di caducità che l'uomo può provare di fronte al proprio destino. Valente Taddei (Viareggio, 1964), diplomato all'Accademia di Belle Arti di Carrara, ha all'attivo un nutrito curriculum espositivo, con numerose personali e collettive sia in Italia che all'estero. Ha realizzato illustrazioni per copertine di libri (per i tipi di: Mauro Baroni Editore, Viareggio; Giulio Einaudi Editore, Torino; Alberto Gaffi Editore, Roma; Franco Angeli Edizioni, Milano) e cd musicali, per riviste (Notizie Lavazza, Cfr:), per siti Internet. Nel 2008 ha illustrato con 10 tavole inedite il saggio "Pandora, la prima donna" di Jean-Pierre Vernant, pubblicato da Einaudi nella collana 'L'Arcipelago'. Ha realizzato il logo e il manifesto ufficiale dell'edizione 2013 di EuropaCinema, festival cinematografico internazionale con sede a Viareggio, e il manifesto ufficiale del Carnevale Pietrasantino 2014. La mostra, corredata di catalogo con testo critico di Marco Del Monte, è patrocinata dal Comune di Camaiore. (Comunicato stampa)

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Terre segnate
28 ceramiche di Agostino Ferrari

termina lo 06 settembre 2019
Ca' di Fra' Arte Contemporanea - Milano
Locandina

Una selezione di ceramiche, che costituiscono la produzione più recente dell'artista milanese. Ferrari aveva già sperimentato la ceramica in passato ma mai con questa convinzione e originalità, tanto da farne la protagonista di una nuova stagione della sua ricerca. Si tratta di opere di dimensioni relativamente contenute, dalla forma per lo più rotonda o ovale, e linee morbide che caratterizzano un corpo spesso dolcemente convesso. I toni cromatici variano fra l'avorio e l'ocra chiaro. La particolarità di queste opere però è che un segno fisico, un elemento metallico snodato e flessuoso, fuoriesce da una profonda incisione, fessura o orifizio praticato nella ceramica e sottolineato dall'emergenza del nero al di sotto della superficie. Il segno poi tende a riprendere gli andamenti plastici della forma complessiva dell'opera, muovendosi attraverso curve più o meno ampie che corteggiano la forma sottostante nello spazio fisico e producono un'ombra più o meno visibile in base alle condizioni di illuminazione.

Le opere hanno dunque una valenza plastica reale, che permette al segno di emergere con elasticità e nettezza dal corpo ceramico smaltato. Tutte queste opere sono pensate per essere appese alla parete come quadri, sostenute da un supporto non visibile: l'effetto è quindi di corpi plastici che "galleggiano" nel vuoto, tracciando ombre intense e leggere sulla parete retrostante che offre loro una specie di schermo o di "scena" teatrale, ove le ceramiche risultano quasi personaggi mitologici, o scudi, o "maschere" in senso greco, "prosopon" letteralmente "davanti alla vista", come suggerisce il semiologo Ugo Volli che da anni segue il lavoro di Agostino Ferrari. Nella loro consistenza tridimensionale quindi, anche le opere di questa serie, come i Prosegni che le hanno precedute, riprendono direttamente gli spunti anticipati quasi mezzo secolo fa dal Teatro del segno, in cui l'elemento segnico risultava effettivamente provvisto di una natura concreta e tale da andare oltre la bidimensionalità della superficie. Il "discorso" pittorico, plastico e spaziale di Agostino Ferrari viene arricchendosi di sempre nuove sfaccettature e di nuovi materiali. (Comunicato stampa)

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Metlicovitz. L'arte del desiderio
termina il 13 ottobre 2019
Museo Nazionale Collezione Salce - Treviso

Da 5 a 10 lire. Questo è quanto Giovanni Ricordi proponeva al ragionier Nando Salce, suo attento collezionista, nel febbraio 1904, per cedergli le ultime novità create da Leopoldo Metlicovitz. E nonostante un prezzo non così trascurabile, al termine di una trattativa epistolare, Salce aderiva alle richieste dell'editore milanese, proprio perché sapeva apprezzare l'opera dell'incisore triestino, ben valutando la capacità di fascinazione e la forza grafica delle sue creazioni per Casa Ricordi. Il collezionista trevigiano era perfettamente consapevole di essere di fronte ad uno dei maestri assoluti del cartellonismo italiano. Ed è proprio da queste lettere manoscritte e da altri preziosi documenti sino ad oggi mai esposti che prende idealmente avvio la retrospettiva che il Museo Nazionale Collezione Salce dedica a Leopoldo Metlicovitz.

La mostra trevigiana fa seguito a quella che Trieste, città natale dell'artista, gli ha dedicato nel centocinquantenario della sua nascita al Museo Revoltella e al Civico Museo Teatrale "Carlo Schmidl". Riprendendone naturalmente tutti i capolavori fondamentali, ma scegliendo di indagare Metlicovitz sotto nuovi punti di vista. Soffermandosi appunto sul suo rapporto con la Ricordi, ma esplorando anche aspetti diversi e poco noti della sua amplissima produzione grafica, dai calendari alle piccole locandine. "Creazioni" che nella loro specificità mostrano il "marchio Metlicovitz", inconfondibile e potente. Un ulteriore approfondimento è riservato al tema del paesaggio, per nulla scontato in un artista che era maestro della figura e della teatralizzazione e di cui, invece, si mostra attentissimo lettore.

Sono manifesti turistici o dedicati a prodotti per l'agricoltura, che mettono in piena evidenza il paesaggio, così come i manifesti che promuovono l'uso dell'automobile per i quali l'ambiente funge da sfondo. Di Leopoldo Metlicovitz saranno in mostra molti dei suoi manifesti più rappresentativi, dedicati a prodotti commerciali e industriali, ma anche a grandi eventi come l'Esposizione internazionale di Milano del 1906, a famose opere liriche, da Madama Butterfly a Turandot. Nella ricca "Linea del Tempo" che accompagna la mostra, si ricorda che Metlicovitz, dopo un apprendistato tra Trieste ed Udine, nel 1888 approdò a Milano. E lì fu proprio grazie all'intuito di Giulio Ricordi che Metlicovitz poté esplicare tutte le proprie potenzialità espressive, non solo come grande esperto dell'arte cromolitografica, ma pure come disegnatore e inventore di quegli "avvisi figurati" (così chiamati allora) che segnarono anche in Italia la nascita dell'arte del cartellonismo in sintonia con quanto il "modernismo" internazionale andava proponendo nelle arti applicate sotto i vari nomi di Jugendstil, Modern Style, Art Nouveau, Liberty.

"L'esigenza - sottolinea il Direttore del Polo Museale del Veneto Daniele Ferrara - di attrarre l'attenzione del pubblico su questo o su quel prodotto ha sollecitato gli artisti impegnati nella grafica pubblicitaria a progettare immagini che, tramite l'eleganza del disegno, l'impatto del colore, l'espressione dei sentimenti, la forza iconografica, risultassero penetranti e persuasive nell'immaginario collettivo. Le venature più intime e individuali di un artista vengono a scoprirsi nel confronto a viso aperto con lo spettatore ed è questo uno degli elementi più interessanti dell'arte della pubblicità. Metlicovitz fu un maestro in questo ambito della produzione artistica. A distanza di oltre un secolo alcune sue opere costituiscono ancora delle vere e proprie "icone": penso ai manifesti per la Turandot e per Madama Butterfly realizzati per le Officine d'Arti Grafiche Ricordi, la storica casa editrice musicale con cui Metlicovitz lavorò. Il "riuso" di quelle immagini, anche solo per ornamento - di una stanza, di una scatola, di un segnalibro - testimonia la loro incisività, in altra epoca e in altro modo. Così leggiadre e al tempo stesso così dense di significato e capaci sempre di commuovere". (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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AA.VV. Dal dagherrotipo al digitale
La fotografia e le sue tecniche

termina il 30 giugno 2019
MTE Museo della Tecnica Elettrica - Pavia

La storia della fotografia, l'invenzione che quest'anno festeggia il suo 180esimo compleanno, è sempre stata frutto di emozioni, ricerche, innovazioni infinite che non si fermano né conoscono frontiere, passando da arte riservata a pochi a mezzo di comunicazione universale. La fotografia si basa su due grandi principi, quello estetico-creativo e quello tecnologico ma se la sua storia si è giustamente identificata con quella dei grandi autori che l'hanno realizzata, meno attenzione è stata riservata alla straordinaria evoluzione delle sue tecniche. È dunque nell'ottica di raccontare proprio le tecniche che ne hanno segnato la crescita della fotografia che il Museo della Tecnica Elettrica (MTE) di Pavia, per preservare e promuovere il patrimonio culturale della tecnica elettrica, e oggi importante punto di riferimento culturale sul territorio diretto dalla prof.ssa Michela Magliacani, presenta la mostra a cura di Roberto Mutti.

La mostra, inserita nella programmazione della prima edizione di Pavia Foto Festival, espone in apposite teche pezzi originali antichi raramente visti da vicino (dagherrotipi, ambrotipi, ferrotipie, carte de visite, calotipi, carte salate, autochrome, stampe "al chiaro di Luna"), pellicole, diapositive e immagini analogiche di un recente passato, fotografie digitali contemporanee. Tutte le storie hanno un inizio, e quella della fotografia moderna la si può far risalire al 9 luglio del 1839 con il pittore e scenografo teatrale francese Louis Jacque Mandè Daguerre che dava vita al procedimento fotografico conosciuto come "dagherrotipo": una lastra ricoperta d'argento che, esposta ai vapori dello iodio, messa in camera oscura e posizionata davanti al soggetto da riprendere, dopo una posa lunga e un lavaggio in sale marino e mercurio, svelava un'immagine speculare del soggetto fotografato.

Roberto Mutti, curatore della mostra e direttore artistico di Pavia Foto Festival: «Esposte ci sono delle vere e proprie rarità, e il tutto è accompagnato da pannelli che spiegano i differenti procedimenti, dal dagherrotipo, che realizzava fotografie che non potevano essere duplicate (si dovrà aspettare il 1841 con l'invenzione dei negativi da parte dell'inglese William Henry Fox Talbot), alle stampe al chiaro di Luna. È un percorso completo e affascinante. Bisogna comprendere che quello che per noi è naturale e che facciamo tutti i giorni con i nostri smartphone, una volta richiedeva di attrezzature ingombranti e tempi di posa e sviluppo lunghissimi. Oggi si ottengono risultati eccezionali, ma senza i passaggi che vengono raccontati in mostra non esisterebbe la moderna fotografia, senza dimenticarci di veri e propri miti come la Polaroid, che grazie alla possibilità di realizzare fotografie istantanee ha in qualche modo anticipato l'era digitale».

In mostra al Museo della Tecnica Elettrica di Pavia compaiono anche opere di autori contemporanei (Beniamino Terraneo con i suoi dagherrotipi, Stefania Ricci con le cianotipie, Paolo Marcolongo con clichè verre e kyrlian, Federico Patrocinio con la fotografia stenopeica, Beppe Bolchi con il distacco polaroid in bottiglia, Roberto Montanari con la gomma bicromatata, Dino Silingardi con le stampe al platino e al carbone, Erminio Annunzi con la stampa ad annerimento) che si dedicano a queste antiche e talvolta più recenti tecniche con risultati sorprendenti. Ma anche all'evoluzione contemporanea è dedicato molto spazio, perché il passaggio dalla "camera oscura" (in mostra esempi di comparazione fra stampe su carta baritata e politenata) alla "camera chiara" ha portato a una varietà di soluzioni che vanno dalla stampa lambda a quella ai pigmenti di carbone, dalla fine art alla stampa su materiali diversi come il propilene, il metallo, il plexiglass. Organizzata da photoShowall, la prima edizione di Pavia Foto Festival, vuole favorire la "contaminazione" tra progetti artistici, spazi espositivi e visitatori, propone sino 30 giugno 2019 un calendario di 15 differenti mostre in 14 spazi pubblici e privati, tra Pavia, Milano e Voghera. (Estratto da comunicato stampa Studio De Angelis)

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Mario Da Corgeno: "Il marsupio dell'anima"
termina il 12 luglio 2019
Associazione Culturale Renzo Cortina - Milano
www.cortinaarte.it

Mario da Corgeno torna dopo 38 anni allo spazio Cortina portando sulle pareti della sede attuale un percorso artistico tanto figurativo quanto, al contempo, astratto. La maestria segnica dell'artista scolpisce la carta, dalle copie più fedeli ai ritratti più intuitivi, trascendendo infine, da questo illusorio bassorilievo, all'atto tridimensionale che ne vede completata la ricerca: scultura vera e propria. L'accavallarsi di sensazioni opposte crea quell'intrigante ossimoro che sta alla base di ogni essere; Da Corgeno tenta di eviscerare da sé quella sensazione di ritrovarsi in uno spazio sospeso tra due poli: la realtà e la sua impressione e la volontà di restituire il più fedelmente possibile la prima attraverso la seconda.

Figure come in sogno tanto reali quanto impalpabili, gusci vuoti di quello che noi vogliamo ricordare del nostro vissuto sotto forme che ci appaiono più che fisiche; è questo il contrasto che anima il lavoro dell'artista il quale attraverso una vigorosa gestualità esprime la fragilità della reminiscenza che tutto è fuor che un miraggio. Mostra in collaborazione con Sala Fontana di Comabbio, a cura di Stefano Cortina. Catalogo a cura di Massimo Cassani (Edizioni Cortina Arte), testo critico di Alessandra Claudia Croci, introduzione di Stefano Cortina. (Comunicato stampa)

___ Presentazione cataloghi pubblicati da Cortina Arte Edizioni

Dario Zaffaroni | Geometrie Cromo-cinetiche
a cura di Stefano Cortina, Susanne Capolongo, Dario Zaffaroni
Presentazione

Dadamaino | Gli anni '80 e '90, l'infinito silenzio del segno
a cura di Stefano Cortina con Susanne Capolongo, testo critico di Elena Pontiggia
Presentazione

50 e oltre | Storia di una Galleria d'Arte: la Galleria Cortina 1962-2013
a cura di Susanne Capolongo, testi critici di Flaminio Gualdoni e Maria Teresa Ferrari
Presentazione

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Artista in-formato 15x23
"Ognuno giochi la sua carta"

dal 27 aprile 2019
Venezia viva Atelier Aperto - Venezia
www.giuseppedenti.it

Nell'arte contemporanea il tema del gioco delle carte è sempre stato fonte di ispirazione per artisti di diverse correnti. Tra questi, molti hanno aderito all'iniziativa di "Venezia Viva" e realizzato, con entusiasmo e maestria, lavori davvero espressivi e significativi. Ognuno di loro ha giocato la sua... carta! La mostra sarà itinerante a Roma e a Napoli. (Comunicato di presentazione)

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Mauri | Muntadas
termina il 31 agosto 2019
Galleria Michela Rizzo - Venezia
www.galleriamichelarizzo.net

La galleria veneziana, dopo aver lavorato in passato a più riprese con entrambi gli artisti e partendo da un'idea della curatrice Laura Cherubini, presenta in concomitanza con la 58. Esposizione Internazionale d'Arte-Biennale di Venezia, la mostra che per la prima volta in assoluto mette a confronto due artisti fondamentali del secondo Novecento e dei primi anni del XXI secolo. Pur nella diversità dell'approccio, il punto d'unione tra i due eclettici artisti è la peculiarità dell'indagine e dell'analisi delle grandi questioni che riguardano il panorama sociale contemporaneo. Diverse le tematiche presentate in mostra ma le parole-chiave individuate sono Potere e Manipolazione, che per Fabio Mauri sono rappresentate dai regimi totalitari fascisti e nazisti, mentre per Antoni Muntadas sono individuabile nei meccanismi di propaganda e censura riscontrati nella società contemporanea.

Tutti i lavori di Mauri e Muntadas si possono infatti considerare intrinsecamente politici. In particolare, l'ambito di ricerca di Fabio Mauri è la Storia che sempre si scontra e si incrocia con la sorte del singolo individuo, il quale immancabilmente sovrappone al destino comune e condiviso la coscienza, risultato della propria singolare esperienza. Un grande Schermo del 1970 apre la mostra: un monocromo che rappresenta il cinema e la televisione, schermo vuoto, disponibile ad accogliere ogni proiezione, emanazione di personali mondi interiori. Commenta lo stesso Mauri: "Perché nella mia mente lo schermo era come diventato un testimone della storia, una sorta di specchio opaco, ma capace di ritenere le proiezioni del mondo e contenerle...". La situazione urbana (e i fenomeni contemporanei che vi avvengono) è il campo d'azione, vasto e articolato, che Antoni Muntadas si è scelto.

Pur utilizzando diversi linguaggi, nei suoi interventi l'artista mantiene sempre costanti l'analisi e la critica dei sistemi di rappresentazione e informazione. Muntadas analizza le forme di potere, dedicando particolare attenzione alle forme occulte o poco evidenti con le quali il potere spesso si manifesta e agisce. Più che attraverso la realizzazione di opere fatte e finite, egli lavora proponendo al pubblico artefatti che richiedono il contributo attivo dello spettatore. Emblematico il grande banner Attenzione: La Percezione Richiede Impegno che la Galleria Michela Rizzo riporta dopo diversi anni a Venezia e che fu statement del Padiglione Spagnolo nel 2005. La mostra include una serie di lavori iconici, ma anche opere inedite di Fabio Mauri e lavori storici di Antoni Muntadas mai esposti in Italia. Il lavoro dei due artisti è tuttora insuperato, inesauribile fonte di riflessione per l'osservatore - disposto ad impegnarsi - e di ispirazione per gli artisti, attratti dalla capacità di condensare soluzioni formalmente semplici ad una densa carica semantica e progettuale. (Comunicato stampa)

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Territori: Osmosi tra arte e collezionismo
Dal ritratto al paesaggio, dall'oggetto al soggetto

termina il 28 luglio 2019
MACT/CACT Museo e Centro d'Arte Contemporanea Ticino - Bellinzona
www.cacticino.net

Una mostra policefala e leggibile a più livelli. Concepita come una riflessione attorno all'idea di territorialità indiscutibilmente legata - anche - alla produzione artistica e al collezionismo, essa si oppone, tuttavia, a ciò che sembra essere diventata, a tratti, quasi una piaga inevitabile, un piacevole male da sconfiggere: la globalizzazione. Termine, quello di 'globalizzazione' in grado di avviare un dialogo tra le parti opposte, e di rimescolare, come in un magma in ebollizione, il concetto stesso di territorio, facendo sposare l'esigenza di visibilità internazionale con il rispetto per le proprie umili radici e il loro riconoscimento. Se per tanti anni, l'attaccamento al territorio fu tema prioritario per determinate scelte culturali, da qualche decennio, complice il mercato (nello specifico di questo tema, un complice - diremmo - assolutamente "felice"), anche il panorama culturale locale si è trasformato in finestra sul mondo; a tratti goffo, talvolta interessante.

L'approccio, spesso impacciato, dei musei senza portafoglio all'internazionalità dei grandi nomi ha finito per liofilizzarsi in un fenomeno glocal per nulla banale e, appunto, da analizzare per il suo peso consapevole sul luogo in cui si vive e cui si partecipa. La ricerca si fa anche in rapporto alla crisi economica e socio-politica dell'oggi, spingendo istituti d'arte e curatori a rovistare nella Storia per la Storia. Nel mondo d'oggi in generale, v'è una scarsa capacità mnemonica e una banale immediatezza esistenziale, per cui si rende necessaria una lettura - spesso una rilettura - della Storia e un suo necessario recupero; fattori, questi, che rappresentano la radice del nostro sapere contemporaneo. Il diritto a non dimenticare è altrettanto importante, quanto il dovere di analizzare e ricordare.

Territori è una sorta di mostra-archivio, che non intende ostentare alcun complesso da prestazione professionale. Si tratta, invece, di un semplice dialogo tra geografie fisiche e interiori, senza tralasciare in alcun modo l'assimilazione osmotica di un territorio che sta fuori di noi e della nostra cultura originale, in altri luoghi, che noi fatichiamo a considerare nostri, proprio per l'incapacità di viverli qui e ora come elemento assimilato e normalizzato. In ogni parte del mondo ci accorgiamo che, nei loro momenti di staticità, autori oggi acclamati non erano meglio di tanti altri considerati meno rilevanti, perché ai margini di un sistema. Solo la fase di sperimentazione e di superamento rende ognuno unico nel suo genere, e durevole.

Il curatore ha inteso, con questa mostra, operare scelte di opere, che riflettessero questo tema infinito, ritenendo altrettanto importante dare lo spazio a tentativi più o meno riusciti di collezionismo al di fuori dell'appartenenza a un territorio specifico e omogeneo. L'impianto parte da una base fondamentalmente pittorica, e quindi legata ai temi sviluppati proprio dalla pittura, quali il ritratto e il paesaggio: due elementi che ci identificano fortemente con un territorio e un'epoca. Il ritratto è tempo, luogo, statuto sociale; il paesaggio è anche la geografia e la condizione socio-politica. A partire dal tempo Moderno e post-rivoluzionario, tutti gli elementi legati alla soggettivizzazione hanno gradatamente indebolito la capacità e la volontà di una identificazione spazio-temporale; un'appartenenza, quindi, a un luogo e a un tempo.

È interessante notare come in un periodo storico molto corto, in rapporto al susseguirsi dei grandi capitoli storici, l'umanità abbia sentito fortemente la spinta verso 'universalità e mondialismo', quasi questi rappresentassero l'esigenza ultima di dotarsi di un equalizzatore sociale, politico ed economico. Anche da un punto di vista artistico, la globalizzazione ha favorito una dilatazione delle particolarità, tale da rendere ogni cosa 'eguale', un po' ogni dove, in luoghi dove l'eterogenia è stata completamente plagiata dell'estetica globalista e omolinguistica. L'esposizione non vuole essere una critica e neppure un'esaltazione del modello globale sempre più staccato da un'esperienza palpabile e diretta del territorio, o - più profondamente - da eredità archetipiche legate al luogo di nascita e di acculturamento. (Mario Casanova, Bellinzona, 2019)

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The MACT/CACT is to host a polycephalous exhibition that can be interpreted at multiple levels. Conceived as a stimulus for thinking about the idea of territoriality that is unquestionably linked - among other things - to artistic production and to collecting, it nevertheless opposes what sometimes seems to have become an inevitable scourge, an appealing evil in need of being defeated: globalisation. A term that is much used and abused, 'globalisation' has the potential to trigger a dialogue between opposing camps that - despite being useful - moves in a vicious circle, and of stirring and mixing the very concept of territory, as though it were in a bubbling magma, bringing about a meeting between the need for international visibility and respect for its humble origins and their acknowledgement.

While attachment to a territory was a priority issue for many years, in recent decades, with the complicity of the market (with specific reference to this issue, an accomplice that could be described as absolutely fitting), the local cultural panorama has also undergone transformation, becoming a window open to the world; although that window is occasionally inclined to stick somewhat, it is nevertheless sometimes interesting. The - often maladroit - approach adopted by museums with no portfolio towards the internationalism of the big names has ended up being freeze-dried into an anything-but-everyday glocal phenomenon, one that richly deserves to be analysed for its conscious impact on the places where we live and where we participate. This research also delves into the implications arising from today's economic and socio-political crisis, driving art institutes and curators to root around in History in search of History itself.

In today's world, in general, there is little mnemonic ability and a commonplace existential immediacy. This makes it necessary to interpret - and often to reinterpret - History, while also making it necessary to revive it. These are factors that constitute the root of our contemporary knowledge: our right to forget is no less important than our duty to analyse and remember. TERRITORIES is something of an archival exhibition that has no intention of showcasing a complex of professional performance of any kind. Rather, it is a simple dialogue between physical and intimately personal geographies, without in any way neglecting the osmotic assimilation of a territory that is outside us and outside our original culture, in other places that we have difficulty considering to be our own, because of our inability to experience them in the here and now as an element that has been assimilated and normalised.

Everywhere we go in the world, we realise that, at the times when they were static, artists who are now acclaimed were no better than many others who are now considered to be less relevant because they languish on the margins of a system. It is only the phase of experimenting and overcoming that makes everyone unique in their genre, and lasting. What the curator set out to achieve with this exhibition was a choice of works that would reflect this infinite issue, while attributing equal importance to providing space for attempts - some successful, others less so - at creating collections outside the confines of belonging to any single specific, homogeneous territory. The approach starts out from a fundamentally painterly base, meaning that it is related to issues developed by painting, such as portraiture and landscape, two elements that we identify strongly with a territory and an era. A portrait talks about time, place and social status, while a landscape also conveys geography and socio-political status.

Starting with the Modern and post-revolutionary era, all the elements related to subjectivisation have gradually weakened our ability and desire to identify with a space-time, to have a sense of belonging, in other words, with a place and a period. It is interesting to note how, in a very short period of time in relation to the unfolding of the great chapters of history, humanity has perceived a strong urge to achieve universalism and a global dimension, almost as though such aims constitute the ultimate must-have for achieving a social, political and economic equaliser. Globalisation has also favoured a dilation of particulars when seen from an artistic standpoint, such as to make everything 'equal', more or less everywhere, in places where heterogeneity has been utterly plagiarised by globalist and homolinguistic aesthetics. The exhibition does not set out to express a critique, nor for that matter a celebration of a global model that is increasingly detached from a tangible, direct experience of a territory, or - more profoundly - from archetypal legacies related to a place or birth and of cultural growth. (Mario Casanova, Bellinzona, 2019 - Translation by Pete Kercher)

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L'Italia del Rinascimento. Lo splendore della maiolica
termina il 14 ottobre 2019
Palazzo Madama - Torino

Un insieme eccezionale di maioliche rinascimentali prodotte dalle più prestigiose manifatture italiane, riunendo per la prima volta oltre 200 capolavori provenienti da collezioni private tra le più importanti al mondo. L'affascinante storia della maiolica italiana nella sua età dell'oro, dalla seconda metà del 1400 alla prima metà del 1500, viene narrata a Torino da un curatore d'eccezione, lo storico dell'arte Timothy Wilson, in collaborazione con Cristina Maritano, conservatore di Palazzo Madama per le Arti decorative. Wilson, attualmente conservatore onorario dell'Ashmolean Museum di Oxford, è il massimo esperto di maiolica del Rinascimento e a lui si devono i cataloghi sistematici delle raccolte del British Museum di Londra, del Metropolitan Museum di New York, della National Gallery di Victoria in Australia e dell'Ashmolean Museum di Oxford.

La mostra si apre con una grande vetrina, che evoca il mobile protagonista della sala da pranzo rinascimentale, la credenza, dove le raffinate maioliche erano esposte sia per essere ammirate sia per servire all'apparecchiatura della tavola. Si entra poi nella Sala del Senato dove il percorso si snoda attraverso i principali centri produttori di maiolica in Italia, come Deruta, Faenza, Urbino, Gubbio, Venezia, Castelli e Torino, e si sofferma sulle caratteristiche della decorazione e sui principali artisti, quali Nicola da Urbino, Francesco Xanto Avelli, Francesco Durantino. La mostra prosegue illustrando l'ampia varietà di temi riprodotti sulla maiolica istoriata, che, oltre ai soggetti religiosi, vede riccamente rappresentati soggetti profani, tratti dalla storia antica e dalla mitologia, o riguardanti la vita affettiva, come i temi amorosi, o lo status sociale dei committenti.

Le fonti grafiche di questa pittura di storie derivano dai repertori di incisioni, che circolavano nelle botteghe dei maiolicari e che erano il tramite per riprodurre su scala ridotta e per una visione domestica le più celebri invenzioni dei grandi pittori dell'epoca. Tra il 1400 e il 1500 si amplia e si differenzia l'uso delle maioliche nella vita sociale. Nell'arredamento della casa italiana, in particolare nelle residenze di campagna, le maioliche istoriate venivano esposte sulle credenze ma anche usate sulle tavole e potevano essere offerte come doni in occasioni quali il matrimonio e il battesimo. Piccole sculture, che talvolta mascheravano la funzione di calamai o fontane, erano usate negli interni privati. Particolarmente fiorente divenne l'uso della maiolica nei corredi da farmacia, commissionati in genere da istituzioni religiose.

Il percorso si conclude con una serie di capolavori, collocati in singole vetrine: una coppia di albarelli di Domenigo da Venezia, un grande rinfrescatoio di Urbino e la brocca in porcellana medicea di Palazzo Madama, eccezionale esemplare della prima imitazione europea della porcellana cinese, realizzato da maiolicari di Urbino che lavoravano a Firenze alla corte di Francesco I de' Medici. La maiolica rinascimentale italiana è l'unica forma d'arte che ha conservato in modo così perfetto i colori originari di quando fu realizzata, rispecchiando il mondo in cui vivevano le donne e gli uomini di quell'epoca. La tecnica consiste nel rivestire di uno smalto bianco opaco a base di stagno la superficie di oggetti in terracotta e nel dipingervi sopra con ossidi metallici, che virano in brillanti colori dopo la cottura: dal cobalto si ricava il blu, dal rame il verde, dal ferro l'arancio o l'ocra, dall'antimonio il giallo, dal manganese il porpora o marrone e dallo stagno il bianco. (...)

Esportata con successo in tutta Europa, essa influenzò gli sviluppi dell'arte ceramica in Italia, praticata in numerosi centri della Toscana, dell'Emilia, delle Marche e dell'Umbria. Con grande inventiva i ceramisti italiani innovarono la tradizione ispano-moresca contaminandola con motivi ispirati al repertorio gotico e rinascimentale e altri derivanti dalle porcellane cinesi. La novità assoluta, nata nelle botteghe dei ceramisti italiani, fu l'istoriato, ovvero la colorata pittura di storie sopra la superficie bianca della ceramica. Il rappresentare in maiolica temi di storia sacra e profana, religiosi, mitologici, amorosi, con lo scopo di ornare la dimora signorile, è, infatti, una peculiarità tipicamente italiana, che si sviluppa dalla fine del 1400 soprattutto in città del centro Italia, come Pesaro, Deruta, Faenza, Gubbio, Casteldurante e Urbino. (Comunicato stampa)

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Olivier Mosset
"2, 11, 47"

termina il 12 ottobre 2019
Fondazione Antonio Dalle Nogare - Bolzano

Il titolo prende spunto da tre numeri legati al concept e all'allestimento della mostra. Il numero 2 si riferisce alle superfici sulle quali le opere sono allestite, 11 è la quantità delle opere stesse e 47 sono gli anni complessivi di carriera che vengono affrontati in mostra. Infatti, le undici opere esposte vanno dal 1970 al 2017 e toccano alcuni dei momenti più significativi della carriera dell'artista, cercando di presentare tutte le decadi di produzione. Tre opere degli anni '70, due degli anni '80, quattro degli anni '90, una degli anni 2000 e una degli anni 2010. Si tratta chiaramente di una piccolissima selezione della prolifica carriera di un artista, Olivier Mosset (Svizzera, 1944), il cui astuto e provocatorio approccio alla pittura lo ha reso all'avanguardia nell'arte contemporanea dalla fine degli anni '60 ad oggi. Superfici colorate, cerchi, materia e ripetizione ossessiva di pattern geometrici tracciano le tappe della carriera di Mosset: un'opera radicale e dinamica che rifiuta qualsiasi tipo di soggettività.

Fondatore a Parigi del gruppo Bmpt con Daniel Buren, Michel Parmentier e Niele Toroni, Mosset ha riflettuto criticamente sulla natura spettacolare e autocosciente della nuova avanguardia. Ha messo alla prova idee consolidate di autorialità artistica e originalità per rendere l'arte più accessibile e per sottolineare l'importanza dell'oggetto artistico rispetto alla sua paternità. Dopo essersi trasferito negli Usa nel 1978, ha iniziato a lavorare su un corpo di dipinti monocromatici che ha avuto un'influenza fondamentale sulla generazione di pittori neo-geo che sarebbero emersi negli anni '80. Mantenendosi sempre entro i limiti e le preoccupazioni particolari della pittura e con una profonda comprensione della sensualità e della fisicità dei colori, il lavoro di Mosset si lega in modo impeccabile alla rete di relazioni istituzionali che sono alla base del nostro incontro con l'arte. "2, 11, 47" è strutturata come una piccola retrospettiva, una narrazione non lineare ma a salti tra alcune delle tappe fondamentali della carriera di uno dei più influenti artisti concettuali degli ultimi 50 anni.

Olivier Mosset (Berna - Svizzera, 1944) è conosciuto principalmente per la serie di dipinti a sfondo monocromo raffiguranti un cerchio nero, di cui ha prodotto centinaia di esemplari. Le opere di Mosset, spesso associate all'astrazione concettuale, sono una rappresentazione di puro colore e forma, per un'esperienza fisica senza limiti di superfici, dimensioni e geometrie. Mosset è stato un membro del collettivo artistico Bmpt negli anni '60, un gruppo parigino impegnato nella ricerca sul tema della paternità creativa. Gli artisti del gruppo Bmpt ritenevano infatti che l'opera in sé fosse più importante del suo autore. Mosset è inoltre conosciuto per le sue sculture e installazioni. (Comunicato stampa)

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Förg in Venice
termina il 23 agosto 2019
Palazzo Contarini Polignac - Venezia

Oltre 30 opere del percorso multidisciplinare di Förg - dai dipinti alle meno note sculture - per riflettere sui metodi intuitivi e di ampio respiro di questo artista intellettuale e poliedrico. Evento Collaterale ufficiale della 58. Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia, la mostra è curata da Elisa Schaar, storica dell'arte. Günther Förg (Füssen, Algovia, Germania, 1952-2013) è uno dei più significativi artisti tedeschi della generazione del dopoguerra, noto per il suo stile sperimentale e provocatorio legato alla storia dell'arte. Attraverso la sua innovativa produzione interdisciplinare che ha sfidato i limiti delle discipline artistiche, Förg ha esplorato un linguaggio di astrazione ed espressionismo, appropriandosi di metafore prese in prestito da architettura e arte moderna. L'Italia e l'architettura italiana hanno giocato un ruolo centrale nello sviluppo della carriera di Förg. Il suo primo viaggio in Italia, nel 1982, stimolò la sua nota serie di fotografie sugli edifici di importanza culturale e politica. Attraverso la fotografia, Förg riuscì a esplorare la relazione tra arte, architettura e interventi spaziali, un tema ricorrente in tutta la sua produzione che la mostra di Venezia metterà in risalto.

Alcuni lavori di Förg furono esposti già alla 45. Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia nel 1993 nella mostra Il Viaggio verso Citera. La mostra offrirà una panoramica approfondita dei temi estetici e concettuali affrontati da Förg, non solo dal punto di vista della produzione artistica ma anche in relazione al contesto in cui le opere sono esposte. L'artista riteneva che lo spazio, l'ubicazione e il posizionamento di una sua opera fossero intrinseci all'opera stessa. Durante la sua carriera, Förg dipinse sulle pareti delle gallerie, usò porte e finestre come elementi integranti, e arrivò a usare la vernice di alcune sue opere per creare un gioco di riflessi che desse vita a considerazioni inaspettate. Attraverso l'installazione delle opere d'arte di Förg - prevalentemente aderenti alle tradizioni moderniste - nelle sale decorate e dell'architettura rinascimentale di Palazzo Contarini Polignac, l'esposizione indagherà l'eredità del modernismo estetico (uno degli ideali al centro dello studio di Förg) in uno spazio ricco di storia e maestria artigiana.

La mostra non avrà uno sviluppo tradizionale bensì un allestimento di grande atmosfera dove le opere dell'artista abiteranno un contesto intimo e privato evocando una malinconia e un romanticismo raramente associati all'opera di Förg. Grazie all'integrazione del ricco corpus di opere di Förg negli interni delle sale del Palazzo, la mostra illustrerà l'interesse dell'artista per il dialogo tra arte, architettura e fruizione. Lungo tutto il Palazzo, singoli quadri, arazzi ed elementi decorativi in determinate posizioni saranno sostituiti con le opere dell'artista. Al piano terra, un dipinto minimalista di grandi dimensioni raffigurante una finestra, Untitled (2004), affiancato da alcuni schizzi preparatori dell'opera, prenderà il posto di uno stemma dando l'impressione che ci sia una finestra dove in realtà non c'è. Nonostante la loro forte geometria, le finestre di Förg sono provocatorie poiché offrono una cornice dentro cui guardare ma senza fornire alcuna visuale: al contrario, dirigono e limitano lo sguardo, mettendo in discussione l'atto visivo e l'estetica in sé. Nel Salone del Palazzo, quattro straordinari dipinti in stile Spot Painting realizzati tra il 2007 e il 2009 saranno presentati di fronte a quattro ampi arazzi.

In queste opere astratte e gestuali, i segmenti orizzontali delle pennellate verticali richiamano i raffinati scarabocchi di Cy Twombly, ma con differenze sia a livello cromatico - con un diverso uso del bianco e del grigio chiaro che sembrano richiamare la base di una tavolozza - sia per quanto concerne l'impiego di pennelli puliti. Questi Spot Painting danno l'idea di essere stati prodotti velocemente, ma sono in realtà frutto tanto di una rapida intuizione quanto di un'attenta riflessione dell'artista. Insieme, i quattro dipinti daranno prova della ponderata e incessante sperimentazione di abbinamenti cromatici, applicazioni di pittura, composizioni e ritmi dell'artista, il tutto in una sola serie di quadri. Collocate di fronte agli arazzi figurativi del Palazzo, che si potranno ancora intravedere, queste opere di Spot Painting evocheranno - attraverso le pennellate fluttuanti sulle superfici piane - una sorta di potere autonomo dell'astrazione modernista, sottolineando il rapporto stesso dell'artista con questa forma artistica, tanto coinvolto quanto distaccato.

Nella sala degli specchi del Palazzo, una serie di sculture di Förg, realizzate nel 1990, verranno installate vicino alle finestre. Queste sculture figurative, tra cui maschere di bronzo su piedistalli in compensato grezzo, esplorano le possibilità e i limiti della materia. Le superfici corpose, lavorate rapidamente, fanno pensare alla distruzione: deliberatamente imperfette, dimostrano che Förg preferiva esplorare un'idea anziché realizzare un ideale di piacere e perfezione estetica. Le superfici palpabili recano i segni delle impronte digitali di Förg, di agenti esterni casuali e danni fisici che spingono il bronzo e la sua lavorazione lontani dalle associazioni gerarchiche, classiche e monumentali di tale materiale. Lungo le sale laterali del Palazzo saranno infine in mostra diversi dipinti astratti di Förg datati dagli anni Ottanta agli anni Novanta, che sostituiranno le opere d'arte solitamente esposte.

Nella sua interezza, l'offerta espositiva della mostra dà prova dell'ampia portata della carriera di Förg e della sua tendenza alla sperimentazione, raggruppando i vari filoni e le influenze concettuali che hanno interessato la sua produzione - dall'agile esecuzione, complessità tonale e composizione stratificata, alla libera gestione delle discipline formali e delle strutture geometriche. Dal 1973 al 1979 Günther Förg studiò sotto Karl Fred Dahmen all'Accademia di Belle Arti di Monaco di Baviera, realizzando quasi esclusivamente dipinti monocromi. Negli anni Ottanta iniziò a sperimentare con fotografia, pittura e scultura e tenne la sua prima personale alla Galleria Rüdiger Schöttle di Monaco. Nel 1992 fu invitato a prendere parte alla Documenta IX a Kassel. Dal 1992 insegnò all'Università di Arte e Design di Karlsruhe. Nel 1996 ricevette il prestigioso premio Wolfgang Hahn, e due anni più tardi divenne professore dell'Accademia di Belle Arti di Monaco di Baviera. La sua arte è nota per i suoi riferimenti ai maestri modernisti come Barnett Newman, Clyfford Still, Philip Guston, Mark Rothko e Edvard Munch. (Comunicato stampa Studio Esseci)

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Albrecht Dürer. La collezione completa dei Remondini
termina il 30 settembre 2019
Palazzo Sturm - Bassano del Grappa (Vicenza)
Presentazione

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Roman Opalka: Dire il tempo

Roman Opalka, una retrospettiva
04 maggio 2019 - 20 luglio 2019
Building - Milano

Roman Opalka | Mariateresa Sartori
07 maggio 2019 - 24 novembre 2019
Fondazione Querini Stampalia - Venezia

Omaggio all'artista Roman Opalka, con Dire il tempo, progetto a cura di Chiara Bertola, in concomitanza con l'apertura della 58esima Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia. La mostra, realizzata in due capitoli, da Building e da Fondazione Querini Stampalia, approfondisce la ricerca di Opalka attraverso una selezione di opere fondamentali del suo percorso. Entrambe le mostre sono incentrate sul programma Opalka 1965 / 1-∞, in cui l'artista ha impegnato gran parte della propria esistenza, nel tentativo di rappresentare lo scorrere del tempo e di circoscrivere l'infinito entro forme visibili e misurabili.

A Milano, una selezione di tele della serie di Détail sarà affiancata da 7 Cartes de Voyages e 35 autoritratti fotografici, esposti insieme al suono registrato della sua voce, per restituire l'insieme significativo del programma Opalka 1965 / 1-∞. L'allestimento è arricchito da un nucleo di opere realizzate nel periodo precedente il 1965: da un primo disegno accademico, Les Nuages del 1951 agli Ètudes sur le Mouvement (1959-60), passando per Chronome (1963) e Alphabet grec (1965) - con i quali sperimenta la parcellizzazione dello spazio e del tempo attraverso il ritmo e il movimento dei segni e dei punti sulla tela - per arrivare alla serie dei Fonemats del 1964, esposta per la prima volta. Chiude il percorso una sezione dedicata al lavoro grafico, con le acqueforti della Descriptions du Monde, realizzate dall'artista tra il 1968 e il 1970.

A Venezia, il progetto espositivo assume una particolare importanza per la conoscenza critica dell'artista, riunendo e presentando per la prima volta le due opere fondamentali dell'intero programma Opalka 1965 / 1-∞. Saranno infatti esposti l'Alfa e l'Omega, il primo e l'ultimo Détail, ora eccezionalmente insieme. Insieme a questi due dipinti significativi, sarà esposta anche una serie di autoritratti fotografici e il suono registrato della voce dell'artista. Accanto alle opere di Opalka sarà presentato anche un nucleo di opere di Mariateresa Sartori (Venezia, 1961), che con l'artista polacco aveva intessuto una profonda amicizia. Interessata alle neuroscienze, alla musica e al linguaggio, i suoi lavori instaureranno un dialogo con le opere di Opalka, attraverso la ricerca comune sui temi della memoria, della durata, della contingenza, e la condivisa ricerca di un visibile in grado di esprimere l'invisibile. (Comunicato stampa Lara Facco P&C)

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Carlo Fontana | Gregor Purgaj
Mondi immaginati

termina il 29 giugno 2019
JulietRoom - Muggia
Locandina

Mostra, promossa dall'Associazione Juliet, con le opere di Carlo Fontana e Gregor Purgaj, curata da Roberto Vidali. Motivi, situazioni, temi, all'apparenza diversi, si dispiegano in un unico progetto espositivo, quasi in una sorta di contrappunto, confronto e dialogo. E, sebbene la declinazione delle singole opere conduca a una apparente diversità, l'impeto conduttore, per ambedue questi artisti è il medesimo: l'impeto che li unisce è il ragionare sulla dinamica del colore, sulle sue sfumature e contrapposizioni. Un modo questo, per dire che il colore, è il vero e proprio punto nodale del loro pensiero e il loro indiretto per dialogare a distanza. Il colore in tutte frammentazioni nel caso di Fontana e nell'intera possibilità del suo tono smorzato nel caso di Purgaj.

Per Carlo Fontana, la raffigurazione di una natura edulcorata passa attraverso il filtro di una scomposizione quadrettata, quasi una sorta di ragnatela che diviene architettura come definizione del dettaglio nella macrostruttura e come definizione di figure-simbolo definite secondo una tecnica "compendiaria". Nelle sue opere troviamo fissata una realtà trasognata, una realtà che, nel riprendere le ombre taglienti e le luci artificiali, rende visibile un'atmosfera di esistenza provvisoria, quasi scomposta (o ricomposta) in senso cubista: si tratta di un mondo che talvolta richiama in superficie la vita moderna, dinamica e contrastata, ma che nel sottofondo nasconde sempre uno spirito romantico e spirituale. Una luce calda e gessosa si irradia dalle cose raffigurate, per poi espandersi e abbracciare orizzonti lontani: disegna l'oscillazione di un crepuscolo sospeso fra il preludio di un giorno lontano e la vicinanza di un raggio di Luna: un bosco, un fiore, una foglia, un prato sono i termini più semplici e comprensibili di una simbologia immediata e capace di smuovere l'animo alla pacificazione.

In Purgaj, invece, il soggetto principale del racconto diviene in buona sostanza la figura umana vista nelle sue infinite possibilità espressive. Il tema del volto, metafora di ogni singolarità o segno di ogni esistenza, diventa lo specchio in cui - parafrasando Lautrémont - si riflette ogni immagine, ogni momento, passato e futuro. Il battito delle ciglia - portato coscientemente al suo diapason - fa volare la fantasia verso mete improcrastinabili. Aspetto caratteristico in questi lavori è l'immediatezza del messaggio, la quasi totale mancanza di mediazione intellettuale: una assenza questa che si pone a beneficio dell'immediata percezione dell'opera. La comunicazione è diretta. Se dovessimo pensare a un colore, questo colore non potrebbe essere altro che una contrapposizione tra gialli, rossi, verdi e azzurri, colori che nella loro complementarietà sprizzano scintille ed esaltano l'animo umano. (Comunicato stampa)

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Luciano Fagnola
Quando il libro si riveste d'arte

termina il 30 settembre 2019
Palazzo Madama - Torino
www.palazzomadamatorino.it

Mostra dedicata ai capolavori realizzati da un legatore torinese contemporaneo: Luciano Fagnola. Un maestro artigiano che negli ultimi vent'anni ha sperimentato tecniche sempre diverse per decorare le copertine di celebri libri d'autore, editati da stampatori d'eccellenza come Alberto Tallone. Le legature sono "lavorate" con intarsi policromi in pelle, impressioni a secco e a sbalzo, mosaici policromi con decori in china colorata o ad acrilico e persino decorazioni con elementi metallici. Tutte le opere in mostra provengono dalla raccolta del collezionista torinese Livio Ambrogio.

Nelle vetrine troviamo esposti 24 testi letterari, poetici e teatrali, tra i quali spiccano la Divina Commedia di Dante Alighieri, il Cantico delle Creature di Francesco d'Assisi, il Pinocchio di Carlo Collodi, le Nozze di Figaro di Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais e i Racconti di Edgar Allan Poe, "rivestiti" dalle legature complesse e raffinate, realizzate da Luciano Fagnola sulla base di progetti e bozzetti ideati da artisti come Francesco Casorati, Ugo Nespolo e Guido Giordano, o da giovani talenti quali Irene Bedino, Luca Bosio, Samantha Farina e Elena Rivolta. Il catalogo della mostra, a cura di Livio Ambrogio e Luciano Fagnola, contiene contributi tecnici e schede delle legature di Paola Fagnola, oltre alle schede bibliografiche di Margherita Palumbo. (Comunicato stampa)

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Arshile Gorky: 1904-1948
termina il 22 settembre 2019
Ca' Pesaro Galleria Internazionale d'Arte Moderna - Venezia

Prima ampia retrospettiva (oltre 80 opere) mai realizzata in Italia sull'artista Arshile Gorky, curata da Gabriella Belli e da Edith Devaney. Sin dal suo interrogarsi, negli anni '20, sui maestri moderni fino ai suoi ultimi dipinti degli anni '40, nell'opera di Gorky è sempre presente una particolare visione che lo contraddistingue come una delle figure cardine dell'arte americana del XX secolo, a fianco di Willem de Kooning, Jackson Pollock e Mark Rothko. La retrospettiva veneziana, realizzata in collaborazione con The Arshile Gorky Foundation, consente di ammirare anche opere che sono state raramente esposte in pubblico. Il percorso di mostra conta inoltre su prestigiosi prestiti museali.

Gabriella Belli afferma: "la straordinaria personalità di Gorky, per la prima volta in Italia con una mostra monografica, illuminerà zone ancora in ombra della storia dell'arte del nostro Paese, facendoci esplorare in profondità l'osmosi della pittura europea con quella americana, di cui Gorky fu senza dubbio uno dei più importanti innovatori". "Le opere più importanti della carriera di Gorky - prosegue Edith Devaney - saranno riunite in una mostra che permetterà di riaffermarne il valore della sua esperienza all'interno dello sviluppo e definizione dell'Arte Americana del XX secolo, evidenziando come la sua influenza prosegua tuttora".

Gorky ha integrato i paesaggi di Paul Cézanne, la linea di Ingres, la composizione di Paolo Uccello, la logica di Picasso, persino le vivaci forme di Joan Miró. Di fatto Gorky, assorbendo e reagendo al lavoro dei maestri del passato e degli artisti moderni, è stato in grado di sviluppare una propria visione e immaginazione. Lo si può dire una "una sensibilità europea" in un contesto americano. Il linguaggio visivo dell'artista scorre come un filo conduttore attraverso tutta la mostra fino ad arrivare ai suoi inimitabili capolavori. La mostra prende inizio dalla prima ritrattistica dell'artista, a questo periodo infatti risalgono i molti incontri con gli artisti avant garde emergenti di New York, tra questi Stuart Davis, John Graham e David Smith, un ambiente creativo di cui lo stesso Gorky fu figura di spicco. Un'opera centrale è Self-Portrait (ca.1937), che fa riferimento ai ritratti neoclassici di Picasso degli anni '20.

La ritrattistica di Gorky non era solo una modalità per esplorare il presente - ritratti di famiglia, amici stretti e dei suoi pari - ma anche un modo per rendere omaggio alla famiglia che aveva perso. Gorky ha proseguito sintetizzando le problematiche e la struttura cubista con i contenuti e le tecniche surrealiste, in particolare isolando ed elaborando forme biomorfiche nei suoi paesaggi e nelle nature morte degli anni '30. La serie di disegni conosciuti come Nighttime, Enigma and Nostalgia rappresenta un momento cruciale nello sviluppo dell'astrazione dell'artista, il suo vocabolario risulta perfezionato da motivi scaturiti dal suo interrogarsi sul Cubismo e il Surrealismo. Il disegno ha svolto un ruolo fondamentale nella pratica di Gorky, formando le sue idee e precedendo quasi ogni dipinto. La creatività di Gorky viene approfondita in mostra attraverso l'esposizione di opere su carta che documentano tutto il corso della sua carriera.

Negli anni '40 Gorky entra in contatto con i surrealisti, tra cui André Breton, Wifredo Lam, Max Ernst e Roberto Matta. Queste nuove frequentazioni avrebbero contribuito allo sviluppo dell'automatismo e del subconscio nei suoi dipinti. Opere come Apple Orchard (ca.1943 - 1946) danno conto non solo della sua abilità e di una nuova linea precisa e fluida, ma anche di un mutato approccio. Il lavoro di Gorky era stato ulteriormente rivitalizzato da una riconnessione con la natura, cementata nelle estati del 1942-1945 trascorse in Connecticut e alla Crooked Run Farm in Virginia. Questa periodo trascorso en plein air e non immerso nel suo studio o nei musei di New York, gli ha permesso di estrarre simboli e motivi universali fondati sull'osservazione. Gorky esaminò da vicino le forme botaniche e biologiche e tradusse le metafore visive che vedeva in natura in nuove forme metamorfiche, capaci di esprimere la sua psiche più intima.

L'ultimo capitolo della mostra si concentra sugli ultimi capolavori come The Liver is the Cock's Comb(1944), One Year the Milkweed (1944) e Dark Green Painting (1948 circa). In questi lavori, i simboli istintivi di Gorky si trasformano in un personale vocabolario di forme fantastiche ricorrenti che danno esito, ha osservato Clement Greenberg nel 1947 "ad alcuni dei migliori dipinti moderni mai realizzati da un americano". L'artista ha intriso queste opere evocative di ricordi, della sua profonda affinità con la natura e delle complessità e contraddizioni che sentiva nella sua stessa esistenza. Il lessico così particolare di Gorky - un mix di energia propria e di empatia, subconscio e immaginario astratto - ne fanno un precursore dell'Espressionismo Astratto in America.

Gorky ha vissuto un'epoca straordinaria per sconvolgimenti storici e culturali, caratterizzato da un movimento di persone senza precedenti durante le due guerre mondiali, cui ha fatto seguito l'ascesa di New York a capitale artistica su Parigi. Questo contesto storico, viene documentato in mostra attraverso il materiale d'archivio prestato dalla Arshile Gorky Foundation, e delinea non solo la cronologia della vita di Gorky ma anche eventi del periodo che hanno avuto un profondo impatto sulla sua vita. Il lavoro dell'artista ha avuto una influenza permanente sulle generazioni, in particolare artisti come Willem de Kooning, Cy Twombly, Helen Frankenthaler e Jack Whitten. La mostra presenterà anche un film diretto da Cosima Spender, nipote dell'artista, che riunisce alcune voci artistiche contemporanee per riflettere sulla vita, il lavoro e l'eredità di Gorky, insieme a filmati inediti dell'artista. Accompagnerà la mostra un catalogo illustrato con saggi dei curatori e Saskia Spender (nipote di Gorky), con testi in inglese e italiano.

Arshile Gorky (Khorkom (Armenia), 1904 - Sherman (Connecticut, Stati Uniti), 1948) - nome originario Vostanik Manoug Adoian - Arshile Gorky si rifugiò negli Stati Uniti insieme alla sorella a 15 anni, per sfuggire al genocidio armeno. Due anni dopo si iscrisse alla New School of Design di Boston, Massachusetts, dove studiò sino al 1924. In quello stesso anno si spostò a New York per insegnare a tempo pieno alla School of Painting and Drawing presso la Grand Central School of Art. Nel 1935 firmò anche un contratto di tre anni con la Guild Art gallery di New York. La sua prima retrospettiva museale aprì al San Francisco Museum of Modern Art nel 1941. A metà degli anni Quaranta attraversò un periodo produttivo ricco di soddisfazioni personali e artistiche, segnato dalla nascita delle due figlie e dal rapporto felice con la natura. Nel 1948, a seguito di un periodo di turbamento personale e problemi di salute, Gorky si tolse la vita. (Comunicato stampa Studio Esseci)

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Atlante americano
di Giuseppe Antonio Borgese, ed. Vallecchi

Parlare o scrivere dell'America, ovvero degli Stati Uniti, è motivo di opinioni opposte, a volte inconciliabili. Oggi come ieri sembra che nulla sia cambiato da quando all'inizio del Novecento la sua immagine - la mentalità, i costumi, la cultura - diventarono oggetto di valutazioni utilizzate con precise finalità propagandistiche, sia in senso positivo sia negativo.
Recensione libro

L'Olocausto Armeno - Breve storia di un massacro dimenticato
di Alberto Rosselli, ed. Solfanelli

Da alcuni anni la questione del riconoscimento del genocidio subito dal popolo armeno (1894-96, 1915-23) incontra un interesse crescente sia in ambito di politica internazionale sia in un contesto più ampio di storia, diritto, cultura, etica. Nonostante la notevole pubblicistica, alla domanda "Che cosa è stato il genocidio armeno?" in tanti tuttora potrebbero non saper ancora dare una risposta precisa.
Recensione libro

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Manolo Valdés
termina lo 06 ottobre 2019
Museo Casa Rusca - Locarno (Svizzera)
www.museocasarusca.ch

Con più di 300 esposizioni all'attivo, 70 opere presenti nelle collezioni dei musei più prestigiosi del mondo, Manolo Valdés (Valencia, 1942) giunge a Locarno occupando quegli spazi che hanno visto in questi anni succedersi altrettanti artisti e architetti di fama internazionale quali Valerio Adami, Fernando Botero, Hans Erni, Mimmo Rotella, Javier Marín, Robert Indiana, Mario Botta e Sandro Chia. La mostra, la prima in Svizzera, è curata da Rudy Chiappini e riunisce oltre 50 tra i lavori più significativi della lunga carriera e dell'universo creativo del grande maestro. Le suggestive sale e la corte di Casa Rusca sono animate dai dipinti e dalle sculture di eleganti figure di dame, di teste maestose dai lineamenti femminili e di statue equestri di nobildonne e cavalieri. La selezione di opere, realizzate dalla metà degli anni Ottanta fino ai giorni nostri, offre una panoramica sulle diverse tecniche e le multiformi sperimentazioni di questo eclettico e poliedrico artista.

Manolo Valdés suscita l'interesse della critica sin dal 1964 come esponente e co-fondatore, con Rafael Solbes e Juan Antonio Toledo, del movimento Equipo Crónica: un team pioneristico di Pop Art spagnola conosciuto soprattutto per le opere di protesta contro il regime franchista. I lavori del collettivo hanno poco da spartire con quelli che oggi contraddistinguono Manolo Valdés; l'unico rimando è l'insistente presenza della rappresentazione di alcune figure miliari dell'arte spagnola tra cui l'Infanta Margarita, Filippo IV e il popolo di Guernica, indagati dall'artista da un punto di vista puramente formale. Negli anni Ottanta, sciolto il sodalizio, Valdés inizia a lavorare da solo, affrancando il proprio operato da connotazioni politico-sociali. La sua meticolosa ricerca sfocia in rielaborazioni di dettagli dei dipinti di pittori antichi e moderni quali El Greco, Velázquez, Rubens, Ribera, Zurbarán, Rembrandt, Goya, Manet, Matisse, Pollock, Picasso e Lichtenstein.

Un percorso artistico quello di Valdés, iniziato con la pittura e proseguito con la scultura, in una reinterpretazione dei grandi maestri dell'arte. Velázquez, Rembrandt e Matisse, in particolare, sono il punto di partenza per le sue creazioni sia pittoriche che scultoree. "La mia sfida" spiega "è reinterpretare il patrimonio artistico del passato, da Velázquez a Matisse, dando origine a qualcosa di nuovo e differente. Mi ha sempre affascinato la storia dell'arte, così come qualsiasi traccia lasciata dall'uomo anche solo con un disegno, vedi le incisioni rupestri della preistoria". L'opera in Valdés è in questo senso una revisione continua del passato, un mosaico che si compone di centinaia di frammenti, un'immagine che nasce dall'accumulazione e dall'appropriazione di tante altre immagini saldamente entrate nella nostra cultura visiva, di reminescenze di tutte le civiltà e di tutti i tempi. A dimostrazione della volontà dell'artista di creare un legame tra passato, presente e futuro dell'arte, egli reinventa i capolavori della storia dell'arte per riproporli in formati, materiali e tecniche diverse restituendoli allo spettatore in un linguaggio espressivo nuovo e originale. La personale, che proseguirà fino al 6 ottobre, è un tripudio di forme esuberanti e visionarie, nelle quali la storia dell'arte viene ripercorsa e rivista acquisendo una coinvolgente attualità.

Saranno presentate alcune stupende sculture della ricorrente e stilizzata Reina Mariana in cui è enfatizzata la regalità tipica di una delle icone della pittura spagnola; le statue equestri in alluminio, legno e resina Caballero (2017) e Dama a caballo (2017) che guardano alla storia della scultura equestre iniziata da Donatello nel Rinascimento; i volti di donna ora in legno verniciato con pittura epossidica blu (Blue Head, 2016) ora in bronzo, alluminio, ottone o Mariposas (2015); i dipinti su larga scala Dorothy sobre fondo gris (2010) e Retrato con rostro amarillo y azul (1999) nei quali si osservano dei volti femminili stratificati: le tele grezze assumono tridimensionalità e diventano materiche. Nella variegata produzione artistica di Valdés non potevano mancare le sculture di dimensioni imponenti come Máscara (2007) e Daphne (2008), quest'ultima dotata di un elaborato copricapo intricato e lucente.

Le opere di Valdés sono percorse da una forza e da una vitalità dirompenti. Nelle sue pitture è percepibile come la passione per l'arte lo spinga a cercare nuovi linguaggi espressivi, a testare e accostare materiali inusuali, ad adoperare, per esempio, sovrapposizioni di sacchi di iuta dipinti con colori pastosi che trasformano le sue tele in oggetti materici e corposi; o ancora la sua raffinatissima sapienza tecnica capace di plasmare le materie più diverse grazie alla quale la lavorazione del legno, del prezioso alabastro e la fusione di resine e bronzo danno vita a insolite sculture. Curiosità intuitiva sia tecnica sia immaginativa, il personale realismo pittorico, la struttura delle composizioni, l'interesse per l'autonomia del soggetto artistico, il ricorso a stratificazioni multidimensionali, l'accentuazione delle imperfezioni della materia, le realizzazioni in grande scala sono solo alcuni dei tratti distintivi dell'artista che rendono il suo stile immediatamente riconoscibile. Il messaggio visivo che scaturisce oggi dalla sua inesauribile ricerca scultorea e pittorica è una celebrazione dei soggetti "classici" e, insieme, una rottura con gli archetipi del passato, tale da elevare la proposta estetica di Valdés come una delle più originali e brillanti del panorama artistico internazionale contemporaneo. La mostra è accompagnata da un catalogo corredato da immagini a colori delle opere esposte, unitamente a contributi critici.

Manolo Valdés (Valencia, 1942), apprendista pittore già all'età di 15 anni, nel 1957 si iscrive all'Istituto di Belle Arti di San Carlo di Valencia che, tuttavia, lascia due anni più tardi per dedicarsi interamente alla pittura. Nel 1962 partecipa all'Esposizione Nazionale di Belle Arti e in questa occasione sono già chiari quelli che saranno gli elementi costanti della sua ricerca artistica: il tema figurativo e lo studio della materia. Valdés attinge dal patrimonio artistico spagnolo, in particolare da Velázquez e Picasso e dai principali esponenti dell'informale: Manolo Millares, Antonio Saura e Antoni Tàpies. In occasione di un viaggio di studio a Parigi rimane inoltre affascinato dalla libertà creativa di Pierre Soulages e Robert Rauschenberg.

Nel 1964 insieme a Juan Antonio Toledo e Rafael Solbes, dopo aver partecipato con successo al XVI Salone della Giovane Pittura di Parigi, prende parte alla fondazione del gruppo Equipo Crónica. Toledo lascia il gruppo molto presto, mentre Valdés e Solbes continuano a lavorare insieme fino alla morte di quest'ultimo nel 1981. Negli anni a seguire Valdés si dedica alla realizzazione di mostre personali in cui si sofferma sulla rilettura di temi artistici e storici svincolati dalle denunce politico-sociali. Riscuote un notevolesuccesso anche nell'ambito della grafica e riceve nel 1983 il Premio Nazionale delle Arti Plastiche. Nel 2006, al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, si tiene una retrospettiva nella quale vengono riuniti i lavori dei suoi ultimi venticinque anni. Le opere di Manolo Valdés fanno parte delle più prestigiose collezioni pubbliche e private. (Comunicato stampa)

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Lygia Pape
termina il 21 luglio 2019
Fondazione Carriero - Milano
www.fondazionecarriero.org | Locandina della mostra

Prima mostra personale mai dedicata da un'istituzione italiana a una delle maggiori esponenti del Neoconcretismo in Brasile, a cura di Francesco Stocchi e organizzata in stretta collaborazione con l'Estate Projeto Lygia Pape. A quindici anni dalla scomparsa di Lygia Pape (Rio de Janeiro, 1927-2004), la Fondazione Carriero intende raccontare e approfondire il percorso dell'artista brasiliana sottolineandone in particolare l'eclettismo e la poliedricità. Nell'arco dei quarantacinque anni della sua carriera, Pape si è confrontata con una molteplicità di linguaggi - dal disegno alla scultura, dal video al balletto, sconfinando nell'installazione e nella fotografia - facendo propria la lezione del modernismo europeo per poi fonderlo con le istanze della cultura del suo Paese, fino ad arrivare a una personalissima sintesi tra le pratiche artistiche.

Seguendo l'architettura della Fondazione, la mostra rappresenta un vero e proprio viaggio nel mondo dell'artista, che si articola in diversi ambienti, ciascuno deputato all'approfondimento di un aspetto del suo lavoro attraverso la presentazione di nuclei di opere realizzate tra il 1952 e il 2000. La mostra propone un'occasione di conoscenza, analisi e confronto con un'artista la cui pratica contiene alcune delle ricerche chiave dell'arte del secondo dopoguerra. Il lavoro di Lygia Pape presenta una particolare declinazione del modernismo, dove la figura umana acquisisce centralità e il linguaggio si apre alla sensualità, in una sorta di sincretismo artistico che riesce ad attrarre e far convivere mondi diametralmente opposti. Il rapporto con la sua terra natale, il Brasile, si fonde con lo studio delle istanze del costruttivismo russo, assorbito e riformulato in un linguaggio multiforme e originale.

Mentre il modernismo europeo propone il superamento del passato tramite un sistema organizzato di teoria e metodo, di rigore e razionalità, la proposta modernista di Lygia Pape si nutre della sua cultura d'origine e riesce a muoversi e trasformarsi più liberamente traendo ispirazione dalla natura e dall'uomo. Il risultato di questo processo dà vita a un corpus di opere che, alchemicamente, miscela diversi mezzi espressivi, stimolando tutti i canali percettivi fino a reinventare il rapporto tra opera e spettatore in un'ottica fortemente contemporanea, per cui il percorso verso il futuro è veicolato dall'istinto e dall'assenza di un processo preordinato.

La mostra offre ai visitatori l'occasione di avvicinarsi alla produzione dell'artista e osservarla da molteplici punti di vista, a partire dall'analisi della sua ricerca, una sintesi tra invenzione e contaminazione, da cui emergono colore, gioia e sensualità. Il pieno e il vuoto, la presenza e l'assenza convivono ponendo in risalto la figura di Pape e la sua continua sperimentazione, supportata dalla capacità di fondere in maniera inedita materiali e tecniche mediante l'utilizzo di modalità espressive e linguaggi non convenzionali. Il complesso della sua produzione evidenzia infatti come ogni nuova ricerca nasca e si sviluppi come naturale evoluzione delle precedenti. Queste connessioni sono messe in risalto dall'allestimento delle opere in mostra, che si articolano negli ambienti della Fondazione e rimangono legate a una radice comune; il filo conduttore trova la sua origine nell'osservazione della natura e nella sua traduzione in segno.

Tra le opere esposte troviamo ad esempio Livro Noite e Dia e Livro da Criação, alcuni dei suoi principali lavori, libri intesi come oggetti con cui entrare in relazione che condensano esperienze mentali e sensoriali. I Tecelares, la serie di incisioni su legno in cui si fondono tradizione popolare brasiliana e ricerche costruttiviste di origine europea. E ancora, Tteia1, la celebre installazione che racchiude tutta l'indagine di Lygia Pape sui materiali, la tridimensionalità e la costante propensione all'innovazione e reinterpretazione del suo linguaggio. Ancora oggi il suo lavoro offre interessanti strumenti per interpretare le istanze del nostro presente con un approccio meno intriso di regole e più orientato alla spontaneità, che già l'artista aveva adottato come chiave di lettura per rappresentare il mondo che ci circonda. La mostra è accompagnata da un catalogo (italiano e inglese), edito da Koenig Books, curato da Francesco Stocchi, che raccoglierà testi critici, materiale di archivio e immagini delle opere allestite negli spazi della Fondazione Carriero. (Comunicato stampa)

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Intramontabili eleganze
Dior a Venezia nell'archivio Cameraphoto

termina lo 03 novembre 2019
Villa Nazionale Pisani - Stra (Riviera del Brenta)

1951, un anno magico per Venezia. Gli scorci più intriganti della città sono coprotagonisti dalla campagna che in tutto il mondo diffondeva le proposte di quello che è il sarto più popolare del momento: Christian Dior. E, nello stesso anno, il 3 settembre si celebra a Palazzo Labia il "Ballo del Secolo", quel Bal Oriental voluto da Don Carlos de Beistegui y de Yturbe, che richiamò dai 5 continenti un migliaio di protagonisti del jet set. Un ballo in maschera che impegnò Dior, con Dalì, il giovanissimo Cardin, Nina Ricci e altri, in veste di creatore dei costumi per gli illustrissimi ospiti. Un evento che riverberò nel mondo i fasti del Settecento Veneziano. Silenziosi testimoni di entrambi gli eventi furono i fotografi di Cameraphoto, l'agenzia fotografica veneziana fondata nel '46 da Dino Jarach, che in quegli anni "copriva" e documentava tutto ciò che di speciale accadeva a Venezia e non solo.

Per volontà di Vittorio Pavan, attuale conservatore dell'imponente Archivio di Cameraphoto (la sola parte storica vanta oltre 300 mila negativi) e di Daniele Ferrara, Direttore del Polo Museale Veneto, le immagini di quei due storici avvenimenti vengono esposte al pubblico. Per farle riemergere si è scelta una location straordinaria, Villa Nazionale Pisani a Stra, la "Regina" delle Ville Venete, che, e non è un caso, è impreziosita da meravigliosi affreschi di Giambattista Tiepolo. Artista che dominò, dai soffitti di Palazzo Labia, la memorabile festa del 1951. Pavan, per questa mostra, ha selezionato 40 immagini della collezione messa in scena a Venezia da Christian Dior. In quegli anni, ogni sfilata presentava poco meno di 200 modelli, calibrati tra capi facilmente vestibili e altri più impegnativi. Dior era il nume tutelare della moda di quel dopoguerra.

Le sue collezioni erano attese e contese nel mondo. Si valuta che solo per vedere (e acquistare) le sue proposte sorvolassero l'Oceano, ogni anno, 25 mila persone. Ogni suo cambiamento di linea (e ogni stagione ne imponeva uno) veniva accolto con entusiasmo e con critiche feroci. In ogni caso, nessuna donna che volesse essere alla moda poteva ignorare i dettami del couturier parigino di Avenue Montaigne, una Maison che, nata da appena 5 anni, impegnava già oltre un migliaio di collaboratori. Il suo New look si evolveva stagione dopo stagione. Nel 1950 aveva imposto la Linea Verticale, nel '51 - come documentano le immagini esposte in Villa Pisani - la donna non poteva che vestire in Ovale: spalle arrotondate e maniche a raglan, tessuti modellati sino a diventare una seconda pelle. Complemento indispensabile, il cappellino, per cui Dior si ispirò, quell'anno, ai copricapi dei coolies, alla cinese quindi.

Per l'autunno, creò invece la linea "Princesse". Nelle immagini di Cameraphoto le modelle vestite da Dior duettano con Venezia. Canali, chiese, palazzi non sono mai un puro sfondo ma protagonisti alla pari delle creazioni del grande sarto. Il secondo nucleo di questa affascinate mostra è dedicato al Gran Ballo di Palazzo Labia, l'evento mondano del secolo. Per quel 3 settembre a Venezia giunse tutto il bel mondo. L'invito di don Carlos, popolarmente indicato come Il Conte di Montecristo, raggiunse mille persone. Dior, con una schiera di giovani sarti e con Dalì, venne impegnato a creare i più affascinanti abiti, tutti a richiamare il Settecento di Goldoni e Casanova. Costumi per persone ma anche per i levrieri e altri cani che spesso accompagnavano i loro padroni. Le torce quella mitica notte illuminarono  molte teste coronate, principi e principesse, schiere di milionari, artisti, stilisti, protagonisti del jet set. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Il Rinascimento parla ebraico
termina il 15 settembre 2019
MEIS Museo Nazionale dell'Ebraismo Italiano e della Shoah - Ferrara

L'esposizione, a cura di Giulio Busi e Silvana Greco, affronta uno dei periodi cruciali della storia culturale della Penisola, decisivo per la formazione dell'identità italiana, svelandoci un aspetto del tutto originale, quale la presenza degli ebrei e il fecondo dialogo culturale con la cultura cristiana di maggioranza. Opere pittoriche come la Sacra famiglia e famiglia del Battista (1504-1506) di Andrea Mantegna, la Nascita della Vergine (1502-1507) di Vittore Carpaccio e la Disputa di Gesù con i dottori del Tempio (1519-1525) di Ludovico Mazzolino, Elia e Eliseo del Sassetta, dove spuntano a sorpresa significative scritte in ebraico. Manoscritti miniati ebraici, di foggia e ricchezza rinascimentale, come la Guida dei perplessi di Maimonide (1349). O l'Arca Santa lignea più antica d'Italia, mai rientrata prima da Parigi, o il Rotolo della Torah di Biella, un'antichissima pergamena della Bibbia ebraica, ancora oggi usata nella liturgia sinagogale.

Nel Rinascimento gli ebrei c'erano ed erano in prima fila, attivi e intraprendenti. A Firenze, Ferrara, Mantova, Venezia, Genova, Pisa, Napoli, Palermo e ovviamente Roma. A periodi alterni accolti e ben visti, con un ruolo non secondario di prestatori, medici, mercanti, oppure oggetto di pregiudizio. Interpreti di una stagione che racchiude in sé esperienze multiple, incontri, scontri, momenti armonici e cesure. Il MEIS racconta per la prima volta questo ricco e complesso confronto, grazie anche alla coinvolgente scenografia concepita dai progettisti dello studio GTRF di Brescia. Ricostruire tale intreccio di reciproche sperimentazioni significa riconoscere il debito della cultura italiana verso l'ebraismo ed esplorare i presupposti ebraici della civiltà rinascimentale.

Con questa nuova narrazione il Museo Nazionale dell'Ebraismo Italiano e della Shoah di Ferrara segna un passaggio cruciale della propria offerta al grande pubblico. Non solo perché la mostra costituisce un ulteriore capitolo del racconto dell'ebraismo italiano (dopo quello sui primi mille anni, oggi trasformato in prima parte del percorso permanente), ma anche perché questa nuova sezione tocca il cuore della missione del MEIS: testimoniare il dialogo complesso ma possibile, talvolta fruttuoso, pur non privo di ombre, tra minoranza e maggioranza. Una lezione preziosa che l'Italia raccoglie dalla sua storia per offrirla al presente. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Lawrence Carroll Photographs
termina lo 01 settembre 2019
Fondazione Rolla - Bruzella (Svizzera)
www.rolla.info

Sedicesima mostra ospitata nella sede della Fondazione Rolla. Philip e Rosella Rolla, che da anni collezionano l'opera pittorica di Carroll, ora presentano il suo primo progetto fotografico. Lawrence Carroll è considerato un esponente di rilievo dell'arte contemporanea internazionale. Il suo lavoro, spesso al limite tra pittura e scultura, è pervaso da un sentimento poetico e un'impronta autobiografica che si riflette anche nel lavoro fotografico. Il progetto nasce dopo un lungo viaggio attraverso gli Stati Uniti d'America verso una nuova città e una nuova casa. (Comunicato stampa)

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Helen Kirwan
www.glendacinquegrana.com

Helen Kirwan inaugurerà una nuova installazione video, perpetuum mobile (2019), allo European Cultural Centre, durante la 58esima Esposizione Internazionale d'Arte La Biennale di Venezia, nell'ambito della mostra Personal Structures curata dalla Global Art Affairs Foundation. Si tratta del capitolo finale di una trilogia di opere video della Kirwan che esplorano il lutto e la memoria attraverso l'atto fisico del viaggio. Durante la Biennale, l'artista presenterà anche una serie di performance dal vivo, in collaborazione con il pluripremiato compositore dublinese Tom Lane. Quest'anno l'opera della Kirwan occuperà l'intero spazio di una grande sala al piano terra di Palazzo Bembo, un palazzo quattrocentesco restaurato sul Canal Grande. Entrando nella sala, i visitatori si troveranno immersi nei grandi schermi del video e nel paesaggio sonoro composta da Lane. Il palazzo in stile bizantino veneziano, con influenze spagnolo-moresche e gotico-peninsulari richiama la confluenza già presente nell'opera della Kirwan.

Le performance della Kirwan per perpetuum mobile sono state filmate in esterno in località remote: l'altipiano di Ustyurt, il lago d'Aral in Uzbekistan, e l'isola di Sylt nella parte tedesca dell'arcipelago frisone. I cedri erano alberi considerati immortali nelle antiche mitologie del Mediterraneo. Il cammino della Kirwan attraverso apparentemente infinito bosco di cedri crea l'illusione di un loop che rimanda a quei miti. Nel frattempo, sul lago d'Aral, la Kirwan arranca attraverso quella vasta distesa di sabbia secca che una volta era il quarto lago più grande al mondo, come se fosse condannata a camminare sulla Terra per l'eternità. Sulla battigia di Sylt che cambia la forma a seconda dei mutamenti del piano mesolitorale del Mare dei Wadden, l'artista sembra vacillare sul limite della Terra, quasi considerasse la propria transizione dalla vita alla morte un prendere il largo, come nella poesia di Alfred Tennyson intitolata Crossing the Bar (1889).

Per Kirwan, camminare è un modo di segnare e di attraversare il tempo. Camminando attraverso i suoi paesaggi, l'artista si ispira ai racconti biblici e mitologici di viaggi epici che spezza attraverso il montaggio del film. Le scene sono intervallate da performance subacquee che vedono l'artista tuffarsi in acqua attraverso la lente indagatrice di una videocamera ad alta velocità. Le scene di Sylt rimandano a precedenti performance girate sulle spiagge del Kent. L'opera della Kirwan si ispira alla propria esperienza del lutto per la perdita di una persona a lei cara. Il mio viaggio è la manifestazione del gemere, del cercare e del desiderare che alcuni psicologi considerano essenziali nel processo del lutto spiega l'artista. Cita Atlante delle Emozioni di Giuliana Bruno in cui il viaggiare è considerato un terreno aptico ed emotivo che corrisponde alle metafore del trovare la via e del mappare.

La ripetizione sta anche al centro di perpetuum mobile e dell'opera video della Kirwan. L'installazione si ispira al concetto di memoria come ripetizione che si reinventa in continuazione. Il filosofo Simon Critchley vede la memoria hegeliana come una ruota che gira, ritorna e di nuovo gira (...) una sorta di perpetuum mobile, un ciclo che si ricrea e riprende il movimento in continuazione. Le variazioni ripetitive di perpetuum mobile richiamano la musica di Lane. Si tratta di una serie di brevi loop tratti da una registrazione del Preludio in C Maggiore BWV 846 del compositore tedesco J.S. Bach, il chi intento è creare un senso di moto perpetuo. Il brano è in continuo movimento, ma non progredisce mai in un senso armonico convenzionale, spiega Lane: la musica si sviluppa lentamente usando tecniche di minimaliste phasing e la manipolazione della struttura. La trilogia della Kirwan include i film Fragment and Trace (2015) e Memory Theatre (2017): anche queste opere sono state inaugurate allo European Cultural Centre durante le due ultime edizioni della Esposizione Internazionale d'Arte La Biennale di Venezia. (Comunicato stampa)

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Albrecht Dürer. La collezione completa dei Remondini
termina il 30 settembre 2019
Palazzo Sturm - Bassano del Grappa (Vicenza)

La Città di Bassano del Grappa ha scelto questo straordinario omaggio al genio di Dürer per celebrare la riapertura di Palazzo Sturm, a conclusione dell'ultima campagna di restauro che ha integralmente restituito alle visite il magnifico gioiello di architettura e arte, sede ideale per l'esposizione delle opere grafiche del Maestro tedesco Albrecht Dürer (1471-1528). Palazzo Sturm accoglie, infatti, il Museo dell'Incisione Remondini che conserva e presenta, in modo estesamente suggestivo, le creazioni della mitica dinastia di stampatori bassanesi, specializzati in raffinate edizioni e in stampe popolari che, tra '600 e '700, hanno saputo diffondere in tutto il mondo. Ma i Remondini furono anche attenti collezionisti d'arte.

Un corpus di 214 incisioni che, per ampiezza e qualità, è classificato, con quello conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna, il più importante e completo al mondo. Nelle loro importantissime raccolte, oggi patrimonio dei Civici Musei, si trovano ben 8500 opere di grafica tra le quali spiccano i nomi dei grandi maestri europei del Rinascimento e dell'epoca moderna. Tra loro Albrecht Dürer, presente nelle Collezioni Remondini con 123 xilografie e 91 calcografie. Dürer, che realizzò 260 incisioni, inizia la sua carriera come incisore di legni (xilografie) nel 1496. Dal 1512 al 1519 lavora per l'imperatore Massimiliano I per il quale realizza L'Arco di trionfo e La processione trionfale, quest'ultimo nelle collezione di Bassano del Grappa. Molto probabilmente passò per la città sul Brenta.

Lo si vede nei paesaggi e nelle vedute di sfondo di opere come La Grande Fortuna. I temi trattati da Dürer sono mitologici, religiosi, popolari, naturalistici, ritratti, paesaggi e nelle collezioni bassanesi sono incluse le serie complete dell'Apocalisse, della Grande Passione, della Piccola Passione e della Vita di Maria. Per l'Imperatore Massimiliano realizza anche una delle sue incisioni più popolari, il "Rinoceronte". A ricordo dell'esotico animale che l'Imperatore aveva destinato al Papa ma che non arrivò mai a Roma, vittima di un naufragio di fronte alle coste liguri. Intorno a questa famosissima opera, Chiara Casarin ha voluto offrire ai visitatori della mostra un focus che, da un lato rievoca la vicenda e dall'altro percorre la fortuna che nei secoli ebbe quell'incisione.

Il tema del Rinoceronte ha infatti affascinato molti artisti, da Raffaello a Stubbs, a Salvador Dalì sino a Li-Jen Shih, il cui King Kong Rhino è stato voluto a Bassano per testimoniare quanto ancor oggi quel soggetto e la lezione dureriana siano attuali e universali. Li-Jen Shih, tra i massimi artisti contemporanei cinesi, presente nelle più importanti collezioni private e pubbliche del mondo, lavora da quarant'anni sul tema del Rinoceronte. A Bassano, il suo King Kong Rhino sarà, per l'intera durata della mostra di Dürer, esposto nel belvedere di Palazzo Sturm. La mostra è accompagnata da un video di raffinata qualità artistica che rivive l'atelier di Albrecht Dürer e illustra la tecnica dell'incisione. La mostra, a cura di Chiara Casarin in collaborazione con Roberto Dalle Nogare, sarà accompagnata da un catalogo con testi di Chiara Casarin, Bernard Aikema, Giovanni Maria Fara, Elena Filippi e Andrea Polati. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Palazzo Sturm e il suo famoso Belvedere
Presentazione

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Photology Air 2019/2020
Il nuovo parco per l'arte contemporanea in Sicilia

22 giugno - 03 novembre 2019
09 aprile - 27 settembre 2020
Tenuta Busulmone - Busulmone, Noto (Siracusa)
www.photology.com

Cinque progetti naturalistico-fotografici che coinvolgeranno il curatore uruguaiano Martin Craucin e 15 artisti di fama internazionale: Gianfranco Gorgoni, Georg Reinking, Gian Paolo Barbieri, Angelo Candiano, Mario Giacomelli, Jack Pierson, Giada Barbieri, Massimo Bartolini, Mario Cresci, Juan Pedro Fabro, Emilio Fantin, Fiamma Montezemolo, Irina Raffo, Luca Vitone, Francesca Romana Gaglione. Photology, che già dal 2012 ha intrapreso un'intensa attività di diffusione delle arti fotografiche nel territorio siciliano di sud-est, è orgogliosa di presentare l'edizione 2019/2020 di Photology Air (Art In Ruins), il nuovo parco per l'arte contemporanea aperto nel 2018 nei trenta ettari della splendida Tenuta Busulmone, a Noto.

In particolare, traendo ispirazione dal tema delle "rovine" come sinonimo di modernizzazione (già trattato alla Biennale di Venezia 2014), le mostre vengono allestite negli spazi restaurati en plein air di un convento ottocentesco e lungo i tanti percorsi naturali che si trovano nella tenuta. La scelta curatoriale per il biennio 2019/2020 è ricaduta su un tema sempre più attuale, la "coscienza ambientale", e il titolo Preservaction ne è diventato l'esplicito manifesto. In particolare, le attività di Photology Air che verranno presentate nel 2019 con il titolo Prelude To Preservaction, per poi svilupparsi nel 2020 sotto il nome di Preservaction Now!, offrono ai visitatori la possibilità di confrontarsi con opere eterogenee che vogliono invitare a riflettere sulla rappresentazione artistica della natura come via di preservazione e tutela, perché la Natura, da sempre fonte di ispirazione per gli artisti di qualsiasi disciplina, è lei stessa un'opera d'arte.

Noto, fiore all'occhiello dell'arte e della cultura siciliana, è uno splendido esempio di architettura barocca di fine Settecento che domina la valle del fiume Asinaro con vista sul Mar Ionio a est e Mediterraneo a sud. Il suo centro storico è stato dichiarato nel 2002 Patrimonio dell'Umanità da parte dell'Unesco insieme con le altre città tardo barocche della Val di Noto. Dopo la ricostruzione in seguito al terremoto del 1693, Noto è divenuta una delle città d'arte più visitate del nostro paese, meta di un turismo sempre crescente, tanto da registrare un incremento medio annuo di visitatori intorno al 5% dal 2010, soprattutto internazionali. Tutta la Val di Noto è oggi meta esclusiva, non solo per il patrimonio artistico-culturale, ma anche per le eccellenze enogastronomiche, e le località turistiche della zona sono particolarmente apprezzate: le spiagge della riserva naturale di Vendicari, i laghetti di Cavagrande, la zona archeologica di Pantalica, la Villa Romana del Tellaro, Marzamemi e Noto antica.

- Prelude to preservaction
22 giugno - 03 novembre 2019

.. Land Art in America
by Gianfranco Gorgoni

Pensato per la sezione Exhibitions 2018, il progetto - introdotto da un'esclusiva scultura di Georg Reinking - propone una serie di celebri lavori del fotografo italiano Gianfranco Gorgoni esposti tra le rovine del convento ottocentesco: opere fotografiche di grande formato realizzate a partire dalla fine degli anni Sessanta, in collaborazione con i grandi maestri della Land Art americana come Christo, Walter De Maria, Michael Heizer, Nancy Holt, Richard Serra, Robert Smithson, fino ai più recenti lavori con Ugo Rondinone. L'allestimento prevede un dialogo tra gli spazi interni ed esterni del rudere, per cui Gorgoni presenta opere innovative, pensate e prodotte per essere stampate su alluminio e sottoposte a speciali trattamenti da esterno.

.. Belvedere Collectors
Project Room With a View

Da giugno 2019 Photology apre al pubblico Belvedere Collectors-Project Room with a View, l'unica zona espositiva coperta di Photology Air pensata per i collezionisti e gli amanti della fotoarte. Il nuovo spazio presenta non solo una selezione di opere originali con soggetti naturalistici di artisti di fama internazionale e un esclusivo art bookshop con libri rari, ma anche la possibilità di trovare una serie limitate di prodotti a chilometro zero provenienti dal territorio di Noto. Gli artisti scelti per questa prima edizione sono: Gian Paolo Barbieri, Angelo Candiano, Mario Giacomelli, Jack Pierson. La zona Belvedere, dal secondo piano della struttura espositiva, ha un'incredibile vista a sud verso la Riserva Naturale di Vendicari.

.. Naturalistic Trail. Planta Manent
22 giugno 2019 - 29 settembre 2020

Un'esperienza unica di walking to art con 15 istallazioni fotografiche site specific stampate su alluminio e dislocate lungo un suggestivo percorso di 2 km nella campagna mediterranea circostante la Tenuta Busulmone, che ritraggono la flora locale accompagnate da spiegazioni botaniche. Planta Manent, la catalogazione fotografica permanente realizzata da Francesca Romana Gaglione, nasce con l'obiettivo di preservare, attraverso un lavoro di ricerca gli endemismi puntiformi caratteristici dell'area circostante Tenuta Busulmone, una porzione di terra che si rivela particolarmente interessante da un punto di vista botanico per via della singolare posizione geografica e delle peculiari condizioni climatiche. Quanto più un endemismo è puntiforme, cioè relativo a un'area geografica circoscritta, tanto più sarà composto da specie ad alto rischio di estinzione. Pertanto, la prima parte del progetto, una vera e propria fase di ricerca svolta insieme al botanico Paolo Uccello, si concentrerà sull'individuazione degli arbusti, degli alberi e delle infiorescenze più vulnerabili con l'obiettivo di ricostruirne la storia. La seconda parte del progetto, invece, indagherà nella vita segreta degli elementi individuati, con l'obiettivo di trasformarli in oggetti fotografici che diventeranno parte integrante di una memoria consapevole del luogo.

.. Educational Project: Kids in action
settembre 2019 - settembre 2020

Il progetto, che verrà realizzato in collaborazione con il Comune di Noto e Legambiente ha il fine di sensibilizzare ed educare le giovani generazioni alla tutela e alla pulizia dell'ambiente circostante attraverso laboratori didattici ad hoc. Gruppi di ragazzi verranno accompagnati nel territorio del Comune di Noto con l'obbiettivo di ripulire l'ambiente naturale dai rifiuti abbandonati. Il cleaning project servirà infine per utilizzare i materiali raccolti come elementi per laboratori artistici, seguendo le orme di artisti affermati come Damien Hirst, Kcho, Micheal Fliri. Le creazioni saranno esposte nel corso della stagione in un percorso esclusivo e premiate da una giuria selezionata.

- Preservaction Now!
09 aprile - 27 settembre 2020

.. The Secret Life of Plants

La mostra The secret life of plants prende ispirazione dall'omonimo libro di Peter Tompkins e Christopher Bird, pubblicato nel 1974 e basato sulle loro ricerche nel mondo dei vegetali riguardo alla possibilità che le piante non siano soltanto organismi passivi simili ad automi, sottomessi alle forze ambientali, bensì che abbiano la capacità di comunicare, di percepire gli eventi, di memorizzarli e persino di provare emozioni. L'esposizione, curata da Martin Craciun e allestita da Photology negli spazi Air (senza copertura) del convento, sarà costituita da installazioni botaniche, opere fotografiche, sculture e video. La selezione delle opere e degli artisti è incentrata proprio sulla ricerca emotiva evidenziata nel celebre libro di Tompkins e Bird. Piante e fiori mediate dal lavoro degli artisti comunicano con il visitatore attraverso i 5 sensi in un percorso scenografico che richiama il diorama. Questi gli artisti italiani ed internazionali che esporranno: Fiamma Montezemolo, Giada Barbieri, Emilio Fantin, Luca Vitone, Massimo Bartolini, Mario Cresci, Irina Raffo, Juan Pedro Fabro.

.. Art Trail
Profondo Blu
by Gian Paolo Barbieri

Profondo Blu rende omaggio all'itinerario fotografico di Gian Paolo Barbieri, che a partire dagli anni Ottanta lo vede in luoghi esotici e lontani a collezionare ritratti inediti di un'umanità e di una natura intatta, frammenti di memoria destinati a perdersi per sempre, attimi sottratti a un processo di metamorfosi e devastazione inarrestabile. In ogni foto si può percepire la profonda meditazione dell'artista, che per la prima volta si trova da solo dietro la macchina fotografica e davanti ad un soggetto che non concepisce alcuna possibilità di alterazione di setting. Art Trail 2019 si contraddistingue per un inedito ed emozionante incontro tra natura & natura. Le eleganti opere fotografiche di Gian Paolo Barbieri, realizzate in 40 anni di viaggi in luoghi incontaminati, si fondono con lo spettacolo del paesaggio rurale della campagna netina. Photology presenta un progetto di installazioni naturalistiche con strutture realizzate da artigiani locali utilizzando materiali a chilometri zero. Il percorso prevede una serie di aree espositive su un sentiero in terra battuta di circa 2 km in mezzo a millenari carrubi, ulivi e campi di grani antichi. La mostra, composta da circa 30 opere di grande formato e stampate in tricromia su materiali da esterno sarà percorribile a piedi con un normale abbigliamento sportivo o con speciali visite guidate con biciclette assistite elettricamente.

.. In the air tonight

La stagione di mostre di Photology Air per il 2020 si arricchisce di eventi esclusivi di approfondimento dal titolo In the Air Tonight. Da maggio ad agosto con cadenza settimanale si alterneranno nella zona cinema e relax una serie di presentazioni e incontri a tema seguendo la linea curatoriale Preservaction. Prima e dopo le proiezioni degli Earth Films, il programma In the Air tonight prevede una serie di art talks con il pubblico degli artisti partecipanti alle mostre, simposi di enti e fondazioni coinvolti nel progetto, lectures con presentazioni fotografiche, visite guidate notturne al cosmo, performance musicali e piccole rassegne teatrali. Sono stati invitati a partecipare: Emilio Fantin, Stefano Tirelli e Massimiliano Nebuloni, Pier Raffaele Platania, Greta Scacchi e Nicky Rohl, Luca Vitone. Gli appuntamenti verranno confermati con date e orari sull'apposito sito web e attraverso la guida Photology Air.

.. Art Film Festival
Earth Film

Photology Air si prefigge per il 2020 l'obiettivo di diventare un luogo di incontro e cultura imprescindibile per le serate netine, anche attraverso la settima arte, il cinema. La rassegna Earth Films propone una ricca selezione di lungometraggi e documentari di fama internazionale, collegati dalla comune tematica green. La sala cinema, posizionata in una location d'eccezione come il convento ottocentesco restaurato, vedrà alternarsi a pellicole note e acclamate da pubblico e critica, altre tutte da scoprire. Le proiezioni, che si susseguiranno per tutta la stagione, saranno accessibili gratuitamente fino ad esaurimento posti. Il programma definitivo della rassegna cinematografica verrà reso noto nella sezione del sito web dedicata e tramite la guida Photology Air. (Comunicato De Angelis Press)

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Alfredo Pini
"Le jeu des parties" (Il gioco delle parti)

termina il 30 settembre 2019
Galleria Ad Hoc Corner di Tourrettes su Loup (Costa Azzurra)
www.lacerba.com

Negli spazi della galleria francese saranno esposti una ventina di lavori in cui sono rappresentati essenzialmente due cicli di opere: "le pagine ella memoria" e "sorvolando sui particolari". Nel primo ciclo di opere sono inserite, in un contesto urbano contemporaneo, oggetti che appartengono ad un nostro passato prossimo come vecchi filobus o lambrette che sembrano appartenere ad un'altra era, questo a sottolineare come i tempi odierni corrano sempre più veloci e cambino ad un ritmo frenetico tutto ciò che ci circonda. Al secondo ciclo appartengono opere di paesaggio metropolitano visto da una prospettiva aerea, formata da danti piccoli tasselli e tocchi di pennello che isolati dal contesto generale appaiono astratti, ma nell'insieme la mente di chi osserva li elabora come paesaggio. Da qui il titolo del ciclo che induce a riflettere che ogni cosa va osservata in un contesto per poterla capire, mentre se isolata può sembrare tutt'altra cosa. L'artista vuole esprimere nel titolo della mostra "Il gioco delle parti", il gioco a tre che si crea tra artista, tra l'opera e tra il pubblico. L'artista ha un'idea, l'opera e' l'idea materializzata ed il pubblico la interpreta. Ogni ruolo gioca la sua parte, ma ognuna si differenzia dall'altra. L'artista crea illusioni, l'opera rimanda illusioni che non sono mai identiche a quelle immaginate dall'artista e il pubblico riceve illusioni e le interpreta in maniera ancora differente. Questa è la bellezza dell'arte. (Comunicato stampa Bottega d'arte Lacerba)

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Mito. Dei ed Eroi
termina il 14 luglio 2019
Gallerie d'Italia - Vicenza

La mostra celebra i vent'anni di apertura al pubblico delle Gallerie d'Italia - Palazzo Leoni Montanari e delle sue raccolte d'arte. A cura di Fernando Mazzocca, Federica Giacobello e Agata Keran, l'esposizione indaga la fortuna e l'esemplarità della mitologia classica, anche grazie all'eccezionale percorso iconografico delle decorazioni pittoriche e a stucco che caratterizzano l'architettura del palazzo. La mostra è organizzata in partnership con il Museo Archeologico Nazionale di Napoli e il Museo Archeologico Nazionale di Reggio Calabria, che concedono in prestito opere di grande rilievo, provenienti anche da Pompei e da alcuni siti della Magna Grecia. Un prestito eccezionale, inoltre, giunge dall'Hermitage di San Pietroburgo.

Partendo dalla rappresentazione di miti e personaggi eroici nell'antichità, il progetto espositivo mette in luce la fortuna della tematica mitologica nei secoli, a partire dalla Grecia, dalla Magna Grecia e da Roma fino al Classicismo dell'età barocca e alle diverse stagioni, tra Sette e Ottocento, del Neoclassicismo. La mostra è suddivisa in otto sezioni, ognuna con una tematica diversa, in un continuo confronto tra dei, eroi, miti rappresentati nell'apparato decorativo del palazzo e quelli raffigurati nelle opere esposte. Apollo, Atena, Marsia, Niobe, Alessandro Magno, Ercole e Achille saranno i protagonisti di un avvincente viaggio nel tempo e nello spazio architettonico, in un incessante rimando sul piano figurativo e iconologico tra i soggetti delle decorazioni e le opere in mostra, alla scoperta dei significati religiosi, morali e culturali che il mito ha assunto in tempi e contesti diversi.

I vasi dipinti della collezione di Intesa Sanpaolo dialogano con sculture e affreschi dell'arte greco-romana, analizzando gli aspetti produttivi e figurativi, l'influenza e la traduzione in immagine dei soggetti più celebri, le interpretazioni proposte per lo stesso mito da pittori e scultori; allo stesso modo le opere pittoriche di Pompeo Batoni, Ignazio e Filippo Collino, Francesco Hayez, Louis Gauffier, Laurent Pécheux, Camillo Pacetti, Luigi Basiletti, Francesco e Luigi Righetti, Giambattista Tiepolo e Cristoforo Unterperger sono testimonianza di come l'antico venisse considerato modello universale di bellezza e virtù morale in epoca neoclassica. Il catalogo della mostra, edito da Skira, contiene saggi di Fernando Mazzocca, Federica Giacobello, Agata Keran. (Comunicato ufficio Stampa Maria Bonmassar)

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Antonio Fontanesi
Da Pellizza da Volpedo a Burri

termina il 14 luglio 2019
Palazzo dei Musei - Reggio Emilia

A duecento anni dalla nascita, Reggio Emilia al Palazzo dei Musei, dedica una ampia retrospettiva ad Antonio Fontanesi, artista reggiano, indiscusso protagonista della pittura dell'Ottocento italiano, interprete straordinario delle novità del paesaggio romantico, uomo inquieto nella vita e innovativo sperimentatore nella pittura. La rassegna - curata da Virginia Bertone, Elisabetta Farioli, Claudio Spadoni - oltre a ricostruire attraverso le più importanti opere di Fontanesi il percorso dell'artista, intende offrire un nuovo contributo critico alla sua conoscenza mostrando l'influenza che la sua pittura ha avuto negli artisti che dopo di lui si sono riconosciuti nel suo particolare approccio alla natura e al paesaggio, sospeso tra l'esigenza di rappresentazione del vero e l'urgenza di esprimerne le più intime emozioni.

In mostra l'esposizione dei più importanti dipinti di Antonio Fontanesi provenienti da importanti musei e collezioni italiane sarà posta a confronto con la produzione degli artisti che la critica ha collegato con la sua produzione, individuandone possibili motivi di ispirazione in un arco cronologico che dagli anni Ottanta dell'Ottocento arriva fino agli anni Sessanta del Novecento. Saranno documentati i rapporti con la cultura simbolista e divisionista attraverso opere di Vittore Grubicy, Leonardo Bistolfi, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Angelo Morbelli ma anche la sua ripresa negli anni Venti ad opera di Carlo Carrà, Felice Casorati, Arturo Tosi. L'ultima sezione sarà dedicata alle interessanti interpretazioni critiche degli anni Cinquanta di Roberto Longhi e poi di Francesco Arcangeli. Quest'ultimo infatti, nell'individuare una continuità tra la concezione moderna dell'arte e la grande tradizione ottocentesca, inserisce Fontanesi nell'evoluzione di un naturalismo che nel dopoguerra arriva a Ennio Morlotti, Mattia Moreni, Pompilio Mandelli spingendosi fino alle ricerche materiche di Alberto Burri. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Giorgio de Chirico. Ritorno al Futuro
Neometafisica e Arte Contemporanea

termina il 25 agosto 2019
GAM - Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino

Un dialogo tra la pittura neometafisica di Giorgio de Chirico (Volos, Grecia, 1888 - Roma, 1978) e le generazioni di artisti che, in particolare dagli anni Sessanta in poi, si sono ispirati alla sua opera, riconoscendolo come il maestro che ha anticipato la loro nuova visione e che con la sua neometafisica si è posto in un confronto diretto con gli autori più giovani. La mostra a cura di Lorenzo Canova e Riccardo Passoni è organizzata e promossa da Fondazione Torino Musei, GAM Torino e Associazione MetaMorfosi, in collaborazione con la Fondazione Giorgio e Isa de Chirico e presenta un centinaio di opere provenienti da importanti musei, enti, fondazioni e collezioni private.

La metafisica di Giorgio de Chirico, nella sua visione originaria e futuribile, ha influenzato atteggiamenti e generi differenti, non solo nel campo delle arti visive, ma anche della letteratura, del cinema, delle nuove tecnologie digitali, arrivando fino a confini inattesi come videogiochi e videoclip, in un interesse globale che va dall'Europa agli Stati Uniti fino al Giappone. Oggi la posterità, libera dagli stereotipi di certe condanne, può "dire la sua", come intuì con il suo genio Marcel Duchamp in un testo su de Chirico del 1943. In questo contesto si inserisce la nuova attenzione per il periodo della neometafisica di de Chirico (1968-1978), che rappresenta allo stesso tempo un ritorno e una nuova partenza, una fase di nuova creatività e un riandare verso l'immagini del proprio passato, attraverso un nuovo punto di vista e nuove soluzioni formali e concettuali.

Così, già nel 1982, Maurizio Calvesi, rivolgendosi idealmente al maestro nel suo fondamentale volume La Metafisica schiarita, sottolineava l'importanza del de Chirico neometafisico per l'arte contemporanea: "perché riconoscemmo i tuoi colorati chiaroscuri, le tue sfere, i tuoi segnali e le tue frecce, i tuoi schienali e le tue ciminiere, i tuoi oggetti smaltati ed ora come staccatisi dai quadri, qualcosa delle tue schiarite e delle tue sospensioni, nel nuovo momento di un'arte che si disseminò come un concerto o una pioggia rinfrescante". Non a caso, la neometafisica di de Chirico sembra già dialogare con la pop art e con l'arte internazionale, in particolare americana, e in quegli anni proprio Andy Warhol dichiaratamente riconosceva in de Chirico uno dei suoi precursori, e gli rendeva omaggio con un celebre ciclo di opere in cui presentava una metafisica rivisitata e seriale.

Con una pittura di grande intensità e felicità cromatica, il de Chirico neometafisico sembra dunque rispondere agli omaggi degli artisti più giovani creando un dialogo a distanza di grande intensità e vitalità. In questo modo de Chirico si è posto come una delle fonti dirette dell'arte di molte generazioni di artisti italiani e internazionali, sospese tra le immagini dei segnali urbani, delle merci della civiltà di massa e le memorie di una bellezza classica e perduta, un accostamento anticipato dallo stesso de Chirico nel suo romanzo Ebdòmero. La mostra evidenzia questo rapporto intenso e profondo, mettendo in relazione le opere neometafisiche di de Chirico con le nuove tendenze dell'arte italiana e internazionale come la Pop art di Andy Warhol, Valerio Adami, Franco Angeli, Mario Ceroli, Lucio Del Pezzo, Tano Festa, Giosetta Fioroni, Gino Marotta, Ugo Nespolo, Concetto Pozzati, Mimmo Rotella, Mario Schifano, Emilio Tadini.

La mostra presenta anche un grande prosecutore della Metafisica come Fabrizio Clerici, la pittura di Renato Guttuso e di Ruggero Savinio, insieme a grandi artisti internazionali come Henry Moore, Philip Guston, Bernd e Hilla Becher. Il percorso propone anche maestri dell'arte povera come Giulio Paolini e Michelangelo Pistoletto, le visioni concettuali di Fabio Mauri, Claudio Parmiggiani, Luca Patella e Vettor Pisani, fino ad arrivare alle ombre geometriche di Giuseppe Uncini, alla fotografia di Gianfranco Gorgoni, alle sculture di Mimmo Paladino, ai dipinti di Alessandro Mendini e di Salvo, al mistero di Gino De Dominicis, ai tableaux vivants di Luigi Ontani, e a protagonisti delle ultime generazioni internazionali come Juan Muñoz, Vanessa Beecroft e Francesco Vezzoli.

Oltre al prestito delle opere neometafisiche della Fondazione Giorgio e Isa de Chirico, la mostra presenta un'animazione digitale di Maurice Owen e Russell Richards, insieme a opere di artisti contemporanei provenienti dalle collezioni della GAM di Torino e tra questi Claudio Abate, Gabriele Basilico, Luigi Ghirri, Franco Fontana, Fausto Melotti. Una piccola sezione della mostra, come un inserto prezioso, è riservata al tema della citazione e della copia, esercizio prediletto da de Chirico nella sua lunga ricerca sulla pittura dei grandi maestri e presenta un disegno originale di Michelangelo proveniente da Casa Buonarroti, insieme a disegni di de Chirico dedicati allo studio degli affreschi michelangioleschi della Volta della Cappella Sistina e a opere del famoso ciclo su Michelangelo di Tano Festa, pittore che tra i primi ha compreso la forza innovativa della pittura di de Chirico, in un collegamento con l'arte del passato che, nella curva del tempo, ha il potere di rifondare l'arte del futuro. La mostra è accompagnata da un catalogo edizioni Gangemi International con testi di Lorenzo Canova, Riccardo Passoni e Jacqueline Munck. (Comunicato stampa)

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Renato Ranaldi. Forse Piove
termina il 17 maggio 2019
Cappella dell'Incoronata - Palermo
www.poloartecontemporanea.it

Con il titolo Forse piove, Renato Ranaldi ha contraddistinto una fase del suo recente lavoro pittorico-plastico che reca il procedimento riduzionistico della forma pittura, già in atto da anni nella sua opera. Infatti, a partire dal 2006, prima con l'ideazione dei Fuoriquadro e successivamente dei Fuoriasse e degli Scioperii, l'artista, attivo da oltre cinquant'anni sulla scena nazionale e internazionale dell'arte contemporanea, ha radicalizzato la sua concezione visiva e spaziale al punto da offrirne una valenza inedita estrema. A Palermo, per la mostra, a cura di Bruno Corà, presentata dal Polo regionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Palermo, Ranaldi ha infatti appositamente concepito alcune nuove opere che si rapportano all'unica navata di quell'antica sede, un tempo adibita al culto. La mostra, assieme alle opere pittoriche, annovera altresì una sua nuova creazione di scrittura che nell'accompagnare le opere ne costituisce una diversa ma dialettica formulazione.

Come per le lunghe e irrelate didascalie, in altri tempi e circostanze concepite e affiancate ai suoi disegni - ad esempio nel recente ciclo d'opera Tiritere, 2018 - così per questo episodio espositivo Ranaldi offre perfino un'opera di scrittura, parossistica e visionaria, con alcuni obiettivi poetico-artistici capaci di identificare anzitutto le proprie esigenze di deviazione normativa rispetto all'estetica conforme e, al contempo, di soddisfare un'autenticità nel rapporto che egli intende stabilire con il fruitore della sua arte. La pubblicazione, che ha lo stesso titolo dato alla mostra, Forse Piove, oltre a essere un volume concepito e stampato in occasione della mostra personale presso la Cappella dell'Incoronata di Palermo, è altresì una forma-libro affrancata dal ruolo ancillare del catalogo, una volta di più invenzione significativa in omaggio all'osservatore-lettore più esigente e desideroso ancora di straordinarietà. (Comunicato stampa)

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Vittorio Corsini: Unstable / Environments

- Unstable, 05 aprile - 11 maggio 2019
Galleria Frediano Farsetti - Milano
www.galleriafredianofarsetti.it

- Environments, 13 aprile (inaug.) - 30 settembre 2019
Arte in Fabbrica - Calenzano (Firenze)

Si intitola Unstable, il primo dei due atti del progetto espositivo di Vittorio Corsini, ed Environments il secondo e danno il via a un'inedita collaborazione: quella tra la Galleria d'Arte Frediano Farsetti di Milano, luogo storicamente deputato all'arte dei maestri del XX secolo e Arte in Fabbrica, un nuovo spazio culturale che nasce all'interno di un contesto industriale di altrettanto lungo corso, Gori Tessuti di Calenzano. Nata nel 1999 dall'esperienza di Frediano e Franco Farsetti - galleristi dal 1955 e punto di riferimento del collezionismo italiano e internazionale per il Novecento storico - la Galleria Frediano Farsetti diversifica la sua programmazione aprendosi anche alla ricerca artistica e progettuale contemporanea. A questo nuovo corso collabora la seconda generazione della famiglia che già da molti anni segue l'attività della galleria.

Fabio e Paolo Gori da quarant'anni portano avanti l'azienda di famiglia, un'eccellenza del tessile capace di una giacenza media di dieci milioni di metri di tessuti che ha saputo ritagliarsi anche un posto nel mondo del cinema internazionale (suoi parte degli arredi e delle stoffe di kolossal come "Il Gladiatore", "Pirati dei Caraibi", "Aladdin", "Marco Polo" e "La la Land"). Abbracciando una logica aperta e dinamica dove l'arte è luogo di affinità e differenze, di possibilità e confronto, la Galleria Frediano Farsetti e Arte in Fabbrica costituiscono un ponte tra Milano e l'hinterland fiorentino coinvolgendo l'artista in una sfida: realizzare un progetto ad hoc per i due spazi espositivi che metta in relazione geografie e ambienti culturali diversi. Vittorio Corsini è il primo artista chiamato a prendere parte a questa collaborazione e con Unstable ed Environments inaugura il progetto che avrà cadenza quadrimestrale.

"Prevedere la stabilità di ambienti e sistemi è diventata la massima scommessa degli obiettivi strategici di aziende, economie, politiche sociali, gestioni ecologiche. L'abbreviazione dei cicli di vita, il cambio tecnologico, le imprevedibilità sociali sono la nostra sfida contestuale. La doppia personale di Vittorio Corsini (articolata tra Milano e Calenzano) cerca di porre il problema su una microscala (e nel sistema dell'arte). Il problema dell'abitare (come occupazione più o meno stabile) è stato il denominatore comune dell'intera attività di Corsini. Questa ultima mostra propone nuove fenomenologie, mette in campo ulteriori strategie, creando un cortocircuito tra oggetto della produzione e spazio dell'esposizione" - spiega Marco Scotini, curatore della mostra e autore del testo del catalogo che documenta il progetto.

Susciterà non poco stupore l'intervento di Vittorio Corsini sulla porta d'ingresso della Galleria Frediano Farsetti. Qui l'artista lavora "cancellando" l'entrata e apponendo un cartello che prelude in qualche modo a un cambiamento. Di parametri? Emozioni? Attitudine? Punti di vista? Nella galleria un ambiente in trasformazione, equilibri instabili, bianchezza che azzera tutti i segni, una scultura luminosa e ancora, fragili edifici in bilico su prismi di marmo che conquistano la verticalità dello spazio, raggiungendo il ballatoio posto al primo piano della galleria stessa.

Arte in Fabbrica stabilisce la sua sede nei 10.000 mq del capannone, l'apertura al pubblico è la stessa che scandisce i ritmi produttivi dell'azienda, l'intento è dichiarato: vita, arte e lavoro senza soluzione di continuità. Le opere che Corsini concepisce per Calenzano diventano metafora di un rapporto tra l'individuo e il mondo, tra lo spazio privato e quello condiviso, tra quello domestico e quello sociale. L'immagine della casa, icona costante nel lavoro dell'artista, trova qui diverse traduzioni spaziali: una dimensione progettuale nelle mappe tridimensionali in acciaio appese alle pareti e una installativa, nella casa sospesa al soffitto con un filo che ruota lentamente proiettando un fascio di luce sul pavimento. Dirimpetto, un grande quadro a olio: un bosco segnato da una strada che ci proietta fuori dalla stanza indicando una nuova prospettiva.

Vittorio Corsini (Cecina - Livorno, 1956) ha compiuto studi storico-artistici all'Università di Pisa, presso la Facoltà di Lettere Moderne. L'attività espositiva inizia alla fine degli anni '80, con una personale alla Galleria L'Attico di Roma. Tra le varie istituzioni in cui Corsini ha presentato le sue opere-evento: Palazzo delle Papesse di Siena, Villa Romana a Firenze, Museo Pecci di Prato. Tra i numerosi progetti di arte pubblica, ricordiamo i lavori: Chi mi parla?, commissionato dal Comune di Luicciana (Prato), 2007; Parma 33# a Torino, 2009; HARMONY mura dionigiane a Siracusa nel 2015; Lights mood, ingresso Polivalente a Peccioli 2017; Voci, Peccioli 2018. (Comunicato stampa)

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"Tante Stelle"
termina il 30 luglio 2019
Galleria Alessandra Bagnai - Foiano della Chiana (Arezzo)
www.galleriabagnai.it

Mostra collettiva, curata da Vittoria Coen, con opere di Sandro Chia, Stefano Di Stasio, Aldo Mondino, Gian Marco Montesano, Luigi Ontani, Mimmo Paladino, Salvo, di medie e grandi dimensioni, realizzate prevalentemente tra gli anni Ottanta e Novanta. Il clima storico di allora era quello di una ritrovata vitalità della pittura e di una riscoperta della figurazione, che vedeva, in qualche modo, superata, l'esperienza del Concettuale storico. Colori, forme, significati allegorici e simbolici, popolano le tele di questi grandi artisti molto diversi tra loro, ma accomunati da una esperienza profonda e dalla ricerca costante.

Nell'opera Bachi. Grande rabbino di Costantinopoli, Mondino esalta tutta la sua curiosità interculturale e il suo amore per l'esotismo, mentre Montesano ci riporta a scene d'altri tempi, in una Parigi che fu, nel suo "Caffè De Flore". Ontani ci mostra una Natività come una pala d'altare, misteriosa, allegorica, che troneggia nello spazio, accanto al monumentale trittico di Paladino lungo quasi sei metri del 1982 realizzato come una pittura tridimensionale e innesti oggettuali. Appare potente e forte il vortice di pennellate dell'opera di Chia del 1983, molto diversa dalla scena quasi metafisica di Di Stasio che dipinge L'ora del rito, inquietante preambolo a esperienze sconosciute, mentre il lavoro di Salvo, realizzato nel 1981, avvolge di intimità un ambiente comune come un bar.

Tante Stelle è proposta idealmente nel solco dell'attività della galleria che, nel 2007, con la mostra Tutte Stelle, un chiaro omaggio al ciclo di opere omonime realizzate da Mario Schifano, espose lavori di artisti italiani e internazionali. L'amore per la pittura è, dunque, alla base del progetto espositivo, quella pittura che riesplose negli anni ottanta con una nuova linfa, e che ha reso protagonisti di un'epoca la ricerca degli artisti qui oggi rappresentati. E' una pittura decisa nei colori e nei tratti, dal segno riconoscibile, addirittura, inconfondibile, quasi una rivoluzione culturale, perché di natura internazionale, e perché pone fine al predominio del minimalismo storico e del concettualismo esasperato. Transavanguardia, Anacronismo, sono alcuni dei "brand" che imprimono, nell'ambiente artistico, una svolta difficilmente ripetibile. Olio su tela, olio su tavola, olio su linoleum, acquarello su carta, tornano ad essere i media, i materiali dell'arte. Le grandi dimensioni delle opere esposte in questa mostra rendono ancora più avvincente il convincimento più profondo dei sette artisti nel percorrere questa strada, ancora di più oggi, nell'epoca del digitale, degli ologrammi e del virtuale. (Comunicato stampa)

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Giappone. Terra di geisha e samurai
termina il 30 giugno 2019
Casa dei Carraresi - Treviso

Il percorso espositivo, a cura di Francesco Morena, propone uno spaccato delle arti tradizionali dell'arcipelago estremo-orientale attraverso una precisa selezione di opere databili tra il XIV e il XX secolo, tutte provenienti dal fondo privato di Valter Guarnieri, appassionato collezionista trevigiano che ha creato nel corso degli ultimi decenni una raccolta di grande qualità e molto vasta per materiali, tecniche di realizzazione e soggetti iconografici. Il percorso si sviluppa per isole tematiche, approfondendo da un lato i molteplici aspetti relativi ai costumi e alle attività tradizionali del popolo giapponese, dall'altro creando dei focus sulle peculiarità e sulla storia della collezione.

L'apertura dell'esposizione non poteva che essere dedicata al binomio Geisha e Samurai. La classe militare ha dominato il paese del Sol Levante per lunghissimo tempo, dal XII alla metà del XIX secolo, imponendo il proprio volere politico ed elaborando una cultura molto raffinata la cui eco si avverte ancora oggi in molti ambiti. La geisha, o più in generale la beltà femminile così come la intendiamo, ha rappresentato per il Giappone un topos culturale altrettanto radicato, dalle coltissime dame di corte del periodo Heian (794-1185) alle cortigiane vissute tra XVII e XIX secolo, così ben immortalate da Kitagawa Utamaro (1753-1806), il pittore che meglio di ogni altro ha restituito la vivacità dei quartieri dei piaceri di Edo (attuale Tokyo).

Dal mondo degli uomini a quello, affollatissimo, degli dei, sintesi di credenze autoctone e influenze provenienti dal continente asiatico. Il Buddhismo, in particolare, di origini indiane, giunse nell'arcipelago per tramite di Cina e Corea. Esso ha permeato profondamente il pensiero giapponese, soprattutto nella sua variante dello Zen, che in questa sezione è testimoniata da un gruppo di dipinti nel formato del rotolo verticale raffiguranti Daruma, il mitico fondatore di questa setta. Questo affascinante avvicinamento all'arte e alla cultura nipponica continua introducendo alla quotidianità del suo popolo: dalle attività di intrattenimento come il teatro Kabuki, dall'utilizzo del kimono alla predilezione degli artisti giapponesi per la micro-scultura. Di quest'ultima troviamo esempio nel nucleo di accessori legati al consumo del fumo di tabacco. Non meno affascinante è il percorso che vede le storie tradizionali e i temi legati alla letteratura, diventare raffinati soggetti di dipinti.

Il clou della grande mostra è riservato al rapporto tra i giapponesi e la natura, che nello Shintoismo, la dottrina filosofica e religiosa autoctona dell'arcipelago, è espressione della divinità. Questa relazione privilegiata con la Natura viene qui indagata attraverso una serie di dipinti su rotolo verticale, parte dei quali realizzati tra Otto e Novecento, agli albori del Giappone moderno. A metà dell'Ottocento, dopo oltre due secoli di consapevole isolamento, il paese decise di aprirsi al mondo. Così, nel volgere di pochi decenni, il Giappone avanzò con convinzione verso la modernità. Intanto europei e statunitensi cominciarono ad apprezzare le arti sopraffini di quel popolo e molti giunsero a scoprire il mitico arcipelago.

Il mutato scenario portò molti artisti ad adottare tecniche e stili stranieri, e molti artigiani a produrre opere esplicitamente destinate agli acquirenti forestieri. Tra le forme d'arte inedite per il Giappone di quei tempi, la fotografia d'autore occupa senz'altro un posto d'elezione. Gli stranieri che visitavano l'arcipelago molto spesso acquistavano fotografie per serbare e condividere un ricordo di quel paese misterioso e bellissimo. E' il caso dello sconosciuto che acquisì il nucleo esposto in mostra, il quale annotò in lingua spagnola, a margine delle fotografie, le descrizioni dei luoghi e delle attività raffigurate nei suoi scatti. L'ultima sala è riservata ad una delle forme d'arte più complesse e insieme più affascinanti del Giappone, la scrittura. Grandi paraventi ornati di potenti calligrafie concludono l'esaltante percorso espositivo. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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A conclusione dell'importante intervento di restauro
In mostra la misteriosa Milady del Pellegrini

termina il 22 settembre 2019
Palazzo Fulcis - Belluno

L'affascinante tela di Gian Antonio Pellegrini popolarmente conosciuta come il Ritratto di Milady, musealmente classificato invece come Ritratto di signora in un giardino con ancelle al pozzo. E' un'opera straordinaria per qualità della pittura e per l'atmosfera tipicamente inglese che trasmette. La grande tela si è vista davvero raramente. Molto nota agli esperti, da tempo non è più visibile al pubblico. Per questa mostra bellunese, Fondazione Cariverona ha deciso di concederla, dopo che il capolavoro del Pellegrini è stato sottoposto a restauro. In Palazzo Fulcis, per la prima volta il pubblico potrà ammirare il dipinto in tutta la sua ritrovata magnificenza. Il restauro, condotto dal laboratorio fiorentino di Debora Minotti ha ridato alla celebre Milady l'incarnato roseo che le apparteneva e ha riportato l'intero dipinto alle tonalità delicate originali.

Nel corso dell'intervento, si è inoltre scoperta la presenza di una sagomatura semicircolare nella parte inferiore, al centro: circostanza che conferma come, ad un certo punto della sua storia, il dipinto sia stato utilizzato a mo' di sovrapporta in posizione rialzata. I mistero intorno alla nobile dama protagonista del dipinto resta fitto. Non c'è infatti ancora alcuna certezza su chi sia la Milady rappresentata da Antonio Pellegrini, nel suo eccezionale ritratto, riconducibile al secondo periodo inglese del Maestro, intorno al 1719. "Certamente una donna che cercò di farsi rappresentare come una dea agreste, in un grande dipinto di formato orizzontale dal taglio 'eroico' e monumentale benché realizzato con una pittura impalpabile e di grande leggerezza", afferma Denis Ton, curatore della mostra in Palazzo Fulcis.

Accompagnata dal fido cane e dalle ancelle che versano acqua da una brocca (probabile allusione alle sue virtù di fedeltà e castità), la donna è raffigurata adagiata in mezzo a un paesaggio boscoso che si intravede in lontananza. "Pur conservando l'indeterminatezza propria dei ritratti pellegriniani, si nota - sottolinea di curatore - una maggiore caratterizzazione nel volto della donna rappresentata. Mentre le comparse e così il paesaggio sono concepiti con una lievità quasi impalpabile tipica dell'arte del maestro, creando effetti quasi di sfocatura, il personaggio principale si impone con forza. La gentildonna qui rappresentata non è estranea a una certa aria matronale, subito addolcita dai tratti del volto idealizzati, nella stesura dei quali Pellegrini, come confermato dall'intervento di restauro, pare impiegare una tecnica assai differente, molto più accurata, ricercando effetti più simili al pastello che alla pittura ad olio, avvicinandosi a modelli della ritrattistica dell'affezionata cognata, la grande Rosalba Carriera". La concezione del dipinto suggerisce una finalità decorativa prima ancora che di documentazione ritrattistica, confermando come Pellegrini fosse considerato come un maestro capace di proiettare le sue figure, anche quando tratte dalla vita contemporanea, in una dimensione senza tempo. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Etiopia. La Bellezza rivelata
Sulle orme degli antichi esploratori

termina il 30 giugno 2019
Museo di Storia Naturale - Verona

Una mostra che conduce il visitatore sulle tracce degli esploratori che nei secoli scorsi hanno percorso i paesaggi di fantastica suggestione e descritto gli animali di grande bellezza, nella terra che fu della Regina di Saba, l'Etiopia. Quasi un viaggio immaginario percorso al fianco di alcuni degli studiosi ed esploratori che maggiormente hanno contribuito alla conoscenza di quella terra, accompagnati dagli animali che la popolano e dagli antichi oggetti delle sue genti. Cercando di far rivivere al visitatore il sentimento di meraviglia che spesso traspare dalle pagine che ci hanno lasciato. Partendo dalle descrizioni contenute in alcune loro opere librarie, le cui edizioni - spesso di gran pregio - sono conservate presso la Biblioteca della Società Geografica, la ricchezza ambientale e culturale dell'Etiopia sarà evocata dagli oggetti della collezione etnoantropologica del Museo di Storia Naturale di Verona e dalle suggestive fotografie e video di Carlo e Marcella Franchini. La ricchezza naturalistica e l'esclusività della fauna etiopica sarà poi raccontata dagli animali delle collezioni del Museo di Verona.

La molteplicità dei documenti, degli esemplari, degli oggetti e delle immagini in mostra consentono di apprezzare la ricchezza rappresentata dagli ambienti naturali e dalle culture del Paese e le sue antiche radici. L'Etiopia è un crogiolo di realtà, ciascuna unica ma tutte collegate. A partire dalla varietà ambientale caratterizzata da sbalzi altitudinali spesso estremi: si può passare - spesso rapidamente - dalle regioni di bassopiano o dalla depressione dell'Afar, che supera i 100 metri sotto il livello del mare, agli oltre 2.000 metri dell'altopiano, con i picchi del Semien, nel Nord, che toccano i 4.550 metri. Alle differenze di altitudine si associa un regime climatico monsonico, ad accentuata stagionalità. Questa combinazione crea nicchie ecologiche che spiegano l'estrema varietà ambientale, di fauna e di flora nell'arco di distanze anche limitate. Ambienti tanto diversi hanno favorito sistemi economici diversi tra loro e una straordinaria varietà culturale.

La differenziata distribuzione delle risorse ha inoltre da sempre favorito anche gli spostamenti stagionali e l'interazione tra le diverse popolazioni, che spesso dipendono strettamente le une dalle altre, avendo sviluppato sistemi economici complementari e sinergici. La bellezza dell'Etiopia, ambientale e culturale, risiede proprio in questa estrema differenziazione e nella connessa unitarietà che al di là di essa si coglie. L'Etiopia è stata la culla dell'umanità grazie all'abbondanza di risorse minerali, animali e vegetali. La regione ha dunque rivestito un ruolo centrale nelle reti di scambio sulle lunghe distanze, fornendo per secoli avorio, resine aromatiche, ebano e oro al resto del mondo antico.

Per tale ragione, questo Paese e le altre regioni del Mar Rosso meridionale erano al centro dell'interesse e dell'immaginario degli antichi, essendo spesso dipinte come terre amate e frequentate dagli dei. Dopo alcuni secoli di oblio, in cui solo rare eco della regione e delle sue genti giungevano in Europa - trasfigurate per lo più nelle descrizioni del favoloso e potente regno del Prete Gianni - lo scrigno delle bellezze etiopiche si è nuovamente e gradualmente dischiuso a partire dal XVI secolo. Inizia allora l'epoca dei viaggiatori e in seguito degli esploratori, che rappresentano, di fatto, anche la base per la conoscenza scientifica dell'Etiopia documentata e raccontata in questa mostra. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Ketty La Rocca
Appendice per una supplica

termina lo 06 ottobre 2019
Sala 1 GAM - Torino
www.gamtorino.it

L'esposizione, a cura di Elena Volpato, presenta le recenti acquisizioni da parte della Fondazione per l'Arte Moderna e Contemporanea CRT del video Appendice per una supplica, 1972, di Ketty La Rocca, dei suoi libri d'artista con alcune opere grafiche e fotografiche realizzate tra il 1970 e il 1974. Appendice per una supplica è uno dei primi video d'artista realizzati in Italia, girato in collaborazione con Gerry Schum e presentato in occasione della 36° Biennale di Venezia nella sezione "Video-nastri", accanto all'esposizione di libri d'artista "Il libro come luogo di ricerca", curata da Renato Barilli e Daniela Palazzoli, nella quale fu presentato In principio erat di Ketty La Rocca, 1972.

In entrambe le opere la gestualità delle mani è centrale ma, differentemente da quanto andavano facendo in quegli anni, per vie diverse, artisti come Bruno Munari e Alighiero Boetti, Ketty La Rocca non rispetta i codici della comunicazione, non usa il linguaggio dei segni, né la tradizionale espressività della gestualità italiana. Libera il gesto delle mani da ogni preordinata significazione e cerca di conquistare all'immagine una nuova libertà, un'inedita forza espressiva, calandola in un vuoto pre-linguistico come nel caso del video, o accostandola a brevi testi volutamente privi di senso come nel libro In principio erat. Il titolo di quel libro evoca non a caso l'epifania del logos nel Vangelo di Giovanni, quell'istante aurorale del senso in cui il verbo appare come pienezza dell'essere, ancora incorrotto dai codici del linguaggio, non ancora diminuito dalle convenzioni e dalle false corrispondenze di lingue e lessici.

Nello stesso 1972, in opere come il trittico Senza titolo, presente in mostra, l'artista va sostituendo ai profili di immagini fotografiche una minuta calligrafia di frasi prive di ogni intelligibile significato tanto che la scrittura, orfana di contenuti, pare arrendersi alla sua stessa bellezza lineare e sciogliersi in disegno. Proprio con il disegno Ketty La Rocca va recuperando un nuovo possesso delle immagini, anche quelle della più nobile storia dell'arte, del tutto opposto al loro consumo mediatico. In anni in cui l'arte concettuale si nutriva di esangui giochi tautologici tra fotografia e testi, La Rocca rigenera la forza visiva di parola e immagine attraverso un'inconsueta carica esistenziale che esplode nella ripetizione ossessiva della parola Yousulla superficie fotografica: è il tu dell'osservatore che deve rispondere all'io dell'artista perché le due metà del simbolo si ricongiungano, perché immagini e parole tornino a significare. (Comunicato stampa)

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Palazzo Sturm e il suo famoso Belvedere
I saloni restaurati accolgono la mostra di Dürer

Bassano del Grappa (Vicenza)
www.studioesseci.net

Palazzo Sturm, dal cui belvedere si può godere di un'impareggiabile panorama sul fiume Brenta e sul Ponte Vecchio, fu donato al Comune di Bassano dal barone Giovanni Battista Sturm von Hirschfeld nel 1943. La preziosa dimora nell'antica contrà Cornorotto, voluta e commissionata da Vincenzo Ferrari, importante industriale e commerciante di sete, venne edificata verso la metà del XVIII secolo. L'edificio si presenta in tutta la sua elegante imponenza, con oltre settanta stanze distribuite su sette livelli progettati dall'architetto Daniello Bernardi. Le decorazioni pittoriche all'interno del palazzo, eseguite dal pittore veronese Giorgio Anselmi nel 1760 circa, denotano un gusto che richiama la maniera dei cosiddetti trionfi barocchi romano-bolognesi.

I soggetti scelti, prevalentemente mitologici e allegorici, alludono alle imprese commerciali ed economiche nella manifattura della famiglia Ferrari, come il monocromo della Filatrice con il fuso. Già di proprietà della famiglia Vanzo-Mercante, nel corso dell'Ottocento il palazzo ha subito alcuni ampliamenti e modifiche architettoniche, come la sopraelevazione del corpo di fabbrica, il raccordo del nuovo tetto con il coronamento della loggia-belvedere, originariamente aperta su tre lati. Palazzo Sturm è tra i principali luoghi culturali cittadini. Dopo un anno e mezzo di lavori di restauro, l'edificio è ora completamente restituito. Le sale del quarto e del quinto piano, dove sono stati riportati alla luce magnifici affreschi e stucchi, saranno destinate alle esposizioni temporanee a partire dal 20 aprile con la grande mostra dedicata a Dürer. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Kenro Izu: "Seduction"
termina il 31 luglio 2019
Spazio Damiani - Bologna
www.spaziodamiani.it

In mostra quindici scatti dalla serie Still Life, realizzati tra il 1991 e il 2017 dal fotografo giapponese Kenro Izu. Le opere selezionate per questa esposizione sono tratte dalle quattro sezioni in cui si articola la serie: Flora, Body, Blue e Orchard. Una menzione particolare meritano le due cianotipie tratte dalla sezione Blue, un omaggio dell'artista al Periodo Blu di Pablo Picasso. (...) L'estetica di Izu affonda le sue radici nella cultura tradizionale giapponese che, fra le molte peculiarità, assegna al fenomeno delle ombre un ruolo e un valore assai diversi rispetto alla cultura occidentale. Mentre qui è la luce ad incarnare il valore positivo e la sua assenza è una mancanza, in Giappone l'ombra è ciò che, al pari della luce, contribuisce a definire i corpi, gli oggetti e gli spazi.

L'interesse e la fascinazione che le ombre esercitano su Kenro Izu è alla base della serie Still Life. Nel processo creativo dell'artista, anche la tecnica di stampa riveste un ruolo cruciale. Tredici delle quindici opere fotografiche che saranno esposte sono stampe al palladio, la più raffinata tra le tecniche di stampa in bianco e nero. Questa tecnica permette infatti di realizzare immagini dai toni ricchi in cui l'ampiezza delle sfumature è massima, consentendo così all'artista di dispiegare il gioco di luci e ombre in tutta la sua forza. La mostra Seduction è accompagnata da un'omonima monografia pubblicata da Damiani. Il libro sarà proposto anche in un'edizione limitata che include una stampa a pigmenti realizzata in 15 copie firmate e numerate dall'artista e intitolata Seduction #1045, 2016.

Kenro Izu (Osaka - Giappone, 1949) durante la sua formazione alla Art at Nippon University di Tokyo visita New York; vi si trasferisce nel 1974. A partire dal 1979 inizia a fotografare i luoghi sacri delle grandi civiltà antiche: le piramidi d'Egitto, quelle dei Maya e il sito neolitico di Stonehenge, in Inghilterra. Questa serie, intitolata Sacred Places, lo impegnerà per tutta la sua carriera artistica. Scattata in formato 14x20, Sacred Places prende vita sotto forma di stampe al palladio. Dal 2013 al 2016 si dedica a Eternal Light, un progetto sulle persone ai margini della società indiana scattato in medio formato. Il progetto più recente, iniziato nel 2015 e intitolato Requiem, ruota intono alla vicenda della città di Pompei, distrutta dall'eruzione del Vesuvio quasi 2000 anni fa. Requiem costituisce il primo approccio di Kenro Izu alla fotografia digitale. Izu ha pubblicato 14 volumi e ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra i quali il National Endowment for Arts, il New York Foundation for Arts e la Guggenheim Fellowship. (Comunicato stampa)

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Mondino a colori. La pittura dagli esordi al linoleum
termina il 22 settembre 2019
CAMeC Centro Arte Moderna e Contemporanea - La Spezia
camec.museilaspezia.it

Retrospettiva che ripercorre l'intera produzione pittorica di Aldo Mondino, promossa dal Comune della Spezia e prodotta dal CAMeC Centro Arte Moderna e Contemporanea, su progetto scientifico dell'Archivio Aldo Mondino. L'esposizione si propone quale ideale contrappunto della mostra "Aldo Mondino scultore" (Pietrasanta, 2010) indagando - proprio nella città che ha ospitato Il Premio del Golfo, uno dei più importanti premi di pittura del Novecento - questo medium, per così dire, 'naturale' e precipuo della Spezia. Aldo Mondino ha sempre pensato e vissuto da pittore. La sua 'miopia' nei confronti del dato reale è diventata, negli anni, uno strumento per conoscere il mondo a proprio modo, senza eternarsi in uno stile ripetitivo. Con lui, già all'inizio degli anni Sessanta, si sono superate le barriere tra pittura e concettuale, tanto che nessuno è mai riuscito a chiudere il suo lavoro in una precisa definizione.

Nel periodo della formazione, tra la fine degli anni Cinquanta e i primi Sessanta, in piena crisi dell'Informale, il giovane Mondino aderisce ad un Surrealismo gestuale, frenetico e popolato di segni e immagini che richiamano le opere di Matta, Lam e Tancredi. Studia incisione a Parigi da Stanley William Hayter, nel cui atelier lavoravano anche Picasso, Chagall, Giacometti, Pollock e molti altri grandi artisti dell'epoca. Approfondisce in seguito il mosaico con Severini perché la tecnica per lui è una regola da conoscere e poi reinventare con soluzioni originali. L'idea della grafica che si fa pittura e viceversa lo conduce negli anni ad un percorso unico nel suo genere. Non vuole annullare la pittura, la vuole riscattare, anche se ne comprende la crisi post Informale.

Nel milieu artistico del tempo, cerca di comprendere le molteplici direzioni che si aprono ai cambiamenti sociali, economici e culturali di quegli anni veloci e affollati di uomini e idee. Al CAMeC sono presentati una quarantina di lavori su tela, carta e linoleum realizzati dal 1961 al 2000, tutti provenienti dall'Archivio Aldo Mondino e da un selezionato gruppo di prestatori. Dai dipinti degli esordi, passando per i "Quadri a quadretti" e le finte incisioni, si giunge ai linoleum, che hanno reso l'artista popolare anche presso il grande pubblico. La comparsa di questo supporto, negli anni Ottanta, deriva da una vera e propria ossessione per l'universo della grafica, legata all'idea del colore e del segno pittorico.

Oltre al gioco di parole insito nell'etimologia stessa del termine linoleum (olio di lino / olio su lino), Mondino era affascinato anche dalla grande varietà dei colori e delle texture appartenenti ad un materiale semplice e industriale, come lo era del resto anche l'Eraclit, il legno 'povero' dei cantieri, su cui dipinse i suoi altrettanto celebri "Tappeti". Il percorso espositivo comprende anche un'opera delle collezioni del CAMeC: Longships, 1980 circa, tecnica mista su tela, cm.25x35, collezione Cozzani. In occasione della mostra sarà disponibile presso il bookshop il primo volume del Catalogo Generale dedicato al lavoro di Aldo Mondino (Allemandi, 2017) con testi di autorevoli studiosi e critici dell'opera dell'autore e con la riproduzione fotografica di oltre 1600 opere archiviate.

Aldo Mondino (Torino, 1938-2005) nel 1959 si trasferisce a Parigi, dove frequenta l'atelier di William Heyter, l'Ecole du Louvre e il corso di mosaico dell'Accademia di Belle Arti con Severini e Licata. Nel 1960, rientrato in Italia, inizia la sua attività espositiva alla Galleria L'Immagine di Torino (1961) e alla Galleria Alfa di Venezia (1962). L'incontro con Gian Enzo Sperone, direttore della Galleria Il Punto, risulta fondamentale per la sua carriera artistica. Tra le principali mostre si ricordano le due partecipazioni alle Biennali di Venezia del 1976 e del 1993, le personali al Museum fur Moderne Kunst - Palais Lichtenstein di Vienna (1991), al Museo Ebraico di Bologna (1995). Le sue opere appartengono alle collezioni permanenti dei più importanti musei nazionali ed internazionali e a numerose collezioni private. (Comunicato stampa CSArt - Comunicazione per l'Arte)

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Tribute to Mono-Ha
13 March - 26 July 2019
Cardi Gallery - London
www.cardigallery.com

Cardi Gallery London is proud to present an anthology exhibition dedicated to the pioneering Japanese movement Mono-ha, introducing the London public to seminal works by artists Koji Enokura, Noriyuki Haraguchi, Susumu Koshimizu, Lee Ufan, Katsuhiko Narita, Nobuo Sekine, Kishio Suga, Jiro Takamatsu, Noboru Takayama and Katsuro Yoshida. Eighteen works produced between 1968 and 1986, often of monumental size and shown for the first time in the United Kingdom, will inhabit the Georgian townhouse. The exhibition is curated by Davide Di Maggio and completed by a rich display of rarely seen archival photographs and videos, illustrating the history of the movement.

Mono­ha ("The School of Things") emerged in 1968 Tokyo as one of a number of networks engaged in radical counter-art practices of non-making that characterized the post-war Japanese artistic discourse, such as the Gutai group in the '50s, the Neo-Dada Organisers and Hi-Red Center in the early '60s. The young artists of Mono-ha never formalized into a group devoted to a fixed doctrine or manifesto: they were a polyphony of artistic voices maintaining their own distinctly personal ways of working, while sharing similar concerns. Although some of them were directly engaged in critical conversations, writing or even working together (Yoshida and Koshimizu were instrumental to the design and execution of the seminal piece of Mono-ha: Sekine's Phase - Mother Earth, a 2.6-metre-high and 2.2-metre-wide cylinder of dirt next to an identically shaped hole in the ground shown at 1968's Contemporary Sculpture Exhibition in Kobe), or often showed alongside one another at Tokyo galleries between the end of the '60s and the early '70s, these artists never organized Mono-ha exhibitions; their works were often displayed alongside those of non-Mono-ha artists in museum shows.

Until World War II Japanese Modernism had presented a local version of all major Western art movements; the introduction of new trends and styles permeating from the West having been injected with native sensibility since the Meji period (1868-1912). The aftermath of the conflict saw the development of a new web of international relations and alongside it, a larger influx of Western art especially from France and the United States. The reconstruction process was rapid: from a defeated country rising from the ashes of its nuclear trauma, Japan quickly transformed into an industrial, strongly urbanized nation. The individual's awareness of the self completely dismantled, this new expanding Japan required a reconstruction able to entirely redesign and reaffirm ideologies, philosophies and principles that the individual stands for, in a novel way aligned with the changing times.

The second half of the '60s, was a site of animated discussions in the political and cultural arenas: from the student movements' yearning for radical reform, to the desire of redefining the country's identity and position on the world's map. Mono-ha artists - many still studying at Tokyo's Tama Art University at the time - embarked in a quest for the essential. Turning to Taoist philosophy, they embraced the notion that perception should be freed of names and concepts, to allow things to be seen as they are when removed from their ordinary context. In an effort to revitalize art, they saw a projection of selfhood in Modernist self-referential art and in those prepared artist's materials art had relied upon, which they rejected.

By starting at the level of thing (Mono) and matter, these artists found stimulation in the power of reality inherent in the very existence of things. Having stripped away the concepts related to specific things and materials, they revealed a new world of meaning through their explorations of the essential, creating a new formal vocabulary where the artwork is involuntarily, metaphysically transformed into one single signifier through a process of abstraction coinciding with the physical presence of things. Rejecting the traditional artist's materials, they turned to simple, widely available natural and industrial ones which were embedded in their contemporaneity (cloth, rocks, wood, paper, rope, metal, cotton, glass, etc.). They presented them almost plainly, essentially unadulterated by their interventions.

In Mono-ha, ordinary things are presented in extraordinary ways, materials traditionally seen as incompatible juxtaposed, limits of geometry defied. Never self-referential nor self­contained, they exist - as the Tokyo-based Korean philosopher and key Mono-ha artist Lee Ufan defined them - as encounters: relationships amongst materials (kai), relationships between things and other things in space, relationships between things and the body and more broadly, between man and matter (natural and man-made). Mono-ha juxtapositions of things and matters not only challenge perception but also corporeality: they are places of immediate encounter within the context of an ever-evolving social realm tainted by ruthless development and industrialization at the expense of nature, at once sites of both poetic and political concern.

Although Mono-ha created an original new vocabulary, its recognition as truly one of the driving forces of Japanese post-war art production begun only in the early '90s, first as an influence on Japanese artists and later in the West, where it was seen as a critically-engaged movement thanks to the contemporary relevance of its language and themes, so deeply linked to both nature and industry, as well as for its similarities with Arte Povera. Represented in major international collections (Tate Modern, MOMA New York, etc.) Mono-ha has been the subject of significant retrospective exhibitions across Europe and the USA since the mid '90s, amongst which: Asiana (Palazzo Vendramin Calergi, 1995); Mono-ha: School of things (Kettle's Yard, 2001); Silence and Time (Dallas Museum of Art, 2011); Requiem For the Sun: The Art Of Mono-Ha (Blum and Poe Los Angeles 2012), Prima Materia (Punta della Dogana at the 2013 Venice Biennale); Mono-Ha (Fondazione Mudima, 2015).

__ The Artists

Koji Enokura (Tokyo, Japan 1942 - 1995) earned a BFA from Tokyo National University of Fine Arts and Museum in 1966 and continued to teach at Tokyo University of the Arts until his death. His work has been widely exhibited in Japan since the mid '60s; he gained international recognition at the beginning of the '70s, with participation in biennales (Paris, 1971; Sydney, 1976; Venice, Japanese Pavilion, 1978), his practice being presented by major institutions worldwide since the 1980s. His practice is represented in the collections of the National Museums, Northern Ireland and Japan Foundation, New York, and included in significant museums and private collections across Japan. Interested in exploring the 'material as a medium' in its roughest possible form, early in his career Enokura used oil or grease to soak paper or walls so as to reveal the materiality of the surface covered. He also sought to verify himself and prove his existence through his relationship with the surrounding world, exploring the tension between body and matter.

Noriyuki Haraguchi (Yokusaka, Japan, 1946; lives and works in Zushi) studied art at Nihon University where he first concentrated on oil painting. Since the early '60s, he has taken part in a large number of solo and group exhibitions in Japan, the U.S. and Europe, becoming widely known for his participation in Documenta 6 (1977) with Matter and Mind, a spent-oil reflecting pool. His work is represented in international collections, including Tate Modern. Since his student days, Haraguchi has been combining a minimalist sculptural vocabulary with the aesthetics of militarism and heavy industry, favouring industrial substances such as concrete, steel I beams and car parts, waste oil, polyurethane and rubber. His practice raises questions about the environment, modernisation and war.

Susumu Koshimizu (Uwajima City, Japan, 1944; lives and works in Kyoto) studied sculpture at Tama Art University in Tokyo, which he left in 1971 due to student protests. He was a faculty of the Department of Sculpture at Kyoto City University of Arts from 1994 to 2010. Since the '60s, he has had numerous solo exhibitions in Japan and internationally; his work has also been included in landmark exhibitions, such as "Prima Materia" (Punta della Dogana, 2013-15), Tokyo 1955-1970: A New Avant-Garde (MOMA, New York, 2012), Century City: Art and Culture in the Modern Metropolis (Tate Modern, 2001), Sa~o Paulo Biennale (1983), Venice Biennale (Japanese Pavilion, 1980). Koshimizu has worked mainly with natural materials like wood, iron, soil, stone and paper, presenting them in unexpected circumstances and combining them with contrasting industrial materials, in an exploration of the very essence of sculpture.

Lee Ufan (Kyongsangnamdo,1936, South Korea; lives and works between Kamakura, Japan and Paris, France) studied Art in Seoul, in 1956 moving to Tokyo where he graduated with a degree in philosophy from Nihon University (1961). A painter, sculptor and accomplished academic, he was a Professor at Tama Art University in Tokyo between 1973 and 2007. Lee's works have been largely exhibited in Japan since 1968; he gained international recognition at the beginning of the '70s, with participation in biennales (Paris, 1971; Sa~o Paulo, 1973; Sydney, 1976; Documenta 6, 1977), his practice being presented by major institutions worldwide since the 1980s. Lee's works are held in the collections of Centre Pompidou, MOMA New York, Seoul Museum of Arts and Tate Gallery, among others.

Credited as the main theorist of Mono-ha, Lee advocated a methodology of de-westernization and de-modernization, informed by Eastern philosophical teachings on being and nothingness as well as profound feelings towards nature, as an antidote to the Eurocentric thought of 1960s post-war Japanese society. Best known for his sculptural pieces, encounters between steel plates, rubber sheets, combined with stones, glass, cotton (etc.) accentuating juxtapositions between objects, as well as the relationship between manmade materials and the natural world, Lee reveals the physical materiality of the artwork allowing materials to establish their own relations independently of his artistic intervention.

Katsuhiko Narita (Pusan City, Japan, 1944 - Kumamoto, 1992) earned a painting degree from Tama Art University in Tokyo in 1969. While his work has been widely exhibited in Japan since the mid '60s, it is less known in the West. Sumi is undoubtedly his most iconic piece; first exhibited at the Biennale de Paris in 1969, it consists of large pieces of charcoal, aiming to eliminate the act of 'making' as much as possible. The burning of the wood left the creative process in the hands of nature and emphasized its material presence. However, Narita's overall practice deals more with spatial perception than the materiality of things.

Nobuo Sekine (Saitama, Japan, 1942) trained in oil painting at Tama Art University in Tokyo. His sculpture, Phase Mother Earth (1968), is regarded as the manifesto piece of the Mono-ha movement. His work has been widely exhibited in Japan since 1967, soon gaining international recognition through biennials such as Paris (1969) and Venice (1970, Japan Pavilion). More recently, he took part in landmark exhibitions at Guggenheim Bilbao (2017), Jewish Museum (2014), Punta della Dogana (2013-15), Shanghai Sculpture Space (2011). His work is included in major collections across Japan and internationally (Louisiana Museum, Riijksmuseum). Sekine explores sculpture through a vast vocabulary of materials. Examining the relationship between art and architecture through a fusion of Western mathematics (topological shapes) and ancient Eastern aesthetics and philosophy, he jolts to the foundations of three-dimensionality in art: topological shapes becoming 'phases' extendable over contraction and expansion.

Kishio Suga (Morioka, Japan, 1944; currently lives in Ito) graduated in 1968 with a BFA from Tama Art University, Tokyo, where he was taught by the pioneering painter Saito. Exhibiting internationally since the early '70s, Suga was subject of major solo shows, amongst which in 2016 Pirelli HangarBicocca, Milan and Dia: Chelsea, NY and his work was included in the 57th Venice Biennale VIVA ARTE VIVA in 2017. His work is represented in major collections, including Tate Modern, Dallas Museum of Art, Guggenheim, Margulies Collection, Dia Art Foundation. Suga works in sculpture, photography, painting, and performance. He uses and places stone, wood, metal and string in a deeply transformative way, bringing forth the material's own desire to change and adapt to a transitory 'situation', studying how things 'exist' through relationships and arrangements in relation to time, duration as well as site.

Jiro Takamatsu (Tokyo, Japan, 1936 - 1998) was a key figure in shaping Mono-ha, having taught several of its young members at Tama Art University in Tokyo between 1968 and 1972. Also a co-founder of the performance group Hi-Red Center (1963), his work has been widely exhibited both in Japan and internationally since the late '50s, and is held in major collections (Guggenheim Museum, Tate Modern, MOMA New York, Dallas Museum of Modern Art). He exhibited in landmark shows such as Venice Biennale (1968, Japan Pavilion), Paris Biennial (1969), Sao Paulo Biennial (1973) and Documenta 6 (1977). A major retrospective was recently dedicated to his practice at the Henry Moore Institute (2016). Trained as a painter, Takamatsu worked across a variety of media (photography, sculpture, painting, drawing, and performance) investigating the philosophical and material origins of art and the nature of perception. His vocabulary encompassed abstract concepts (shadows, perspective), everyday objects (bottles, cloth, string, stones, furniture) and materials of the sculptural tradition (marble, wood and concrete).

Noboru Takayama (Tokyo, Japan, 1944 - lives and works in Tokyo) graduated in 1970 from Tokyo University of the Arts, where he is a Professor. His work is represented in private and public collections across Japan, where he has been exhibiting widely since the '60s. Major international group exhibitions include Gwanju Biennale (2000, 1997); P.S.1 Contemporary Art Center (1990-91) and Paris Biennale (1973). Since 1968, Takayama's practice has been mostly revolving around the use of a specific material, railroad ties, which he sees as sacrificial "human pillars", requiems for bodies destroyed by the changing personal and professional culture brought about by Japan's modernization. His work constructs a space closely connecting object and memory, addressing the body and the tension between opposing forces. In the 1970s, he began coating his installations in tar to add an olfactory element, augmenting the works' presence beyond sight alone.

Katsuro Yoshida (Fukaya, Japan, 1943 - 1999) graduated in 1968 from Tokyo's Tama University of Art, Department of Painting, where he taught for a few years in the '90s. While his work has been widely exhibited in Japan since 1968, international recognition initially came not for his sculptures but rather for his silkscreen prints and photo-etchings, which were included in Prints Biennials (Krakow, 1972; Fredrikstadt, 1978; Bradford, 1979). From the mid '90s, with the growing international interest in the Mono-ha movement, of which he had been a central figure between 1968 through the '70s, his sculptural works have been included in major retrospectives outside of Japan (Fondazione Mudima, 2015; Kettle's Yard, 2001; Palazzo Vendramin Calergi, Venice, 1995; SF MOMA and Guggenheim Museum, 1994). Especially through his "Cut Off" series, Yoshida created sculptural works characterised by a strong materiality, using wood, iron sheets, stones, ropes and paper. From 1969, he began to make silkscreen prints (and later photo-etchings) using snapshots of landscapes and people. (Press release Lara Facco P&C)

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Obiettivi su Burri
Fotografie e fotoritratti di Alberto Burri dal 1954 al 1993

termina il 12 settembre 2019
Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri - Città di Castello (Perugia)
www.fondazioneburri.org

A Città di Castello, ogni anno, a partire dal 2015, ricorrenza che ha segnato le celebrazioni del Centenario della nascita di Alberto Burri, stabilendo un apice della popolarità internazionale del Maestro tifernate, ha preso avvio l'iniziativa del "12 marzo", suo giorno natale, presso gli ambienti del Museo a lui dedicato. Anche quest'anno la Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri ha ideato e realizzato a cura di Bruno Corà un evento che non solo ricorda Burri, ma che, per la prima volta, compie una ricognizione esauriente sui maggiori e più assidui professionisti della fotografia che lo hanno ritratto in differenti momenti e circostanze della sua vita.

I ritratti, a partire dagli anni Cinquanta, in cui Burri iniziava a consolidare il suo percorso artistico, scrutano e fissano in stampe di grande intensità e valore storico, espressioni, azioni, luoghi, frequentazioni, abitudini e momenti solitari del grande artista per il quale la pittura rappresentò una scelta di vita e un impegno radicale e senza compromessi con l'autenticità della propria vocazione poetica. In occasione di questa mostra verranno aperti al pubblico altri 2.300 metri quadrati di nuovi ambienti museali opportunamente messi a norma presso gli Ex Seccatoi, nei quali avranno luogo, oltre all'evento in programma, future iniziative rivolte ad approfondire lo studio e la conoscenza dell'opera di Burri e l'influenza da lui esercitata sull'arte contemporanea.

Tra i numerosi fotografi professionisti individuati, sono presenti in mostra opere fotografiche di Aurelio Amendola, Gabriele Basilico, Giorgio Colombo, Vittor Ugo Contino, Plinio De Martiis, Gianfranco Gorgoni, Giuseppe Loy, Ugo Mulas, Josephine Powell, Sanford H. Roth, Michael A. Vaccaro, André Villers, Sandro Visca, Arturo Zavattini e altri. Nell'occasione sarà edito un catalogo a cura della Fondazione che, oltre a raccogliere le immagini più significative dei fotografi prescelti, ospiterà i saggi e i contributi critici di Bruno Corà, Aldo Iori, Rita Olivieri e Chiara Sarteanesi, nonché agli apparati bibliografici e le schede biografiche dei fotografi, redatti da Greta Boninsegni. Sono previste visite guidate e un ciclo di conferenze sull'opera di alcuni tra i fotografi che hanno operato assiduamente con il Maestro. (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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Franco Grignani (1908-1999)
Polisensorialità fra arte, grafica e fotografia

termina il 15 settembre 2019
m.a.x museo - Chiasso (Svizzera)

Mostra antologica in cui si presenta la complessità del lavoro di Franco Grignani e della sua ricerca declinata attorno al tema della polisensorialità. Tre i settori esplorati: fotografia, grafica e arte. Attraverso una ricca scelta di opere e materiale di archivio, in parte inediti, si ripercorrono le tappe fondamentali della ricerca artistica di Grignani, dall'iniziale sperimentazione fotografica alla grafica pubblicitaria, dall'analisi matematico percettiva alla Optical Art. Chi non ha mai visto il marchio "Pura Lana Vergine"? Disegnato nel 1963, è l'opera di un progettista - precursore e innovatore - che con arguzia ne ha modellato le linee bianche e nere per costruire una forma unica, un'icona che associamo istintivamente a qualcosa di morbido.

L'esposizione è curata da Mario Piazza e Nicoletta Ossanna Cavadini, con il contributo in catalogo di Giovanni Anceschi, Roberta Valtorta, Bruno Monguzzi e le testimonianze di numerosi grafici svizzeri che hanno conosciuto o collaborato con Franco Grignani. La mostra è il frutto della ricerca effettuata sull'Archivio di Famiglia, su Fondi specifici del Mufuoco - Museo di Fotografia Contemporanea e Aiap Associazione italiana design della comunicazione visiva e del suo CDPG (Centro di Documentazione sul Progetto Grafico), e su importanti collezioni d'arte private italiane e svizzere. Con il partenariato del Museo della seta di Como sono stati realizzati due foulard su disegno di Franco Grignani: le due opere referenti sono esposte, rispettivamente, al m.a.x. museo di Chiasso e al Museo della seta di Como. La sezione fotografica della mostra sarà esposta nel febbraio del 2020 al Museo di Fotografia Contemporanea. (Comunicato stampa)

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Ferdinando Scianna: Viaggio Racconto Memoria
termina il 28 luglio 2019
Galleria d'arte Moderna - Palermo
www.gampalermo.it

Grande mostra antologica dedicata a Ferdinando Scianna, curata da Denis Curti, Paola Bergna e Alberto Bianda, art director della mostra, e organizzata da Civita. Con circa 200 fotografie in bianco e nero stampate in diversi formati, la rassegna attraversa l'intera carriera del fotografo siciliano e si sviluppa lungo un articolato percorso narrativo, costruito su diversi capitoli e varie modalità di allestimento. Ferdinando Scianna è considerato uno tra maestri della fotografia non solo italiana. Ha iniziato ad appassionarsi a questo linguaggio negli anni Sessanta, raccontando per immagini la cultura e le tradizioni della sua regione d'origine, la Sicilia.

Il suo lungo percorso artistico si snoda attraverso varie tematiche - l'attualità, la guerra, il viaggio, la religiosità popolare - tutte legate da un unico filo conduttore: la costante ricerca di una forma nel caos della vita. In oltre 50 anni di racconti non mancano di certo le suggestioni: da Bagheria alle Ande boliviane, dalle feste religiose - esordio della sua carriera - all'esperienza nel mondo della moda, iniziata con Dolce & Gabbana e Marpessa. Poi i reportage (fa parte dell'agenzia foto giornalistica Magnum), i paesaggi, le sue ossessioni tematiche come gli specchi, gli animali, le cose e infine i ritratti dei suoi grandi amici, maestri del mondo dell'arte e della cultura come Leonardo Sciascia, Henri Cartier-Bresson, Jorge Louis Borges, solo per citarne alcuni.

Per approfondire i contenuti dell'esposizione, incoraggiando la riflessione sulla portata iconica della fotografia di Ferdinando Scianna, Civita Sicilia ha ideato un articolato progetto didattico rivolto sia alle scuole che ai gruppi di adulti e famiglie, che prevede i classici tour guidati, ma anche visite-esplorazione e laboratori didattici su prenotazione. In una audioguida (in italiano e in inglese), Scianna racconta in prima persona il suo modo di intendere la fotografia e non solo. Un vero e proprio racconto parallelo, per conoscere da vicino il suo percorso umano e di fotografo. In mostra è inoltre proposto un documentario dedicato alla vita professionale di Ferdinando Scianna. La mostra è corredata da un grande catalogo pubblicato da Marsilio Editori.

La sera del 20 febbraio, presso il Real Teatro di Santa Cecilia, Ferdinando Scianna incontra il pubblico di Palermo: un vero e proprio abbraccio con la città, aperto a tutti, in cui il Maestro insieme al co-curatore Denis Curti presenterà l'esposizione e risponderà alle domande dei presenti. Al termine dell'incontro, ai partecipanti sarà riservata una visita all'esposizione nella vicina Galleria d'Arte Moderna (ingresso consentito fino alle 21.30 ai possessori dell'apposito coupon che verrà rilasciato al pubblico presente all'incontro). Ferdinando Scianna firmerà il catalogo e le sue pubblicazioni presso il bookshop del museo, fino alle ore 21.30. (Comunicato stampa)

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Collezioni del Contemporaneo
Pittura Spazio Scultura
Opere di artisti italiani tra gli anni Sessanta e Ottanta

dal 15 febbraio 2019
GAM - Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea di Torino
www.gamtorino.it

Nuovo allestimento delle collezioni del contemporaneo. Si tratta della prima edizione di un programma di diversi ordinamenti che si succederanno su base biennale. Le diverse esposizioni permetteranno di far conoscere al pubblico la ricchezza delle collezioni del museo e di dare voce a molteplici letture e interpretazioni critiche. Questo primo ordinamento, a cura di Elena Volpato, si concentra su due decenni, tra gli anni Sessanta e gli anni Ottanta, in rapporto di continuità cronologica con quanto è esposto nelle collezioni del '900. Lo fa scegliendo di raccontare aspetti rilevanti delle ricerche artistiche di quegli anni, perlopiù scarsamente riconosciuti dalla più diffusa interpretazione storica. Lo fecero senza recidere i legami con la storia, ponendo mente alle origini stesse del gesto pittorico e scultoreo, aprendo le loro opere, come mai prima di allora, ad accogliere e nutrire al loro interno il respiro dello spazio e, con esso, quello del tempo.

Gli artisti rappresentati non fanno parte di un unico gruppo. Alcuni dei loro nomi sono legati alle vicende dell'Arte Povera. Il percorso di altri si è intrecciato con quello della Pittura analitica. Altri ancora, dopo una stagione concettuale, hanno trovato nuove ragioni per tornare a riflettere su linguaggi tradizionali e su antichi codici espressivi. Tuttavia, se le loro opere sembrano dialogare qui con naturalezza, non è per mera cronologia, ma perché nel lavoro di ciascuno di loro c'è molto più di quanto le parole della critica militante avesse motivo di raccontare. In tutti loro, come spesso accade, c'è più personalità e indipendenza di quanto le ragioni di un raggruppamento o le linee di tendenza del mondo dell'arte possano dire.

A distanza di decenni, ora che quelle storie d'insieme sono note e codificate, ora che semprepiù mostre internazionali vengono tributate ad alcune di esse, possiamo concederci di guardare agli aspetti più personali del loro lavoro. Ed è proprio in quella cifra individuale che sembra risuonare con più chiarezza un insoluto legame con la storia dell'arte, con i suoi antichi linguaggi, per ciascuno in modo diverso, ma con simile forza. Se si dovesse provare a spiegare in una frase cosa avvicina tra loro queste opere e i loro autori, là dove sembrano esprimere la loro voce più personale, si direbbe che hanno in comune un autentico desiderio dell'arte, un senso di appartenenza, la consapevolezza di tutto ciò che quella parola aveva significato sin lì e tutto ciò che ancora poteva rappresentare in virtù di quel passato.

Le opere in mostra provengono interamente dalle collezioni del museo. Il nucleo espositivo più rilevante è frutto delle numerose acquisizioni realizzate durante la direzione di Pier Giovanni Castagnoli, tra il 1998 e il 2008. Molte di queste opere sono state acquisite grazie al contributo della Fondazione per l'Arte Moderna e Contemporanea CRT, a cui si deve anche la recente acquisizione dei libri d'artista e delle due opere di Marco Bagnoli, Vedetta notturna, 1986 e Iris, 1987, avvenuta durante l'attuale direzione di Riccardo Passoni. Animale terribile di Mario Merz, del 1981, e Gli Attaccapanni (di Napoli) di Luciano Fabro, prime tra le opere acquisite dalla Fondazione per l'Arte Moderna e Contemporanea CRT dalla sua costituzione, fanno parte di un ristretto gruppo di lavori provenienti dalla Collezione Margherita Stein, acquistato per essere affidato alla comune cura della GAM - Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea e del Castello di Rivoli. (Comunicato stampa)

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Dan Flavin
termina il 28 giugno 2019
Galleria Cardi - Milano
www.cardigallery.com

Mostra personale del leggendario artista minimalista americano Dan Flavin (1933-1996). La mostra è organizzata in collaborazione con l'Estate di Dan Flavin ed è accompagnata da un catalogo illustrato che include un saggio dello stimato critico d'arte italiano Germano Celant. L'artista americano è riconosciuto a livello internazionale per le sue installazioni e opere scultoree realizzate esclusivamente con lampade fluorescenti disponibili in commercio. La mostra presenterà quattordici opere luminose dalla fine degli anni '60 agli anni '90 che mostrano l'evoluzione di oltre quattro decenni delle ricerche dell'artista sulle nozioni di colore, luce e spazio scultoreo. Nell'estate del 1961, mentre lavorava come guardia presso l'American Museum of Natural History di New York, Flavin iniziò a realizzare schizzi per sculture che incorporavano luci elettriche. Più tardi quell'anno, tradusse i suoi schizzi in assemblaggi, che chiamò "icone", che accostavano le luci a costruzioni di Masonite dipinte di un colore solo.

Nel 1963, rimosse completamente il supporto rettangolare e iniziò a lavorare con le sue lampade fluorescenti. Nel 1968, Flavin espanse le sue sculture ad ambienti grandi come una camera e riempì un'intera galleria di luce ultravioletta a Documenta 4, Kassel (1968). Flavin negava sempre con enfasi che le sue installazioni scultoree di luce avessero alcun tipo di dimensione trascendente, simbolica o sublime, affermando: "E' quello che è e non è nient'altro". Sosteneva che le sue opere fossero semplicemente luce fluorescente che rispondeva a uno specifico ambiente architettonico. Usando la luce come mezzo, Flavin è stato in grado di ridefinire il modo in cui percepiamo lo spazio pittorico e scultoreo.

Daniel Flavin (1933) ha studiato arte attraverso il Programma di estensione dell'Università del Maryland in Corea. Al suo ritorno a New York nel 1956, ha brevemente frequentato la Scuola di Belle Arti Hans Hofmann e ha studiato storia dell'arte presso la New School for Social Research. Nel 1959, ha frequentato corsi di disegno e pittura presso la Columbia University; quell'anno, iniziò a creare assemblaggi e collage oltre che dipinti che indicavano il suo primo interesse per l'espressionismo astratto. Nel 1961, ha presentato la sua prima mostra personale di collage e acquerelli alla Judson Gallery di New York. Dopo questa mostra l'artista inizia a produrre quello che diventerà un corpo di lavoro singolarmente coerente e prodigioso che ha utilizzato esclusivamente lampade fluorescenti disponibili in commercio per creare installazioni di luce e colore con composizioni sistematiche. Le principali retrospettive del lavoro di Flavin sono state organizzate dalla National Gallery of Canada di Ottawa (1969), St. Louis Art Museum (1973), Kunsthalle Basel (1975) e Museum of Contemporary Art di Los Angeles (1989). Ha anche eseguito molte commissioni per lavori pubblici. Sia il Deutsche Guggenheim di Berlino nel 1999 che la Dia Foundation for the Arts nel 2004 hanno montato importanti retrospettive postume del lavoro dell'artista. (Comunicato stampa)

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Vasari per Bindo Altoviti. Il Cristo portacroce
termina il 30 giugno 2019
Galleria Corsini - Roma
www.barberinicorsini.org

Le Gallerie Nazionali di Arte Antica presentano per la prima volta, nella sede di Galleria Corsini a Roma, un capolavoro recentemente riscoperto di Giorgio Vasari: il Cristo Portacroce, realizzato per il banchiere e collezionista Bindo Altoviti nel 1553. Il dipinto costituisce uno dei vertici della produzione dell'artista aretino e uno degli ultimi dipinti realizzati a Roma prima della sua partenza per Firenze. Il ritrovamento si deve a Carlo Falciani, esperto studioso di pittura vasariana, che lo ha riconosciuto nel quadro registrato da Vasari nel proprio libro delle Ricordanze, indicandone la data e il nome del prestigioso destinatario.

Il dipinto testimonia un momento assai importante dell'attività romana di Vasari, allora al servizio di papa Giulio III e della sua cerchia. Riportata nel suo contesto, l'opera si rivela un caso esemplare per capire le pratiche di lavoro di Giorgio Vasari e i caratteri peculiari della sua fortunatissima 'maniera'. In occasione della mostra è previsto un ciclo di conferenze sull'opera esposta e la figura dell'artista. Sarà inoltre pubblicato un catalogo (editore Officina Libraria) a cura di Barbara Agosti e Carlo Falciani. La mostra e il catalogo sono stati realizzati grazie alla collaborazione e al supporto della Benappi Fine Art. Il dipinto è stato restaurato presso lo studio "Daniele Rossi" di Firenze.

"Ricordo come a dì XX di maggio 1553 Messer Bindo Altoviti ebbe un quadro di braccia uno e mezzo drentovi una figura dal mezzo in su grande, un Cristo che portava la Croce che valeva scudi quindici d'oro". Con queste parole, il celebre pittore aretino Giorgio Vasari segnala nelle sue Ricordanze la realizzazione di un Cristo portacroce per l'importante banchiere fiorentino Bindo Altoviti. Il dipinto, passato nel Seicento nelle collezioni Savoia, era da tempo considerato perduto, finché non è stato identificato con questa tavola recentemente comparsa ad un'asta ad Hartford (Usa). Un recupero straordinario che, grazie alla generosità dei proprietari, è oggi possibile esporre per la prima volta al pubblico.

Bindo Altoviti (1491-1556) è il prototipo dell'uomo di corte rinascimentale, dedito alle arti non meno che agli affari. Stimato da Michelangelo, che gli regalò uno dei cartoni della volta della Sistina, venne ritratto da Raffaello, Benvenuto Cellini, Francesco Salviati e Jacopino del Conte. Il suo celebre palazzo romano presso ponte Sant'Angelo, nella roccaforte del commercio bancario dell'Urbe, era «riccamente ornato di anticaglie e altre belle cose», tra cui le decorazioni ad affresco eseguite da Giorgio Vasari. Fiero sostenitore della fazione antimedicea, venne condannato in contumacia da Cosimo I e morì a Roma nel 1556.

Tra gli artisti legati a Bindo Altoviti, un posto d'onore spetta certamente a Giorgio Vasari. Le fonti ricordano infatti numerose opere a lui commissionate, a partire dalla celebre pala dell'Immacolata Concezione della chiesa di Ognissanti a Firenze (1540-1541) fino a questo straordinario Cristo portacroce del 1553. In quell'anno Vasari era a Roma ospite proprio del «cordialissimo messer Bindo», nella cui residenza romana affrescò anche la loggia con il Trionfo di Cerere, unica decorazione sopravvissuta alla distruzione del palazzo nel 1888 e dal 1929 ricollocata nel Museo di Palazzo Venezia. Si tratta delle ultime opere realizzate dal pittore a Roma, prima di tornare a Firenze per entrare al servizio dell'acerrimo nemico di Bindo Altoviti, Cosimo I de' Medici. (Comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

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De Chirico e Savinio: Una mitologia moderna
termina il 30 giugno 2019
Fondazione Magnani-Rocca - Mamiano di Traversetolo (Parma)
www.magnanirocca.it

I due fratelli hanno ripensato il mito, l'antico, la tradizione classica attraverso la modernità dell'avanguardia e della citazione, traslandoli e reinterpretandoli per tentare di rispondere ai grandi enigmi dell'uomo contemporaneo, dando vita a quella che Breton definì una vera e propria mitologia moderna. La mostra - allestita alla Villa dei Capolavori, sede della Fondazione a Mamiano di Traversetolo presso Parma - presenta oltre centotrenta opere tra celebri dipinti e sorprendenti lavori grafici, in un percorso espositivo che, dalla nascita dell'avventura metafisica, si focalizza su un moderno ripensamento della mitologia e giunge alla ricchissima produzione per il teatro, documentata anche da preziosi costumi per l'opera lirica.

«Sono l'uno la spiegazione dell'altro» scriveva Jean Cocteau dei due fratelli de Chirico. Vicinissimi nei primi passi delle rispettive carriere, de Chirico e Savinio lavorano a stretto contatto nei primi anni parigini. André Breton definiva il loro lavoro "indissociabile nello spirito": le visioni concepite da Giorgio in quegli anni, trovano un corrispettivo letterario nella poetica del fratello; nonostante il merito sia stato storicamente attribuito al genio di de Chirico, ad oggi è ormai riconosciuto il ruolo rivestito da Savinio nell'elaborazione dell'estetica metafisica. L'esposizione - curata da Alice Ensabella, Università di Grenoble, e da Stefano Roffi, direttore scientifico della Fondazione Magnani-Rocca - si propone di ricostruire criticamente le fonti comuni dei fratelli de Chirico al fine di metterne in evidenza affinità, contrasti e interpretazioni del fantastico universo che prende forma nelle loro traduzioni pittoriche, letterarie e teatrali.

Giorgio (1888-1978) e Andrea (1891-1952) de Chirico nascono in Grecia. Figli di un milieu alto borghese e cosmopolita, ricevettero un'educazione solida ed internazionale, influenzata dal romanticismo e dal nichilismo tedeschi, dall'avanguardia parigina, dalla cultura classica mediterranea, greca certamente, ma anche profondamente italiana. Questo particolarissimo imprinting filosofico, artistico e letterario, che forgia le menti dei fratelli de Chirico nei loro anni di formazione e primi anni di attività, darà come risultato uno dei momenti più originali e più alti della cultura figurativa italiana del Novecento.

Nonostante il comune percorso intellettuale, de Chirico e Savinio dimostrarono fin da giovani caratteri e approcci diversi alla pratica artistica. Savinio, figura poliedrica, nasce come musicista e compositore, diviene in seguito scrittore e approda alla pittura solo all'età di trentacinque anni. De Chirico, dalla personalità più decisa e granitica, individua la sua strada nella pittura. Se le opere di entrambi sono caratterizzate da temi di interesse comune come il viaggio, il mistero del distacco, la struggente commozione del ritorno, gli interrogativi sulla condizione umana, il richiamo al mito, all'antico, le interpretazioni che i due fratelli ne forniscono non sono le stesse, approdando spesso a risultati stilisticamente e iconograficamente distanti. Più freddo, mentale e concettuale, de Chirico, anche dopo la grande stagione metafisica non rinuncerà a rappresentazioni ancora impregnate di enigmi, che caratterizzeranno i suoi paesaggi che richiamano ai miti dell'antichità, cavalli fra le rovine della civiltà greca, gladiatori in procinto di vivere o morire, autoritratti e ridondanti nature morte.

Gioco e ironia sono invece i cardini intorno ai quali ruota l'estetica di Alberto Savinio. A differenza del fratello, infatti, Savinio dimostra un'innata capacità di immettere nei profondi silenzi metafisici la sapiente leggerezza dell'ironia, che si dispiega attraverso una visionarietà fantastica. Nelle sue opere oggetti inanimati ed esseri animati si uniscono in un'unica rappresentazione colorata e vivace, nella quale forme umane e animali si confondono e si decontestualizzano, inserite all'interno di prospettive impossibili e di un'atmosfera improbabile quanto ludica. I contributi in catalogo si concentrano sull'approccio dei fratelli alle loro fonti (Nicol Mocchi), oltre ai rispettivi percorsi nelle varie discipline artistiche in cui si sono confrontati: la pittura (Alice Ensabella), ovviamente, ma anche il libro d'artista e il teatro (Mauro Carrera). Essendo i motivi di ispirazione della costruzione della suddetta mitologia moderna al centro di questo progetto, due contributi in catalogo si focalizzano su aspetti più specifici dell'iconografia saviniana (Gerd Roos) e dechirichiana (Daniela Ferrari). (Comunicato Studio Esseci)

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Dipingere gli affetti
La pittura sacra a Ferrara tra il Cinque e il Settecento

termina il 26 dicembre 2019
Castello Estense - Ferrara
www.castelloestense.it

Torna al Castello Estense di Ferrara "L'arte per l'arte", il progetto del Comune di Ferrara, promosso in collaborazione con la Fondazione Ferrara Arte, dedicato alla valorizzazione del patrimonio storico e artistico della città reso inaccessibile dopo il sisma del 2012. Dopo le opere di De Pisis, Boldini, Previati e Mentessi delle Gallerie d'Arte Moderna, protagoniste delle prime due esposizioni del progetto l'Arte per l'Arte, l'attenzione si sposta ora verso il periodo dal Cinque al Settecento. Le sale riccamente affrescate dell'ala sud e dei Camerini del Castello ospiteranno infatti la quadreria di proprietà dell'Asp, Centro Servizi alla Persona di Ferrara, Masi Torello e Voghiera, depositata presso i Musei di Arte Antica. Si tratta di un vero e proprio capitale artistico, pressoché sconosciuto eppure di grande rilevanza storica, che l'esposizione al Castello mira a restituire al grande pubblico. L'esperienza di visita assumerà i contorni di un viaggio nel tempo affascinante e sorprendente che spazierà dal tramonto del dominio Estense fino al secolo dei Lumi.

Le tappe di questo itinerario ci condurranno al cospetto dei due importanti protagonisti della rivoluzione naturalistica di inizio Seicento: Ippolito Scarsella detto Scarsellino e Carlo Bononi. La soave magnificenza del primo e la dolente bellezza del secondo, caratterizzano la Ferrara di quegli anni facendone uno dei più intriganti centri artistici dell'epoca. Contestualmente, faremo la conoscenza di personalità cronologicamente precedenti e parallele come, ad esempio, Giuseppe Mazzuoli detto il Bastarolo, il cui il manierismo castigato è fondamentale nella seconda metà del Cinquecento, Gaspare Venturini, pittore molto attivo per i duchi e per committenti religiosi, e l'enigmatico Giuseppe Caletti, curiosa figura di artista maledetto operante nella prima metà del Seicento. La seconda metà del XVII secolo è caratterizzata dal mitigato universo figurativo di Giuseppe Avanzi, pittore di mediazione che schiuderà il sipario al Settecento dove si imporranno le singolari personalità di Giacomo Parolini e Giuseppe Zola.

Ma perché Dipingere gli affetti? Per una doppia evocazione simbolica. La prima riguarda il linguaggio: le opere che verranno esposte in Castello si muovono nel solco degli orientamenti successivi al Concilio di Trento che delegavano all'arte il basilare compito di mediare tra il fedele e la religione, tra il visibile e l'invisibile, attraverso forme naturalistiche, emotive e familiari, nelle quali l'uomo del Sei e Settecento si potesse riconoscere. La seconda attiene alla vocazione umanitaria che animava i luoghi da cui esse erano originariamente collocate. Non delle chiese qualsiasi, ma gli altari, le cappelle e gli ambienti di istituti religiosi che ponevano al centro del loro operare l'aiuto verso gli altri, fossero essi orfani, indigenti, bisognosi o donne in difficoltà. Un insieme di esperienze animato da figure di primo piano della corte Estense - da Alfonso II a Barbara d'Austria, fino a Margherita Gonzaga - ma anche di una fetta consistente della nobiltà e della borghesia cittadina, impegnata nell'attività di carità e solidarietà.

Ed è così che protagonista di questa mostra sarà anche la città di Ferrara, nel tentativo di ricomporre il tessuto connettivo di un'«araldica della beneficenza» (per usare una felice definizione di Andrea Emiliani) che costituì la manifestazione più tangibile di quella pietas sei e settecentesca animata da empatica affettività e impegno sociale. Un attivismo che portò ad ornare alcuni dei luoghi sacri più rappresentativi, oggi quasi tutti scomparsi o mutati per fattezze o destinazioni d'uso, come i conservatori femminili di Santa Barbara e di Santa Margherita, o l'Opera Pia della Povertà Generale. Un vero e proprio viaggio nel tempo, insomma, alla ricerca delle radici moderne di Ferrara. (...) (Comunicato Ufficio stampa Studio Esseci)

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I Ciardi viaggiatori in Europa
Paesaggi e giardini

febbraio-giugno 2019
Palazzo Saracinelli - Conegliano (Treviso)

Promossa dal Comune di Conegliano e da Civita Tre Venezie, la mostra è il secondo appuntamento del ciclo volto ad approfondire il tema del paesaggio nella pittura veneta tra '800 e '900, inaugurato nel 2018 con la retrospettiva Teodoro Wolf Ferrari. La modernità del paesaggio. Curata da Giandomenico Romanelli con Franca Lugato e Stefano Zampieri, l'esposizione, presenta circa 70 opere, provenienti da musei pubblici e collezioni private, di Guglielmo Ciardi (Venezia, 1842-1917) e dei figli Beppe (Venezia, 1875 - Quinto di Treviso, 1932) ed Emma (Venezia, 1879-1933). La rassegna sottolinea il particolare rapporto che lega Guglielmo, Beppe ed Emma alla natura, in un percorso tematico che attraversa circa ottant'anni della scena artistica italiana ed europea, facendo emergere peculiarità, convergenze e divergenze nella produzione di questi artisti.

Guglielmo, il fondatore della 'dinastia', è considerato unanimemente colui che porta la pratica dell'osservazione verista del paesaggio, soprattutto veneto, alla sua rappresentazione più matura e consapevole. Dopo la sua esperienza presso i macchiaioli e la scuola napoletana - e il rinnovamento linguistico che ne deriva - mette in evidenza le potenzialità di una pittura anti-accademica e anti-retorica, scoprendo le qualità poetiche dei luoghi periferici e marginali della laguna, in cui si mescolano e quasi si identificano l'umiltà e la fatica del lavoro con il sommesso lirismo delle paludi e delle barene. Suo figlio Beppe introdurrà, pur nella fedeltà alla poetica paterna, elementi nuovi e inediti fino a dar spazio a originali accenti simbolisti e di realismo sociale. Emma, infine, riscopre la grande tradizione guardesca in un inedito settecentesimo ironico e brioso. La sua produzione tocca forse i più singolari risultati nell'attenzione verso i giardini e i parchi, con un chiaro gusto moderno e insieme citazionista, che affonda le sue radici nella tradizione pittorica di un Settecento decadente.

La pittura di paesaggio dei Ciardi si afferma nelle Biennali veneziane da fine Ottocento fino agli anni Trenta, con un successo mai scalfito. Abbandonata la scena di genere e mai veramente praticata quella di figura, la ricchezza della loro scelta a favore del paesaggio si misura nelle radicali novità che essi (e soprattutto Guglielmo) sanno introdurre in questo genere pittorico: la luce declinata in tutte le possibili atmosfere, la presenza viva e palpitante della natura nelle piante, nei campi, nelle messi, nelle distese di eriche; la maestosità spesso scabra delle masse montuose, colte nella luce azzurra dell'alba o in quella struggente e aranciata dei tramonti, i filari, i covoni, i corsi d'acqua. Con Beppe si afferma anche una presenza pacata e quasi bucolica degli animali, dei pastori, delle mandrie; poi qualche mercato contadino, qualche figura di paesani in riposo.

Vi è un altro elemento importante: le numerose peregrinazioni artistiche in Europa e in Inghilterra. In questi viaggi la passione naturalistica e, in particolare, la pratica della veduta di paesaggio e il linguaggio si arricchiscono di acquisizioni cosmopolite così come di soggetti e iconografie rinnovati, dagli Impressionisti alla scuola di Glasgow. Emma, in particolare, porterà alla fine a una sorta di esplosione o di de-strutturazione figurativa la sua pittura, accogliendo suggestioni e stimoli dalle sperimentazioni degli artisti contemporanei. Accompagna la mostra un catalogo Marsilio Editori. (Comunicato ufficio stampa Civita Tre Venezie)

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Archimede a Siracusa
26 maggio 2018 - 31 dicembre 2019
Galleria Civica Montevergini di Siracusa
www.mostraarchimede.it

L'esposizione offre ai visitatori l'occasione, unica, di conoscere da vicino una delle più geniali figure dell'intera storia dell'umanità e, grazie alle più avanzate applicazioni multimediali, di immergersi nella città di Siracusa nel terzo secolo avanti Cristo, vera e propria capitale della Magna Grecia e del Mediterraneo centrale, dove il grande scienziato è vissuto, ha concepito le sue straordinarie invenzioni ed è stato infine ucciso da un soldato romano appena entrato in città da conquistatore. Una serie di animazioni progettate da Lorenzo Lopane e realizzate con gli allievi dell'INDA rendono viva la presenza degli antichi siracusani e tra loro del grande scienziato.

Basata sulle fonti storiche e archeologiche, una suggestiva narrazione disponibile in 4 lingue e affidata in italiano alla voce di Massimo Popolizio, consente di seguire gli eventi che portarono, sul finire della seconda guerra punica, allo scontro con Roma. Un articolato percorso di approfondimento interattivo presenta oltre venti modelli funzionanti di macchine e dispositivi che la tradizione attribuisce a Archimede. Mostra ideata dal Museo Galileo e curata da Giovanni Di Pasquale con la consulenza scientifica di Giuseppe Voza e Cettina Pipitone Voza, promossa dal Comune di Siracusa e prodotta da Civita Mostre con Opera Laboratori Fiorentini e la collaborazione di UnitàC1 e dell'Istituto Nazionale Dramma Antico di Siracusa. (Comunicato Ufficio stampa Civita)

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Donazioni alla Galleria Nazionale di Cosenza

La Galleria Nazionale di Cosenza acquisisce a pieno titolo nelle sue collezioni sei interessanti sculture provenienti dalle collezioni della famiglia Bilotti. Incrementano da oggi il patrimonio del museo, illustrando importanti segmenti dell'arte italiana del Novecento, le seguenti sculture Cavallo e cavaliere con berretto frigio di Giorgio de Chirico, Portatrice di fiaccola di Emilio Greco, Grande maternità di Antonietta Raphael Mafai, Onice e Solida di Pietro Consagra, Gigantea di Mimmo Rotella. Le sculture sono già presenti nel museo ed esposte in via definitiva, ad esclusione della Grande maternità di Antonietta Raphael Mafai che sarà presentata a conclusione degli interventi di manutenzione e restauro di cui necessita. La donazione fa seguito alle altre che recentemente hanno concluso il loro iter. Sono infatti entrate a far parte delle collezioni museali anche le opere Forme uniche della continuità nello spazio di Umberto Boccioni, donata da Roberto Bilotti Ruggi d'Aragona, e Natura donata dall'artista cosentino Giulio Telarico, già in esposizione rispettivamente nella sezione grafica dedicata all'artista futurista e nella sezione di Arte Contemporanea.

Il Polo Museale e la Galleria Nazionale di Cosenza hanno frattanto avviato le procedure finalizzate all'acquisizione in comodato d'uso gratuito di cinque disegni di Umberto Boccioni; i disegni a conclusione dell'iter andranno ulteriormente ad arricchire la sezione grafica dedicata al maestro del Futurismo. Le acquisizioni portate a felice conclusione e quelle in programma sono frutto di intese e accordi che rientrano fra gli obiettivi che il Polo Museale della Calabria e la Galleria Nazionale si sono posti per promuovere relazioni proficue con il territorio, accrescere, valorizzare il patrimonio d'arte e cultura e favorirne la conoscenza. (Estratto da comunicato stampa)

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"Ritratto" attribuito a Giorgione
Opera rientrata in Italia e poco conosciuta
www.letramedigiorgione.it

Danila Dal Pos, curatrice della mostra "Le trame di Giorgione", annuncia l'inserimento in mostra di un'opera che sicuramente farà discutere. "E' patrimonio di una importante collezione veneziana - annuncia la curatrice - ed è rientrata in Italia dopo essere stata in collezioni francesi e americane. Pur presente e citata in vari vecchi cataloghi e monografie su Giorgione, pochi hanno avuto modo di ammirarla in una mostra". "Sono convinta che questa mostra possa offrire -sottolinea la curatrice- l'occasione ideale per un confronto tra esperti di Giorgione e dell'arte veneta del primo Cinquecento, per giungere ad un serio approfondimento su questo dipinto che la tradizione attribuisce al Maestro di Castelfranco".

Si tratta di un prezioso, piccolo olio (cm.26,5x21,4) su cui, da tempo, gli studiosi si interrogano. Il quesito riguarda naturalmente la reale paternità del Ritratto di giovane, soggetto della tavoletta. Giorgione? Un artista della sua cerchia, Tiziano? Nessuno di questi? Per la mostra castellana, Augusto Gentili, che di Giorgione è uno dei maggiori studiosi, ha esaminato quest'opera, riservandole un particolare e curioso saggio in catalogo: potrebbe trattarsi di un lavoro giovanile di Giorgione, diremmo oggi di un Giorgione ancora alla ricerca della sua strada. Andando a ritroso nella storia di questo prezioso dipinto, Gentili risale agli anni '30 del secolo scorso, quando il Ritratto era presente in una importante collezione privata parigina. Già allora gli esperti si interrogavano su chi ne fosse l'autore e il nome di Giorgione venne più volte avanzato.

Retrocesso a prodotto "di cerchia" nelle monografie giorgionesche di Richter (1937) e Morassi (1942), il ritratto è infine esposto a Venezia alla mostra Giorgione e i giorgioneschi nel 1955. In catalogo, il curatore Zampetti ricorda i precedenti, pubblica una riproduzione - peraltro assai poco leggibile - dopo "il recente restauro" (affermando che questo "ha molto avvantaggiato la possibilità di riconoscere le buone qualità del dipinto") e informa che la tavoletta è ormai in collezione privata a New York. Il tutto senza sbilanciarsi nel giudizio e nell'attribuzione. "Quel che viene dopo - sottolinea Gentili - è ripetizione del già detto o già scritto, o memoria della mostra veneziana: anche perché a questo punto il Ritratto si eclissa per quasi mezzo secolo prima di ricomparire a sorpresa in laguna.

Gentili si spinge ad affermare che "l'incerto e spaurito ritratto potrebbe essere di Giorgione sui primissimi anni del Cinquecento: del Giorgione sperimentale, inventivo e innovativo di testa, ma ancora incerto e spaurito di mano, che qualsiasi catalogo dei possibili esordi accredita di una decina di opere drammaticamente diverse l'una dall'altra, e nessuna sicura più dell'altra". Si tratterebbe dunque dell'opera di un giovane Giorgione, teso a sperimentare e risperimentare per trovare la sua cifra stilistica: siamo probabilmente di fronte al punto di partenza di un percorso che avrà come traguardo il Ritratto Giustinian di Berlino. "Certezze assolute non ce ne sono ancora - spiega Danila Dal Pos - ma quest'opera si colloca a livelli molto alti e poterla finalmente ammirare da vicino, come si potrà fare in Casa di Giorgione, è un'occasione da non perdere". (Comunicato ufficio stampa Studio Esseci)

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A Jesi un nuovo Museo: il Museo Federico II Stupor Mundi
Museo multimediale per rivivere la storia che ha cambiato la Storia
www.federicosecondostupormundi.it

Nello storico Palazzo Ghislieri a Jesi, la città che ha dato i natali a Federico II di Svevia, inaugurato l'1 luglio il primo grande museo a lui dedicato, che riprende l'appellativo con cui veniva chiamato l'imperatore dai suoi contemporanei per affermare la sua inesauribile curiosità intellettuale. Il progetto è nato dalla volontà dell'imprenditore e presidente della Fondazione Federico II Stupor Mundi, Gennaro Pieralisi, di dedicare al grande Imperatore un luogo che potesse ripercorrerne la vita straordinaria, raccontare le sue imprese sia in politica che in cultura, e diffondere la conoscenza degli edifici, palazzi, castelli e vestigia, ancora conservati in Italia e in Europa.

Il Museo è stato realizzato con fondi privati e il contributo di Fondazione Marche in collaborazione con il Comune di Jesi, la Fondazione Cassa di Risparmio di Jesi, la Fondazione Federico II Hohenstaufen, la Fondazione Pergolesi Spontini e la Regione Marche. La curatela scientifica è stata affidata a Anna Laura Trombetti Budriesi, docente di Storia medievale all'Università degli Studi di Bologna, coadiuvata da Laura Pasquini e Tommaso Duranti, ricercatori presso il Dipartimento di Storia Culture Civiltà dello stesso ateneo. L'allestimento museografico è stato realizzato dalla società Volume S.r.L di Milano, capofila per questo progetto di un team di aziende quali Euphon, Studio'80, Castagna-Ravelli e Sydonia Production.

Il Museo Federico II Stupor Mundi sorge in una posizione unica al mondo: la stessa piazza dove il 26 dicembre 1194 Costanza d'Altavilla, sotto una tenda in mezzo al popolo, diede alla luce Federico II Hohenstaufen, futuro Re di Germania e di Sicilia e Imperatore del Sacro Romano Impero. Il ricordo della città natale rimase vivo nella memoria dell'Imperatore Svevo, come mostra la lettera inviata agli abitanti di Jesi nell'agosto 1239, nella quale la descrive come "nobile città della Marca, insigne principio della nostra vita, terra ove la nostra culla assurse a particolare splendore" e la definisce "la nostra Betlemme". La nascita di Federico II nella città marchigiana, ed i privilegi ad essa concessi dai suoi eredi, è alla base dell'antica definizione di "Jesi Città Regia".

Federico II di Hohenstaufen non fu solo un grande politico e condottiero, ma anche un personaggio di rara intelligenza, un fine intellettuale e studioso capace di anticipare i tempi. Si circondò di poeti eccelsi, con cui fondò la Scuola Poetica Siciliana, alla base della nascita della letteratura italiana; i suoi interessi per il sapere e la ricerca comprendevano anche i campi della medicina, dell'astronomia e della matematica, fu uomo di potere e uomo di cultura. Sedici sale tematiche, disposte su tre piani, che attraverso accurate ricostruzioni scenografiche e tridimensionali, installazioni multimediali e l'utilizzo di tecnologie di ultima generazione, come il video mapping e supporti touch-screen, costituiranno un vero e proprio viaggio immersivo e multisensoriale alla scoperta di Federico II di Svevia: la nascita e la storia dei suoi antenati; l'incoronazione come Imperatore nella medievale Basilica di San Pietro; il suo rapporto con i papi e la Chiesa; la Crociata in Terrasanta; le mogli e la discendenza; la sua passione per la falconeria (fu autore di un prezioso trattato ancora oggi attuale e modernissimo); il suo sconfinato interesse per le arti, le scienze e il sapere, che hanno contribuito a creare l'immagine di un mito che, per la prima volta, viene racchiusa in un unico luogo. (Comunicato ufficio stampa Flaminia Casucci)

Prima del nuovo numero di Kritik... / Iniziative culturali

Nysferatu - Symphony of a Century
25 giugno 2018 ore 17.45
Cinema Multisala Giorgione - Venezia

Nysferatu è un'animazione in rotoscoping, ispirata all'iconico Nosferatu di Murnau: in tre anni di lavoro, Andrea Mastrovito e un team di 12 artisti hanno realizzato oltre 35000 tavole disegnate a mano. La commistione tra una tecnica sorprendente e una colonna sonora originale scritta da Simone Giuliani, è arricchita da una trama che riprende l'originale Nosferatu di Murnau del 1922 e lo sposta nella New York e nella Siria dei giorni nostri. La rivisitazione di Mastrovito ripropone, tra l'altro, un tema urgente come quello dell'immigrazione, sovrapponendo la classica figura del vampiro con quella dell'outsider: la versione definitiva di Nysferatu è stata resa possibile grazie ad una serie di workshop newyorkesi con immigrati da tutto il mondo che si sono relazionati con Mastrovito e MoreArt durante le fasi di stesura della sceneggiatura.

La proiezione in laguna si inserisce nel percorso che il film ha intrapreso nelle sale cinematografiche nazionali e internazionali. Nysferatu arriva a Venezia dopo una tournée che ha coinvolto, grazie alla produzione dell'associazione noprofit More Art, diversi spazi nell'area di New York. Successivamente, in occasione delle mostre personali di Mastrovito, il film è stato proiettato al teatro Grutli di Ginevra e alla Kunsthalle di Osnabrück per proseguire in diverse sedi internazionali come Fondazione Stelline a Milano, Belvedere 21 a Vienna, Gamec a Bergamo, Museo Novecento a Firenze, Museo Salinas a Palermo, Fondazione La Fabbrica del Cioccolato a Torre - Blenio, Innis Town Hall Theatre a Toronto, Zeitz MOCAA a Capetown e St. Ann's Church | Bram Stoker Festival a Dublino.

Alla proiezione seguirà un talk condotto da Alberto Fiz, curatore e critico di arte contemporanea, per guidare il pubblico alla scoperta del lavoro dell'artista, che sarà presente in sala. Andrea Mastrovito, artista bergamasco di stanza a Brooklyn, è noto a livello internazionale per la sua capacità di declinare il disegno in molteplici linguaggi legati all'arte visiva e, a questo punto della sua ricerca, ha sperimentato il cinema come linguaggio immediato e popolare. (Estratto da comunicato stampa)

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Umanesimo industriale: creatività, innovazione e cultura d'impresa
24 giugno 2019, ore 10.00
Associazione Civita - Roma
www.civita.it

Convegno promosso dall'Associazione Civita e dall'Associazione Economia per la Cultura, in merito all'impegno che, ad oggi, sempre più aziende riservano nel mantenere una relazione con la propria storia, con il territorio e la comunità, nel sostenere l'arte e la cultura oltre che nel rispondere ai criteri di sostenibilità ambientale e sociale. Le imprese italiane rappresentano un sistema culturale con una propria dimensione storica, sociologica ed economica che, insieme con le Istituzioni, concorre alla creazione della cultura nella nostra epoca.

I prodotti, le rassegne stampa, i brevetti, i documenti audiovisivi e tutto ciò che nasce dalla quotidianità dell'operare, sono le più vive testimonianze di una cultura del Made in Italy che trae origine dall'attività economica ma che riserva significati più ampi. Il recupero della memoria storica dell'impresa, la sua conservazione e fruizione possono essere visti da prospettive differenti e con obiettivi diversificati: dalle finalità di marketing (tipiche della brand heritage come elemento qualificante del prodotto aziendale), alla condivisione dei propri valori con la società, ad una più matura e diffusa consapevolezza del know how aziendale, fino ad un'offerta di turismo industriale che punta a valorizzare il territorio circostante, indagandone, tra l'altro, anche la storia.

L'incontro vuole evidenziare la trasformazione, insieme culturale e produttiva, che vede il mondo delle imprese italiane interprete creativo del valore della memoria e di un nuovo umanesimo con, al centro, il rapporto con le persone. Le imprese, danno vita ad un'intensa progettazione culturale di mostre, musei, archivi, biblioteche, produzioni artistiche ed architettoniche, attraverso cui conservano e, al contempo, trasferiscono, i propri valori sia al loro interno che all'esterno, con significativi effetti di crescita e sviluppo. L'impegno delle imprese nella ricostruzione della memoria aziendale non è un fatto recente ma conosce oggi un vero salto di qualità, divenendo il fulcro vitale delle relazioni e raccogliendo la richiesta di contenuti immateriali che proviene dalla società digitale e che ne determina le scelte in misura sempre maggiore.

Emerge, così, una storia d'idee, persone e territori intrecciata all'evoluzione dei processi produttivi, delle tecnologie e della ricerca scientifica; una sintesi fruttuosa che interpreta in pieno il bisogno di riallacciare i rapporti fra la cultura scientifica e quella umanistica. Questi i temi - in linea con il proficuo incontro fra Cultura e Impresa di cui l'Associazione Civita è, da oltre trent'anni, promotrice e già al centro della rivista "Economia della Cultura" - Il Mulino, n.1/2019 - di cui si discuterà in occasione del convegno, dando voce agli esperti oltre che ai rappresentanti del mondo delle aziende, con l'intento di sottolineare l'importanza, per l'Impresa, di conservare, tutelare e proiettare al futuro la propria cultura. Un impegno significativo in grado di creare nuove opportunità in termini di occupazione, ricchezza e qualità della vita nel nostro Paese. (Comunicato ufficio stampa Associazione Civita)

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Giallo Notte
Appuntamenti in terrazza con il cinema horror e fantastico

Institut français Palermo (Cantieri Culturali alla Zisa)
11 giugno - 23 luglio 2019, ore 21.00 (ingresso libero)
www.institutfrancais.it/palermo | www.goethe.de/palermo | www.palermo.cervantes.es | www.sudtitles.com

Gli istituti di cultura e lingue straniere attivi a Palermo - Goethe-Institut, Institut français, Instituto Cervantes - insieme a SudTitles Palermo, presentano una rassegna di film europei sul genere horror e fantastico, sulla terrazza dell'Institut français di Palermo. Da oltre vent'anni esiste un cinema fantasy e horror europeo di alta qualità. Se in Spagna il cinema fantastico e d'orrore ha conosciuto una rinascita negli anni Novanta, sotto l'impulso di giovani cineasti come Alejandro Amenábar, la sua diffusione è più limitata e contrastata in Francia (dove sono però nati alcuni maestri del cosiddetto newhorror come Pascal Laugier), in Germania (dove cominciano a imporsi giovani autori come Till Kleinert e Lukas Feigelfeld) e in Italia, dove registi coraggiosi continuano a mantenere viva una tradizione sulle rovine di un glorioso passato (è il caso del friulano Lorenzo Bianchini) quando altri usano il genere per denunciare la situazione politica del paese (Luna Gualano con Go home - A casa loro).

Questo genere è quasi sempre escluso dalla programmazione degli istituti culturali stranieri, come se il cinema d'autore fosse incompatibile con l'horror. Questa rassegna prova ad abbattere i preconcetti e gli stereotipi legati a questo genere troppo spesso sottovalutato, per scoprire che accanto ad opere sicuramente molto mainstream e commerciali, emergono affascinanti lavori autoriali che offrono esperienze ben più radicali e incisive. Perché i film horror più efficaci sono proprio quelli che fanno leva sulla paura per andare oltre l'effetto fine a se stesso e per dare voce ai problemi e alle ansie del mondo. (Comunicato stampa)

- Calendario delle proiezioni
Film in lingua originale con sottotitoli

.. 11 giugno, Ghostland (La Casa delle Bambole, Canada 2018)
.. 18 giugno, Tesis (Spagna, 1996)

.. 25 giugno, Hagazussa (Germania/Austria, 102', 2018)

Regia e Sceneggiatura: Lukas Feigelfeld
con Aleksandra Cwen, Celina Peter, Claudia Martini
Film in versione originale tedesca con sottotitoli italiani

* Prima proiezione in Sicilia. Sarà presente il regista

Hagazussa è l'oscura leggenda di una donna e della sua lotta per mantenere lucida la sua mente. In un'epoca in cui la fede pagana nelle streghe e negli spiriti della natura semina paura e terrore nei contadini, il film di diploma di Lukas Feigelfeld – vincitore del premio "First Steps" dell'Accademia Cinematografica tedesca come migliore film del 2018 tra le giovani proposte e come migliore fotografia - cerca di esplorare in modo originale la linea sottile tra magia nera, fede e illusione. Lukas Feigelfeld è un regista, fotografo e montatore. Ha studiato Fotografia e Audiovisivo a "der Graphischen". Dopo un semestre di Filosofia e Storia dell'Arte all'Università di Vienna, si è trasferito a Berlino. Nel 2007 ha iniziato i suoi studi di regia alla Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin / dffb. Nel 2010 ha fondato, insieme alla direttrice della fotografia Mariel Baqueiro, l'ufficio di produzione cinematografica Retina Fabrik. Nel 2016 si è diplomato alla dffb con il suo primo lungometraggio Hagazussa.

.. 2 luglio, Go Home - A casa loro (Italia, 2019)
.. 9 luglio, Amer (Francia/Belgio, 2010)
.. 16 luglio, Der Samurai (Germania, 2015)
.. 23 luglio, Oltre il guado (Italia, 2013)

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Taormina Film Fest
65a edizione, 30 giugno - 06 luglio 2019
www.taorminafilmfest.it

Anteprima europea di Spider-Man: Far From Home al Teatro Antico. Tra gli ospiti Nicole Kidman, Octavia Spencer, Julia Ormond e Bruce Beresford per il film d'apertura Ladies in black, Oliver Stone Presidente di Giuria, Peter Greenaway, Mimmo Calopresti, Marcello Fonte, Carolina Crescentini, Donatella Finocchiaro, Riccardo Scamarcio, Paolo Genovese e tanti altri

La sessantacinquesima edizione del Taormina FilmFest, che si svolgerà dal 30 giugno al 6 luglio 2019, è fiera di annunciare l'anteprima europea del film Spider-Man: Far From Home, che sarà proiettato al Teatro Antico la sera del 5 luglio. Il film, diretto da Jon Watts e interpretato da Tom Holland, Michael Keaton, Zendaya, Marisa Tomei, Jake Gyllenhaal, Cobie Smulders e Samuel L. Jackson uscirà in Italia il 10 luglio, distribuito da Sony Pictures Italia/Warner Bros. Pictures Italia e riprende il filo degli eventi di Avengers: Endgame. In vacanza in Europa con i suoi migliori amici e con il proposito di non indossare i panni del supereroe per alcune settimane, Peter Parker dovrà aiutare Nick Fury a svelare il mistero degli attacchi di creature elementali che stanno creando scompiglio in tutto il Continente.

Il prestigioso premio Taormina Arte Award 2019 verrà conferito alle attrici Premio Oscar Nicole Kidman e Octavia Spencer (The Help), produttrice esecutiva della nuova serie tv della Apple Truth Be Told. Spetterà a Ladies in Black, il nuovo film del regista australiano Bruce Beresford (A spasso con Daisy), l'onore di inaugurare la storica rassegna. Beresford sarà presente insieme alla protagonista Julia Ormond e agli altri attori del film. Il Festival, che quest'anno avrà come madrina l'attrice e modella spagnola Rocío Muñoz Morales, e sarà presentato, nelle serate al Teatro Antico, dalla conduttrice e attrice Carolina Di Domenico, è prodotto e organizzato per il secondo anno consecutivo da Videobank, in collaborazione con la Fondazione Taormina Arte (sostenuta dall'Assessorato regionale al Turismo e dal Comune di Taormina), con la direzione artistica di Silvia Bizio e Gianvito Casadonte.

Le sezioni del Concorso prevedono complessivamente 11 anteprime mondiali, 17 europee e 14 nazionali. La linea editoriale propone, inoltre, 9 lungometraggi fuori concorso - di cui 4 anteprime mondiali, 1 europea e 4 nazionali - il ritorno serale di sette attesi titoli del grande cinema internazionale al Teatro Antico e una selezione di 18 cortometraggi. Oliver Stone - che presenterà il documentario Revealing Ukraine di Igor Lopatonok, di cui è produttore esecutivo - sarà il Presidente della Giuria per la sezione lungometraggi, giuria in cui figureranno, tra gli altri, lo scrittore Andre Aciman (Chiamami col tuo nome), il compositore Carlo Siliotto (La misma luna; Istruzioni non incluse), l'attrice Julia Ormond, la montatrice Elisa Bonora, l'attrice Carolina Crescentini e il regista Paolo Genovese. Nella giuria documentari, la produttrice e fondatrice dell'azienda Anonymous Content, Bedonna Smith, l'attrice Donatella Finocchiaro e il regista Andrea Pallaoro.

Tra gli eventi speciali al Teatro Antico, la prima mondiale del nuovo film di Mimmo Calopresti, Aspromonte - La terra degli ultimi, con Marcello Fonte e Francesco Colella, che saranno presenti a Taormina con il regista. Interpretato anche da Valeria Bruni Tedeschi e Marco Leonardi, con la partecipazione di Sergio Rubini, il film, che sarà distributo in settembre da IIF, è ambientato ad Africo, alla fine degli anni Cinquanta, dove una donna muore di parto perché il dottore non riesce ad arrivare in tempo e non esiste una strada di collegamento... Altra proiezione speciale, la prima italiana di Yesterday, nuovo film di Danny Boyle, incentrato sui Beatles, con Himesh Patel e Lily James e l'attesissimo Amazing Grace, con Aretha Franklin da giovane.

Quarantanove anni dopo Non si uccidono così anche i cavalli? - vincitore del "primo" Cariddi d'Oro nel 1970, quando Gian Luigi Rondi introdusse la sezione competitiva - Amazing Grace è un docufilm postumo girato da Sidney Pollack e testimonia il successo dell'album più venduto di una giovane Aretha Franklin che, insieme al Southern California Community Choir e al reverendo James Cleveland, nel 1972 saliva sul pulpito di una chiesa battista per tenere un concerto di due giorni, aperto al pubblico. Il film, però, non fu mai terminato a causa di un imperdonabile errore tecnico che non permise a Pollack di sincronizzare il suono. Incredibile, ma vero: mancava il ciak sul set!

Il festival ospiterà anche la prima italiana del documentario Sea of Shadows, vincitore del Premio del Pubblico allo scorso Sundance Film Festival, diretto dall'austriaco Richard Ladkani e prodotto dalla compagnia di Leonardo DiCaprio. Il doc, che andrà in onda in Italia su National Geographic nel 2020, segue un gruppo di attivisti guidati dall'italiano Andrea Crosta - che sarà presente a Taormina con il regista - che lottano per salvare dall'estinzione la vaquita, la più piccola balena al mondo. Andrea Crosta e Richard Ladkani prenderanno parte, mercoledì 3 luglio a una tavola rotonda - moderata dalla co-direttrice artistica del festival, Silvia Bizio - che racconterà i rischi di girare film in situazioni di estremo pericolo. All'incontro parteciperanno altri registi e produttori che rischiano la vita per portare al pubblico realtà difficili e i cui film saranno proiettati nel corso del festival.

Un'altra tavola rotonda sarà dedicata alle donne registe e produttrici, mentre il regista Peter Greenaway e l'attore Riccardo Scamarcio sono due dei protagonisti delle tante masterclass previste. Tra gli altri ospiti, Kasia Smutniak con il film Dolce Fine Giornata, di Jacek Borcuch, premiato al Sundance Film Festival e alcuni membri del Ghana Actor's Guild, che accompagneranno la prima europea del film Azali, diretto da Kwabena Gyansah. Fra i numerosi film Spiral Farm, che sarà presentato dal regista e dall'attrice protagonista: debutto alla regia di Alec Tibaldi, figlio del regista Antonio Tibaldi, e' interpretato da Piper De Palma, figlia di Brian De Palma.

Al festival sarà presente anche la Apple, che annuncia il proprio ingresso ufficiale in un festival internazionale, presentando la sua nuova serie drammatica Truth Be Told, creata da Nichelle Tramble e ispirata dal romanzo di Kathleen Barber. La Apple presentera' a Taormina il documentario The Elephant Queen, diretto da Mark Deeble e Victoria Stone e il film Hala, diretto da Minhal Baig per la produzione esecutiva di Jada Pinkett Smith. Altro film in anteprima italiana La fattoria dei nostri sogni, di John Chester, che sarà distribuito al cinema da Teodora Film a partire dal prossimo 5 settembre, l'incredibile storia vera, inno luminoso a Madre Natura, di una coppia californiana in fuga dalla città per costruire dal nulla la fattoria sempre desiderata.

In programma la première mondiale di I'll Find You, di Martha Coolidge (prodotto da Fred Roos, socio storico di Francis Ford Coppola), mentre le selezioni narrative includeranno la prima italiana di All Is True, di e con Kenneth Branagh, interpretato da Judi Dench e Ian McKellen e Tolkien, di Dome Karukoski, interpretato da Nicholas Hoult e Lily Collins, che uscirà in Italia il 26 settembre distribuito da 20th Century Fox: la storia biografica dell'autore de Il Signore degli Anelli, che racconta il ragazzo e l'uomo, lo scrittore e lo studioso, dietro alle sue immense opere. Tra gli ospiti della serata finale anche Carly Paoli, soprano di fama internazionale e di origini italiane che ha già incantato le platee di tutto il mondo, dal Carnegie Hall ai Fori Imperiali. La locandina del festival è dedicata al gioco sensuale mirabilmente personificato dalla celebre scena del ballo del film Il conformista di Bernardo Bertolucci, a cui viene tributato un omaggio alla memoria. (Comunicato ufficio stampa Reggi&Spizzichino Communication)

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Arepo / Alchimie Coreografiche
Bando per Coreografi over 35
Biennio 2021/2022: "Body and soul"

Termine di partecipazione: 31 agosto 2019
www.egridanza.com

Il bando Arepo 21/22 indetto dalla Fondazione Egri per la Danza è un bando annuale che ha come finalità principale quella di ospitare, sostenere, diffondere e promuovere le nuove creazioni di coreografi Over 35, favorendo la realizzazione di progetti coreografici innovativi e ispirati alla contemporaneità e supportandone la messa in scena. Il Bando si propone di offrire una piattaforma creativa a quegli artisti che pur praticando la coreografia non hanno ancora avuto adeguata visibilità professionale o hanno praticato la danza soprattutto come interpreti e non hanno ancora avuto occasione sino ad oggi di affrontare un lavoro coreografico più articolato. Il progetto coinvolge coreografi italiani ed europei per creare i un'opera inedita che si ispiri al tema del bando del biennio 21/22 "Body and Soul" che può essere interpretata dagli artisti a seconda della loro estetica e poetica.

La Fondazione Egri per la Danza offre un periodo di ospitalità di 20 giorni presso la propria sede di Torino ove i coreografi realizzeranno la coreografia con i danzatori della Compagnia EgriBiancoDanza. della durata massima fra i 25 e 40 minuti. Saranno ammessi alla selezione cittadini italiani ed europei over 35 con almeno uno dei seguenti requisisti: comprovata attività come danzatori professionisti in compagnie italiane o europee professionali dove abbiano già manifestato vocazione alla composizione coreografica ed esperienze nella coreografia abbiano svolto attività come coreografi a livello professionale in compagnie italiane o estere. (Estratto da comunicato stampa)

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The Arepo 21/22 call issued by Fondazione Egri per la Danza is an annual call with the main purpose to host, support, disseminate and promote the new creations for choreographers Over 35, to support and help the creation of innovative and contemporary inspired choreographic projects and supporting the on stage creation. The call aims to offer a creative platform to those artists that practice choreography but they have not had yet the chance for the right visibility or they have practiced dance especially as performers without getting until today the right chance for a more articulated choreographic work. The project involves Italian and European choreographers with the aim of creating a new work inspired by the theme of the call for tenders for the two-year period 2021/2022 "Body and Soul" is the theme which can be interpreted by the artists according to their personal aesthetics and poetics.

Fondazione Ergi per la Danza offers a 20-days hospitality period at its Turin headquarters where choreographers will create a piece with Compagnia EgriBiancoDanza dancers for a duration between 25 and 40 minutes. Italian and European citizens over 35 will be admitted to the selection if they can prove to have one of the following requirements: They can prove an activity as professional dancers in Italian or European professional companies where they have already shown a vocation for choreographic composition and experiences in choreography; they have carried out activities as choreographers at a professional level in Italian or foreign companies. The requested documentation must be sent later than 31 august 2019. (Press release)

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Premio Internazionale alla Migliore Sceneggiatura "Sergio Amidei"
38a edizione, 18-24 luglio 2019
Palazzo del Cinema - Hiša Filma (Parco Coronini Cronberg) - Gorizia
www.amidei.com | www.atemporarystudio.com

La giuria - composta dagli sceneggiatori Massimo Gaudioso e Doriana Leondeff, i registi e sceneggiatori Francesco Bruni e Francesco Munzi, il regista Marco Risi, la produttrice Silvia D'Amico, l'attrice Giovanna Ralli - ha selezionato i film in concorso tra i titoli europei usciti nelle sale durante la stagione cinematografica 2018 - 2019. La sceneggiatura vincitrice - che sarà rivelata ufficialmente nella serata conclusiva di mercoledì 24 luglio - verrà premiata per la sua originalità e per la capacità di sperimentare nuove formule narrative, oltre che per l'attenzione alla realtà sociale e ai temi emergenti del mondo contemporaneo.

Sette le sceneggiature in lizza per il Premio 2019: Ricordi? (Italia; sceneggiatura e regia: Valerio Mieli), La favorita (The Favourite, Irlanda, Gran Bretagna, Usa; sceneggiatura: Deborah Davis, Tony Mcnamara; regia: Yorgos Lanthimos), Cold War (Zimna wojna; Gran Bretagna, Francia, Polonia; sceneggiatura: Pawel Pawlikowski, co-sceneggiatore: Janusz Glowacki; regia: Pawel Pawlikowski), Ma cosa ci dice il cervello (Italia; sceneggiatura: Furio Andreotti, Giulia Calenda, Paola Cortellesi, Riccardo Milani; regia: Riccardo Milani), Il traditore (Italia, Francia, Brasile, Germania; sceneggiatura: Marco Bellocchio, Valia Santella, Ludovica Rampoldi, Francesco Piccolo; regia: Marco Bellocchio), La terra dell'abbastanza (Italia; sceneggiatura e regia: Damiano D'Innocenzo e Fabio D'Innocenzo), Sulla mia pelle (Italia; sceneggiatura: Lisa Nur Sultan, Alessio Cremonini; regia: Alessio Cremonini).

Come da tradizione sarà proiettato fuori concorso il vincitore degli Oscar come miglior film, titolo conquistato nel 2019 da Green Book (Usa; sceneggiatura: Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Vallelonga; regia: Peter Farrelly), saranno infine proposti Fuck You Immortality (Italia, Usa; sceneggiatura e regia: Federico Scargiali) e Segretarie - Una vita per il cinema (Italia; sceneggiatura e regia: Raffaele Rago, Daniela Masciale). Al Premio principale, quello alla Migliore sceneggiatura, si affiancano come consuetudine altri tre importanti riconoscimenti: il Premio all'Opera d'autore, il Premio alla cultura cinematografica e il Premio del Pubblico.

Il palinsesto si snoderà inoltre tra le diverse retrospettive in programma tra cui la sezione "Spazio Off" per illuminare le zone più indipendenti e periferiche del cinema italiano e internazionale, la sezione "Scrittura seriale" dedicata alla scrittura long-running per la tv e il web, la sezione "Racconti privati", memorie pubbliche che si concentra sul lavoro di ricerca e di valorizzazione dei materiali d'archivio, in particolare di quelli conservati presso la Mediateca.GO "Ugo Casiraghi" di Gorizia. (Comunicato stampa)

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I Premi Finali dell'Aqua Film Festival 2019
4a edizione, 11-13 aprile 2019
Casa del Cinema di Roma
www.aquafilmfestival.org

Il primo festival di cinema internazionale con cortometraggi, incontri e workshop, eventi speciali dedicati al tema dell'acqua in tutte le sue forme, ideato e diretto da Eleonora Vallone, attrice, giornalista ed esperta di metodiche d'acqua. Oltre duecento i film arrivati in selezione, provenienti da tutto il mondo, di cui sono stati proiettati 20 film nella sezione Corti, 6 nella sezione Cortini e 5 nella sezione Cortini Aqua&Students, dedicata esclusivamente agli studenti. Grande successo ha ottenuto il workshop su come filmare con uno smartphone, tenuto dal prof. Francesco Crispino. (Estratto da comunicato ufficio stampa Reggi&Spizzichino)

- Premi

.. Premio Sorella Aqua - Miglior Corto

"A piscina de Caique", di Raphael Gustavo Da Silva (Brasile - Portogallo - 15')
Motivazione: Per aver narrato l'ambiente esterno e l'ambiente interiore mediante una piccola, grande storia di amicizia e di educazione familiare. Per la forza dei dialoghi semplici ed efficaci che contribuiscono, tra dramma e divertimento, al racconto di una giornata qualunque.

.. Premio Sorella Aqua - Miglior Cortino

"Una favola per la natura", di Stefano De Felici (Italia - 1'50")
Motivazione: Per averci mostrato mediante una bella fiaba che un altro mondo è possibile. Per la dolcezza delle immagini che raccontano con intuito e leggerezza l'ambiente da salvaguardare e in cui vivono spensierati tutti i suoi abitanti.

.. Menzione Speciale Aqua&Ambiente

"Di chi è la terra?", di Daniela Giordano (Italia - 15')
Motivazione: Per aver narrato con grande lucidità la cultura del consumismo e del profitto, travestita da interessi green e politicamente corretti. Per aver provato a tracciare una direzione con l'ausilio di immagini divertenti e irriverenti, sapientemente ancorate alla contemporaneità.

.. Aqua&Isola ex-aequo

"Weather Report", di Paul Murphy (Irlanda - 5')
Motivazione: Per aver raccontato attraverso una sapiente regia la storia vera di un guardiano del faro, sottolineando con un'ottima fotografia il contesto esterno e la vita quotidiana, con lo sguardo puntato sul mare d'Irlanda alla vigilia dello sbarco in Normandia.

"L'isola delle tartarughe", di Monica Francesca Blasi (Italia - 3')
Motivazione: Per aver mostrato i padroni del mare delle Isole Eolie tra bellezza e difficoltà, sottolineando attraverso un buon mix di cronaca e poesia la vita delle tartarughe marine sotto l'occhio attento dei vulcani.

.. Aqua&Animation

"La Tierra en mis manos" di Nicolàs Conte (Argentina - 4'30")
Motivazione: Per la semplicità con cui affronta il tema degli sprechi d'acqua e per l'utilizzo di una animazione che, mediante colori e movimenti ragionati, ci porta sulla strada di un consumo sostenibile delle risorse.

.. Aqua&Thriller

"Hiperion", di Rubén Jiménez Sanz (Spagna - 17 minuti)
Motivazione: Per aver realizzato un thriller irriverente che pur riservando momenti di suspense, regala anche qualche attimo di ilarità in mare aperto.

.. Aqua&Students

"No Cig Buttus" (3 minuti), di Istituto Superiore Galilei (Mirandola) (Italia 2017)
Motivazione: Per aver realizzato un film breve in cui l'animazione non è rappresentata da effetti speciali ma da un uso consapevole della scrittura per immagini.

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Premio Tenco 2018 al cantautore Adamo
20 ottobre 2018
Teatro Ariston di Sanremo 

L'edizione 2018 del Premio Tenco quest'anno è dedicata al tema "Migrans - Uomini, idee, musica" e il cantautore Adamo incarna lo spirito di chi, partendo dall'Italia, ha portato canzoni e cultura oltre confine. Nell'ambito dell'edizione Premio Tenco 2018, il cantautore Adamo sarà insignito del prestigioso Premio e si esibirà sul palco del Teatro Ariston, a dieci anni dal suo ultimo live italiano. Nella prolifica produzione di Adamo emerge un messaggio universale per "Questo mondo che ha male", dove povertà, sete di potere, stupidità umana e mancanza di comunicazione, tradiscono una carenza d'amore. Per lui, "Il futuro non esiste", perché la fede nell'avvenire resta nelle nostre mani.

Adamo attualmente è impegnato nella preparazione di un nuovo album (uscita prevista nel 2019) con brani di grandi autori italiani, prodotto da Dino Vitola, a cui seguirà una tournée nazionale ed internazionale, che riporterà Adamo nel suo paese di origine, l'Italia. La passione per la musica e una qualità vocale tinta di emozioni hanno fatto di Salvatore Adamo (1943) uno dei cantautori poeticamente e commercialmente più riusciti in Europa e nel mondo. Salvatore Adamo, primo di sette fratelli, è migrato in Belgio a Ghlin-Jemappes (Mons) dalla città di Comiso (Sicilia) nel 1947 con i suoi genitori all'età di tre anni. Ragazzo timido e gentile, inizia il cammino verso il successo in un concorso indetto da radio Lussemburgo, presenta la canzone "Si J'osais" con la quale il 14 febbraio 1960 fa il suo esordio radiofonico e successivamente vince la finale a Parigi.

L'album di debutto - Adamo '63/'64 - con "Tombe La Neige" e "Vous Permettez, Monsieur?" lo trasforma in una celebrità mondiale. La passione per la musica e le qualità artistiche lo hanno reso una delle stelle più grandi nel mondo musicale in lingua francese. Impone la sua musica senza tempo, passando dall'Europa, dall'America del Sud e del Nord, dal Medio Oriente, dall'Africa, dall'Asia per arrivare al Giappone. E' stato ai primi posti nelle Hit-Parade in più di cinquanta nazioni. Della canzone "Tombe la neige" (oltre ad essere stata per 72 settimane al primo posto in Giappone) esistono più di ottocento versioni in giro per il mondo, delle quali cinquecento nel solo Giappone. Nel corso della sua carriera ha composto più di cinquecento canzoni (parole e musica), pubblicato Venticinque Album studio (in Francia) e venduto più di 100 milioni di dischi, vinto ventidue Dischi d'Oro (quelli da 1 milione di dischi cadauno) entrando così di diritto nell'albo dei migliori cantanti di tutti i tempi. (Comunicato Ufficio stampa Alessandra Placidi)

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Fermo-immagine del cantautore Adamo dal film Les Arnaud

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Il diario di Angela. Noi due cineasti
un film di Yervant Gianikian
alla 75esima Mostra Internazionale di Arte Cinematografica di Venezia

Ogni giorno, da sempre, Angela tiene un diario, scritto e disegnato: fatti pubblici, privati, incontri, letture, tutto vi viene registrato. Anche il rapporto di due viaggi in Russia, 1989-1990. Cadeva l'URSS. Diario su librini cinesi, sin da prima di Dal Polo all'Equatore (1986), del nostro ininterrotto lavoro sulla violenza del 900. Dai nostri tour negli Stati Uniti con i "Film Profumati" di fine anni '70, all'Anthology Film Archive di New York, al Berkeley Pacific Film Archive... Rileggo ora questi diari e rivedo il film-diario di tutti questi anni, sono rimasto da solo, dopo molti anni di vita e di lavoro d'arte insieme. L'ho portata sulle Alpi Orientali che amava e dove insieme camminavamo.

Angela rivive per me nelle sue parole scritte a mano, con calligrafia leggera, che accompagnano i suoi disegni, gli acquarelli, i rotoli lunghi decine di metri. Guardo i nostri film privati, dimenticati. Registrazioni che stanno dietro al nostro lavoro di rilettura e risignificazione dell'archivio cinematografico documentario. La vita di ogni giorno, fatta di cose semplici, le persone vicine che ci accompagnano, la ricerca nel mondo dei materiali d'archivio, un viaggio in Armenia sovietica con l'attore Walter Chiari. Testimonianze che nel corso del tempo abbiamo raccolto. E' il mio ricordo di Angela, della nostra vita. Rileggo questi quaderni e ne scopro altri a me sconosciuti. (...) Rivedere l'insieme dei quaderni del Diario infinito di Angela e lo sguardo all'indietro dei nostri film privati, che accompagnano la nostra ricerca. Il mio disperato tentativo di riportarla al mio fianco, di farla rivivere, la continuazione del nostro lavoro come missione attraverso i suoi quaderni e disegni, una sorta di mappa per l'agire ora, che ne contiene le linee direttrici e ne prevede la continuazione. Angela ed io abbiamo predisposto nuovi importanti progetti da compiere. La promessa, il giuramento, di continuare l'opera. (Yervant Gianikian)

Angela Ricci Lucchi è nata a Ravenna nel 1942. Ha studiato pittura a Salisburgo con Oskar Kokoschka. E' scomparsa lo scorso 28 febbraio a Milano. Yervant Gianikian ha studiato architettura a Venezia, già dalla metà degli anni '70 si dedica al cinema, l'incontro con Angela Ricci Lucchi segnerà il suo percorso artistico e privato. I film di Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi sono stati presentati nei più importanti festival internazionali, da Cannes a Venezia, da Toronto alla Berlinale, da Rotterdam a Torino alle Giornate del Cinema Muto. Retrospettive della loro opera sono state ospitate nelle maggiori cineteche del mondo (dalla Cinémathèque Française alla Filmoteca Española, dalla Cinemateca Portuguesa al Pacific Film Archive di Berkeley) e in musei come il MoMA di New York, la Tate Modern di Londra e il Centre Pompidou di Parigi.

Tra i luoghi che hanno ospitato le loro installazioni, citiamo almeno la Biennale di Venezia, la Fondation Cartier Pour l'Art Contemporain di Parigi, la Fundacio "La Caixa" di Barcellona, il Centro Andaluz de Arte Contemporaneo di Siviglia, il Mart di Rovereto, il Witte de With Museum di Rotterdam, il Fabric Workshop and Museum di Philadelphia, il Palais des Beaux-Arts di Bruxelles, il Museo d'Arte Contemporanea di Chicago, l'Hangar Bicocca di Milano, Documenta 14 a Kassel. (Comunicato stampa Lara Facco)

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Il diario di Angela. Noi due cineasti
by Yervant Gianikian
at 75th Venice International Film Festival

Angela always kept a diary, writing and drawing in it every day: public events, private matters, people she had met and things she had read, everything was noted down. Even accounts of two trips to Russia, 1989-1990. Just when the USSR was crumbling. A diary about little Chinese books, even from before Dal Polo all'Equatore (1986) and our continuous work on 20th-century violence. From our tours around the United States with "Perfumed Films" in the late 1970s to the Anthology Film Archive of New York and Berkeley Pacific Film Archive. As I reread these diaries and visualise a film-diary covering all those years, I am now on my own after living and working together on art projects for so many years. I took her with me to the eastern Alps she once loved so much and where we used to go walking together. Angela comes back to life for me in her handwritten words and soft handwriting accompanying her drawings, watercolours, rolls and rolls of film measuring dozens of metres in length.

I watch our private, forgotten films. Recordings that lie behind our work on reinterpreting and re-evaluating the documentary film archive. Everyday life made up of just ordinary things, the people who were close to us, our research in the world of archive materials, a trip to Soviet Armenia with the actor Walter Chiari. Memorabilia we collected down the years. These are my recollections of Angela and our life together. As I reread these notebooks I discover others I knew nothing about. (...) Looking back over all the notebooks composing Angela's endless Diary and taking another look back at those private films of ours accompanying our research work. My desperate attempt to have her back at my side again, to bring her back to life, so that we can carry on our work together as our purpose and mission in life, through her notebooks and drawings, a sort of map of what I now need to do, containing all the guidelines and how I should continue. Angela and I have made plans for important new projects together. A promise, a pledge, to continue our work. (Yervant Gianikian)

Angela Ricci Lucchi was born in Ravenna in 1942. She studied painting in Salzburg with Oskar Kokoschka. She passed away on 28th February in Milan. Yervant Gianikian studied architecture in Venice before deciding to focus on film in the mid-1970s. Meeting Angela Ricci Lucchi was a turning point in both her artistic career and private life. Yervant Gianikian and Angela Ricci Lucchi's films have been shown at the most important international film festivals, including Cannes, Venice, Toronto, the Berlinale, Rotterdam, Turin and the 'Giornate del Cinema Muto' (silent film festival). Retrospectives of their work have been hosted at some of the world's most important film archives (i.e. Cinémathèque Française, Filmoteca Española, Cinemateca Portuguesa and Pacific Film Archive in Berkeley) and in museums like MoMA in New York, the Tate Modern in London and Pompidou Centre in Paris.

Among those places that have hosted their installations, it is at least worth mentioning the Venice Biennial, Fondation Cartier Pour l'Art Contemporain in Paris, Fundacio "La Caixa" in Barcelona, Centro Andaluz de Arte Contemporaneo in Seville, the Mart in Rovereto, Witte de With Museum in Rotterdam, Fabric Workshop and Museum in Philadelphia, Palais des Beaux-Arts in Brussels, the Contemporary Art Museum in Chicago, Hangar Bicocca in Milan, and Documenta 14 in Kassel. (Press release)

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Oltreconfine
www.goethe.de/italia/oltreconfine

Cosa sappiamo della vita che ci si lascia alle spalle in fuga da una guerra? Cosa conosciamo di chi decide di mollare tutto, casa, amici e affetti per arrivare in un luogo in cui ogni cosa è estranea, ostile? Da oggi è online una Webserie in sei episodi girata tra i Balcani, la Germania e l'Italia, in cui sei giovani registi raccontano sei storie di partenze, viaggi e arrivi oltreconfine. La serie è stata prodotta dal Goethe-Institut in Italia che ha selezionato le idee di tre studenti della dffb (Deutsche Film- und Fernsehakademie) di Berlino e tre del Centro Sperimentale di Cinematografia di Palermo. I film sono stati scritti e girati grazie alla collaborazione di due tutor autorevoli, Andres Veiel a Berlino e Stefano Savona a Palermo, entrambi registi e documentaristi premiati nell'ambito di prestigiosi festival.

Le sei storie sono l'occasione per entrare nelle vite di altrettanti protagonisti che, per motivi e in momenti storici diversi tra loro, hanno attraversato i confini del proprio paese e della propria vita. Le sei storie sono Houzayfa's Items di Carlotta Berti, Virginia Nardelli e Alessandro Drudi, Mangoes grow in Winter di Benedetta Valabrega e Claudia Mastroroberto, Filthy Maddening Race di Luca Capponi e Alessandro Drudi, 175 km di Borbála Nagy, Historia Magistra Vitae di Tamara Erbe e Sans Sommeil di Sarah Yona Zweig. (Comunicato Ufficio Stampa e Relazioni Esterne Goethe-Institut Rom)

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Il Paese dei Festival
I Festival come motori culturali sul territorio italiano

Al Goethe-Institut Palermo un incontro dei festival culturali italiani
www.goethe.de/palermo

I rappresentanti di otto festival culturali italiani si sono dati appuntamento a Palermo. Motivo dell'incontro un invito del Goethe-Institut, che ha promosso un progetto d'eccellenza creato ad hoc proprio per loro. Si tratta di "Il Paese dei Festival", un percorso finalizzato a mettere a confronto chi si occupa di festival culturali nel Sud della penisola, ovvero creare un momento di scambio e approfondimento attraverso tre incontri, di cui il primo si è appena concluso e i prossimi due si terranno nel 2018. "Obiettivo del progetto - spiega Heidi Sciacchitano, direttrice del Goethe-Institut Palermo - è quello di proporre ai partecipanti di affrontare un percorso comune di training professionale che stimolerà i direttori e i rappresentanti di otto festival a sperimentare un metodo di gestione coerente, sostenibile, internazionale e di alta qualità. In ciò ci avvarremo della consulenza e preparazione nella formazione di esperti e professionisti del settore, tra cui la Fondazione Fitzcarraldo di Torino."

Nell'incontro appena tenuto, i rappresentanti dei festival hanno affrontato in tre giorni di workshop il tema della progettazione culturale tra territori e sostenibilità. Al Goethe-Institut di Palermo sono arrivati gli organizzatori di:

.. Cufù Festival (Castrofilippo - Agrigento)
.. Eruzioni Festival (Ercolano - Napoli)
.. Festival della Letteratura Mediterranea (Lucera - Foggia)
.. La Digestion (Napoli)
.. L'Isola delle Storie, Festival letterario di Gavoi (Gavoi - Nuoro)
.. MainOFF, Congresso delle musiche e delle arti elettroniche indipendenti (Palermo)
.. Sicilia Queer Filmfest (Palermo)
.. Valdemone Festival (Pollina - Palermo)

"Sono stati giorni intensi e meravigliosi per il nostro Festival - scrive su Facebook Maria Del Vecchio, direttrice organizzativa del Festival della Letteratura Mediterranea di Lucera (Foggia). Abbiamo condiviso progetti, visioni, sorrisi, problemi, fatiche e ancora sorrisi. Il confronto è motivo certo di crescita e motore di scelta. Esiste un esercito di persone che crede che la cultura possa mutare le sorti dei nostri territori, del nostro Sud. Lontano dalla retorica e dalle lamentele: fare e costruire, edificare, progettare con passione. Condividere questa scelta, che a volte ci sembra una dannazione, ci fa sentire più forti, più convinti e felici."

A guidare gli incontri è stata la Fondazione Fitzcarraldo, un centro indipendente che svolge attività di progettazione, ricerca, formazione e documentazione sul management, l'economia e le politiche della cultura, delle arti e dei media. Gli esiti degli incontri e dei workshop saranno resi pubblici dal Goethe-Institut attraverso una pubblicazione bilingue italiana e tedesca, che sarà realizzata e messa a disposizione di altri festival e soggetti interessati. I prossimi incontri si terranno a marzo 2018 con analisi dei pubblici e strategie di audience development, e settembre 2018 con strategie di fundraising. Il Paese dei Festival - I Festival come motori culturali sul territorio italiano gode del patrocinio della Città di Palermo - Assessorato alla Cultura, e della Regione Sicilia - Assessorato al Turismo, Sport e Spettacolo - Ufficio Speciale Sicilia Film Commission / Ufficio Speciale per il Cinema e l'Audiovisivo. (Comunicato stampa - novembre 2017)

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"La memoria dell'altro"
Proiezione della versione restaurata

Nella cornice della mostra veneziana dedicata a Lyda Borelli, primadonna del Novecento (01 settembre - 15 novembre 2017), allestita a Palazzo Cini a cura di Maria Ida Biggi, direttrice dell'Istituto per il Teatro e il Melodramma, la proiezione, il 10 novembre presso l'Aula Magna dell'Ateneo Veneto, di La memoria dell'altro (1913), opera rara ed emblematicamente rappresentativa del temperamento e dell'arte della grande diva. Il film è stato restaurato per l'occasione dal CSC - Cineteca Nazionale in collaborazione con l'Istituto per il Teatro e il Melodramma - Fondazione Giorgio Cini e con il sostegno degli eredi di Lyda Borelli.

La proiezione è accompagnata da musica dal vivo a cura della pianista Cinzia Gangarella e preceduta da una conferenza introduttiva, con interventi di Maria Ida Biggi, direttrice dell'Istituto per il Teatro e il Melodramma, Daniela Currò, conservatrice della Cineteca Nazionale della Fondazione Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, e Angela Dalle Vacche, docente di Storia del Cinema presso il Georgia Institute of Technology di Atlanta. Il film ripropone il sodalizio di Lyda Borelli con Mario Bonnard e Vittorio Rossi Pianelli, rispettivamente nei ruoli dell'amante tragico e dell'innamorato respinto, già sperimentata con grande successo in Ma l'amor mio non muore! realizzato sempre nel 1913 dalla Film Artistica "Gloria", per la regia di Mario Caserini, film canonico del genere "diva film" italiano.

La memoria dell'altro è un dramma passionale e tragico, che si incentra sul personaggio emancipato e anticonformista di Lyda, aviatrice acclamata, guidatrice di automobile, danzatrice formidabile, ma anche donna appassionata e sensuale, fatalmente travolta da un sentimento che la conduce all'estremo delle sue possibilità e della sua volontà. Sono memorabili i voli aerei, preceduti dalla preparazione meticolosa dell'aviatrice e e seguiti da un pubblico festante; altrettanto notevoli sono gli esterni veneziani, su cui il racconto indugia, facendo muovere i protagonisti tra magnifici scenari, tra arrivi spettacolari in vaporetto, approdi in gondola e passeggiate da Grand Tour in Piazza San Marco.

La memoria dell'altro

Regia di Alberto Degli Abbati, 1913, 79';
Produzione: Film Artistica "Gloria", Torino;
Visto censura: n. 2084 del 24 dicembre 1913;
Lunghezza originale: 1650/2000 metri (sei parti);
Soggetto: baronessa De Rege;
Fotografia: Angelo Scalenghe;
Personaggi e interpreti: Mario Bonnard (Mario Alberti), Lyda Borelli (l'aviatrice Lyda), Felice Metellio (il giornalista), Letizia Quaranta (Cesarina), Emilio Petacci, Vittorio Rossi Pianelli (il principe di Sèvre).

Sinossi: La bella aviatrice Lyda respinge l'assidua corte del principe di Sèvre e s'innamora del giornalista Mario Alberti che, nonostante sia fidanzato con Cesarina, accetta l'invito di Lyda a raggiungerla a casa sua. Insospettita, Cesarina segue Mario e lo sorprende in una scena d'amore con la giovane. Approfittando di una breve assenza di Lyda, Cesarina riesce a sottrarre alla rivale Mario, convincendolo a lasciarla. Abbandonata, Lyda si concede all'amore del principe di Sèvre. Ma la donna non riesce a dimenticare Mario. Qualche tempo dopo, mentre la coppia si trova a Venezia, Lyda rincontra Mario in un teatro: colti dalla passione riaccesa, i due fuggono a Parigi per vivere il loro amore. Ma la felicità viene troppo presto guastata da una malattia che costringe Mario a letto per lunghi mesi. La miseria spinge Lyda a cercare aiuto: lo trova presso un gruppo di apaches generosi che rimangono conquistati nel vederla danzare. Il ritorno a casa però è amaro: Mario è morto. Disperata, anche Lyda si ammala e muore in una triste corsia d'ospedale dopo aver richiamato per l'ultima volta alla memoria l'immagine del suo amato Mario. (dalla scheda di Marco Grifo in Enciclopedia del Cinema in Piemonte)

Il film è stato restaurato a partire da un duplicato negativo safety b/n con didascalie italiane conservato dal CSC - Cineteca Nazionale, stampato nel 1977 da una copia nitrato d'epoca, attualmente non più conservata. Ad oggi questo duplicato costituisce l'unico testimone del film, con l'unica eccezione di un frammento di circa 200 metri conservato dalla Filmoteca Española di Madrid, un positivo nitrato con didascalie spagnole e colorazioni per imbibizione, relativo al finale del film. Rispetto a una lunghezza originale che le filmografie moderne ricostruiscono tra i 1650 e i 2000 metri, corrispondenti a una suddivisione in sei parti, il duplicato italiano ha una lunghezza di 1484 metri: risulta quindi incompleto, oltre che in gran parte privo dell'originaria suddivisione in atti (con eccezione della didascalia che introduce il I Atto).

Tuttavia le lacune, concentrate entro la prima metà del film, non incidono particolarmente nella comprensione generale della trama. Il duplicato negativo d'archivio è stato digitalizzato a risoluzione 2k e sono stati eseguiti interventi di stabilizzazione e di restauro digitale dell'immagine, con la rimozione dei difetti più evidenti, rimasti "fotografati" sul duplicato dalla copia nitrato originale, come righe, macchie, spuntinature, strappi. Si è cercato di non eccedere con l'intervento di pulizia mantenendolo entro i limiti della giusta fruibilità, tenendo conto del fatto che, in ogni caso, il materiale di partenza è rappresentato da un duplicato di tarda generazione.

Sulla base di questo stesso criterio è stata eseguita la color correction, con la finalità di uniformare il tono fotografico, scegliendo di mantenere il bianco e nero del duplicato negativo di partenza, senza tentare una restituzione delle colorazioni originarie. Si è ritenuto, infatti, che il campione di confronto rappresentato dal frammento della Filmoteca Española non fosse sufficientemente rappresentativo per una ricostruzione per congettura delle colorazioni dell'intero film. Le lavorazioni sono state eseguite interamente a cura del CSC - Cineteca Nazionale nell'estate - autunno 2017. (Comunicato Susanna Zirizzotti - Ufficio Stampa, Comunicazione, Editoria Centro Sperimentale di Cinematografia (Scuola Nazionale di Cinema - Cineteca Nazionale))

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FeliCittà
Un ritratto acustico di Palermo

www.goethe.de/felicitta

Se la felicità ha un suono, qual è? Qual è il suono o il rumore di Palermo che rende felici? Il duo artistico Katharina Bihler e Stefan Scheib raccontano Palermo attraverso i suoi suoni e le testimonianze dei suoi cittadini, per scoprire che uno degli elementi fondamentali della sua felicità è la musica. I podcast sono ascoltabili online. Il duo Liquid Penguin, ovvero Katharina Bihler e Stefan Scheib, hanno ricercato lo scorso anno i suoni della felicità in Italia, Paese nel quale da sempre i tedeschi immaginano che la felicità sia di casa. Voci e musica, il vivace rumoreggiare di una città, il silenzio, la tranquillità, ma soprattutto il mare, sono le fonti di felicità più ricorrenti che i Liquid Penguin hanno trovato a Trieste, Roma, Napoli e Palermo durante il loro "Viaggio in Italia" nell'ambito del progetto "Felicittà" del Goethe-Institut Italien.

Il ritratto di Palermo è ora online sul sito del Goethe-Institut. Su è possibile ascoltare, preferibilmente in cuffia, i 70 podcast realizzati a partire da quasi 100 ore di registrazioni. Il capoluogo siciliano viene raccontato attraverso le orecchie di artisti e personalità importanti che hanno svelato i luoghi che per loro rappresentano la felicità. L'ensemble Liquid Penguin, composto dalla autrice Katharina Bihler e dal compositore Stefan Scheib, lavora dal 1996 nel campo di musica contemporanea, arte sonora e radiodrammi. Per le loro opere gli artisti hanno ricevuto numerosi premi come il "Deutscher Hörspielpreis", il premio per il miglior radiodramma e altri. (Comunicato stampa)

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«In bocca al lupo»
Racconto di Sasha Marianna Salzmann ispirato alla città di Palermo

"Hausbesuch - Ospiti a casa", progetto del Goethe-Institut, ha portato la scrittrice, curatrice e drammaturga tedesca Sasha Marianna Salzmann a Palermo, ospite in casa dei palermitani. Da questa esperienza è nato il racconto ispirato al capoluogo siciliano In bocca al lupo.

Sasha Marianna Salzmann (Volgograd - ex Unione Sovietica, 1985) attualmente è autrice in residenza del teatro Maxim Gorki di Berlino, ben noto per le sue messe in scena dedicate alla post-migrazione. La sua pièce teatrale Muttermale Fenster blau ha vinto nel 2012 il Kleist Förderpreis. Nel 2013 il premio del pubblico delle Giornate Teatrali di Mülheim (Mülheimer Theatertage) è stato assegnato all'opera teatrale Muttersprache Mameloschn che affronta tre generazioni di tedeschi ebrei. Sasha Marianna Salzmann è famosa per i suoi ritratti umoristici dedicati a tematiche politiche. Il suo racconto In bocca al lupo è stato scritto durante il suo soggiorno nel capoluogo siciliano nel luglio 2016 per il progetto "Hausbesuch - Ospiti a casa" del Goethe-Institut. Tradotto in cinque lingue, farà parte di un e-book che uscirà in primavera e che il Goethe-Institut presenterà alla Fiera del Libro di Lipsia. (Comunicato Goethe-Institut Palermo)

Racconto scaricabile alla pagina seguente

Pagina dedicata al soggiorno palermitano di Sasha Marianna Salzmann, con videointervista

"7 domande a Sasha Marianna Salzmann e Tucké Royale"

Informazioni sul progetto "Ospiti a casa" e sugli altri "ospiti"

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"Giallo Kubrick": Le Ultime Cento Ore

Alla Biblioteca "Luigi Chiarini" del Centro Sperimentale di Cinematografia a Roma è conservata una sceneggiatura dattiloscritta del 1964 intitolata Le Ultime Cento Ore, attribuita a Stanley Kubrick, della quale non esiste traccia in nessuna monografia, filmografia, studio. Si tratta di una copia di deposito legale catalogata nei primi anni '90. Il primo a sollevare dei dubbi sull'autenticità del copione fu Tullio Kezich nel 1999 sollevando un gran polverone sulla stampa nazionale, quello che venne definito il "giallo Kubrick" rimase irrisolto fino ad oggi. Grazie alla passione di uno studioso kubrickiano, Filippo Ulivieri, che non si è accontentato di come la questione fosse stata accantonata. Sono state ricostruite le vicende e individuati gli autori, finalmente Filippo Ulivieri ha reso noto il resoconto e come sono stati risolti i relativi misteri del "giallo Kubrick". (Comunicato Susanna Zirizzotti - Ufficio Comunicazione/stampa e archivio storico Centro Sperimentale di Cinematografia-Scuola Nazionale di Cinema)

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"Basta muoversi di più in bicicletta per ridurre la CO2"
Nuovo studio dell'European Cyclists' Federation sulle potenzialità della mobilità ciclistica nelle politiche UE di riduzione delle emissioni di gas climalteranti entro il 2050

Le elevate riduzioni delle emissioni dei gas serra previste dalla UE sono sotto esame: quest'anno i progressi e i risultati effettivi sembrano non raggiungere gli obiettivi fissati dalla stessa Unione Europea. Recenti rapporti sulle tendenze nel settore dei trasporti europei mostrano che la UE non riuscirà a ottenere la riduzione delle emissioni dei mezzi di trasporto del 60% tra il 1990 e il 2050 affidandosi alla sola tecnologia. Un interessante approccio all'argomento è messo in luce da un recente studio effettuato dall'European Cyclists' Federation (ECF), che ha quantificato il risparmio di emissioni delle due ruote rispetto ad altri mezzi di trasporto.

Anche tenendo conto della produzione, della manutenzione e del carburante del ciclista, le emissioni prodotte dalle biciclette sono oltre 10 volte inferiori a quelle derivanti dalle autovetture. Confrontando automobili, autobus, biciclette elettriche e biciclette normali, l'ECF ha studiato che l'uso più diffuso della bicicletta può aiutare la UE a raggiungere gli obiettivi di riduzione dei gas serra nel settore trasporti, previsti entro il 2050. Secondo lo studio, se i cittadini della UE dovessero utilizzare la bicicletta tanto quanto i Danesi nel corso del 2000, (una media di 2,6km al giorno), la UE conseguirebbe più di un quarto delle riduzioni delle emissioni previste per il comparto mobilità.

"Basta percorrere in bici 5 km al giorno, invece che con mezzi a motore, per raggiungere il 50% degli obiettivi proposti in materia di riduzione delle emissioni", osserva l'autore Benoit Blondel, dell'Ufficio ECF per l'ambiente e le politiche della salute. Che aggiunge: "Il potenziale di raggiungimento di tali obiettivi per le biciclette è enorme con uno sforzo economico assolutamente esiguo: mettere sui pedali un maggior numero di persone è molto meno costoso che mettere su strada flotte di auto elettriche". Lo studio ha altresì ribadito la recente valutazione da parte dell'Agenzia europea dell'ambiente, secondo la quale i soli miglioramenti tecnologici e l'efficienza dei carburanti non consentiranno alla UE di raggiungere il proprio obiettivo di ridurre del 60% le emissioni provenienti dai trasporti. (Estratto da comunicato stampa FIAB - Federazione Italiana Amici della Bicicletta)

Prima del nuovo numero di Kritik... / Libri

Prefazioni e recensioni di Ninni Radicini

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Presentazione libri da Comunicato case editrici / autori

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Elogio della finta
di Olivier Guez, di Neri Pozza Editore, 2019
flash---art.it

«Manoel Francisco dos Santos, detto Garrincha (lo scricciolo), era alto un metro e sessantanove, la stessa altezza di Messi. Grazie a lui il Brasile divenne campione del mondo nel 1958 e nel 1962, e il Botafogo, il suo club, regnò a lungo sul campionato carioca. Con la sua faccia da galeotto, le spalle da lottatore e le gambe sbilenche come due virgole storte, è passato alla storia come il dribblatore pazzo, il più geniale e il più improbabile che abbia calcato i campi di calcio. «Come un compositore toccato da una melodia piovuta dal cielo» (Paulo Mendes Campos), Garrincha elevò l'arte della finta a essenza stessa del gioco del calcio.

Il futebol divenne con lui un gioco ispirato e magico, fatto di astuzia e simulazione, un gioco di prestigio senza fatica e sofferenza, creato soltanto per l'Alegria do Povo, la gioia del popolo. Dio primitivo, divise la scena del grande Brasile con Pelé, il suo alter-ego, il re disciplinato, ascetico e professionale. Garrincha resta, tuttavia, il vero padre putativo dei grandi artisti del calcio brasiliano: Julinho, Botelho, Rivelino, Jairzinho, Zico, Ronaldo, Ronaldinho, Denílson, Robinho, Neymar, i portatori di un'estetica irripetibile: il dribbling carioca. Cultore da sempre del football brasiliano, Olivier Guez celebra in queste pagine i suoi interpreti, quegli «uomini elastici che vezzeggiano la palla come se danzassero con la donna più bella del mondo» e non rinunciano mai a un «calcio di poesia» (Pier Paolo Pasolini).  

Olivier Guez (Strasburgo, 1974), collabora con i quotidiani Le Monde e New York Times e con il settimanale Le Point. Dopo gli studi all'Istituto di studi politici di Strasburgo, alla London School of Economics and Political Science e al Collegio d'Europa di Bruges, è stato corrispondente indipendente presso molti media internazionali. Autore di saggi storico-politici, ha esordito nella narrativa nel 2014. (Comunicato stampa Flash Art)

Recensioni di Ninni Radicini a libri di argomento calcistico Derby Days - Il gioco che amiamo odiare di Dougie ed Eddie Brimson, ed. Libreria dello Sport Dal 29 maggio 1985 la parola "hooligan" risuona nella testa degli italiani. Quella sera, per la finale di Coppa dei Campioni, i sostenitori della Juventus presenti allo stadio belga Heysel, separati dai tifosi inglesi del Liverpool attraverso una rete "da pollaio" (così è stata definita nelle cronache per la sua consistenza), vissero e subirono l'epilogo terrificante di un modo di intendere il calcio che sconfina nella violenza tribale. Idoli di carta di Giusva Branca, ed. Laruffa Questo è un libro di uomini e di calcio. Undici ritratti di calciatori lavoratori, artigiani, sognatori e di un grande allenatore, che, differenti per generazione, ruolo, origine, hanno condiviso un tratto di storia della Reggina.

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La politica senza politica. Perché la crisi ha fatto entrare il populismo nelle nostre vite
di Marco Revelli, ed. Einaudi
www.nutorevelli.org

La crisi economica, il dissesto sociale, il silenzio assordante dei partiti tradizionali, lo spettro del populismo che si aggira per il mondo, lo sguardo dello studioso attento non solo ai numeri ma soprattutto alle persone. Dalla "bolla" dei mutui subprime americani all'enorme distruzione di ricchezza e posti di lavoro a livello mondiale, l'impoverimento della classe media, spina dorsale del sistema democratico, si è impattato contro il muro di arroganza delle elites che hanno guidato la globalizzazione e di indifferenza della politica. L'aumento delle diseguaglianze è tale da restaurare e generalizzare un rapporto di dipendenza neo-feudale, tipo "servo-padrone". In chi si sente declassato, respinto verso i margini, cresce l'invidia verso i privilegiati ed il rancore di chi è ormai divenuto penultimo si volge verso gli ultimi dai quali diventa essenziale distinguersi. E' il racconto di come siamo arrivati fino a qui, di come il populismo non sia un mostro apparso all'improvviso dall'oscurità, ma l'effetto di un deficit di rappresentanza che non possiamo fingere di ignorare. (Comunicato stampa Fondazione Nuto Revelli Onlus)

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Armenia
Arte, storia e itinerari della più antica nazione cristiana

Il volume è stato presentato il 17 maggio 2019
www.comunitaarmena.it

Ponte tra Asia ed Europa, l'Armenia è ancora oggi un Paese immeritatamente poco conosciuto. Solo negli ultimi anni il turismo ha cominciato a considerare anche questa nazione, le cui vicende hanno molto da insegnarci: in particolare l'ostinazione a rimanere legati alle proprie radici, linguistiche e religiose, ritenute indispensabilia mantenere un'identità di popolo, sfuggendo al pericolo dell'assimilazione. Questa guida vuole essere un aiuto a quanti decidono di compiere un viaggio sull'altopiano armeno, portandoli a comprendere un aspetto fondamentale di questa cultura: l'identità cristiana, coraggiosamente difesa in un ambiente in cui la pratica religiosa non è molta diffusa, soprattutto dopo la dominazione sovietica. Si sono pertanto volute privilegiare quelle informazioni che permettono al turista interessato di "capire" il popolo armeno e il suo patrimonio. A una parte introduttiva contenente elementi fondamentali di storia (con la triste pagina del genocidio), religione (la millenaria Chiesa armena e il monachesimo) e cultura (arte, architettura e lingua), fa seguito la descrizione dettagliata di oltre quaranta siti scelti oculatamente tra le decine che la piccolissima Armenia offre. (Comunicato stampa)

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NeoSocialismo
di Luigi Agostini

* Presentazione libro, Pordenone, 09 maggio 2019
www.associazionebobbio.it

Sono tre le date che hanno segnato i giorni che stiamo vivendo: dicembre 1989 che decreta il collasso definitivo del socialismo sovietico; settembre 2008 che, con il fallimento della Lehman Brothers, dà l'avvio alla più grande crisi del capitalismo dell'Occidente; 4 marzo 2018 che segna la più micidiale sconfitta della sinistra italiana nel dopoguerra. Il presente, in Italia e nel mondo, è tuttora dominato dagli effetti disordinanti di questi avvenimenti e l'accumulo di disordine sembra quasi inibire oggi, specie a sinistra, una visione razionale della Politica. In tale disordine la nuova destra ha un gioco più facile. Allo spazio chiuso della destra, la sinistra non può rispondere semplicemente con lo spazio aperto, cosmopolita: la sinistra può rispondere solo con un'idea di spazio aperto ma governabile.

Oggi lo spazio potenzialmente governabile per la sinistra italiana può essere spazio europeo, uno spazio politico però in gran parte da conquistare ed organizzare. Tale obiettivo è possibile solo reinterpretando la crisi innescata dal fallimento della Lehman, anche come straordinaria dinamica trasformativa. Tale dinamica ha il suo motore nella rivoluzione informatica - per i più, la più potente e pervasiva rivoluzione tecnologica della storia - che distorce, confonde, e persino acceca la capacità di lettura delle contraddizioni che il suo avanzare pure continuamente produce. Per questo è sommamente necessario un "riarmo teorico" della sinistra sociale e politica, pena lasciare il campo, nell'acqua sporca della crisi, a giullari ed avventurieri di ogni risma. Questo lavoro è dedicato all'analisi della nuova "marca" di capitalismo, ed ha il suo ancoraggio specifico nel Marx del capitolo sulla macchine dei Grundisse, nella sua straordinaria e profetica attualità; nel Gramsci di Americanismo e Fordismo, oltre che nell'esperienza di dirigente sindacale e politico del suo autore. (Comunicato di presentazione Associazione Norberto Bobbio)

Articoli di Ninni Radicini su sviluppi politico-elettorali Germania | Grecia | partiti politici "euroscettici"

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Credo Professo Attendo: sulle orme del Cristianesimo Ortodosso
di p. Evangelos Yfantidis
www.ortodossia.it

In questo libro, che contiene gran parte dei discorsi pronunciati in Italia negli ultimi quindici anni, ci si propone di scoprire l'Ortodossia tenendo presenti i tre verbi che dominano il simbolo della Fede in Cristo: "credo", "professo" e "attendo". Credere a quanto deliberato e proclamato dai santi Concili e Sinodi della Chiesa, dal primo - il Sinodo Apostolico - fino all'ultimo - il Sinodo di Creta -; professare, attraverso la propria vita, l'identità cristiana, scegliendo lo stile di vita, l'etica e i valori che provengono dal Vangelo di Cristo e dal Magistero della Chiesa; e, infine, attendere il Regno di Dio, convinti fermamente che la nostra patria incorruttibile sia il cielo stesso. Vi si approfondiscono alcuni aspetti che riguardano il mistero della Fede in Cristo, la storia e la vita della Chiesa Ortodossa, l'apostolato del Patriarcato Ecumenico, figure di venerata memoria per la loro vita, questioni pastorali, la dottrina etica e sociale, l'unità dei Cristiani, la protezione del creato, il dialogo interreligioso e altri temi. Questo libro si rivolge non solo ai Cristiani Ortodossi residenti nel nostro Paese, bensì anche a chiunque voglia approfondire sulle questioni sopra indicate, per inserirsi nel mistero della verità in Cristo, dell'amore di Cristo e della Sua persona. (Comunicato stampa Chiesa greco-ortodossa di Padova)

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Catalogo Sartori d'arte moderna e contemporanea 2019
219 artisti recensiti, formato 30,5x21,5cm., pp. 232, con 587 illustrazioni a colori, prezzo € 70,00. ed. Archivio Sartori Editore

Presentato il 10 febbraio 2019, a Mantova, nella Chiesa Madonna della Vittoria
info@ariannasartori.191.it

Relatori: curatrice Arianna Sartori, storico e critico d'arte Renzo Margonari
Presentazione con il Patrocinio di: Comune di Mantova, Madonna della Vittoria, Fondazione Le Pescherie di Giulio Romano
Presentazione organizzata da: Amici di Palazzo Te e dei Musei Mantovani

«Archivio Sartori Editore presenta con grande soddisfazione il "Catalogo Sartori d'arte moderna e contemporanea 2019" giunto alla sua sesta edizione; passano gli anni ma la mia anzi la nostra determinazione non cambia, da "sempre" vogliamo fare opera di divulgazione di quel vasto mondo artistico nazionale composto di Pittori, Scultori, Incisori, Ceramisti, che con altrettanta determinazione e passione si attivano sul territorio nazionale e non solo. Il Catalogo Sartori 2019 vuole documentare artisticamente quanto sta avvenendo in campo nazionale, si propone come utile strumento di lavoro per tutti gli attori del culto del bello. La nostra proposta è rivolta agli artisti che documentano il loro essere attivi e presenti o anche volutamente non dimenticati; ai galleristi, ai critici e agli storici dell'arte che possono trovare stimoli nuovi per la loro attività; ed anche ai collezionisti o ai neofiti che possono trovare conferme alle loro scelte o suggerimenti per nuove acquisizioni.

Gli artisti inseriti, tutti selezionati su invito, sono la dimostrazione di quanto l'Italia sia culturalmente molto vivace, artisti attuali e del passato che sono vitali per la nostra storia dell'arte contemporanea. Non abbiamo bisogno di guardare troppo lontano per trovare validi artisti. Spesso leggiamo e vediamo opere di nuove e sorprendenti figure che arrivano da lontano, che perdono lungo la strada il senso della ricerca, molto spesso senza fine perché incongruente, o gretta perché caratterizzata di volgarità gratuite, e che vedono l'autore concretizzare sì opere che sono però la negazione del bello; artisti spesso presentati da galleristi, critici intellettualmente ricchi di incomprensibili elucubrazioni che, giocando con le parole, confondono il fruitore portandolo a non capire e non apprezzare più quella che è sempre stata considerata arte.

Nel nuovo Catalogo Sartori 2019 sono inserite più di duecento schede ad ognuna delle quali corrisponde il nome di un Artista presentato in ordine alfabetico. Un volume d'arte ricco nei contenuti, in cui ogni singola scheda è illustrata da una o più opere riprodotte a colori, arricchita da testi biografici, curricoli, e a volte da qualche stralcio critico, i riferimenti, gli indirizzi postali o informatici e i telefoni per facilitare eventuali e auspicati contatti. Il Catalogo Sartori 2019 in una ricca ed elegante veste editoriale, è un volume cartaceo, da leggere, è sufficiente una comoda poltrona e un po' di tempo da dedicare alla passione dell'arte; sfogliato con calma, guardando le illustrazioni e leggendo i testi, il libro ci cattura, ci dà delle suggestioni, ci permette di entrare nella poetica dei singoli artisti, di fare comodi raffronti e soprattutto di imparare.

Tra un po' di tempo, il Catalogo Sartori 2019 sarà ancora lì disponibile ad essere sfogliato, con le sue certezze e le sue affermazioni, non sarà sparito nello spazio... e... non serve il computer, il tablet, il cellulare, non serve WiFi o il collegamento internet. E non venga fraintesa questa affermazione, tutti sappiamo come questi strumenti siano assolutamente indispensabili e insostituibili, per il lavoro in tutti gli ambiti ed il commercio, ma chi dimentica i famosi pop-up che compaiono automaticamente durante l'uso per attirare l'attenzione con contenuti pubblicitari? La nostra è una scelta chiara e definita, il libro, la carta stampata si propone come attento mezzo di sapere, di lettura, di comunicazione e di riflessione. E nessuno asserisca che i libri appartengano al passato; le fonti del sapere, di tutto il nostro sapere e non in senso lato, sono su cartaceo, ed anche i documenti della conoscenza sono su cartaceo.

Ricordo la mia ingenua commozione quando ho letto che nel 1977, la Nasa inviò nello spazio una capsula contenente il Voyager Golden Record, un disco per grammofono contenente suoni e immagini selezionate al fine di portare le diverse varietà di vita e cultura della Terra (ed è già archeologia informatica). Il Catalogo Sartori 2019 si rivolge, insomma ad un pubblico elitario, attento alle proposte, aggiornato, ma non superficiale, come si dice "capace di leggere tra le righe" i messaggi dei nostri mass-media, consapevole delle proprie scelte e maturo, libero dai vicoli delle mode e capace di un gusto personale.» (Arianna Sartori)

- Artisti recensiti

Accarini Riccardo, Alborghetti Davide, Alvaro (Alvaro Occhipinti), Amato Maria Agata, Andreani Franco, Andreani Giona, Angiuoni Enzo, Arlorio Aldo, Ascari Franca, Baglieri Gino, Balansino Giancarlo Jr, Balansino Giovanni, Baldassin Cesare, Baldo Gianni, Bartoli Germana, Bassi Massimo, Beconcini Marco, Bellini Enzo, Bellini Maria Grazia, Benetton Simon, Benghi Claudio, Bernardelli Angiola, Bertazzoni Bianca, Bertorelli Luciana, Bianco Lino, Bisio Pietro, Bongini Alberto, Borioli Adalberto, Boschi Alberto, Boschi Anna, Bucher Gianni, Buratti Romano, Businelli Giancarlo, Buttarelli Brunivo, Caldana Claudio, Calia Tindaro, Callegari Daniela, Campanella Antonia, Campitelli Maurizio, Capelli Francesca, Capodiferro Gabriella, Capraro Sabina, Carbonati Antonio, Carpanelli Maurizio, Caselli Edda, Castagna Pino, Castaldi Domenico, Castellani Claudio, Castellani Leonardo, Castellani Silvestro, Cattaneo Claudio, Cattani Silvio, Cavallari Alberto, Cazzaniga Giancarlo, Cazzaniga Donesmondi Odoarda, Cellanetti Sandro, Cermaria Claudio, Cerutti Emanuela, Cibi, Cipolla Salvatore, Coccia Renato, Codroico Roberto, Cordani Sereno, Cortese Franco, Costanzo Nicola, Cotroneo Giuseppe, Cottini Luciano, Cusino Giuliana;

Dalla Fini Mario, Dealessi Albina, De Luca Elio, De Luigi Giuseppe, Deodati Ermes, De Rosa Ornella (DRO), Diani Valerio, Difilippo Domenico, Di Iorio Antonio, Diotallevi Marcello, Donato Francesco, D'Orazio Daniela, Dugo Franco, Dumeri Beatrice, Fabri Otello, Faccio Enrico, Fatigati Domenico (Mimmo), Ferraj Victor, Ferraris Giancarlo, Ferri Massimo, Finetti Ilaria, Fioravanti Ilario, Fornasari Domenico (Memo), Fratantonio Salvatore, Fusillo Concetto, Gaiga Aurelio, Galusi Anselmo, Gard Ferruccio, Gauli Piero, Gentile Domenico, Gheller Monica, Ghilarducci Paolo, Ghisleni Anna, Gi Morandini, Girardello Silvano, Gonzales Alba, Gozzi Rinardo, Gravina Aurelio, Lanzione Mario, Liber (Venturini Vittorio), Lomasto Massimo, Lo Presti Giovanni, Losi Elisabetta, Luchini Riccardo;

Mafino Beniamino, Magnoli Domenico, Mainoldi Roberto, Mammoliti Stefano, Manini Elio, Marchesini Ernesto, Marconi Carlo, Margonari Renzo, Marigliano Patrizio, Marra Mino, Marziale Gina, Matshuyama Shuhei, Merik (Milanese Eugenio Enrico), Michelazzo Margherita, Minto Maria Grazia, Moccia Palvarini Anna, Molinari Mauro, Monaco Lucio, Morselli Luciano, Nagatani Kyoji, Nasi Cristiano, Nastasio Alessandro, Negri Sandro, Nigiani Impero, Nonfarmale Giordano (Male), Notari Antonio, Ogata Yoshin, Onida Maria Antonietta, Orlando Carmela, Ossola Giancarlo, Paglia Anna, Palazzetti Beatrice, Pallavicini Maria Camilla, Pancheri Aldo, Pancheri Renato, Paoli Piero, Paolini Parlagreco Graziella, Paradiso Mario, Pauletto Mario, Pauletto Tiziana, Pavan Adriano, Peretti Giorgio, Perna Vincenzo, Pieroni Mariano, Pilato Antonio, Pinciroli Ezio, Pirondini Antea, Poggiali Berlinghieri Giampiero, Pompa Domenico, Potenza Gianmaria, Pozzi Giancarlo, Pracchi Miriam, Previtali Carlo, Prinetti Silvana

Raimondi Luigi, Rampinelli Roberto, Raza Claudia, Rezzaghi Teresa, Rinaldi Angelo, Rossato Khiara, Rossi Gianni, Rossi Giorgio, Rovati Rolando, Russo Salvatore, Salzano Antonio, Santoli Leonardo, Sava Salvatore, Schialvino Gianfranco, Scotto Aniello, Sebaste Salvatore, Seccia Anna, Settembrini Marisa, Simonetta Marcello, Somensari Anna, Somensari Giorgio, Spallanzani Stefania, Staccioli Paolo, Stazio Ivo, Taddei Maria Gabriella, Talani Giampaolo, Tancredi Giovannini Clara, Tassinari Raffaella, Terreni Gino, Terruso Saverio, Thon (Tonello Fausto), Timoncini Luigi, Tognarelli Gianfranco, Tonelli Antonio, Ulpiani Lorena, Vaccaro Vito, Venditti Alberto, Vergazzini Stefania, Verna Gianni, Vigliaturo Silvio, Viviani Gino, Volontè Lionella, Volpe Michele, Zabarella Luciana, Zaffanella Bruno, Zamprioli Mirella, Zangrandi Domenico, Zarpellon Toni, Zefferino (Bresciani Fabrizio), Zerlotti Natalina, Zingaretti Franco, Zoli Carlo, Zorzi Giordano. (Comunicato stampa)

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Nosferatu
di Paolo D'Onofrio, ed. Edizioni NPE, formato21x30cm, 80 pag., cartonato b/n con pagine color seppia

* Novità Editoriale, 2019
edizioninpe.it/product/nosferatu

Il primo adattamento a fumetti del film muto di Murnau del 1922 che ha fatto la storia del cinema horror. Nosferatu il vampiro (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens), diretto da Friedrich Wilhelm Murnau e proiettato per la prima volta il 5 marzo 1922, è considerato il capolavoro del regista tedesco e uno dei capisaldi del cinema horror ed espressionista. Ispirato liberamente al romanzo Dracula (1897) di Bram Stoker, Murnau ne modificò il titolo, i nomi dei personaggi (il Conte Dracula diventò il Conte Orlok, interpretato da Max Schreck) e i luoghi (da Londra a Wisborg) per problemi legati ai diritti legali dell'opera. Il regista perse la causa per violazione del diritto d'autore, avviata dagli eredi di Stoker, e venne condannato a distruggere tutte le copie della pellicola. Una copia fu però salvata dallo stesso Murnau, e il film è potuto sopravvivere ed arrivare ai giorni nostri. L'uso delle ombre in questo film classico ha avuto una eco infinita nel cinema successivo, di genere e non. Edizioni NPE presenta il primo adattamento a fumetti di questa pellicola: un albo estremamente particolare, che riprende il film fotogramma per fotogramma, imprimendolo in color seppia su una carta ingiallita ed invecchiata, utilizzando per il lettering lo stesso stile delle pellicole mute e pubblicato in un grande cartonato da collezione. (Comunicato stampa)

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L'infinita storia delle piccole cose
di Giuseppe Bianco, ed. L'Erudita
* Novità editoriale

Undici personaggi vagano tra la realtà, il sogno e il fantastico alla ricerca di un mondo più gratificante e giusto. Qualcuno potrebbe definirli dei vinti, schiacciati delle responsabilità e dai doveri a cui sono stati costretti, soppressi. Ma non lo sono: non si rassegnano e a chi li vuole macchine, cloni, predestinati espongono il proprio desiderio di riscatto sociale ma soprattutto umano. Dobbiamo batterci contro nemici invisibili: l'ipocrisia, l'invidia, la meschinità: è in questa perenne lotta che si cimentano per cercare di sconfiggere non solo i nemici concreti, ma anche l'alienazione da cui la società sembra essere affetta. Undici racconti che hanno in ogni trama uno stesso protagonista: l'uomo e i suoi sogni, le sue speranze, le sue paure, a volte crudamente calati nella quotidianità, a volte in una dimensione onirico-fantastica, ma sempre pregni di una intensa umanità. Giuseppe Bianco traccia con amara consapevolezza il quadro di un mondo che reifica l'uomo e lo ingabbia ma in cui non si può e non si deve perdere la speranza. (I suoi sogni sì, possono aspettare, ma lui no, di Rita Esposito)

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La mia Istria
di Elio Velan

* Il volume è stato presentato il 5 dicembre 2018 a Trieste, all'Auditorium del Museo Revoltella

Il volume del noto giornalista e scrittore Elio Velan è presentato a Trieste grazie all'iniziativa della Comunità Croata di Trieste e del suo presidente Gian Carlo Damir Murkovic, che ha voluto includere l'incontro nel programma di iniziative del 2018. Il libro, quasi 200 pagine, sarà introdotto dallo stesso Murkovic e presentato dal giornalista, scrittore e autore teatrale Luciano Santin, con l'intervento / testimonianza dell'autore stesso. L'incontro sarà moderato dal giornalista de "Il Piccolo" Giovanni Tomasin. Ad aprire e concludere la serata sarà la musica, col gruppo vocale e strumentale dell'Associazione culturale"Giusto Curto" di Rovigno, il tutto arricchito dalle proiezioni di immagini dell'Istria, firmate dal grande maestro della fotografia Virgilio Giuricin.

Per far sentire non solo le tipiche armonie ma anche quello spirito condiviso che rende Rovigno una località singolare e ricca. Nel volume Elio, il padre, ragiona col figlio Gianni, mentre la barca li culla e li porta in giro per l'arcipelago rovignese. Cos'è giusto e legittimo che i figli sappiamo dei genitori, dei loro pensieri, delle loro vicende? L'autore cerca di rispondere al quesito attraverso le "confessioni e testimonianze" raccolte in questo libro, uscito prima in lingua croata e ora nella versione italiana per i tipi della "Giusto Curto" di Rovigno. Nel libro Velan racconta e soprattutto si racconta attraverso le esperienze di una vita che l'ha portato a interrogarsi sulle numerose tematiche di un mondo di confine con tanti nodi da sciogliere, ma anche su tematiche esistenziali con l'intelligenza di chi abbraccia con coraggio la verità.

Elio Velan (Pola, 1957), dopo la laurea in Scienze politiche a Zagabria e dopo quattro anni di studi alla Facoltà di Lettere e Filosofia di Trieste, ha iniziato la carriera giornalistica, una scelta per la vita che non ha mai abbandonato, occupandosi, a fasi alterne, di carta stampata, radio e televisione, tra Fiume, Trieste, Pola, Capodistria e Rovigno. Sin dalle elementary aveva infatti sognato di diventare giornalista per seguire le orme di Oriana Fallaci, che adorava. Il sogno si è avverato anche se non ha fatto mai il corrispondente di guerra, non ha vinto il premio Pulitzer e non ha intervistato il compagno Tito. In compenso ha lavorato, per otto anni, al quotidiano "La Voce del Popolo" come corrispondente da Rovigno.

Nel febbraio 1994 è passato alla redazione del telegiornale di TV Capodistria, lavorando contemporaneamente a Radio Capodistria. Era uno dei redattori e conduttori del TG e spesso seguiva i dibattiti al parlamento di Lubiana. Alla fine del 1996 è passato al quotidiano croato "Glas Istre". Dopo un anno di corrispondenze da Capodistria si è trasferito a Trieste come unico corrispondente estero del quotidiano di Pola e del quotidiano "Novi List" di Fiume. A Trieste ha lavorato per quindici anni alla sede regionale della Rai per il Friuli Venezia Giulia. Conduceva la trasmissione radiofonica "Sconfinamenti" e, contemporaneamente, a TV Capodistria la trasmissione settimanale di approfondimento "Parliamo di..." (oltre 400 trasmissioni realizzate).

La sua carriera si è conclusa nel 2016 con l'unico rammarico di non aver mai lavorato a un settimanale perché era quello lo spazio più congeniale al suo stile. Ha pubblicato quattro libri in rapida successione (un libro all'anno), che rappresentano la sintesi del suo lavoro di giornalista. Sono scritti in croato, la lingua che ha usato di più. Ora partecipa alle attività della "Giusto Curto" come giornalista e ideatore di spettacoli. Nei primi anni Novanta ha fondato e diretto per tre anni il mensile della Comunità Italiana di Rovigno, "Le Cronache", molto seguito anche da chi non ne condivideva la linea editoriale. (Comunicato stampa)

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Mostre sull'Istria presentate nella newsletter Kritik

Mondo ex e tempo del dopo
di Pedrag Matvejevic
Recensione di Ninni Radicini

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Ritratto di signora in viaggio | Un'americana cosmopolita nel mondo di Henry James
di Gottardo Pallastrelli, Donzelli Editore, 2018

Il libro ripercorre la vita di Caroline Fitzgerald e della sua famiglia,facendo luce su esistenze affascinanti e sul suo profondo legame con Henry James. Nei romanzi e dei racconti di Henry James, la protagonista più nota è senz'altro quella di Ritratto di signora, Isabel Archer. Diversi, però, sono i personaggi femminili che dalle sponde americane dell'oceano giungono in Europa, più spesso a Londra, in cerca di un matrimonio aristocratico e poi, da lì, in Italia inseguendo il sogno della bellezza e il fascino di antiche culture e civiltà. Ma c'è un'altra signora, realmente vissuta e rimasta finora ignota, legata a James dalla scrittura - quella di un carteggio con lui, venuto solo ora alla luce.

E' a lei che è dedicata questa biografia che, attraverso lettere, diari e documenti d'epoca, ricostruisce un reale ritratto di signora nel quale è inevitabile scorgere le fattezze di un'ideale eroina jamesiana: Caroline Fitzgerald. Molto nota nell'alta società newyorchese, Caroline ben presto si trasferì a Londra. Fu in un brillante salotto di Kensington che avvenne il primo incontro con lo scrittore americano, il quale, in una lettera a Edith Wharton, ne descrive «la bellezza trascurata». James frequentava le donne dall'eleganza sofisticata della migliore società internazionale, e Caroline non ricalcava lo stereotipo della giovane ereditiera americana in Europa tanto in voga in quegli anni.

Lei che era colta, ricca, innamorata della poesia e talmente affascinata dall'Oriente da aver studiato il sanscrito e da vestire lunghe tuniche esotiche, era infatti decisamente lontana da quel cliché. Dopo il divorzio da un Lord inglese, si innamorò di un medico ed esploratore italiano, Filippo De Filippi. Sia pur tra le righe delle sue lettere - uscite oggi dagli archivi degli eredi della famiglia De Filippi - James sembrò incoraggiare quella scelta e, negli anni che seguirono, spesso incontrò Caroline costatandone la nuova felicità. Imperdibili sono alcuni resoconti che James scrive delle sue gite in Italia a bordo di una delle primissime automobili del secolo di proprietà della coppia.

Il viaggio fu, del resto, la cifra dell'esistenza di una donna intraprendente che andò fino in Caucaso e poi in India al seguito delle esplorazioni del marito - e di ogni dove, Caroline riportava bellezze ed emozioni nel carteggio con James e gli altri amici della vecchia Europa. Una vita inconsueta vissuta appieno in poco più di quarant'anni e finita a Roma il giorno di Natale del 1911. Leggere oggi la sua biografia, attraverso le tante pagine di suo pugno, è come leggere in controluce un romanzo jamesiano mai scritto, o meglio ancora sbirciare nel vissuto di James fatto di incontri con donne e uomini reali da cui lo scrittore attingeva spunti per i suoi capolavori. E d'altra parte fu la stessa Caroline a supporre in lui una curiosità «professionale» a proposito di un suo fratello, esploratore di fama internazionale: «Henry James è venuto da noi per il tè questo pomeriggio - annotava in una lettera del 22 maggio 1896 - e ha continuato a farmi domande su Edward il quale, ne sono certa, finirà in uno dei suoi prossimi romanzi». Il forte sospetto, scoprendo oggi la vita di Caroline, è che sia stata invece lei a fornire a James più di una suggestione per le sue indimenticabili protagoniste femminili. (Comunicato ufficio stampa Maria Bonmassar)

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Errantia
Poesia in forma di ritratto
di Gonzalo Alvarez Garcia

Il libro è stato presentato il 7 agosto 2018 alla Galleria d'arte Studio 71, a Palermo
www.studio71.it

Scrive l'autore in una sua nota nel libro "... Se avessi potuto comprendere il segreto del geranio nel giardino di casa o della libellula rossa che saltellava nell'aria sopra i papiri in riva al fiume Ciane, a Siracusa, avrei capito anche me steso. Ma non capivo. Ad ogni filo d'erba che solleticava la mia pelle entravo nella delizia delle germinazioni infinite e sprofondavo nel mistero. Sentivo confusamente di appartenere all'Universo, come il canto del grillo. Ma tutto il mio sapere si fermava li. Ascoltavo le parole, studiavo i gesti delle persone intorno a me come il cacciatore segue le tracce della preda, convinto che le parole e i gesti degli uomini sono una sorta di etimologia. Un giorno o l'altro, mi avrebbero portato a catturare la verità.... Mi rivolsi agli Dei e gli Dei rimasero muti. Mi rivolsi ai saggi e i saggi aggiunsero alle mie altre domande ancora più ardue. Seguitai a camminare. Incontrai la donna, che non pose domande. Mi accolse con la sua grazia ospitale. Da Lei ho imparato ad amare l'aurora e il tramonto...". Un libro che ripercorre a tappe e per versi, la sua esistenza di ragazzo e di uomo, di studioso e di poeta, di marito e padre. Errantia, Poesia in forma di ritratto, con una premessa di Aldo Gerbino è edito da Plumelia edizioni. (Comunicato stampa)

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L'ultima diva dice addio
di Vito di Battista, ed. SEM Società Editrice Milanese, pp. 224, cartonato con sovracoperta, cm.14x21,5 €15,00
www.otago.it

E' la notte di capodanno del 1977 quando Molly Buck, stella del cinema di origine americana, muore in una clinica privata alle porte di Firenze. Davanti al cancello d'ingresso è seduto un giovane che l'attrice ha scelto come suo biografo ufficiale. E' lui ad avere il compito di rendere immortale la storia che gli è stata data in dono. E forse molto di più. Inizia così il racconto degli eventi che hanno portato Molly Buck prima al successo e poi al ritiro dalle scene, lontana da tutto e da tutti nella casa al terzo piano di una palazzina liberty d'Oltrarno, dove lei e il giovane hanno condiviso le loro notti insonni. Attraverso la maestosa biografia di un'attrice decaduta per sua stessa volontà, L'ultima diva dice addio mette in scena una riflessione sulla memoria e sulla menzogna, sul potere della parola e sulla riduzione ai minimi termini a cui ogni esistenza è sottoposta quando deve essere rievocata. Un romanzo dove i capitoli ricominciano ciclicamente con le stesse parole e canzoni dell'epoca scandiscono lo scorrere del tempo, mentre la biografia di chi ricorda si infiltra sempre più nella biografia di chi viene ricordato. Vito di Battista (San Vito Chietino, 1986) ha vissuto e studiato a Firenze e Bologna. Questo è il suo primo romanzo. (Comunicato Otago Literary Agency)

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Il passato non passa mai - Tutte le guerre sono bugiarde
di Michele De Ruggieri, ed. Europa Edizioni, 162 pagine, euro 13,90

E' la guerra che si dovrebbe raccontare nelle scuole, al di là di date, vittorie e sconfitte, quella raccontata nel romanzo di Michele De Ruggieri. La presentazione è organizzata in collaborazione con il Polo Museale della Basilicata. Il Circolo La Scaletta ha concesso il patrocinio. Interverrà l'autore che dialogherà con la giornalista Sissi Ruggi. Michele De Ruggieri racconta con una prosa schietta e molto curata una storia che prende avvio nel settembre 1916 con il protagonista che viene chiamato alle armi. Fra la famiglia che tenta senza riuscirvi di non farlo mandare al fronte, la guerra di trincea e la prigionia, sin dalle prime pagine e confermando il titolo il romanzo è una chiara condanna della guerra. La penna di Michele De Ruggieri sceglie di raccontare tutto questo attraverso un'attenta ricostruzione storica e i sentimenti. Dalla paura di essere uccisi alla lotta per la sopravvivenza nel campo di concentramento, dove la fame cambia la gerarchia dei valori. Basta una lettera da casa, che fa intravedere la vita, e le lacrime che accompagnano la lettura restituiscono gli uomini a loro stessi.

- Sinossi

E' il 28 giugno 1914; in tutta Europa giunge la notizia dell'attentato di Sarajevo. Un mese dopo, la prima dichiarazione di guerra. Pochi sanno quali proporzioni assumerà il conflitto e quanti milioni di uomini farà cadere. Idealismi improbabili e frasi piene di retorica furono sufficienti per infervorare gli animi di tanti che non avevano idea di cosa li aspettasse. In piazza si gridava "viva la guerra!" e sul fronte si moriva. Pietro è un giovane che riesce, grazie alle sue conoscenze, ad evitare il fronte, vivendo il conflitto mondiale da una posizione privilegiata e sicura. Almeno così sembra... Dopo la disfatta di Caporetto, infatti, le carte in tavola cambiano completamente. Pietro si ritrova prima in trincea, poi in un campo di concentramento, a tentare disperatamente di tenersi stretta la vita e a guardare negli occhi i suoi compagni che non ci riescono, soccombendo all'orrore di uno dei periodi più oscuri della storia dell'umanità. Ne uscirà totalmente trasformato.

Michele De Ruggieri (Palagiano - Taranto, 1938), di famiglia lucana, ha studiato e conseguito la laurea in farmacia. Si è sempre interessato di Storia Contemporanea e Storia dell'arte. Il passato non passa mai - Tutte le guerre sono bugiarde, è il secondo romanzo di Michele De Ruggieri. Nel 2010 ha pubblicato il romanzo storico Al di qua del Faro (Guida Editori), ambientato tra le montagne lucane e il golfo di Napoli agli albori dell'Unità d'Italia. (Comunicato stampa)

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Luigi Pirandello. Una biografia politica
di Ada Fichera, ed. Polistampa
www.polistampa.com

L'adesione di Pirandello al fascismo, il suo rapporto col regime e con la censura, le idee di fondo del suo pensiero politico: sono gli elementi chiave del saggio di Ada Fichera. Con l'autrice dialogheranno il giornalista e scrittore Mario Bernardi Guardi e l'editore Antonio Pagliai. Letture a cura di Dylan (Dimensione Suono Soft). Luigi Pirandello è stato sempre analizzato sotto il profilo strettamente letterario o puramente storico. Il saggio di Ada Fichera, frutto di una ricerca su documenti d'archivio inediti, rilegge per la prima volta la sua figura ricostruendone la vita in chiave politica. Dal testo, arricchito da una prefazione di Marcello Veneziani, emergono aspetti chiave del pensiero pirandelliano come la coscienza del fallimento degli ideali borghesi, l'idea del potere nelle mani di uno e non di una maggioranza, la tendenza all'azione. (Comunicato stampa)

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Zenobia l'ultima regina d'Oriente
L'assedio di Palmira e lo scontro con Roma
di Lorenzo Braccesi, Salerno editrice, 2017, p.200, euro 13,00

Il sogno dell'ultima regina d'Oriente era di veder rinascere un grande regno ellenistico dal Nilo al Bosforo, piú esteso di quello di Cleopatra, ma la sua aspirazione si infranse per un errore di valutazione politica: aver considerato l'impero di Roma prossimo alla disgregazione. L'ultimo atto delle campagne orientali di Aureliano si svolse proprio sotto le mura di Palmira, l'esito fu la sconfitta della regina Zenobia e la sua deportazione a Roma, dove l'imperatore la costrinse a sfilare come simbolo del suo trionfo. Le rovine monumentali di Palmira - oggi oggetto di disumana offesa - ci parlano della grandezza del regno di Zenobia e della sua resistenza eroica. Ancora attuale è la tragedia di questa città: rimasta intatta nei secoli, protetta dalle sabbie del deserto, è crollata sotto la furia della barbarie islamista.

Lorenzo Braccesi ha insegnato nelle università di Torino, Venezia e Padova. Si è interessato a tre aspetti della ricerca storica: colonizzazione greca, società augustea, eredità della cultura classica nelle letterature moderne. I suoi saggi piú recenti sono dedicati a storie di donne: Giulia, la figlia di Augusto (Roma-Bari 2014), Agrippina, la sposa di un mito (Roma-Bari 2015), Livia (Roma 2016). (Comunicato stampa)

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Napoleone Colajanni tra partito municipale e nazionalizzazione della politica
Lotte politiche e amministrative in provincia di Caltanissetta (1901-1921)

di Marco Sagrestani, Polistampa, 2017, collana Quaderni della Nuova Antologia, pag. 408
www.leonardolibri.com

Napoleone Colajanni (1847-1921) fu una figura di rilievo nel panorama politico italiano del secondo Ottocento. Docente e saggista, personalità di notevole levatura intellettuale, si rese protagonista di importanti battaglie politiche, dall'inchiesta parlamentare sulla campagna in Eritrea alla denuncia dello scandalo della Banca Romana. Il saggio ricostruisce il ruolo da lui svolto nella provincia di Caltanissetta, in particolare nella sua città natale Castrogiovanni e nell'omonimo collegio elettorale. In un'area dove la lotta politica era caratterizzata da una pluralità di soggetti collettivi - democratici, repubblicani, costituzionali, socialisti e cattolici - si pose come centro naturale di aggregazione delle sparse forze democratiche, con un progetto di larghe convergenze finalizzato alla rinascita politica, economica e morale della sua terra. (Comunicato stampa)

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Stappiamolarte
www.al-cantara.it/news/stappiamo-larte

La pubblicazione realizzata con le opere di 68 artisti provenienti dalle diverse parti d'Italia è costituita da immagini di istallazioni e/o dipinti realizzati servendosi dei tappi dell'azienda. All'artista, infatti, è stata data ampia libertà di esecuzione e, ove lo avesse ritenuto utile, ha utilizzato, assieme ai tappi, altro materiale quale legno, vetro, stoffe o pietre ma anche materiali di riciclo. Nel sito di Al-Cantara, si può sfogliare il catalogo con i diversi autori e le relative opere. Nel corso della giornata sarà possibile visitare i vigneti, la cantina dell'azienda Al-Cantàra ed il " piccolo museo" che accoglie le opere realizzate.

Scrive nel suo testo in catalogo Vinny Scorsone: "...L'approccio è stato ora gioioso ora riflessivo e malinconico; sensuale o enigmatico; elaborato o semplice. Su esso gli artisti hanno riversato sensazioni e pensieri. A volte esso è rimasto tale anche nel suo ruolo mentre altre la crisalide è divenuta farfalla varcando la soglia della meraviglia. Non c'è un filo comune che leghi i lavori, se non il fatto che contengano dei tappi ed è proprio questa eterogeneità a rendere le opere realizzate interessanti. Da mano a semplice cornice, da corona a bottiglia, da schiuma a poemetto esso è stato la fonte, molto spesso, di intuizioni artistiche singolari ed intriganti. Il rosso del vino è stato sostituito col colore dell'acrilico, dell'olio. Il tappo inerte, destinato a perdersi, in questo modo, è stato elevato ad oggetto perenne, soggetto d'arte in grado di valicare i confini della sua natura deperibile...". (Comunicato stampa)

Visualizza versione ingrandita della locandina della presentazione del volume

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Stelle in silenzio
di Annapaola Prestia, Europa Edizioni, 2016, euro 15,90

Millecinquecento chilometri da percorrere in automobile in tre giorni, dove ritornano alcuni luoghi cari all'autrice, già presenti in altri suoi lavori. La Sicilia e l'Istria fanno così da sfondo ad alcune tematiche forti che il romanzo solleva. Quante è importante l'influenza di familiari che non si hanno mai visto? Che valore può avere un amore di breve durata, se è capace di cambiare un destino? Che peso hanno gli affetti che nel quotidiano diventano tenui, o magari odiosi? In generale l'amore è ciò che lega i personaggi anche quando sembra non esserci, in un percorso che è una ricerca di verità tenute a lungo nascoste.

Prestia torna quindi alla narrativa dopo il suo Caro agli dei" (edito da "Il Filo", giugno 2008), che ha meritato il terzo premio al "Concorso nazionale di narrativa e poesia F. Bargagna" e una medaglia al premio letterario nazionale "L'iride" di Cava de'Tirreni, sempre nel 2009. Il romanzo è stato presentato dal giornalista Nino Casamento a Catania, dallo scrittore Paolo Maurensig a Udine, dallo psicologo Marco Rossi di Loveline a Milano. Anche il suo Ewas romanzo edito in ebook dalla casa editrice Abel Books nel febbraio 2016, è arrivato semifinalista al concorso nazionale premio Rai eri "La Giara" edizione 2016 (finalista per la regione Friuli Venezia Giulia) mentre Stelle in silenzio, come inedito, è arrivato semifinalista all'edizione del 2015 del medesimo concorso.

Annapaola Prestia (Gorizia, 1979), Siculo-Istriana di origine e Monfalconese di adozione, lavora dividendosi tra la sede della cooperativa per cui collabora a Pordenone e Trieste, città in cui gestisce il proprio studio psicologico. Ama scrivere. Dal primo racconto ai romanzi a puntate e alle novelle pubblicati su riviste a tiratura nazionale, passando per oltre venti pubblicazioni in lingua inglese su altrettante riviste scientifiche specializzate in neurologia e psicologia fino al suo primo romanzo edito Caro agli dei... la strada è ancora tutta in salita ma piena di promesse.

Oltre a diverse fan-fiction pubblicate su vari siti internet, ha partecipato alla prima edizione del premio letterario "Star Trek" organizzato dallo STIC - Star Trek Italian Club, ottenendo il massimo riconoscimento. Con suo fratello Andrea ha fondato la U.S.S. Julia, un fan club dedicato a Star Trek e alla fantascienza. Con suo marito Michele e il suo migliore amico Stefano, ha aperto una gelateria a Gradisca d'Isonzo, interamente dedicata alla fantascienza e al fantasy, nella quale tenere vive le tradizioni gastronomiche della Sicilia sposandole amabilmente con quelle del Nord Est d'Italia. (Comunicato Ufficio stampa Emanuela Masseria)

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I quaranta giorni del Mussa Dagh
di Franz Werfel, ed. Corbaccio, pagg.918, €22,00
www.corbaccio.it

«Quest'opera fu abbozzata nel marzo dell'anno 1929 durante un soggiorno a Damasco, in Siria. La visione pietosa di fanciulli profughi, mutilati e affamati, che lavoravano in una fabbrica di tappeti, diede la spinta decisiva a strappare dalla tomba del passato l'inconcepibile destino del popolo armeno.» Grande e travolgente romanzo, narra epicamente il tragico destino del popolo armeno, minoranza etnica odiata e perseguitata per la sua antichissima civiltà cristiana, in eterno contrasto con i turchi, con il grande Impero ottomano detentore del potere. Verso la fine del luglio 1915 circa cinquemila armeni perseguitati dai turchi si rifugiarono sul massiccio del Mussa Dagh, a Nord della baia di Antiochia.

Fino ai primi di settembre riuscirono a tenere testa agli aggressori ma poi, cominciando a scarseggiare gli approvvigionamenti e le munizioni, sarebbero sicuramente stati sconfitti se non fossero riusciti a segnalare le loro terribili condizioni a un incrociatore francese. Su quel massiccio dove per quaranta giorni vive la popolazione di sette villaggi, in un'improvvisata comunità, si ripete in miniatura la storia dell'umanità, con i suoi eroismi e le sue miserie, con le sue vittorie e le sue sconfitte, ma soprattutto con quell'affiato religioso che permea la vita dell'universo e dà a ogni fenomeno terreno un significato divino che giustifica il male con una lungimirante, suprema ragione di bene.

Dentro il poema corale si ritrovano tutti i drammi individuali: ogni personaggio ha la sua storia, ogni racconto genera un racconto. Fra scene di deportazioni, battaglie, incendi e morti, ora di una grandiosità impressionante, ora di una tragica sobrietà scultorea, ma sempre di straordinaria potenza rappresentativa, si compone quest'opera fondamentale dell'epica moderna. Pubblicata nel 1933 I quaranta giorni del Mussa Dagh è stata giustamente considerata la più matura creazione di Werfel nel campo della narrativa. Franz Werfel (Praga, 1890 - Los Angeles, 1945) dopo la Prima guerra mondiale si stabilì a Vienna, dove si impose come uno dei protagonisti della vita letteraria mitteleuropea. All'avvento del nazismo emigrò in Francia e poi negli Stati Uniti. Oltre a I quaranta giorni del Mussa Dagh, Verdi. Il romanzo dell'opera, che rievoca in modo appassionato e realistico la vita del grande musicista italiano. (Comunicato Ufficio Stampa Corbaccio)

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- 56esima Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia
Padiglione nazionale della Repubblica di Armenia
Presentazione rassegna

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Cuori nel pozzo
Belgio 1956. Uomini in cambio di carbone.
di Roberta Sorgato
www.danteisola.org

Il libro rievoca le condizioni di vita precedenti alla grande trasformazione degli anni Sessanta del Novecento, e la durissima realtà vissuta dagli emigrati italiani nelle miniere di carbone del Belgio, è un omaggio rivolto ai tanti che consumarono le loro vite fino al sacrificio estremo, per amore di quanti erano rimasti a casa, ad aspettarli. Pagine spesso commosse, dedicate a chi lasciò il paese cercando la propria strada per le vie del mondo. L'Italia li ha tenuti a lungo in conto di figliastri, dimenticandoli. La difficoltà di comunicare, le enormi lontananze, hanno talvolta smorzato gli affetti, spento la memoria dei volti e delle voci. Mentre in giro per l'Europa e oltre gli oceani questi coraggiosi costruivano la loro nuova vita. Ciascuno con la nostalgia, dove si cela anche un po' di rancore verso la patria che li ha costretti a partire.

Qualcuno fa i soldi, si afferma, diventa una personalità. Questi ce l'hanno fatta, tanti altri consumano dignitosamente la loro vita nell'anonimato. Altri ancora muoiono in fondo a un pozzo, cadendo da un'impalcatura, vittime dei mille mestieri pesanti e pericolosi che solo gli emigranti accettano di fare. Ora che cinquant'anni ci separano dalla nostra esperienza migratoria, vissuta dai predecessori per un buon secolo, la memorialistica si fa più abbondante. Esce dalla pudica oralità dei protagonisti, e grazie ai successori, più istruiti ed emancipati si offre alla storia comune attraverso le testimonianze raccolte in famiglia. Con la semplicità e l'emozione che rendono più immediata e commossa la conoscenza. (Estratto da comunicato stampa di Ulderico Bernardi)

La poetessa veneta Roberta Sorgato, insegnante, nata a Boussu, in Belgio, da genitori italiani, come autrice ha esordito nel 2002 con il romanzo per ragazzi "Una storia tutta... Pepe" seguito nel 2004 da "All'ombra del castello", entrambi editi da Tredieci (Oderzo - TV). Il suo ultimo lavoro, "La casa del padre" inizialmente pubblicato da Canova (Treviso) ed ora riproposto nella nuova edizione della ca-sa editrice Tracce (Pescara).

«L'Italia non brilla per memoria. Tante pagine amare della nostra storia sono cancellate o tenute nell'oblio. Roberta Sorgato ha avuto il merito di pescare, dal pozzo dei ricordi "dimenticati", le vicende dei nostri minatori in Belgio e di scrivere "Cuori nel pozzo" edizioni Marsilio, sottotitolo: "Belgio 1956. Uomini in cambio di carbone". Leggendo questo romanzo - verità, scritto in maniera incisiva e con grande e tragico realismo, si ha l'impressione di essere calati dentro i pozzi minerari, tanto da poter avere una vi-sione intima e "rovesciata" del titolo ("Pozzi nel cuore" potrebbe essere il titolo "ad honorem" per un lettore ideale, così tanto sensibile a questi temi).

Un lettore che ha quest'ardire intimista di seguire la scrittrice dentro queste storie commoventi, intense, drammatiche - e che non tengono conto dell'intrattenimento letterario come lo intendiamo comunemente - è un lettore che attinge dal proprio cuore ed è sospinto a rivelarsi più umano e vulnerabile di quanto avesse mai osato pensare. In questo libro vige lo spettacolo eterno dei sentimenti umani; e vige in rela-zione alla storia dell'epoca, integrandosi con essa e dandoci un ritratto di grande effetto. Qui troviamo l'Italia degli anni cinquanta che esce dalla guerra, semplice e disperata, umile e afflitta dai ricordi bellici. Troviamo storie di toccanti povertà; così, insieme a quell'altruismo che è proprio dell'indigenza, e al cameratismo che si fa forte e si forgia percorrendo le vie drammatiche della guerra, si giunge ai percorsi umani che strappavano tanti italiani in cerca di fortuna alle loro famiglie.

L'emigrazione verso i pozzi minerari belgi rappresentava quella speranza di "uscire dalla miseria". Pochi ce l'hanno fatta, molti hanno pagato con una morte atroce. Tutti hanno subito privazioni e vessazioni, oggi inimmaginabili. Leggere di Tano, Nannj, Caio, Tonio, Angelina e tanti altri, vuol dire anche erigere nella nostra memoria un piccolo trono per ciascuno di loro, formando una cornice regale per rivisitare quegli anni che, nella loro drammaticità, ci consentono di riflettere sull'"eroismo" di quelle vite tormentate, umili e dignitose.» (Estratto da articolo di Danilo Stefani, 4 gennaio 2011)

«"Uomini in cambio di carbone" deriva dal trattato economico italo-belga del giugno 1946: l'accordo prevedeva che per l'acquisto di carbone a un prezzo di favore l'Italia avrebbe mandato 50 mila uomini per il lavoro in miniera. Furono 140 mila gli italiani che arrivarono in Belgio tra il 1946 e il 1957. Fatti i conti, ogni uomo valeva 2-3 quintali di carbone al mese.» (In fondo al pozzo - di Danilo Stefani)

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La passione secondo Eva
di Abel Posse, ed. Vallecchi - collana Romanzo, pagg.316, 18,00 euro
www.vallecchi.it

Eva Duarte Perón (1919-1952), paladina dei diritti civili ed emblema della Sinistra peronista argentina, fu la moglie del presidente Juan Domingo Perón negli anni di maggior fermento politico della storia argentina; ottenne, dopo una lunga battaglia politica, il suffragio universale ed è considerata la fondatrice dell'Argentina moderna. Questo romanzo, costruito con abilità da Abel Posse attraverso testimonianze autentiche di ammiratori e detrattori di Evita, lascia il segno per la sua capacità di riportare a una dimensione reale il mito di colei che è non soltanto il simbolo dell'Argentina, ma uno dei personaggi più noti e amati della storia mondiale.

Abel Posse (Córdoba - Argentina, 1934), diplomatico di carriera, giornalista e scrittore di fama internazionale. Studioso di politica e storia fra i più rappresentativi del suo paese. Fra i suoi romanzi più famosi ricordiamo Los perros del paraíso (1983), che ha ottenuto il Premio Ròmulo Gallegos maggior riconoscimento letterario per l'America Latina. La traduttrice Ilaria Magnani è ricercatrice di Letteratura ispano-americana presso l'Università degli Studi di Cassino. Si occupa di letteratura argentina contemporanea, emigrazione e apporto della presenza italiana. Ha tradotto testi di narrativa e di saggistica dallo spagnolo, dal francese e dal catalano.

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Odissea Viola. Aspettando Ulisse lo Scudetto
di Rudy Caparrini, ed. NTE, collana "Violacea", 2010
www.rudycaparrini.it

Dopo Azzurri... no grazie!, Rudy Caparrini ci regala un nuovo libro dedicato alla Fiorentina. Come spiega l'autore, l'idea è nata leggendo il capitolo INTERpretazioni del Manuale del Perfetto Interista di Beppe Severgnini, nel quale il grande scrittore e giornalista abbina certe opere letterarie ad alcune squadre di Serie A. Accorgendosi che manca il riferimento alla Fiorentina, il tifoso e scrittore Caparrini colma la lacuna identificando ne L'Odissea l'opera idonea per descrivere la storia recente dei viola. Perché Odissea significa agonia, sofferenza, desiderio di tornare a casa, ma anche voglia di complicarsi la vita sempre e comunque. Ampliando il ragionamento, Caparrini sostiene che nell'Odissea la squadra viola può essere tre diversi personaggi: Penelope che aspetta il ritorno di Ulisse lo scudetto; Ulisse, sempre pronto a compiere un "folle volo" e a complicarsi la vita; infine riferendosi ai tifosi nati dopo il 1969, la Fiorentina può essere Telemaco, figlio del padre Ulisse (ancora nei panni dello scudetto) di cui ha solo sentito raccontare le gesta ma che mai ha conosciuto.

Caparrini sceglie una serie di episodi "omerici", associabili alla storia recente dei viola, da cui scaturiscono similitudini affascinanti: i Della Valle sono i Feaci (il popolo del Re Alcinoo e della figlia Nausicaa), poiché soccorrono la Fiorentina vittima di un naufragio; il fallimento di Cecchi Gori è il classico esempio di chi si fa attrarre dal Canto delle Sirene; Edmundo che fugge per andare al Carnevale di Rio è Paride, che per soddisfare il suo piacere mette in difficoltà l'intera squadra; Tendi che segna il gol alla Juve nel 1980 è un "Nessuno" che sconfigge Polifemo; Di Livio che resta coi viola in C2 è il fedele Eumeo, colui che nell'Odissea per primo riconosce Ulisse tornato ad Itaca e lo aiuta a riconquistare la reggia. Un'Odissea al momento incompiuta, poiché la Fiorentina ancora non ha vinto (ufficialmente) il terzo scudetto, che corrisponde all'atto di Ulisse di riprendersi la sovranità della sua reggia a Itaca. Ma anche in caso di arrivasse lo scudetto, conclude Caparrini, la Fiorentina riuscirebbe a complicarsi la vita anche quando tutto potrebbe andare bene. Come Ulisse sarebbe pronta sempre a "riprendere il mare" in cerca di nuove avventure. Il libro è stato presentato il 22 dicembre 2010 a Firenze, nella Sala Incontri di Palazzo Vecchio.

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Leni Riefenstahl. Un mito del XX secolo
di Michele Sakkara, ed. Edizioni Solfanelli, pagg.112, €8,00
www.edizionisolfanelli.it

«Il Cinema mondiale in occasione della scomparsa di Leni Riefenstahl, si inchina riverente davanti alla Salma di colei che deve doverosamente essere ricordata per i suoi geniali film, divenuti fondamentali nella storia del cinema.» Questo l'epitaffio per colei che con immagini di soggiogante bellezza ha raggiunto magistralmente effetti spettacolari. Per esempio in: Der Sieg des Glaubens (Vittoria della fede, 1933), e nei famosissimi e insuperati Fest der Völker (Olympia, 1938) e Fest der Schönheit (Apoteosi di Olympia, 1938).

Michele Sakkara, nato a Ferrara da padre russo e madre veneziana, ha dedicato tutta la sua esistenza allo studio, alla ricerca, alla regia, alla stesura e alla realizzazione di soggetti, sceneggiature, libri (e perfino un'enciclopedia), ed è stato anche attore. Assistente e aiuto regista di Blasetti, Germi, De Sica, Franciolini; sceneggiatore e produttore (Spagna, Ecumenismo, La storia del fumetto, Martin Lutero), autore di una quarantina di documentari per la Rai.

Fra le sue opere letterarie spicca l'Enciclopedia storica del cinema italiano. 1930-1945 (3 voll., Giardini, Pisa 1984), un'opera che ha richiesto anni di ricerche storiche; straordinari consensi ebbe in Germania per Die Grosse Zeit Des Deutschen Films 1933-1945 (Druffel Verlag, Leoni am Starnberg See 1980, 5 edizioni); mentre la sua ultima opera Il cinema al servizio della politica, della propaganda e della guerra (F.lli Spada, Ciampino 2005) ha avuto una versione in tedesco, Das Kino in den Dienst der Politik, Propaganda und Krieg (DSZ-Verlag, München 2008) ed è stato ora tradotta in inglese.

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1915 - Cronaca di un genocidio
La tragedia del popolo Armeno raccontata dai giornali italiani dell'epoca
di Emanuele Aliprandi, ed. MyBook, 2009
www.comunitaarmena.it

Libro unico del suo genere, pubblicato alla soglia del 95esimo anniversario del genocidio armeno e all'indomani della firma dei protocolli sullo stabilimento delle relazioni diplomatiche tra Armenia e Turchia. Emanuele Aliprandi è membro del Consiglio e responsabile del periodico Akhtamar On-Line. La prefazione è firmata da Marco Tosatti, giornalista e vaticanista de "La Stampa".

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L'Immacolata nei rapporti tra l'Italia e la Spagna
a cura di Alessandra Anselmi

Il volume ripercorre la storia dell'iconografia immacolistica a partire dalla seconda metà del Quattrocento quando, a seguito dell'impulso impresso al culto della Vergine con il pontificato di Sisto IV (1471-1484), i sovrani spagnoli si impegnano in un'intensa campagna volta alla promulgazione del dogma. Di grande rilevanza le ripercussioni nelle arti visive: soprattutto in Spagna, ma anche nei territori italiani più sensibili, per vari motivi, all'influenza politica, culturale e devozionale spagnola. Il percorso iconografico è lungo e complesso, con notevoli varianti sia stilistiche che di significato teologico: il punto d'arrivo è esemplato sulla Donna dell'Apocalisse, i cui caratteri essenziali sono tratti da un versetto del testo giovanneo.

Il libro esplora ambiti culturali e geografici finora ignorati o comunque non sistemati: la Calabria, Napoli, Roma, la Repubblica di Genova, lo Stato di Milano e il Principato Vescovile di Trento in un arco cronologico compreso tra la seconda metà del Quattrocento e il Settecento e, limitatamente a Roma e alla Calabria, sino all'Ottocento, recuperando all'attenzione degli studi una produzione artistica di grande pregio, una sorta di 'quadreria "ariana" ricca di capolavori già noti, ma incrementata dall'acquisizione di testimonianze figurative in massima parte ancora inedite.

Accanto allo studio più prettamente iconografico - che si pregia di interessanti novità, quali l'analisi della Vergine di Guadalupe, in veste di Immacolata India - il volume è sul tema dell'Immacolata secondo un'ottica che può definirsi plurale affrontando i molteplici contesti - devozionali, cultuali, antropologici, politici, economici, sociali - che interagiscono in un affascinante gioco di intrecci. (Estratto da comunicato stampa Ufficio stampa Soprintendenza per i Beni Storici, Artistici ed Etnoantropologici della Calabria)

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Mario Del Monaco: Dietro le quinte - Le luci e le ombre di Otello
(Behind the scenes - Othello in and out of the spotlight)
di Paola Caterina Del Monaco, prefazione di Enrico Stinchelli, Aerial Editrice, 2007
Presentazione

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Le stelle danzanti. Il romanzo dell'impresa fiumana
di Gabriele Marconi, ed. Vallecchi, pagg.324, Euro 15,00
www.vallecchi.it

L'Impresa fiumana fu un sogno condiviso e realizzato. Uno slancio d'amore che non ha eguali nella storia. D'Annunzio, fu l'interprete ispiratore di quello slancio, il Comandante, il Vate che guidò quella straordinaria avventura, ma protagonisti assoluti furono i tantissimi giovani che si riversarono nella città irredenta e là rimasero per oltre un anno. L'età media dei soldati che, da soli o a battaglioni interi, parteciparono all'impresa era di ventitré anni. Il simbolo di quell'esperienza straordinaria furono le stelle dell'Orsa Maggiore, che nel nostro cielo indicano la Stella Polare. Il romanzo narra le vicende di Giulio Jentile e Marco Paganoni, due giovani arditi che hanno stretto una salda amicizia al fronte. Dopo la vittoria, nel novembre del 1918 si recano a Trieste per far visita a Daria, crocerossina ferita in battaglia di cui sono ambedue innamorati.

Dopo alcuni giorni i due amici faranno ritorno alle rispettive famiglie ma l'inquietudine dei reduci impedisce un ritorno alla normalità. Nel febbraio del 1920 li ritroviamo a Fiume, ricongiungersi con Daria, uniti da un unico desiderio. Fiume è un calderone in ebollizione: patrioti, artisti, rivoluzionari e avventurieri di ogni parte d'Europa affollano la città in un clima rivoluzionario-libertino. Marco è tra coloro che sono a stretto contatto con il Comandante mentre Giulio preferisce allontanarsi dalla città e si unisce agli uscocchi, i legionari che avevano il compito di approvvigionare con i beni di prima necessità anche con azioni di pirateria. (...) Gabriele Marconi (1961) è direttore responsabile del mensile "Area", è tra i fondatori della Società Tolkieniana Italiana e il suo esordio narrativo è con un racconto del 1988 finalista al Premio Tolkien.

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